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DeWolff veröffentlichen mit "Night Train" einen weiteren Track vom neuen Album "Love, Death & In Between"/ VÖ 03. Februar 2023
Musik

DeWolff “Night Train”

DeWolff veröffentlichen mit “Night Train” einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023

Die niederländische Rockband DeWolff hat die nächste Single und den Eröffnungstrack ihres neuen Albums „Love, Death & In Between“ veröffentlicht, das am 3. Februar über Mascot Records / Mascot Label Group erscheint.

“Night Train“ erinnert an klassische Hits wie „Love Train“ von The O’Jays und ist ein fröhlicher Kracher, der geschickt psychedelischen Southern Rock mit klassischem Soul und R&B mischt.

Offizielle Musikvideo zu „Night Train“:

„Night Train“ ist hier erhältlich: https://lnk.to/DeWolff
„Night Train“ folgt auf die vorherigen Singles “Counterfeit Love“, das die Band als das Zeppelin-eskeste Ding, das wir je aufgenommen haben“ bezeichnete, und “Heart Stopping Kinda Show“, das veröffentlicht wurde, kurz nachdem die Band eine 13-tägige Tour mit The Black Crowes auf dem europäischen Festland beendet hatte.

Die Band wird ab 2023 mit Shows in den Niederlanden, Deutschland, Spanien, Frankreich und Großbritannien starten.

DeWolff sind keine Band, die stillsitzt. Sie gedeihen durch ständige Bewegung. Von psychedelischen Southern-Rock-Kriegern zu Abgesandten des Soul. In den letzten vier Jahren haben sie fünf Alben veröffentlicht, wobei 2021s Wolffpack ihr bestes Album wurde, das in ihrer Heimat auf Platz 2 der Charts landete und nur durch die Foo Fighters wurde ihnen der Spitzenplatz streitig gemacht.

‚Love, Death & In Between‘ ist eine Reaktion auf ihre beiden vorherigen Studioalben. ‚Tascam Tapes‘ wurde unterwegs mit einem Vierspur-Kassettenrekorder aus den 1980er Jahren aufgenommen. ‚Wolffpack‘ wurde im Pandemie Jahr mit Social Distance in ihrem Utrechter Electrosaurus Southern Sound Studio aufgenommen.

DeWolff veröffentlichen mit "Night Train" einen weiteren Track vom neuen Album "Love, Death & In Between"/ VÖ 03. Februar 2023
DeWolff veröffentlichen mit „Night Train“ einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023

„Ich liebe die kontrollierte Umgebung des Studios“, sagt Pablo. „Aber normalerweise verbringen wir einen Monat oder ein paar Wochen im Studio, dann gehen wir auf Tour, und dann herrscht Chaos. Das sind verrückte Sachen, Improvisation, Leute, die auf deine Musik reagieren, und du reagierst auf sie. Das ist es, was wir vermisst haben. Wir haben uns am Ende der Corona-Zeit so sehr danach gesehnt. So entstand die Idee zu dieser neuen Platte. Wir wollten etwas mit Menschen machen, mit so vielen Menschen wie möglich.“

Bei einem Besuch in Memphis wurde Pablo buchstäblich vom Blitz getroffen. „2019 besuchte ich eine Predigt von Al Green in seiner eigenen Kirche, und das war eine lebensverändernde Erfahrung, musikalisch gesehen“, erinnert sich Pablo.

„Ich war buchstäblich eine Minute da drin und habe geweint. Ich habe die ganze Predigt über geweint, weil sie so schön war. Er sprach über jemanden, der seine Rechnungen nicht bezahlen kann, und er sagte: ‚Ich rufe den allmächtigen Retter an, um ihr zu helfen, und das wurde mit einer Runde von ‚Yeaaah! Yeaaah’s!‘ und die Band spielte nur zwei Akkorde, und es war so schön. Das hat mich zutiefst berührt. Es hat einen tiefen Eindruck bei mir hinterlassen. Ich wollte so etwas unbedingt bei einer Live-Show machen, aber wir hatten keine Songs, in die es gepasst hätte. Als wir dann anfingen, neue Songs zu schreiben, dachte ich mir: Ja, lass uns so etwas machen. Eine sehr einfache Akkordfolge, aber mit dieser fast religiösen Erfahrung. Denn schließlich ist Musik für uns wie eine Religion. Sie ist etwas, das wir ständig im Kopf haben. Es ist etwas, dem wir unser ganzes Leben widmen.“

Im Mai 2022 fuhren sie nach Loguivy-Plougras in der Bretagne, welches das analoge Studio Kerwax (https://www.kerwax.com/museum/) beheimatet. „Wir dachten, wir sollten uns auf ein Abenteuer einlassen“, sagt er. Im Nordwesten Frankreichs gelegen und von Wäldern umgeben, zogen sie sich in das atemberaubende Wohnstudio zurück, das von Vintage-Aufnahmegeräten aus den 1940er bis 1970er Jahren umgeben ist.

Die Brüder Pablo (Gitarre/Gesang) und Luka van de Poel (Schlagzeug/Gesang) sowie Robin Piso  (Hammond/Wurlitzer) nahmen die Aufnahmen live und ohne Overdubs auf und wurden dabei von zahlreichen Freunden unterstützt. „Wir haben zusätzliche Leute mit nach Frankreich gebracht. Mit zehn Leuten in einem Raum zu spielen ist chaotisch. Bei jedem Take, den man macht, ist jemand nicht damit zufrieden, wie er spielt. Aber man erkennt, worauf es bei einem Take ankommt“.

Alles wurde komplett analog und direkt auf Band aufgenommen, bei der Herstellung des Albums wurden keine Computer verwendet. Die Bänder wurden dann zu einem Mastering-Ingenieur geschickt, der den Lackschnitt für die Vinylpressung herstellte – auch dieses Mastering und der Schnitt erfolgten vollständig analog (https://www.vinylherstellung.de/vinyl-pressung/).

Die Themen wurden teilweise von Romanen amerikanischer Autoren des 20. Jahrhunderts inspiriert, die Pablo während der Pandemie gelesen hatte. Besonders John Steinbecks ‚Tortilla Flat‘, ein Schelmenroman von 1935. „Es gibt ein Zitat von ihm: ‚Die gute Geschichte liegt in halb erzählten Dingen, die aus der eigenen Erfahrung des Hörers ausgefüllt werden müssen‘, und das war etwas, was ich mit den Texten auf dieser Platte wirklich tun wollte.“

Zur gleichen Zeit tauchte die Band tief in alte Soul- und R&B-Platten ein – Sam Cooke, The Impressions, The Coasters, The Clovers, Ray Charles und Little Richard – sowie in eine kräftige Dosis Gospel – The Soul Stirrers, Al Green und frühe Platten von The Staple Singers.

Einige Songs auf dem Album tragen ihr Herz auf der Zunge, wie z.B. „Counterfeit Love“, während das 16-minütige Epos „Rosita“ ihre Entwicklung zeigt. „Wie ich jetzt schreiben möchte, spiegelt sich in Songs wie diesem wider“, sagt er. „Ich wollte, dass sich diese Texte wie eine Geschichte anfühlen, aber auch wie eine Reise in sich selbst“, erklärt er. Was als kleine Geschichte über eine Highschool-Liebe beginnt, explodiert zu einer Geschichte über die Göttin der Liebe und des Todes, die in „The Queen of Space and Time“ mündet. „Es ist dieselbe Person. Es geht um diese gottähnliche weibliche Figur, die alle Arten von verrückten, dunklen Dingen kontrolliert. Bei Rosita kann man nur mit ihr zusammen sein, wenn man schläft oder tot ist, es ist also eine Kombination aus Liebe und Tod. Daher kommt auch der Name des Albums.“

‚Heart Stopping Kinda Show‘ ist ein weiterer vielseitig interpretierbarer Song: „Es geht darum, wie ich das Leben sehe“, sagt er. „Das Leben ist eine herzzerreißende Art von Show. Ich habe mit ‚Tortilla Flat‘ (John Steinbeck Roman von 1935) im Hinterkopf geschrieben. Diese Charaktere denken nicht ständig über alles nach; sie leben, trinken Wein und haben diese schönen Momente. Sie führen das ultimative Leben. In dem Song wollte ich die Dinge im Leben beschreiben, die schön sind.“

‚Will o‘ the Wisp‘ hat eine verführerische Düsternis, während Songs wie ‚Night Train‘, ‚Message for my Baby‘ und ‚Wontcha Wontcha‘ fröhliche Gassenhauer sind.

DeWolff verließ die ländliche Umgebung der Bretagne mit zwölf Songs, die auf vier Bändern aufgenommen wurden, mit Freunden, die Spaß hatten und sich an das erinnerten, was ihnen am wichtigsten ist. Mit einer Mischung aus Al Green, Sam Cooke und John Steinbeck haben sie einige ihrer gefühlvollsten und mitreißendsten Songs geschaffen. Wenn sie singen: „Hey there baby won’t you come on in, I got plenty old records that we can play, some rhythm & blues some old rock ’n roll, yes the type of stuff that can save a soul“, sollte man sich fallen lassen und sich von DeWolff zurück in die Zeit versetzen lassen.

Weiter aktuell…

Video zu „Heart Stopping Kinda Show“:

Track Pre-Listening “Counterfeit Love”:



Tour Dates 2023:
03 Feb – Effenaar Eindhoven, NETHERLANDS
04 Feb – Muziekgieterij, Maastricht, NETHERLANDS
09 Feb – Annabel, Rotterdam, NETHERLANDS
11 Feb – Tivoli Vredenburg, Utrecht, NETHERLANDS
13 Feb – Fraanz Club, Berlin, GERMANY
14 Feb – Bahnhof Pauli, Hamburg, GERMANY
16 Feb – De Oosterpoort, Groningen, NETHERLANDS
17 Feb – Doornroosje, Nijmegen, NETHERLANDS
22 Feb – Factoria Cultural, Avilés, SPAIN
23 Feb – Sala Mon, Madrid, SPAIN
24 Feb – Rock & Blues Café, Zaragoza, SPAIN
25 Feb – Upload, Barcelona, SPAIN
26 Feb – Kafe Antzokia, Bilbao, SPAIN
28 Feb – La Maroquinerie, Paris, FRANCE
02 Mar – 100 Club, London, UK

Mehr Infos:
www.dewolff.nu
www.facebook.com/dewolfficial
https://twitter.com/dewolffmusic
www.instagram.com/dewolfficial/

Musik

MOTÖRHEAD “BAD MAGIC: SERIOUSLY BAD MAGIC”

Motörhead, die Ikonen, die “Godfathers of Heavy Metal“, veröffentlichen ihr 23. (und allerletztes Studioalbum) Bad Magic von 2015 noch einmal.

“Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC“ beinhaltet frisches Bonusmaterial und zwei bisher unveröffentlichte Tracks: “Bullet in Your Brain” und “Greedy Bastards”, sowie eine glanzvolle Live Performance von der Bad Magic Tour beim gigantischen Mt Fuji Festival in Japan 2015.

Album Pre-Order AT THIS LOCATION

Dazu bekommen die Fans ein Audio Interview “War, Love, Death and Injustice” natürlich mit Lemmy, geführt vom Motörhead -Experten, Robert Kiewik, auf der Tour 2015 und wer vielleicht mit Lemmy in Verbindung treten will, kann dies mit dem MURDER ONE Ouija Board, komplettiert mit einer  Ace of Spades Planchette um die Richtung der ‚Konversation‘ anzuzeigen. Dies wird in einem exklusiven Boxset angeboten.

Ein neues  Video für “Bullet In Your Brain” und unveröffentlichtes Footage aus dem Studio während der Bad Magic Aufnahmen. Eine Offenbarung für alle Fans, die sich nach neuen Motörhead Material gesehnt haben.

Watch/Listen to “Bullet In Your Brain”:

Als Bad Magic 2015 veröffentlicht wurde, tat es einen gewaltigen Schlag und alle, die meinten Motörhead wären zahmer geworden, wurden eines Besseren belehrt. Das Album erreichte in Deutschland auf Anhieb die Top 1 Chart Position mit Songs, wie dem Brechkegel “Thunder & Lightning” oder “Teach Them How To Bleed”. Das Album war tough, clean, mean und eines der kompromisslosesten Werke von Motörhead ever! Cameron Webb hatte seinen Anteil daran; er überzeugte die Band, das Album in den NRG North Hollywood, Maple Studios und Grandmaster in Kalifornien live aufzunehmen– zum allerersten Mal in der Ära Kilmister/Campbell/Dee. Von der gewaltigen Punk Energie bei  “Electricity” bis hin zu Queens Brian May, der einen sprühenden Gastauftritt bei “The Devil” hat, dazu gewaltige Aggression, Attitüde und exzellentes Songwriting.

Phil Campbell hat nicht nur seine besten Gitarrenstücke aufgenommen, er hat die besten Solos in einer Dekade abgeliefert und Mikkey Dees Schlagzeugspiel gab dem Motörhead Sound eine neue Resonanz. Dazu Lemmys raue lyrische Lebensreflektion wie bei “Till The End” und natürlich das unglaubliche Rolling Stones Cover  “Sympathy For The Devil”. Eine der versteckten Juwelen des Albums auf „Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC“, ist Motörheads berühmteste, international gefeierte Version des David Bowies Klassiker, “Heroes”. Ursprünglich sollte der Song auf Bad Magic (2015) erscheinen, wurde jedoch in der letzten Minute wieder heruntergenommen. Jetzt aber fand „Heroes“ seinen Platz auf “ SERIOUSLY BAD MAGIC“.

„Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC“ wird in den folgenden Formaten veröffentlicht : 2-fach 12” Vinyl, CD Digipak mit  Bonus Disc, Limited Edition Boxset, Digital Download und Streaming. Das  Limited Edition Boxset enthält das CD Digipak mit Bonus Disc, Doppel- 12” Vinyl, das exklusive Lemmy War, Love, Death and Injustice Audio Interview auf 12” Vinyl und die Edition Motörhead – MURDER ONE Ouija Board mit Planchette.

Pre-order aller Formate at this location

Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC Tracklist:

  1. Victory Or Die
  2. Thunder & Lightning
  3. Fire Storm Hotel
  4. Shoot Out All of Your Lights
  5. The Devil
  6. Electricity
  7. Evil Eye
  8. Teach Them How To Bleed
  9. Till The End
  10. Tell Me Who To Kill
  11. Choking On Your Screams
  12. When The Sky Comes Looking For You
  13. Sympathy For The Devil
  14. Heroes
  15. Bullet In Your Brain
  16. Greedy Bastards


Live at Mt Fuji Rock Festival 2015 – Sayonara Folks!

Tracklist:

  1. We Are Motörhead
  2. Damage Case
  3. Stay Clean
  4. Metropolis
  5. Over the Top
  6. String Theory
  7. The Chase is Better Than the Catch
  8. Rock It
  9. Lost Woman Blues
  10. Doctor Rock
  11. Just ‘Cos You Got the Power
  12. Going to Brazil
  13. Ace of Spades
  14. Overkill

Motörhead:
Lemmy Kilmister – Vocals/Bass
Phil Campbell – Guitars
Mikkey Dee – Drums

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Official Motörhead

LAIBACH - LOVE IS STILL ALIVE-EP VÖ: 20.01.2023 VIA MUTE/[PIAS]
Musik

LAIBACH – LOVE IS STILL ALIVE-EP

LAIBACH haben mit „Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)“ das erste Stück einer 8-Track-EP veröffentlicht, die am 20. Januar 2023 auf CD und digital erscheint (die Vinylversion folgt im März). Ab Ende Oktober ist das slowenische Kunst-Kollektiv bereits auf „The Coming Race-Tour“, darunter auch auf vielen Stationen in Deutschland. Details weiter unten.

„Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)“ auf YouTube:

„Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)“

Der Plot: Nahe Zukunft zu Beginn des dritten Jahrtausends. Der Planet Erde, den wir einst als unsere Heimat kannten, ist nur noch ein toter Felsen, der im All treibt, zerstört durch Kriege, Pandemien und all das Böse, das Menschen tun. Das Gleiche gilt für den Mond, der einst als Sprungbrett in die Weiten des Universums diente, später aber zu einem Zufluchtsort für die letzten Menschen wurde. Jetzt rasen die Überreste der Menschheit in einem einzigen Raumschiff durch das Universum, an Bord die wenigen Glücklichen, die vor der Vernichtung gerettet wurden. Sie sind auf dem Weg zum Mars, wo einst alles Leben seinen Ursprung hatte. Sie mögen ihre Geschichte und ihren Planeten verloren haben, aber solange sie einen Hoffnungsschimmer und ein rotes Licht haben, das in der Dunkelheit leuchtet, werden sie mutig dorthin gehen, wo noch nie jemand zuvor gewesen ist – solange die Liebe noch am Leben ist.

LAIBACH - LOVE IS STILL ALIVE-EP VÖ: 20.01.2023 VIA MUTE/[PIAS]
LAIBACH – LOVE IS STILL ALIVE-EP
VÖ: 20.01.2023 VIA MUTE/[PIAS]
Die „Love Is Still Alive“-EP verfolgt die Reise der Überlebenden durch unser Sonnensystem, und ist zugleich eine Reise durch einige der „Space“-Musikgenres der letzten Jahrzehnte. Die EP ist eine Fortführung jener Musik, die für den Film „Iron Sky – The Coming Race“ (Regie: Timo Vuorensola, 2019) entstanden ist, ein heimliches musikalisches Sequel sozusagen.
(Die Musik die Laibach für „Iron Sky – The Coming Race“ selbst eingespielt haben, soll 2023 zusammen mit einem eigens entwickelten Videospiel veröffentlicht werden. Schön, dass Sie fragen.)

Laibach wurden in der damaligen jugoslawischen Industriestadt Trbovlje gegründet. Gegründet in dem Jahr, in dem der Gründervater des Landes, Tito, starb, stieg die Band zu einer der international bekanntesten Bands auf, die aus den ehemaligen kommunistischen Ländern Ost- und Mitteleuropas hervorgingen, und wurde kürzlich zu einer der ersten Bands, die in Nordkorea auftraten. 2019 veröffentlichten sie eine laibach‘sche Interpretation von „The Sound of Music“, die während ihrer Reise nach Nordkorea entstand, 2020 feierten sie vier Jahrzehnte mit „Laibach Revisited“.
Ein Album mit Musik aus der gefeierten Theaterproduktion „Wir sind das Volk (ein Musical aus Deutschland)“, die auf den Schriften von Heiner Müller (1929-1995) basiert, folgte 2022. Kürzlich erst kündigten Laibach an, dass diplomatische Verhandlungen für eine Aufführung von „Alamut,“ einem symphonischen Originalwerk, das in Zusammenarbeit mit iranischen Komponisten und Interpreten komponiert wurde, in Teheran im Gange sind.

LAIBACH – THE COMING RACE TOUR – 2022 / 2023
26.10. Ludwigshafen, Pfalzbau
27.10. Schorndorf, Club Manufaktur
28.10. CZ-Prag, Palac Akropolis
29.10. Bochum, Christuskirche
30.10. NL-Arnhem, Luxor Live
02.11. PL-Danzig, B90
03.11. PL-Krakau, 3 Klub Kwadrat
04.11. Dresden, Kulturzentrum Strasse E
05.11. HU-Budapest, A 38
23.01. CH-Lausanne, Les Docks
24.01. Rostock, Nikolaikirche
25 01. DK-Kopenhagen, Bremen Teater
26.01. SE_Göteborg, Pustervik
28.01. FI-Helsinki, Savoy Theatre
29.01. EE-Tallinn, Vaba Lava
31.01. SE-Stockholm, Lilla Cirkus
01.02. NO-Oslo, Marmorsalen
02.02. DK-Aarhus, VoxHall
03.02. Berlin, Astra
04.02. Leipzig, Schauspiel
06.02. München, Muffathalle

Tickets unter:
https://www.laibach.org/future-events/

Tracklisting:
01 – Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)
02 – Love Is Still Alive II (Venus, Libidine)
03 – Love Is Still Alive III (Mercury, Dopamine)
04 – Love Is Still Alive IV (Neptune, Oxytocin)
05 – Love Is Still Alive V (Uranus, Prolactin)
06 – Love Is Still Alive VI (Saturn, Insomnia)
07 – Love Is Still Alive VII (Jupiter, Tristitia)
08 – Love Is Still Alive VIII (Mars, Dysphoria)

Vorbestellungen:
https://mute.ffm.to/lb-lisa

»Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)« auf YouTube:

Recent Praise:
“A version of The Sound of Music that you can march to” – New Internationalist (The Sound of Music)

„… stirring, funny and thought provoking“ – The Guardian (The Sound of Music)

„Playful, poignant, sublime and ridiculous… Laibach continue to hold up a mirror to a divided world.“ – The Quietus (The Sound of Music)

… a perfect vehicle for the themes which possess the group” – MOJO (Wir sind das Volk)

“Stirring sturm und drang” – Uncut (Wir sind das Volk)

“… blending spoken and sung texts with reverb-drenched piano, strings, and electronics” – The Wire (Wir sind das Volk)

“This is not easy listening but it is arguably Laibach’s most sonically rich, least ironic, most mature work to date” – Classic Rock (Wir sind das Volk)

Web:
www.laibach.org
www.mute.com

Musik

BLACK SABBATH veröffentlichen HEAVEN AND HELL und MOB RULES DELUXE EDITIONS

Ronnie James Dio wurde 1979 Mitglied von Black Sabbath und mit dem neuen Sänger entstanden die beiden unglaublichen Alben Heaven And Hell und Mob Rules. Auf beiden Klassikern sticht der formidable Gesang – Ronnies Tenor – und auch das Gothic-angehauchte Songwriting hervor – das Ganze gemischt mit messerscharfen Riffs und intensiven Grooves.

BMG ehrt dieses leider sehr kurzlebige Quartett mit Ronnie James Dio mit zwei neu-gemasterten Versionen beider Alben. HEAVEN AND HELL: DELUXE EDITION und MOB RULES: DELUXE EDITION werden separat am 4. und 18. November 2022 veröffentlicht. Beide Alben gibt es als 2-fach CD oder 2-fach Vinyl. Beide Vinyl Ausgaben beinhalten eine Auswahl von Bonus Material. Und natürlich sind beide Alben digital und via Streaming erhältlich.

PRE-ORDER HERE: https://blacksabbathband.lnk.to/HHMRPR

Als Dio 1979 ein Teil von Black Sabbath wurde, fand er in Tony Iommi (Gitarre), Geezer Butler (Bassist) und Drummer Bill Ward Gleichgesinnte.  Als Heaven And Hell im April 1980 auf den Markt kam, wurde es mit überschwänglichen Kritiken überschüttet. Das Album erreichte Platin in den USA.

Die HEAVEN AND HELL: DELUXE EDITION kommt mit verschiedenen Bonus Tracks, wie zum Beispiel “Children Of The Sea” und “Die Young”-  live aufgenommen 1980 in Hartford, CT. Das Set endet mit live Raritäten wie “E5150” und “Neon Knights”.

1981 marschierte die Band wieder ins Studio und begann mit den Aufnahmen zu Mob Rules, diesmal mit Vinny Appice am Schlagzeug. Veröffentlicht wurde das Album im Oktober 1981 und bekam nicht nur umgehend eine Goldene Schallplatte sondern entwickelte sich auch zu einem unvergesslichen Black Sabbath Klassiker mit Songs wie: “The Sign Of The Southern Cross”, “Turn Up The Night” und dem Titel Track Heaven and Hell.

MOB RULES: DELUXE EDITION kommt mit einer ausgedehnten Sammlung rarer und unveröffentlichter Aufnahmen. Mit zusätzlichen Tracks von der Veröffentlichung Live At Hammersmith Odeon beinhaltet die Kollektion eine neue Mixversion von “The Mob Rules.” Und das Sahnehäubchen ist die Aufnahme eines kompletten Konzertes von 1982 in Portland, OR. Die Highlights sind u.a. “Neon Knights”, “Heaven And Hell” und “Voodoo.”

BLACK SABBATH veröffentlichen HEAVEN AND HELL und MOB RULES DELUXE EDITIONS: 2-CD und 2-LP Versionen der Black Sabbath Alben mit Ronnie James Dio Remastered mit unveröffentlichten Songs

HEAVEN AND HELL: DELUXE EDITION

2-CD Track Listing

Disc One: Original Album (2021 Remaster)

  1. “Neon Knights”
  2. “Children Of The Sea”
  3. “Lady Evil”
  4. “Heaven And Hell”
  5. “Wishing Well”
  6. “Die Young”
  7. “Walk Away”
  8. “Lonely Is The Word”

Disc Two: Bonus Tracks

  1. “Children Of The Sea” – Live B-Side Of “Neon Knights”
  2. “Heaven And Hell” – Live B-Side Of “Die Young”
  3. “Lady Evil” – 7” Mono Edit (unreleased on CD)

Hartford Civic Center, Hartford, CT (August 10, 1980)

  1. “Neon Knights”
  2. “Children Of The Sea”
  3. “Heaven And Hell”
  4. “Die Young”

Hammersmith Odeon, London (Dec 31, 1981- Jan 2, 1982)

  1. “E5150”
  2. “Neon Knights”
  3. “Children Of The Sea”
  4. “Heaven And Hell”

2-LP Track Listing

Side One

  1. “Neon Knights”
  2. “Children Of The Sea”
  3. “Lady Evil”
  4. “Heaven And Hell”

Side Two

  1. “Wishing Well”
  2. “Die Young”
  3. “Walk Away”
  4. “Lonely Is The Word”

Side Three

  1. “Children Of The Sea” – Live B-Side Of “Neon Knights”
  2. “Heaven And Hell” – Live B-Side Of “Die Young”
  3. “Lady Evil” – 7” Mono Edit (unreleased on CD)
  4. “Neon Knights” – Live 1980

Side Four

  1. “Children Of The Sea” – Live 1980
  2. “Heaven And Hell” – Live 1980
  3. “Die Young” – Live 1980

MOB RULES: DELUXE EDITION

2-CD Track Listing

Disc One: Original Album (2021 Remaster)

  1. “Turn Up The Night”
  2. “Voodoo”
  3. “The Sign Of The Southern Cross”
  4. “E5150”
  5. “The Mob Rules”
  6. “Country Girl”
  7. “Slipping Away”
  8. “Falling Off The Edge Of The World”
  9. “Over And Over”

Bonus Tracks

  1. “The Mob Rules” – Heavy Metal Soundtrack Version
  2. “Die Young” – Live B-Side Of “Mob Rules” 7”
  3. “The Mob Rules” – New 2021 Mix *

Live At The Hammersmith Odeon London (31/12/81 – 2/1/82)

  1. “Country Girl”
  2. “Slipping Away”
  3. “The Mob Rules”
  4. “Voodoo”

Live At Portland Memorial Coliseum, Portland, OR, April 22, 1982

  1. Intro *
  2. “Neon Knights” *

Disc Two: Bonus Tracks

Live At Portland Memorial Coliseum, Portland, OR, April 22, 1982

  1. “N.I.B.” *
  2. “Children Of The Sea” *
  3. “Voodoo” *
  4. “Black Sabbath” *
  5. “War Pigs” *
  6. Drum Solo *
  7. “Iron Man” *
  8. “The Mob Rules” *
  9. “Heaven And Hell” *
  10. Guitar Solo *
  11. “Sign Of The Southern Cross/Heaven And Hell” – Reprise *
  12. “Paranoid” *
  13. “Children Of The Grave” *

2-LP Track Listing

Side One

  1. “Turn Up The Night”
  2. “Voodoo”
  3. “The Sign Of The Southern Cross”
  4. “E5150”
  5. “The Mob Rules”

Side Two

  1. “Country Girl”
  2. “Slipping Away”
  3. “Falling Off The Edge Of The World”
  4. “Over And Over”

Side Three

  1. “The Mob Rules” – Heavy Metal Soundtrack Version
  2. “Die Young” – Live B-Side Of “Mob Rules” 7”
  3. “The Mob Rules” – New 2021 Mix *
  4. “Sign Of The Southern Cross/Heaven And Hell” – Reprise *

Side Four

Live At The Hammersmith Odeon London (31/12/81 – 2/1/82)

  1. “Country Girl”
  2. “Slipping Away”
  3. “The Mob Rules”
  4. “Voodoo”

* previously unreleased

VÖ: HEAVEN AND HELL am 04. November 2022 /BMG – VÖ: MOB RULES am 18. November 2022/BMG

Musik

DeWolff veröffentlichen neues Album „Love, Death & In Between“

DeWolff werden ihr brandneues Album ‚Love, Death & In Between‘ am 3. Februar über Mascot Records / Mascot Label Group veröffentlichen. Außerdem veröffentlichten sie das Video zum neuen Song „Heart Stopping Kinda Show“.

Die Band startet außerdem eine 13-tägige Europatournee als Support von The Black Crowes.

Video Premiere „Heart Stopping Kinda Show“:

DeWolff sind keine Band, die stillsitzt. Sie gedeihen durch ständige Bewegung. Von psychedelischen Southern-Rock-Kriegern zu Abgesandten des Soul. In den letzten vier Jahren haben sie fünf Alben veröffentlicht, wobei 2021s Wolffpack ihr bestes Album wurde, das in ihrer Heimat auf Platz 2 der Charts landete und nur durch die Foo Fighters wurde ihnen der Spitzenplatz streitig gemacht.

‚Love, Death & In Between‘ ist eine Reaktion auf ihre beiden vorherigen Studioalben. ‚Tascam Tapes‘ wurde unterwegs mit einem Vierspur-Kassettenrekorder aus den 1980er Jahren aufgenommen. ‚Wolffpack‘ wurde im Pandemie Jahr mit Social Distance in ihrem Utrechter Electrosaurus Southern Sound Studio aufgenommen.

„Ich liebe die kontrollierte Umgebung des Studios“, sagt Pablo. „Aber normalerweise verbringen wir einen Monat oder ein paar Wochen im Studio, dann gehen wir auf Tour, und dann herrscht Chaos. Das sind verrückte Sachen, Improvisation, Leute, die auf deine Musik reagieren, und du reagierst auf sie. Das ist es, was wir vermisst haben. Wir haben uns am Ende der Corona-Zeit so sehr danach gesehnt. So entstand die Idee zu dieser neuen Platte. Wir wollten etwas mit Menschen machen, mit so vielen Menschen wie möglich.“

Bei einem Besuch in Memphis wurde Pablo buchstäblich vom Blitz getroffen. „2019 besuchte ich eine Predigt von Al Green in seiner eigenen Kirche, und das war eine lebensverändernde Erfahrung, musikalisch gesehen“, erinnert sich Pablo.

„Ich war buchstäblich eine Minute da drin und habe geweint. Ich habe die ganze Predigt über geweint, weil sie so schön war. Er sprach über jemanden, der seine Rechnungen nicht bezahlen kann, und er sagte: ‚Ich rufe den allmächtigen Retter an, um ihr zu helfen, und das wurde mit einer Runde von ‚Yeaaah! Yeaaah’s!‘ und die Band spielte nur zwei Akkorde, und es war so schön. Das hat mich zutiefst berührt. Es hat einen tiefen Eindruck bei mir hinterlassen. Ich wollte so etwas unbedingt bei einer Live-Show machen, aber wir hatten keine Songs, in die es gepasst hätte. Als wir dann anfingen, neue Songs zu schreiben, dachte ich mir: Ja, lass uns so etwas machen. Eine sehr einfache Akkordfolge, aber mit dieser fast religiösen Erfahrung. Denn schließlich ist Musik für uns wie eine Religion. Sie ist etwas, das wir ständig im Kopf haben. Es ist etwas, dem wir unser ganzes Leben widmen.“

Im Mai 2022 fuhren sie nach Loguivy-Plougras in der Bretagne, welches das analoge Studio Kerwax (https://www.kerwax.com/museum/) beheimatet. „Wir dachten, wir sollten uns auf ein Abenteuer einlassen“, sagt er. Im Nordwesten Frankreichs gelegen und von Wäldern umgeben, zogen sie sich in das atemberaubende Wohnstudio zurück, das von Vintage-Aufnahmegeräten aus den 1940er bis 1970er Jahren umgeben ist.

Die Brüder Pablo (Gitarre/Gesang) und Luka van de Poel (Schlagzeug/Gesang) sowie Robin Piso (Hammond/Wurlitzer) nahmen die Aufnahmen live und ohne Overdubs auf und wurden dabei von zahlreichen Freunden unterstützt. „Wir haben zusätzliche Leute mit nach Frankreich gebracht. Mit zehn Leuten in einem Raum zu spielen ist chaotisch. Bei jedem Take, den man macht, ist jemand nicht damit zufrieden, wie er spielt. Aber man erkennt, worauf es bei einem Take ankommt“.

Alles wurde komplett analog und direkt auf Band aufgenommen, bei der Herstellung des Albums wurden keine Computer verwendet. Die Bänder wurden dann zu einem Mastering-Ingenieur geschickt, der den Lackschnitt für die Vinylpressung herstellte – auch dieses Mastering und der Schnitt erfolgten vollständig analog (https://www.vinylherstellung.de/vinyl-pressung/).

Die Themen wurden teilweise von Romanen amerikanischer Autoren des 20. Jahrhunderts inspiriert, die Pablo während der Pandemie gelesen hatte. Besonders John Steinbecks ‚Tortilla Flat‘, ein Schelmenroman von 1935. „Es gibt ein Zitat von ihm: ‚Die gute Geschichte liegt in halb erzählten Dingen, die aus der eigenen Erfahrung des Hörers ausgefüllt werden müssen‘, und das war etwas, was ich mit den Texten auf dieser Platte wirklich tun wollte.“

Zur gleichen Zeit tauchte die Band tief in alte Soul- und R&B-Platten ein – Sam Cooke, The Impressions, The Coasters, The Clovers, Ray Charles und Little Richard – sowie in eine kräftige Dosis Gospel – The Soul Stirrers, Al Green und frühe Platten von The Staple Singers.

Einige Songs auf dem Album tragen ihr Herz auf der Zunge, wie z.B. „Counterfeit Love“, während das 16-minütige Epos „Rosita“ ihre Entwicklung zeigt. „Wie ich jetzt schreiben möchte, spiegelt sich in Songs wie diesem wider“, sagt er. „Ich wollte, dass sich diese Texte wie eine Geschichte anfühlen, aber auch wie eine Reise in sich selbst“, erklärt er. Was als kleine Geschichte über eine Highschool-Liebe beginnt, explodiert zu einer Geschichte über die Göttin der Liebe und des Todes, die in „The Queen of Space and Time“ mündet. „Es ist dieselbe Person. Es geht um diese gottähnliche weibliche Figur, die alle Arten von verrückten, dunklen Dingen kontrolliert. Bei Rosita kann man nur mit ihr zusammen sein, wenn man schläft oder tot ist, es ist also eine Kombination aus Liebe und Tod. Daher kommt auch der Name des Albums.“

‚Heart Stopping Kinda Show‘ ist ein weiterer vielseitig interpretierbarer Song: „Es geht darum, wie ich das Leben sehe“, sagt er. „Das Leben ist eine herzzerreißende Art von Show. Ich habe mit ‚Tortilla Flat‘ (John Steinbeck Roman von 1935) im Hinterkopf geschrieben. Diese Charaktere denken nicht ständig über alles nach; sie leben, trinken Wein und haben diese schönen Momente. Sie führen das ultimative Leben. In dem Song wollte ich die Dinge im Leben beschreiben, die schön sind.“

‚Will o‘ the Wisp‘ hat eine verführerische Düsternis, während Songs wie ‚Night Train‘, ‚Message for my Baby‘ und ‚Wontcha Wontcha‘ fröhliche Gassenhauer sind.

DeWolff verließ die ländliche Umgebung der Bretagne mit zwölf Songs, die auf vier Bändern aufgenommen wurden, mit Freunden, die Spaß hatten und sich an das erinnerten, was ihnen am wichtigsten ist. Mit einer Mischung aus Al Green, Sam Cooke und John Steinbeck haben sie einige ihrer gefühlvollsten und mitreißendsten Songs geschaffen. Wenn sie singen: „Hey there baby won’t you come on in, I got plenty old records that we can play, some rhythm & blues some old rock ’n roll, yes the type of stuff that can save a soul“, sollte man sich fallen lassen und sich von DeWolff zurück in die Zeit versetzen lassen.

13-tägige Europatournee als Support von The Black Crowes:
30.09. Antwerp, Belgium – Lotto Arena
01.10. Amsterdam, Netherlands – AFAS Live
05.10. Paris, France – L’Olympia
07.10. Frankfurt, Germany – Jahrhunderthalle
08.10. Bochum, Germnay – RuhrCongress Bochum
10.10. Berlin, Germany – Tempodrom
11.10. Hamburg, Germany – Barclays Arena
13.10. Milan, Italy – Alcatraz
14.10. Zürich, Switzerland – Samsung Hall
16.10. Barcelona, Spain – Sant Jordi Club
18.10. Madrid, Spain – WiZink Center

Mehr Infos:
www.dewolff.nu
www.facebook.com/dewolfficial
https://twitter.com/dewolffmusic
www.instagram.com/dewolfficial/

Musik

Loreena McKennitt “UNDER A WINTER’S MOON”

Neues Album – Loreena McKennitt “UNDER A WINTER’S MOON” – eine Sammlung von Musik und Spoken Words am 18.11.2022

Im Dezember 2021 spielte Loreena McKennitt eine Reihe von Konzerten in einem historischen Venue in Stratford, Kanada, die live aufgenommen wurden und nun als das 16. Album „ Under A Winter’s Moon“ auf den Markt kommt.

Die zweifach CD mit einem 6 Seiten Digipak-Buch wird am 18. November 2022 über ihr eigenes Label, Quinlan Road, veröffentlicht. Das Album beinhaltet 15 weihnachtliche Songs, durchzogen mit entsprechend weihnachtlichen Geschichten von den kanadischen Schauspielern /Sängern Tom Jackson und Cedric Smith und dem indigenen Ojibway Künstler und Flötist ,Jeffrey Red George.

Das Album wird gleichfalls digital, gemischt im Dolby Atmos Surround Sound, veröffentlicht.

Gespickt mit saisonalen Favoriten wie “Coventry Carol”, “Good King Wenceslas” und dem “Huron Carol”. Das erste Set beginnt mit der Lesung von Jackson The Sky Woman Story, einer indigenen Geschichte und die zweite Lesung beinhaltet, aufgeteilt in sechs Abschnitte,  A Child’s Christmas in Wales, eine bewegende und nostalgische Prosa des walisischen Poeten Dylan Thomas.

Das ist das allererste Mal, dass Loreena McKennitt “Huron Carol” aufgenommen hat. Ebenfalls bekannt unter  “’Twas in the Moon of Wintertime”, ist der Song das  älteste bekannteste kanadische Weihnachtslied. 1642 geschrieben von Jean de Brébeuf, einem jesuitischen Missionar in Sainte-Marie. Brébeuf’s Lyrics wurden im Original in der Sprache der Huron-Wendat Einwohner geschrieben.

Ausschnitt “Huron Carol” – Video hier zu sehen:

“An einigen Winter Abenden um den 21. Dezember herum, haben meine musikalischen Freunde und ich diese besonderen Konzerte mit der Mischung aus Liedern und Spoken Words gewebt“, schreibt McKennitt in ihren Liner Notes. “…Ich habe versucht, wörtliche Elemente der verschiedenen Kulturen mit Traditionen zu verbinden, um uns inspirieren zu lassen, aber auch die Vergangenheit aufleben zu lassen. Speziell um an die alten Zeiten zu erinnern und die Art der Kommunikation und was es in im Leben bedeutete und noch immer  bedeutet.”

Loreena hat das Album aufgenommen und zu ihrem Gesang noch Harfe, Keyboard und Akkordeon gespielt. Begleitet wurde sie von Caroline Lavelle am Cello, Graham Hargrove/ Percussion, Errol Fischer/Geige, Pete Watson/ Gitarre und 12-Saiten Bouzouki, und Cait Watson/ Irische Pfeife. Alle Musiker sind als Backup Vocals ebenfalls zu hören.

Under A Winter’s Moon wurde in der Knox Church in Stratford, Ontario, Kanada aufgenommen, und von dem Multi-Award-Gewinner, Jeff Wolpert gemixt und gemastert im Desert Fish in Toronto.

Mit ihrem eklektischen, keltischen Mix aus Pop, Folk und Weltmusik hat die Kanadierin über 15 Millionen Alben verkauft. Ihre Aufnahmen haben Gold, Platin und Multi-Platin Auszeichnungen gewonnen, sie wurde bereits zweimal für den Grammy nominiert, hat zwei Juno Awards gewonnen und den Billboard International Achievement Award.

Ihre Auftritte haben immer eine ganz besondere Magie und sie hat weltweit in historischen Venues gespielt – in der  Carnegie Hall  bis hin zur berühmten Alhambra in Granada, Spanien und ebenfalls hat sie vor großen Ehrenträgern gespielt, einschließlich der  verstorbenen  Queen Elizabeth II und König  Charles III.

Darüber hinaus engagiert sich Loreena McKennitt in vielen philantrophischen Initiativen:

2004 wurde McKennitt mit dem  Order of Canada ausgezeichnet und 2013 zum Knight of the National Order of Arts and Letters der Republik Frankreich ernannt.

Mehr infos unter:
www.UnderAWintersMoon.com
Website: www.LoreenaReVisited.com
Twitter: @Loreena #LoreenaReVisted
Instagram: @LoreenaMcKennitt #LoreenaReVisited

Musik

“CHICK COREA: THE MONTREUX YEARS”

DAS MONTREUX JAZZ FESTIVAL & BMG KÜNDIGEN DEN NÄCHSTEN RELEASE AUS DER “THE MONTREUX YEARS”-REIHE AN. AUF “CHICK COREA: THE MONTREUX YEARS” ERSTRAHLEN DIE AUFTRITTE DES 23-FACHEN GRAMMY AWARD-GEWINNERS ZWISCHEN 1981-2010 IN NEUEM GLANZ

Das Montreux Jazz Festival und BMG kündigen heute den nächsten Teil der erfolgreichen “The Montreux Years”-Reihe an: “Chick Corea: The Montreux Years” erscheint am Freitag, den 23. September 2022 und stellt eine Sammlung der sehenswertesten Auftritte Chick Coreas dar, die die Jazz-Ikone während seiner 21 Jahre umfassenden Gastspielzeit auf dem Montreux Jazz Festival zwischen 1981 und 2010 gespielt hat. Nachdem die Aufnahmen mit größter Sorgfalt restauriert und gemastert wurden, ist das Material nun in verschiedenen Formaten erhältlich; darunter als schweres Vinyl in höchster Klangqualiät, als CD sowie auf allen gängigen Plattformen als hoch aufgelöster HD-Audio-Stream.

PRE-ORDER CHICK COREA: THE MONTREUX YEARS HERE

Chick Corea gilt bis heute als einer der herausragendsten und führenden Jazz-Pianisten der Post-John Coltrane-Ära. Ein Ausnahmemusiker, der in den späten 1960er-Jahren als Mitglied der legendären Miles Davis Band entscheidenden Anteil an der Geburt des Genres Jazz Fusion hatte. Während seiner Karriere stellte der amerikanische Jazz-Pianist eine feste Größe auf dem Montreux Jazz Festival dar, das er nicht weniger als 23 mal in verschiedenen Line-Ups beehrte. Die Tracklist der “Chick Corea: The Montreux Years”-Sammlung wurde aus sechs dieser Auftritte auf dem international renommierten Festival aus den Jahren 1981 bis 2010 zusammengestellt und fängt Coreas Zeit auf dem Montreux Jazz Festival in außergewöhnlicher Klangqualität ein – wie schon der Opener “Fingerprints” von seinem Grammy-ausgezeichneten Album “Trilogy” zeigt, der hier in einer Liveaufnahme aus dem Jahr 2001 zu hören ist.

Alle Fans des unsterblichen Jazz Fusion-Pioniers können auf “Chick Corea: The Montreux Years” noch einmal in zeitlose Evergreens eintauchen, die nicht nur Chicks Karriere definiert, sondern auch ein Millionenpublikum rund um den Globus begeistert haben: So wie der Track “Bud Powell” vom 1997er Album “Remembering Bud Powell”. Zur Exkursion in Chicks Repertoire Klassischer Musik laden die Stücke “Quartet No. 2” vom 1981 erschienenen “Three Quartets” und “Trinkle Tinkle” vom “Piano Improvisations Vol. 2”-Album aus dem Jahr 1972 ein.

© 2021 Collection Studio Curchod/EV. , tous droits rŽservŽs

Als 23-facher Grammy-Gewinner und herausragender Tasten-Virtuose gilt Chick Corea bis heute als echte Musiklegende, die mit ihrer fünf Dekaden umfassenden, beispiellosen Kreativität Bahnbrechendes geleistet hat. Mit insgesamt 65 Nominierungen belegt Chick Corea zudem Rang 4 der meist-nominierten Preisträger in der Geschichte der Grammy Awards und konnte ebenfalls drei Latin Grammy Awards in der Kategorie “Best Instrumental Album” entgegennehmen – mehr als jede: andere Künstler:in bisher. Und auch nach seinem Tod lebt Chick Corea in den Herzen seiner Fans in aller Welt weiter, die die Erinnerung an seine bewundernswerte und inspirierende Weltkarriere lebendig halten.

Die im Jahr 2021 gegründete “The Montreux Years”-Serie fängt den Geist des Montreux Jazz Festivals ein und markiert das Vermächtnis seines beliebten Gründers, Claude Nobs. Mit seiner strikten Weigerung, irgendwelche Qualitätskompromisse einzugehen und sich mit nicht weniger, als dem Besten zufriedenzugeben, setzte Nobs Maßstäbe – eine Philosophie, die sich heute in der außerordentlichen Qualität der Aufnahmen der “The Montreux Years”-Reihe fortsetzt. Für das Mastering zeichnet Tony Cousins in den legendären Metropolis Studios in London verantwortlich, wo der Originalklang der Liveaufnahmen mittels der speziell entwickelten MQA-Technologie eingefangen wird. Wie alle bisher erschienenen Teile der “The Montreux Years”-Reihe wird auch “Chick Corea: The Montreux Years” von exklusiven Liner-Notes und bisher unveröffentlichten Fotos komplettiert.

“Chick Corea: The Montreux Years” ist ab sofort vorzubestellen und erscheint am Freitag, den 23. September 2022. Die Songsammlung stellt den bisher sechsten Teil der “The Montreux Years”-Reihe dar, die ihren Auftakt mit Musiktitanen wie Nina Simone und Etta James fand, gefolgt von Marianne Faithfull und Muddy Waters sowie der 2022 erschienenen John McLaughlin-Songsammlung. “Nina Simone: The Montreux Years” und “John McLaughlin: The Montreux Years” wurden weltweit von Fans und Medien gefeiert und stiegen jeweils auf dem 1. Platz in die britischen Jazz & Blues Album-Charts ein.

LP-TRACKLISTING

Side A
Fingerprints (Live – Montreux Jazz Festival 2001)
Bud Powell  (Live – Montreux Jazz Festival 2010)

Side B
Quartet No. 2 (Pt.1)  (Live – Montreux Jazz Festival 1988)
Interlude  (Live – Montreux Jazz Festival 2004)

Side C
Who’s Inside the Piano  (Live – Montreux Jazz Festival 1993)
Dignity (Live – Montreux Jazz Festival 2001)
America (Continents Pt 4) (Live – Montreux Jazz Festival 2006)

Side D
New Waltz  (Live – Montreux Jazz Festival 1993)
Trinkle Tinkle  (Live – Montreux Jazz Festival 1981)

CD-TRACKLISTING
Fingerprints (Live – Montreux Jazz Festival 2001)
Bud Powell  (Live – Montreux Jazz Festival 2010)
Quartet No. 2 (Pt. 1)  (Live – Montreux Jazz Festival 1988)
Interlude (Live – Montreux Jazz Festival 2004)
Who’s Inside the Piano (Live – Montreux Jazz Festival 1993)
Dignity (Live – Montreux Jazz Festival 2001)
America (Continents Pt. 4) (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
New Waltz (Live – Montreux Jazz Festival 1993)

PRE-ORDER CHICK COREA: THE MONTREUX YEARS HERE
CHICK COREA: The Montreux Years
1CD, 2LP, Digitale Formate
VÖ: 23.9.2022

Musik

Gilbert O’Sullivan „Let Me Know“

Gilbert O’Sullivan – einer der meist verehrten Singer-/ Songwriter seiner Generation kündigt die Veröffentlichung seiner neuen Single „Let Me Know“ an!

Heute veröffentlicht die BMG mit „Let Me Know‘ die zweite Singleauskopplung aus Gilbert O’Sullivans mittlerweile zwanzigstem Studioalbum „Driven“, das am 22. Juli erscheint.

Für das den Song begleitende Video wurde ein spezieller Mix erstellt, der ermöglicht, den Clip mittels Kopfhörer zu einem einmaligen immersiven 360 Reality Audio-Erlebnis werden zu lassen. Der Longplayer wird ab 22. Juli in 360 Reality Audio auf Amazon Music Unlimited, Deezer und Tidal erhältlich sein. 360 Reality Audio – ein immersives Musikerlebnis – nutzt die Spatial Sound Technologie von Sony. Durch diese wird es möglich, einzelne Sounds in einem sphärischen 360°-Klangfeld zu arrangieren, was dem Hörer ein einzigartiges, völlig neues Klangerlebnis seiner Lieblingssongs beschert. *Für weitere Informationen siehe unten.

Video mit 350 Reality Audio-Sound: https://gilbertosullivan.lnk.to/LetMeKnowPR

„Let Me Know“, eines der sofort im Ohr bleibenden Highlights von „Driven“, zeigt Gilbert in nachdenklicher Stimmung. Der Song erinnert an das erste Jahrzehnt seiner Karriere, in dem er sich gegen ernsthafte Beziehungen sträubte, weil er befürchtete, dass sich das auf sein Songwriting auswirken könnte. „Aber mir gefiel irgendwie auch der Gedanke, einen Song zu haben, in dem der Mann dem Mädchen sagt: ‚Wenn du nicht mehr mit dem Herzen dabei bist, mach dir keine Sorgen um mich. Ich komme schon klar.‘“

„Let Me Know“ ist ein Song von Gilberts neuem Album „Driven“, das auf sein hochgelobtes, von Ethan Johns produziertes, selbstbetiteltes Album aus dem Jahr 2018 folgt, welches vom MOJO-Magazin mit vier Sternen ausgezeichnet wurde. Die 13 Songs auf „Driven“ offenbaren die außerordentlichen Fähigkeiten eines Songwriters, dessen Gespür, sich bislang unentdeckten Quellen tief hängender melodischer Früchte zu bedienen, größer und ausgeprägter ist denn je. Produziert von Andy Wright und mit einer Live-Band in den legendären RAK-Studios aufgenommen, zeugt das unerwartete Tempo, mit der die Songs entstanden, von der außergewöhnlichen Chemie zwischen O’Sullivan, Wright und einer Hausband bestehend aus Pat Murdoch (Beyonce, Simply Red, Chrissie Hynde), Rich Milner (Morcheeba, James Morrison) und Geoff Holdroyde (Take That, Big Linda), die bereits unmittelbar nach Beginn der Recordings deutlich spürbar war.

Das Album enthält Duette mit der schottischen Singer-/ Songwriterin KT Tunstall („Take Love“) und dem Simply Red-Frontmann Mick Hucknall („Let Bygones Be Bygones“), der ein großer Fan ist. Gilberts außergewöhnliche Fähigkeit, das menschliche Befinden zu erforschen, wird in „Hey Man“ deutlich; „Body and Mind“ ist eine Analyse der Dinge, die einen Segen in unserem Leben darstellen und kommt als eine Art innerer Dialog über die lebenslange Geliebte des Protagonisten daher. Der Song „You and Me Babe“ hingegen behandelt aktuellere Themen – Gilbert stellt hier die Dinge, die unser Leben sinnvoll machen, den Turbulenzen in der Welt gegenüber und spart dabei auch einen subtilen Verweis auf den Klimawandel nicht aus. „If Only Love Had Ears“ wird von einem äußerst zarten Streicherarrangement umrahmt  und ist wohl einer der schönsten Songs, die aus Gilbert O’Sullivans Feder stammen.

Weiterhin finden sich auch eine Reihe nachdenkliche Songs auf dem Album – neben dem bereits erwähnten „Let Me Know“ auch in Form des eingängigen Aushängeschilds auf „Driven“ – „Blue Anchor Bay“, in dem er in Erinnerungen über seine Teenagerzeit in Swindon und den regelmäßigen Schulausflügen schwelgt, die ihn und seine Freunde eben an jenen Strand von Somerset führten, der im Titel des Songs verewigt ist.

Im Grunde ist „Driven“ ein Album, das ein nuanciertes Porträt eines Mannes bietet, der seine eigenen Werte und sein Selbstverständnis in einer zunehmend chaotischen Welt bekräftigt. Gilbert O’Sullivan war wohl nie ein konventioneller Songwriter, sondern entspricht vielleicht eher der Beschreibung eines britischen Chansonniers, der übrigens von keinem Geringeren als Lenny Kaye – Rockwissenschaftler und Gitarrist der Patti Smith Group – für seine „kunstvoll konstruierten, lyrisch originellen Songs mit einem feinen Sinn für filigrane Details“ gelobt wird. Wie bei Paul McCartney und dem jungen Harry Nilsson – beides Songwriter, für die er eine große Vorliebe hegt – reicht Gilbert O’Sullivans Spannweite über die Parameter des Rock’n’Roll hinaus.
 
„Driven“ Album-Tracklisting:

  1. Love Casualty
  2. Blue Anchor Bay
  3. Let Bygones Be Bygones (featuring Mick Hucknall)
  4. Body and Mind
  5. What Are You Waiting For
  6. Let Me Know
  7. Take Love (featuring KT Tunstall)
  8. Back and Forth
  9. If Only Love Had Ears
  10. You Can’t Say I Didn’t Try
  11. You and Me Babe
  12. Hey Man
  13. Don’t Get Under Each Other’s Skin

„Driven“ wird in den folgenden Formaten erhältlich sein:

  • Limited Edition: Durchsichtige LP
  • Schwarze LP
  • CD (Digipak)
  • Kassette (ausschließlich D2C)
  • Blu Ray (exklusiv via SDE)
  • Digital: SD, HD, UHD und immersive Formate (360 Reality Audio & Dolby Atmos)

Im Vorfeld wurde im April die erste Single/ Video zu „Take Love” veröffentlicht – ein Duett mit KT Tunstall!
“Can’t Say I Didn’t Try” ist die zweite Single und das entsprechende Lyric Video dazu aus dem neuen Album vorab, hier zu sehen und auch erhältlich: https://gilbertosullivan.lnk.to/YCSIDTPR

Lyric Video “Can’t Say I Didn’t Try”:

Album Pre-Order: https://gilbertosullivan.lnk.to/drivenPR

„Weitere klangvolle Ausschnitte aus Gilberts spätem Schaffen“.
«««« MOJO Magazine

„Im Alter von 75 Jahren hat Gilbert O’Sullivan gerade sein bestes Album aufgenommen. Das ist ein Klassiker. Weiter so, Du Legende.“
««««« Shindig! Magazine

Produziert von Andy Wright (Simply Red, Massive Attack, Simple Minds) und mit einer Live-Band in den legendären RAK Studios aufgenommen, Inklusive Features mit den Gästen KT Tunstall und Mick Hucknall

„Alone Again (Naturally) und Nothing Rhymed sind zwei meiner Lieblingssongs. Großartige Texte, großartige Melodien.” – Paul Weller

„Das ewige Genie…” – Tim Burgess (The Charlatans / Listening Party)
 
„Danke DIR für deine wunderschöne Musik.” – Kim Wilde
 
„Ich bin ein gewaltiger Fan.” – Chris Difford (Squeeze)

„Wenn wir schon von den Charts leben müssen, dann sollten wir Gilbert O’Sullivan darin haben.“ – John Peel 

NOTES

Die Karriere von Gilbert O’Sullivan umspannt einen Zeitraum von mehr als 50 Jahren. Seine erste richtige Single „Nothing Rhymed“ wurde 1970 veröffentlicht und erreichte fast über Nacht die Top 10 der britischen Charts. Bereits sein Debütalbum „Himself“ war mit den perfektesten Beispielen seiner Kunst und seines Könnens gespickt. Es gab unzählige Top-10-Singles, darunter den Klassiker „Alone Again (Naturally)“. Mit seinem zweiten Album „Back To Front“ (1972) gelang es Gilbert, sich endgültig in der Weltspitze zu etablieren. Dieses von den Kritikern hochgelobte Album hielt sich erstaunliche sechs Wochen lang an der Spitze sowohl der britischen als auch der US-Charts und brachte ihm nicht nur eine, sondern gleich drei Grammy®-Nominierungen ein.

Auch die verdiente Anerkennung in Großbritannien sollte bald darauf folgen, als die Songs „Clair“ und „Get Down“ die Spitze der britischen Single-Charts erreichten und seine LP „Back To Front“ die nationalen Album-Charts anführte. Im selben Jahr wurde Gilbert bei den 18. Ivor Novello Awards zum „Songwriter des Jahres“ erkoren – bis dato wurden ihm drei Ivor-Novello-Preise verliehen. In jüngster Zeit trat er an der Seite von Künstlern wie Ray Davies auf, war Headliner in Glastonbury (wo er einmal mit Glenn Tilbrook von Squeeze auf der Bühne stand), bei den BBC Proms In The Park und unternahm ausgedehnte Tourneen durch das Vereinigte Königreich, Irland, Europa, Japan und Australien.

Sein letztes nach ihm selbst betitelte Album „Gilbert O’Sullivan“ aus dem Jahr 2018, wurde von den britischen Medien überschwänglich gelobt und erreichte die höchste Position in den britischen Albumcharts seit fast 45 Jahren.

Sein Vermächtnis und sein musikalischer Einfluss wurden von einer Vielzahl von Künstlern gewürdigt, darunter: Paul Weller, Nina Simone, Neil Diamond, James Murphy (LCD Soundsystem), Ron Sexsmith, Har Mar Superstar, Mick Hucknall, Gary Barlow, Boy George, Rumer, The Lemon Twigs und Empire Of The Sun.

Unglaubliche fünfzig Jahre sind vergangen, seit Gilbert O’Sullivan mit „Alone Again (Naturally)“ sechs Wochen lang an der Spitze der US-Billboard-Charts stand. Es war der Song, der Amerika dazu veranlasste, sich Hals über Kopf in eine für unmöglich gehaltene Liebesaffäre mit dem aus Irland stammenden, aber höchst britischen Singer-/Songwriter zu stürzen, die bis heute andauert. Der Song wurde bereits von Künstlern wie Neil Diamond, Nina Simone, Pet Shop Boys und Elton John live gecovert. Es vielleicht nicht allzu verwunderlich, dass sich auch nachfolgende Generationen populärer Künstler – darunter Paul Weller, Squeeze und The Lemon Twigs – mit Stolz als Fans von Gilbert O’Sullivan bezeichnen. Zu seinen zahlreichen Bewunderern zählen auch Tim Burgess (The Charlatans), der ihn persönlich einlud, gleich zwei seiner legendären Listening-Partys auf Twitter zu moderieren.

Weitere Infos unter: http://www.gilbertosullivan.co.uk

*Über 360 Reality Audio
360 Reality Audio ist auf Amazon Music Unlimited, Deezer und TIDAL mit Kopfhörern und unterstützenden Lautsprechern erhältlich und ist ein völlig neuartig, immersives Musikerlebnis, das die objektbasierte 360 Spatial Sound-Technologie von Sony nutzt. Einzelne Sounds wie Gesang, Refrains, Klavier, Gitarre, Bass und sogar Geräusche des Live-Publikums können in einem sphärischen 360°-Klangfeld arrangiert werden, was Künstlern und Kreativen eine neue gänzlich Möglichkeit bietet, ihre Kreativität auszudrücken. Die Zuhörer können in eine Soundwelt eintauchen, das genau den Vorstellungen der Künstler und Produzenten entspricht. Musik, die in diesem neuen Format für 360 Reality Audio erstellt wurden, kann über die Smartphone-Apps kompatibler Musik-Streaming-Dienste genossen werden. Offizielle Website von 360 Reality Audio.

Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years
Musik

Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years

Der Soundtrack deines Sommers: Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years.

Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years
Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years

Über 4 Stunden feinster Deep House & Chill Sound in the Mix!
4 CD / 4 Vinyl / Download / Stream: Out 24.06.2022

Die „Kontor Sunset Chill“-Reihe ist seit Jahren die beliebteste und erfolgreichste Serie in ihrem Segment und verfügt über eine feste Fangemeinde.

Das 20jährige Jubiläum der Serie wird daher mit einer extra fetten 4CD- & 4LP-Jubiläumsbox für alle eingefleischten Fans und auch Neueinsteiger zelebriert! Ein gechillter Mix aus 80 Deep House & Chillout Perlen sowie dem Besten aus 20 Jahren „Sunset Chill“ lässt garantiert den Alltagsstress vergessen und entspanntes Urlaubsfeeling aufkommen. Insgesamt ein Soundcocktail der für jeden Geschmack etwas bereithält und in keinem Urlaubsgepäck fehlen sollte.

Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years
Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years

Die streng limitierte 4 LP-Box enthält einige echte Raritäten und Tracks die erstmalig auf Vinyl erscheinen werden.

Die Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years ist ab dem 03.06.22 überall zum Kauf und als Stream erhältlich.

Pre-Order 4 CD & 4 Vinyl:
https://ktr.lnk.to/SunsetChill-BestOf20Years

CD1: Ibiza Beach Terrace Mix

  1. Fred again.. x The Blessed Madonna – Marea (We’ve Lost Dancing)
  2. Monkey Safari – Hi Life (Cheeky Bold Cover)
  3. Frankey & Sandrino – Acamar
  4. Lane 8 – Fingerprint
  5. Kidnap feat. Leo Stannard – Moments (Ben Böhmer & Nils Hoffmann Remix)
  6. Audion feat. Troels Abrahamsen – Dem Howl (Joris Voorn Mix)
  7. Ben Böhmer, Nils Hoffmann & Malou Breathing
  8. Stereoclip – Sunset Drive
  9. VovaWave – When The Spell Is Broken
  10. Jan Blomqvist – Maybe Not (Rodriguez Jr. Remix)
  11. AKA AKA & Junge Junge – Vallut Bass
  12. Tom Novy & Milkwish – Dream Catcher
  13. Tube & Berger & Chris Luno – Daily Twist
  14. Yotto – Walls (Joris Voorn Remix)
  15. Stephan Bodzin & Marc Romboy – Callisto (Ben Böhmer Remix)
  16. Markus Gardeweg x Benzsoul – Eternity
  17. Marian Herzog & Modshape. – Trapped In Time (Sascha Braemer Remix)
  18. OCULA – Clear
  19. mOat – Paradise (Âme Remix)
  20. DJ Koze – Blume der Nacht

CD2: St. Tropez Warm Up Mix

  1. Bicep – Glue
  2. Frost – Overtones
  3. Solomun & DJ Phono – Ice Cream and Bonus Miles
  4. RY X – Bad Love (Eagles & Butterflies Remix)
  5. Jerro feat. Sophia Bel – Demons (Massane Remix)
  6. Robosonic feat. STAG – Wurd
  7. Lexer – Forgive Me
  8. Hagen Feetly – En Route
  9. Sans Souci – Makatao
  10. Daniel Steidtmann – Pigeon Lake
  11. Dele Sosimi Afrobeat Orchestra – Too Much Information (Laolu Remix Edit)
  12. Tosz feat. Salacia – Coração (Jeaneiffel Remix)
  13. Greg Cerrone – Goodwill
  14. andhim – Last Song
  15. Cornelius SA – Diamonds (Scorz Remix)
  16. Alkemie – Burning Sun
  17. Joachim Pastor feat. EKE – Be Someone
  18. Deepend feat. Phable – Turn It Back
  19. Noir & Haze – Around (Solomun Vox)
  20. Blank & Jones with Cathy Battistessa – Happiness (Miguel Migs Salted Dub)

CD3: Miami Sundowner Mix

  1. Disclosure feat. Eliza Doolittle – You & Me (Flume Remix)
  2. Bow Anderson – Heavy (Icarus Remix)
  3. Budakid – The End
  4. Milky Chance – Colorado (Icarus Remix)
  5. Hot Natured & Ali Love – Benediction
  6. Youandewan – 1988
  7. Coldcut feat. Robert Owens – Walk A Mile In My Shoes (Henrik Schwarz Remix)
  8. Duke Dumont – Ocean Drive
  9. Bon Lui – Feel The Heat
  10. Eelke Kleijn feat. Diana Miro – You
  11. Moderat – Bad Kingdom
  12. Nalin & Kane – Beachball (Andry Meets Schalli @ Monkey Island Remix)
  13. Electribe 101 – Talking With Myself (’98 Canny Remix)
  14. Christian Prommer – Sueno Latino (DJ Hell’s All You Need Is Love Remix)
  15. David August – Epikur
  16. Cyril Hahn feat. Shy Girls – Perfect Form (Henry Krinkle Remix)
  17. Darius – Espoir
  18. ATB – Green Sand
  19. Kool & The Gang – Summer Madness
  20. Burt Bacharach – What The World Needs Now Is Love

CD4: Dubai Rooftop Mix

  1. Tinlicker & Helsloot – Because You Move Me
  2. Tube & Berger – Imprint of Pleasure
  3. Nora En Pure – Come With Me
  4. Lovebirds feat. Stee Downes – Want You In My Soul
  5. Sebjak & Fahlberg – Chaka
  6. Maxim Lany – Renaissance (Manuel Riva Remix)
  7. Hagen Feetly – U Got Me
  8. Eelke Kleijn – Home
  9. Sans Souci – Twin Lakes
  10. Kidswaste feat. Lizzy Land – Fall In
  11. Lyke – Stay With Me
  12. Verboten Berlin & Rodriguez Jr. – Symmetry (Rodriguez Jr. Remix)
  13. Markus Gardeweg & Tom Shark – Grand Piano
  14. Ripperton – Random Violence
  15. Joy Wellboy – Before The Sunrise (Dixon Remix)
  16. Dosem – Beach Kisses (Joris Voorn Green Mix)
  17. Nu feat. Jo.Ke – Who Loves The Sun
  18. Sono – Keep Control (ARTBAT Remix)
  19. Tensnake feat. Boy Matthews – Somebody Else (Eli & Fur Remix)
  20. Elderbrook – Numb (Joris Voorn Remix)

For this compilation: (P)&(C)2022 Kontor Records GmbH

Various Artists ’’Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years’’
Label: Kontor Records
OUT: 24.06.2022
Format: 4 CD-Set (Compilation)
Kat.-Nr.: 1028205KON
EAN-Code: 4251603282058
Format: 4 LP-Set (Compilation)
Kat.-Nr.: 1028206KON
EAN-Code: 4251603282065

Musik

VOIVOD – ‘FORGOTTEN IN SPACE’ – THE NOISE RECORDS YEARS DELUXE BOX SET

Bis jetzt war es ein aufregender 40 Jahre andauernder Ritt für Voivod.

Das Quartett aus Jonquière, Quebec hat diese lange Zeit mit allen Höhen und Tiefen gut überstanden, Tragödien erlebt aber auch erfahren, dass die Band besser war als viele ihrer Zeitgenossen. Nämlich spätestens dann, als Voivod mit ihrem komplexen, progressiv- infiltriertem Heavy Metal Sound, Auszeichnungen und Ehrungen einheimsen konnte.

Das 2018-er Voivod Album, ‘The Wake’, hat der Band einen Juno Award in Kanada als bestes Heavy Metal Album des Jahres gebracht, wobei im Jahr vorher ‘ Away’ bereits den Visionary Award in London bei den Progressive Music Awards gewonnen hat.

WATCH A NEW VIDEO FOR A PREVIOUSLY UNRELEASED DEMO OF ‘PSYCHIC VACUUM’ & PRE-ORDER HERE: https://voivod.lnk.to/ForgottenInSpacePR

Direct Youtube Link:

Ein weiter Weg, den vier musikverrückte Jungen gegangen sind, angefangen in der Garage und im Keller Anfang der 80-iger. Aber es war immer etwas, dass Voivod anders gemacht hat, als ihre Kollegen. Sie haben ein bisschen gezaubert mit dem sich entfaltenden Sound von Heavy Metal, Hardcore und Punk Rock, und Voivod brachte dazu noch die Liebe zum Progressive Rock und Science Fiction mit, was die Musik sicher beeinflusst hat. War Heavy Metal der Sound der Outsider Anfang der 80iger, so war auch Prog Rock kein Bettgenosse. Uncooler als Prog ging es schon gar nicht mehr. Aber niemand sagte dies Voivod, es hätte sie auch nicht gekümmert. Es ist und war diese Bereitschaft, diesen ungleich scheinenden Sound einfach mit ihrer Spielweise zu verbinden. Als Voivod 1984 ‚War And Pain‘ veröffentlichte, hatte man Prog Metal, als Konzept, so gar nicht auf dem Schirm.

Die Musik in diesem Set beweist, dass Voivod Pioniere waren und sie veredelten ihre Musik immer mehr und wurde auch experimenteller. Man kann die Entwicklung auf den drei Alben hören: Rrröööaarrr, Killing Technology & Dimension Hatröss. In den fünf Jahren vom 1984-er ‘War And Pain’ Debut bis hin zum 1989-er ‘Nothingface’, schmiedete Voivod einen trotzigen Progressive Metal Sound, den sie mit ihren anderen Alben fortführen und so zu einer der aufregendesten Metal Bands wurden, die bis heute besteht.

‘Forgotten In Space’ ist eine Deluxe Celebration von Voivods Noise Records Diskografie und ist die definitive Kollektion ihrer Werke und kommt mit rarem und bis heute unveröffentlichtem Material:

RRRÖÖÖAAARRR

Remastered auf rotem & schwarzem Splatter Vinyl

KILLING TECHNOLOGY

Remastered auf grünem & lila Swirl Vinyl

DIMENSION HATRÖSS

Remastered auf grauem & rotem Swirl Vinyl

NO SPEED LIMIT LIVE ‘86

Zum allerersten Mal auf Vinyl: grünes & schwarzes Splatter Vinyl

DIMENSION HATRÖSS – THE DEMOS

Zum allererstne Mal auf Vinyl: blaues & weißes Splatter Vinyl

COSMIC DRAMA, 40 Seiten Buch

40 Seiten Buch mit neuen Sleeve Note Interviews mit Michel ‘Away’ Langevin, der die Geschichte der Anfänge von Voivod erzählt. Mit raren und bis dato unveröffentlichten Fotos

CHAOSMONGERS DVD

Mini Dokumentation mit Interviews, Live Auftritten, Behind the scenes & Promotion Videos von 1985 bis 1989. Ebenfalls bekommt man ein bis jetzt unveröffentlichtes Video Konzert, live in Chicago ’88 und ein Audio Konzert vom World War III Festival 1985.

KORGÜLL THE EXTERMINATOR USB

Beinhaltet alle Tracks vom Studioalbum plus Live & Demo Alben.

‘Forgotten In Space’ ist erhältlich als 5fach CD und DVD , das Boxset beinhaltet alle Studioalben, mit Bonus von raren Demos und Livealben, die DVD hat die Mini Doku und das bisher unveröffentlichte Live Konzert und ein 20seitiges Booklet.

VOIVOD – ‘FORGOTTEN IN SPACE’ – THE NOISE RECORDS YEARS DELUXE BOX SET/ VÖ: 29. Juli 2022

Online:
https://voivod.lnk.to/ForgottenInSpacePR
https://www.voivod.com/
https://www.facebook.com/Voivod

Musik

NEU! – 50th Anniversary Box Set und Reworks

Zum 50. Jahr der Veröffentlichung des Debütalbums von NEU! erscheint am 23.09.2022 auf Grönland Records eine opulent ausgestattete Jubiläums-Box, auf der einer der großen kosmischen Bands aus Westdeutschland eine kritisch-huldigende Werkschau gewidmet ist.

Das CD- bzw. Vinyl-Boxset enthalten jeweils die genreprägenden ersten drei (LP-Box) bzw. vier (CD-Box) Alben, sowie das Doppelalbum »Tribute«, auf dem sich ausnahmslos spektakuläre Coverversionen bzw. Remixes von so grundverschiedenen Künstlern wie The National, Fink, Mogwai, Stephen Morris und Gabe Gurnsey, Yann Tiersen, Man Man, Idles und They Hate Change finden. Alexis Taylor und Guerilla Toss wiederum spielten neue Tracks, quasi »inspired by« ein, die sich nahtlos in diese Reise von der Vergangenheit in die Gegenwart einfügen.

Vorab wird außerdem das Debütalbum »NEU!« am 17. Juni in den Collectors-Formaten Kassette und Picture Disc neu veröffentlicht.

Muss sich alles ändern, damit alles so bleibt, wie es war? Vor 50 Jahren, im März 1972, erschien das Debütalbum »NEU!« der gleichnamigen Band von Klaus Dinger und Michael Rother mit Conny Plank als Co-Produzent auf Brain. Die Platte erschien zu einem Zeitpunkt, als sich formative westdeutsche Bands wie Kraftwerk und Faust in ihren jeweiligen Findungsphasen befanden, CAN bereits frühe Meisterwerke wie »Monster Movie« und »Tago Mago« veröffentlicht hatte, und nur wenige Monate, bevor David Bowie seine »Ziggy Stardust«-Phase einläutete. Fun Fact: Dinger spielte Schlagzeug auf Kraftwerks selbstbetiteltem Debütalbum, das wiederum Conny Plank co-produziert hatte.

Vielleicht könnte man im Falle des Albums »NEU!« von einem seherischen Moment in der deutschen Rockmusik sprechen. Vielleicht waren NEU! aber selbst im Kontext ihrer fortschrittlichen Zeitgenossen Avantgarde. Untrügliches Zeichen: Ihr Debütalbum verkaufte im Erscheinungsjahr eher mäßig, die größte Anerkennung kam aus England. Heute gelten NEU! zu der winzigen Gruppe von Protagonisten, die Anfang der Siebzigerjahre im Nachkriegsdeutschland eben nicht die Musik der Befreier, im weitesten Sinne den Rock’n’Roll, nachspielen wollten, sondern nach neuen Wurzeln in der eigenen, freilich in Trümmern liegenden Kultur suchten.

Dabei fanden sich auf »NEU!«, dem Debütalbum von 1972, mit »Hallogallo« und »Negativland« bereits die ersten ausgereiften Beispiele dessen, was seitdem als »motorische« Grooves bezeichnet wird – ein repetitives Zusammenspiel zwischen Gitarre oder Bass und Schlagzeug, zwischen Michael Rother und Klaus Dinger, ein Rhythmusverständnis, das wie mit eingeschaltetem Tempomat eine Stetigkeit aufweist, die Anfang der Siebzigerjahre schlichtweg – nomen est omen – »neu« war.

Als Band setzten NEU! in der ersten Hälfte der Siebzigerjahre in Realzeit Zeichen – mit der majestätischen Abgeklärtheit von Tracks wie »Weissensee« vom ersten Album, aber auch mit der radikalen Bereitschaft zum Cut-Up-Experiment, wenn sie etwa in »Hallo Excentrico« von ihrem zweiten Album »NEU! 2« aus dem Folgejahr 1973 einfach den »klassisch« motorischen Track »Für Immer« vom gleichen Album einfach selbst remixten: Sie verlangsamten ihn zu einem Leiern, zerschnitten ihn, fügten neue Stimmen hinzu. Für eine Legion von Musikern, die ihnen über die Jahrzehnte folgen sollten, hatten NEU! also gleich eine ganze Reihe von Grundsteinen gelegt – und von Stereolab über David Bowie bis hin zu My Bloody Valentine traten zahllose internationale Musiker in ihre Fußstapfen.

Der Spagat zwischen dem freien Experiment und der ihren eigenen Regeln folgenden motorisch-melodischen Straightness der Mehrzahl ihrer Tracks war freilich nicht zuletzt auf die kreative Spannung innerhalb der Band zurückzuführen, die beim dritten Album zu einer etwas anderen Herangehensweise führte.

In der Vorbereitung zu den Aufnahmen zu »NEU! ’75« verständigten sich Klaus Dinger und Michael Rother auf ein Konzept, nach welchem die eine Seite des Albums in der klassischen Dinger/Rother-Konstellation aufgenommen und die andere Seite mithilfe von zwei Schlagzeugern eingespielt werden sollte, die Klaus Dinger zur Session brachte, seine späteren La-Düsseldorf-Bandkollegen Hans Lampe und Thomas Dinger.

Auf diesem Album war die A-Seite von Rothers Wunsch nach ambienter, melodischer Geradlinigkeit dominiert, während auf der B-Seite noisige Gitarren und Titel überwogen, die von Klaus Dingers Wunsch nach einer Live-Aufführbarkeit der Musik geprägt waren. Musikalisch standen Dinger und Rother trotz ihrer sehr unterschiedlichen Temperamente zu allen Zeiten aber völlig hinter der gesamten Bandbreite der NEU!-Musik. Beide Musiker haben den Kompositionsbeiträgen des jeweils anderen mit voller Überzeugung und Leidenschaft eigene und entscheidende Elemente hinzugefügt.

Insbesondere die drei Songs der B-Seite, darunter ein Titel namens »Hero«, wiesen weit vor ihrer Zeit der New Wave den Weg. Und ist es ein Zufall, dass David Bowie nur zwei Jahre später mit »“Heroes”« ein epochenprägendes Album veröffentlichte, auf dem bis kurz vor den tatsächlichen Aufnahmen 1977 in Berlin Michael Rother als Gitarrist vorgesehen war und der mutmaßlich erst nach Manipulationen durch Bowies Management durch Robert Fripp ersetzt wurde?

Bis heute gilt »NEU! ’75« als vielleicht vielfältigstes und ausdifferenziertestes Album des Kosmische-Musik-Genres, das international als »Krautrock« klassifiziert wird.

Ab Mitte der 1970er Jahre veröffentlichten Klaus Dinger (mit La Düsseldorf) und Michael Rother (als Solokünstler) sehr erfolgreiche Alben, auf denen sie ihre Kreativität mit teils anderen Konzepten als NEU! verfolgten. Ein offizieller »Split« wurde nie verkündet, es galt eher die Einstellung: »Wenn Klaus Dinger und Michael Rother zusammenarbeiten, dann ist es NEU!.«

Persönliche Differenzen zwischen Dinger und Rother verhinderten bis 2001 die Wiederveröffentlichung der NEU!-Alben. Im Rückblick gibt ihnen die Musikgeschichte recht – die Studioalben von NEU! dominieren neben den großen Alben von Kraftwerk, CAN und Faust den musikalischen Kanon der Siebzigerjahre.

Zum 50. Jahr der Veröffentlichung des Debütalbums von NEU! erscheint jetzt auf Grönland Records eine opulent ausgestattete Jubiläums-Box, auf der einer der großen kosmischen Bands aus Westdeutschland eine kritisch-huldigende Werkschau gewidmet ist. Das CD- bzw. Vinyl-Boxset enthalten jeweils die genreprägenden ersten drei bzw. vier Alben, sowie das Doppelalbum »Tribute«, auf dem sich ausnahmslos spektakuläre Coverversionen bzw. Remixes von so grundverschiedenen Künstlern wie The National, Fink, Mogwai, Stephen Morris und Gabe Gurnsey, Yann Tiersen, Man Man, Idles und They Hate Change finden. Alexis Taylor und Guerilla Toss wiederum spielten neue Tracks, quasi »inspired by« ein, die sich nahtlos in diese Reise von der Vergangenheit in die Gegenwart einfügen.

Vorab wird außerdem das Debütalbum am 17. Juni in den Collectors-Formaten Kassette und Picture Disc neu veröffentlicht.

Ein Wort zu dem wirklich herausragenden »Tribute«-Album. Es zeichnet sich durch eine in jedem Track spürbare Intensität aus, die nur Musiker:innen und Produzent:innen zutage legen können, wenn sie sich trotz einer professionellen Abgeklärtheit die Fähigkeit zur romantischen Schwelgerei bewahrt haben – in diesem Fall an ihre musikalischen Helden von NEU!. Es grenzt angesichts der Beiträge von so unterschiedlichen Künstlern wie Yann Tiersen, The National oder Guerilla Toss übrigens an ein Wunder, dass »Tribute« als Album so homogen klingt, wenn dessen zehn Tracks in großer Freiheit zwischen Motorik, Ambient und Noise mäandern.

Meine These: Die ersten drei »NEU!«-Alben waren trotz der auseinanderstrebenden künstlerischen Visionen von Michael Rother und Klaus Dinger im Rückblick sehr hermetische Alben. Egal, ob NEU! ihre Hörer mit kosmischen Beats einlullten, oder ob Tracks von brutalen Tape-Cut-Ups dominiert wurden, es gibt in ihnen eine übergeordnete Klangarchitektur, eine Art energetisch aufgeladene Hallkammer, errichtet von Conny Plank. Das hat zur Folge, dass ein Hörer jeden Track von NEU! bereits nach Sekunden der Gruppe zuordnen kann. Diese klangliche Geschlossenheit scheint wie ein Gesetz zu sein, dem sich jeder Remixer und jeder Interpret einer Coverversion freiwillig unterzuordnen bereit gewesen war.

Dank der Neuveröffentlichung als Box können die Originalalben jetzt erstmals im direkten Vergleich mit künstlerisch absolut eigenständigen Neuaufnahmen gehört werden – und alles wirkt wie aus einem Guss, und das, obwohl bis zu fünf Jahrzehnte, ein halbes Jahrhundert, zwischen den Originalen und ihren heutigen Neuinterpretationen liegen.

Tracklisting:

REWORKS
A1 – NEU! – Im Glück (The National Remix)
A2 – NEU! – Weissensee (Fink Version)
B1 – NEU! – Super (Mogwai Remix)
B2 – Alexis Taylor – 4+1=5
C1 –  NEU! Hallogallo (Stephen Morris and Gabe Gurnsey Remix)
C2 – NEU! – Lieber Honig (Yann Tiersen Remix)
D1 – NEU! – Negativland (Idles Negative Space Rework)
D2 – Guerilla Toss – Zum Herz
D3 – NEU! – After Eight (They Hate Change Cover)

NEU!
01 – Hallogallo
02 – Sonerangebot
03 – Weissensee
04 – Im Glück
05 – Negativland
06 – Lieber Honnig

NEU!2
01 – Für Immer (Forever)
02 – Spitzenqualität
03 – Gedenkminute (Für A+K)
04 – Lila Engel (Lilac Angel)
05 – Neuschnee 78
06 – Super 16
07 – Neuschnee
08 – Cassetto
09 – Halle Excentrico
11 – Super

NEU!75
01 – Isi
02 – Seeland
03 – Leb’ Wohl
04 – Hero
05 – E-Musik
06 – After Eight

NEU!86
01 – Intro
02 – Dänzing
03 – Crazy (Single Edit)
04 – Drive (Grundfunken)
05 – La Bomba (Stop Apartheid World-Wide)
06 – Elanoizan
07 – Wave Mother
08 – Paradise Walk
09 – Euphoria
10 – Vier ½
11 – November
12 – KD

Web:
http://www.michaelrother.de
https://www.groenland.com/artist/neu/

“Hallogallo” (Stephen Morris and Gabe Gurnsey Remix) hier sehen: 

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK - EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND
Musik

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND

LAIBACH teilen weitere Details zu ihrem jüngsten Album ”Wir sind das Volk (ein Musical aus Deutschland”), das am 25. März bei Mute als Deluxe -CD mit umfangreichen Sleevenotes und digital erscheint – die Doppel-LP erscheint am 10. Juni 2022.

Vorab-Auskopplung “Ich will ein Deutscher sein” hier hören:

Das Album bündelt Musik aus der gefeierten Theaterproduktion „Wir sind das Volk“, die am 8. Februar 2020 im Hebbel am Ufer (HAU) in Berlin uraufgeführt wurde. Zwei weitere Vorstellungen schlossen sich an, bevor die Produktion aufgrund der Pandemie eingestellt wurde. Im Jahr 2021 eröffneten Laibach die Klagenfurter Festspiele mit einer slowenischen Version desselben Stücks und gaben zwei weitere ausverkaufte Vorstellungen im Kino Šiška in Ljubljana.

Im März dieses Jahres werden die Aufführungen im Berliner HAU fortgesetzt, weitere Aufführungen in Zagreb, Ljubljana, Hamburg, Maribor und in der Kulturhauptstadt Europas, Novi Sad, sind bereits bestätigt – Einzelheiten siehe unten.

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK - EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND
LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND

„Wir sind das Volk“ basiert auf Schriften des Dramatikers Heiner Müller (1929-1995). Laibachs Verbindung zu Müller reicht weit zurück: Bereits 1984 komponierten sie für das Slowenische Nationaltheater in Ljubljana Musik zu Müllers zwei Jahre zuvor am Bochumer Schauspielhaus uraufgeführten Stück „Quartett“ nach Pierre-Ambroise-François Choderlos de Laclos Briefroman „Gefährliche Liebschaften“ aus dem Jahr 1782, dem Müller die Anweisung „Zeitraum: Salon vor der Französischen Revolution / Bunker nach dem dritten Weltkrieg“ voranstellte. Klassisches Laibach-Material. Im folgenden Jahr trafen sie Müller in Berlin, der ihnen eine Zusammenarbeit für eine zukünftige Inszenierung vorschlug, die leider nie zustande kam – bis die Leiterin der Internationalen Heiner-Müller-Gesellschaft, Anja Quickert, ein posthumes Projekt auf der Grundlage von Müllers Texten vorschlug.

Laibach erklären: „We followed Heiner Müller’s own strategy of cutting and rearranging the material, taking his texts and putting it into another context, rebooting it with music, in order to drag the audience into it or alienate them from it. Music unlocks the emotions and is therefore a great manipulative tool and a powerful propagandistic weapon. And that’s why a combination of Heiner Müller, who saw theatre as a political institution, and Laibach, can be nothing else but a musical.”

Das Artwork und die Innenhülle des nun vorliegenden Albums zeigen Gemälde des österreichisch-irischen Künstlers Gottfried Helnwein, „Epiphanie 2B: Die Anbetung der Hirten“ (Sammlung der Fine Arts Museums of San Francisco) und „Epiphanie I: Anbetung der Könige“ (Sammlung des Denver Art Museum), aus dessen Epiphanie-Serie, die zu seinen bekanntesten Werken gehören und zwei der zentralen Themen seines Werks reflektieren: Kindheit und Nationalsozialismus.

LAIBACH "Wir sind das Volk" credit: Valter Leban
LAIBACH „Wir sind das Volk“ credit: Valter Leban

Mit „Wir sind das Volk“ zeigen Laibach erneut ihr Gespür, gesellschaftliche Verwerfungen in ihre Kunst zu überführen. Der immer schon mindestens ambivalente – und im Deutschen naturgemäß extrafiese – Begriff „Volk“ hat sich seit den „Wir sind das Volk“-Sprechchören von 1989, als die Berliner Mauer fiel, tiefgreifend verändert und ist in den letzten Jahren in ganz Europa und Amerika zu einem Instrument nationalistischer und rassistischer Ausgrenzung geworden.

Anja Quickert führt aus: „Dieses Projekt bringt endlich zusammen, was schon längst hätte geschehen müssen: Laibach und der deutsche Dramatiker und Dichter Heiner Müller zusammen. Der Mythos der Nation kann nicht begraben werden, solange Gespenster sein Fundament untergraben. Der Dialog mit den Toten darf nicht abgebrochen werden, bis sich zeigt, welcher Teil der Zukunft mit ihnen begraben wurde. Willkommen am Abgrund der Nation!“

Editor’s note:
Laibach formierten sich in der damaligen jugoslawischen Industriestadt Trbovlje. Gegründet in dem Jahr, in dem der Gründervater des Landes, Tito, starb, stieg die Band zu einer der international bekanntesten Bands auf, die aus den ehemals kommunistischen Ländern Ost- und Mitteleuropas hervorgegangen sind, und trat kürzlich als eine der ersten Bands in Nordkorea auf. Im Jahr 2019 veröffentlichten sie eine laibachsche Interpretation von „The Sound of Music“, die während ihrer Reise nach Nordkorea entstand. Im Jahr 2020 feierten sie vihr vierzigstes Jubiläum mit „Laibach Revisited“.

LAIBACH – WIR SIND DAS VOLK PERFORMANCES
25. – 28.03.2022 Berlin (DE), HAU Hebbel am Ufer
02.04.2022 HR-Zagreb, Vatroslav Lisinski Hall
08.04.2022 SI-Ljubljana, Cankarjev Dom
28.04.2022 Hamburg, Kampnagel
23. – 24.06.2022 SI-Maribor (SI)
02.07.2022 RS-Novi

Mehr unter: https://www.laibach.org/future-events/

WIR SIND DAS VOLK (EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND) TRACKLISTING
(STUMM472)
01 – Philoktet
02 – Der Vater
03 – Medea Material
04 – Ich bin der Engel der Verzweiflung
05 – Flieger, grüß mir die Sonne
06 – Ordnung und Disziplin (Müller versus Brecht)
07 – Traumwald
08 – Lessing oder Das Ende der Aufklärung
09 – Im Herbst 197.. starb… (instrumental)
10 – Ich will ein Deutscher sein
11 – Ich war die Wunde

Album-Vorbestellungen:

„Ich will ein Deutscher sein“ auf YouTube:

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND (NACH TEXTEN VON HEINER MÜLLER)
VÖ: 25.03.2022 (MUTE/[PIAS])
VORABSTÜCK “ICH WILL EIN DEUTSCHER SEIN”

www.laibach.org
www.mute.com

Music-News

“JOHN McLAUGHLIN: THE MONTREUX YEARS”

“JOHN McLAUGHLIN: THE MONTREUX YEARS” – DAS MONTREUX JAZZ FESTIVAL & BMG KÜNDIGEN DEN NÄCHSTEN RELEASE AUS DER “THE MONTREUX YEARS”-SERIE AN
KURATIERT & ZUSAMMENGESTELLT VON JOHN McLAUGHLIN (VÖ 03.04.2022)

DAS ALBUM LÄSST DIE UNGLAUBLICHEN MONTREUX-AUFTRITTE DES GRAMMY-GEWINNERS ZWISCHEN 1978 & 2016 IN NEU GEMASTERTEM HD-AUDIO REVUE PASSIEREN

London, 19. Januar 2022 – Das Montreux Jazz Festival und BMG kündigen heute mit „John McLaughlin: The Montreux Years“ den nächsten Teil aus der erfolgreichen „The Montreux Years“-Serie an. Das Album erscheint am Freitag, den 04. März 2022. Das Album wurde von John McLaughlin persönlich kuratiert und zusammengestellt; es stellt eine Sammlung seiner besten Auftritte beim Montreux Jazz Festival zwischen 1978 und 2016 dar. Zu voller Pracht wiederhergestellt und neu gemastert, wird der Release in verschiedenen Formatkonfigurationen erhältlich sein. Darunter eine „Superior Audiophile“-Fassung in schwerem Vinyl, als CD und auf den bekannten Streamingdiensten in aller höchstem HD-Audio- Standard.

Als einer der „100 Greatest Guitar Players Of All Time“ des berühmten Rolling Stone Magazins verbindet John McLaughlin eine langjährige Freundschaft mit dem Montreux Jazz Festival, auf dem er viele Male zu Gast war. Die in der neuen Sammlung enthaltenen Mitschnitte wurden aus insgesamt sechs Shows zwischen den Jahren 1978 und 2016 ausgewählt und zeigen McLaughlin in verschiedenen Ensembles wie dem Mahavishnu Orchestra, in der Besetzung des „The Heart Of Things“-Albums, mit The Free Spirits, mit The 4th Dimension sowie gemeinsam mit seinem Virtuosen-Musikerkollegen und engen Freund Paco de Lucia.

„John McLaughlin: The Montreux Years“ fängt McLaughlin perfekt während des ikonischen Schweizer Festivals ein, wie schon der aus dem Jahr 1984 stammende Opening-Track „Radio Activity“ demonstriert, auf dem er mit dem in den 1980er-Jahren für das „Mahavishnu“-Album reformierten Mahavishnu Orchestra zu hören ist.

Montreux le 15 juillet 1987 Montreux Jazz Festival , MCLAUGHLIN et Paco de Lucia ©2021 Studio Edouard Curchod, tous droits rŽservŽs

Alle Fans des britischen Jazz Fusion-Vorreiters dürfen nun noch einmal in das großartige und klassische Oevre eintauchen, mit dem McLaughlin seine Karriere definiert hat. Darunter auch der Track „Acid Jazz“ vom „The Heart Of Things“-Album. Ein weiterer Einblick in McLaughlins eindrucksvolles Repertoire wird auf „John McLaughlin: The Montreux Years“ in Form der Tracks „Sing Me Softly Of The Blues“ vom 1994er „After The Rain“-Album und „El Hombre Que Sabia“ von McLaughlins Studioalbum „Black Light“ gegeben.

John McLaughlin über „John McLaughlin: The Montreux Years“: „Heute über das Montreux Jazz Festival zu sprechen ist mit so vielen wundervollen Erinnerungen verbunden. Diese Verbundenheit geht weit zurück ins Jahr 1971; wir schauen also auf runde fünfzig Jahre gemeinsamer Geschichte! Ob es sich um die verschiedenen Besetzungen des Mahavishnu Orchestra, Shakti, The One Truth Band, The Free Spirits, „The Heart Of Things“, Carlos Santana oder den späten, großartigen Paco de Lucia handelt – die Liste an schönen Erinnerungen ist schier endlos. Nicht nur an sämtliche meiner Auftritte beim Montreux, auch an meine anderen Besuche bei meinem lieben Freund und Gründer Claude Nobs, an all meine anderen Freunde bei diesem Festival, an die gemeinsamen Jam-Sessions, an die Wanderungen in der ländlichen Gegend außerhalb dieser liebenswerten Stadt. Montreux ist ein großer Teil meiner Lebensgeschichte– musikalisch wie auch persönlich. Diese Auswahl meiner Auftritte zu teilen, macht mich wirklich glücklich.“

MJF_1998_MCLAUGHLIN _HEART_OF_THINGS

Als einer der größten Gitarristen in der Musikgeschichte wird John McLaughlin als einer der wichtigsten Einflüsse von vielen Künstlern der 1970er- und `80er-Jahre genannt. Darunter bekannte Musiker wie Steve Morse, Eric Johnson, Mike Stern und viele andere. 2018 wurde er für sein Solo auf „Miles Beyond“ von seinem „Live At Ronnie Scott`s“-Album mit einem Grammy in der Kategorie „Best Improvised Jazz Solo“ ausgezeichnet.

Im Jahr 2021 ins Leben gerufen, fängt die „The Montreux Years“-Serie den Geist des legendären Montreux Jazz Festivals ein und stellt gleichzeitig das Vermächtnis seines beliebten Gründers Claude Nobs dar. Nobs war für seine Weigerung bekannt, irgendwelche Qualitätsabstriche zu machen, sondern sich ausschließlich mit dem Besten zufriedenzugeben.

Ein Ethos, der bis heute in der superben Aufnahmequalität von „The Montreux Years“ weiterlebt. Das Mastering wurde von Tony Cousins in den ikonischen Metropolis Studios in London vorgenommen. Mithilfe der MQA-Technik wurde der Original-Sound der Liveauftritte authentisch festgehalten. Wie vorherige Veröffentlichungen aus der „The Montreux Years“-Serie wird auch „John McLaughlin: The Montreux Years“ von exklusiven, von John McLaughlin höchstpersönlich verfassten Linernotes sowie bisher unveröffentlichtem Fotomaterial abgerundet.

Montreux le 18 JUILLET 1984 MONTREUX JAZZ FESTIVAL MAHAVISHNU – John Mc LAUGHLIN. © 2021 Studio Edouard Curchod tous droits rŽservŽs

„John McLaughlin: The Montreux Years“ stellt den fünften Teil der „The Montreux Years“-Serie dar und ist ab sofortvorbestellbar. Das Album erscheint am Freitag, den 04. März 2022. Weitere Teile der Serie umfassen exklusive Aufnahmen von Musiktitanen wie Nina Simone, Etta James, Marianne Faithfull und Muddy Waters. Der erste Teil „Nina Simone: The Montreux Years“ wurde weltweit von Fans und Medien gefeiert. Das Album stieg 2021 auf den 1. Platz der britischen Jazz & Blues Charts ein und wurde von der New York Times sowie JazzFM als „Album des Jahres“ gelobt.

LP-TRACKLISTING

Side A
1. Radio Activity (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
2. Friendship (Live – Montreux Jazz Festival 1978)

Side B
1.Nostalgia (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
2. Acid Jazz (Live – Montreux Jazz Festival 1998)

Side C
1. David (Live – Montreux Jazz Festival 1987)
2. Florianapolis (Live – Montreux Jazz Festival 1987)

Side D
1. Sing Me Softly of the Blues (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
2. El Hombre Que Sabià (Live – Montreux Jazz Festival 2016)

CD-TRACKLISTING
1. Radio Activity (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
2. Nostalgia (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
3. Acid Jazz (Live – Montreux Jazz Festival 1998)
4. David (Live – Montreux Jazz Festival 1987)
5. Sing Me Softly of the Blues (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
6. Florianapolis (Live – Montreux Jazz Festival 1987)
7. El Hombre Que Sabià (Live – Montreux Jazz Festival 2016)

Über das Montreux Jazz Festival:

Das Montreux Jazz Festival renommiertes Musikfestival, das von Claude Nobs ins Leben gerufen wurde und alljährlich über zwei Juli-Wochen im schweizerischen Montreux stattfindet. In seinem 55. Bestehensjahr ist das Event Anziehungspunkt für 250.000 Musikliebhaber, die aus aller Welt an die Ränder des Genfer Sees pilgern. Das Montreux Jazz Festival feiert einerseits die aufstrebendsten und aktuellsten Acts, während man sich gleichzeitig vor weltbekannten Musiklegenden verneigt. Zu seiner Gründung im Jahr 1967 ursprünglich als reines Jazz-Festival geplant, entwickelte sich Montreux in den letzten Jahrzehnten zur Bühne für die verschiedensten Stile und präsentiert heute KünstlerInnen jedes erdenklichen Genres. In der Vergangenheit waren internationale Größen wie Etta James, Bob Dylan, Elton John, Ms Lauren Hill, Aretha Franklin, David Bowie, James Brown, Kendrick Lamar, Leonard Cohen, Marvin Gaye, Miles Davis, Nina Simone und viele andere auf den Brettern des Montreux Jazz Festivals zu erleben. Seit 2013 ist Mathieu Jaton als CEO des Montreux Jazz Festivals tätig.

Über MQA:

Anhand von wissenschaftlichen Untersuchungen über das menschliche Hören hat das MQA-Team eine Technologie entwickelt, die den Klang von Studioauftritten authentisch einfängt. Das MQA-File ist vollumfänglich zertifiziert. Es ist klein genug für das Streaming und ebenfalls voll kompatibel, so dass es auf jedem Gerät abgespielt werden kann. Die preisgekrönte MQA-Technologie wird weltweit von Labels, Musikanbietern und Hardware-Herstellern lizensiert und wird von der RIAA unterstützt. MQA ist eine in der UK ansässige Privatfirma. www.mqa.co.uk

JOHN McLAUGHLIN: The Montreux Years
1CD, 2LP, Digitale Formate
VÖ: 04.03.2022

Music-News

STEVE VAI “INVIOLATE”

Los Angeles, CA – Steve Vai und Favored Nations/Mascot Label Group kündigen das neue Studioalbum mit dem Titel “Inviolate” für den 28. Januar 2022 als CD und Digital an.  Die LP-Veröffentlichung wird am 18. März folgen.

Mit „Little Pretty“ wird heute der erste Song vorab veröffentlicht…

Official Visualizer “Little Pretty”:

Pre-Order: https://smarturl.it/steve_vai

Die Aufnahme ist ein dunkel getöntes Fusion-Funk-Workout, das fast ausschließlich auf einer Gretsch-Hollowbody-Gitarre gespielt wird. Was Vai zu dem (zumindest für ihn) ungewöhnlichen Modell geführt hat, erklärt er so: „Sie hängt mit all den anderen Gitarren an der Wand, und ich habe sie immer nur angeschaut und gedacht: ‚Eines Tages werde ich dich spielen…'“. Er fährt fort: „Beim Schreiben der Akkordwechsel für den Soloteil und das Solo selbst habe ich tief in meinen akademischen Musiktheorie-Kopf gegraben, um eine Reihe von Akkordwechseln zu schaffen, bei denen sich die harmonische Atmosphäre bei jedem Wechsel verändert. Die dichten Akkordstrukturen erforderten eine Reihe von synthetischen Modi, um sich darin zurechtzufinden. Diese Herangehensweise entspricht der von Jazz- und Fusion-Spielern, aber ich wusste, dass ich nicht wollte, dass es so klingt, und das Solo musste absolut melodisch sein. Das Ergebnis war ziemlich kraftvoll, da der gesamte Soloteil melodische atmosphärische Veränderungen hervorruft, die sich dramatisch verändern, und trotzdem gut zusammenarbeiten.“ 

Im Laufe seiner mehr als 40-jährigen Karriere hat Steve Vai regelmäßig das scheinbar Unmögliche in etwas sehr, sehr Mögliches verwandelt… was im Grunde ganz schön unverschämt ist. Von seinen Tagen als Frank Zappa „Stunt-Gitarrist“ bis hin zu seinen neueren, expansiven und forschenden Soloarbeiten hat Vai immer wieder die Vorstellungen von traditionellem Gitarrenspiel und Komposition in Frage gestellt – und bei mehr als einer Gelegenheit sogar selbst das Instrument neu erfunden.

Was, wie er zugibt, nicht unbedingt seine Absicht ist. „Ich sitze nicht herum und sage: ‚Okay, was kann ich jetzt tun, um Grenzen zu überschreitet'“, erklärt Vai seine Herangehensweise an die Gitarre. „Was ich zu mir selbst sage, ist: ‚Okay, Vai – was wirst du jetzt tun, das dich interessieren wird, das dich faszinieren wird und das anders ist als alles, was du bisher gemacht hast?“

Gleichzeitig präsentiert “Inviolate” seine fokussierteste, straffe und vielleicht belebendste Musik seit Jahren. „Es ist sehr ‚Vai‘, was auch immer das heißen mag“, sagt er und lacht dann. „Jemand anders kann vielleicht besser erklären, was das ist als ich. Aber es ist einfach sehr ehrliche Musik. Denn viele meiner Platten sind lang und es gibt viele Konzepte und Geschichten, mit denen ich herumspiele. Diese Platte hat nichts von alledem. Es handelt sich um neun ziemlich dichte, rein instrumentale Kompositionen, die ich festhalten und aufnehmen wollte, damit ich sie den Fans auch live präsentieren kann.“

Der hypnotische Opener des Albums, „Teeth of the Hydra“, ist eine gewundene, Latin-Fusion-angehauchte Komposition, die Vai mit einer einzigartigen Spezialgitarre schrieb und aufnahm, die er Hydra nannte. Aber die Hydra als bloße Gitarre zu bezeichnen, wäre viel, viel zu kurz gegriffen. Die Hydra wurde in Zusammenarbeit mit den Designern der Firma Hoshino (Ibanez) gebaut und basiert auf einer „Steampunk-Motiv“-Idee von Vai. Sie ist ein Biest von einem Instrument – eine einteilige Kreatur mit zwei Köpfen und drei Hälsen, die unter anderem mit sieben- und 12-saitige Gitarren, einen viersaitigen Bass, Harfensaiten, halbfreie Hälse, Single-Coil-, Humbucking-, Piezo- und Sustainer-Tonabnehmer, schwebende und Hardtail-Tremolo-Brücken, Phasensplitter und vieles, vieles mehr gespickt ist.

„Es ist eine unglaublich gut gebaute Maschine“, sagt Vai. „Ich habe den Jungs bei Hoshino gesagt: ‚Alles, was ihr für konventionell haltet, macht das nicht. Das war eine Gelegenheit, brutale Kreativität auszuleben. Und sie sind darüber hinausgegangen.“

Genau wie Vai mit seiner Performance. Während des gesamten Stücks setzt er die gesamte Klangpalette der Hydra ein, um einen Gitarrenpart zu gestalten, der in seiner Ausdehnung und Ausdruckskraft geradezu lebendig klingt. „Das Interessante an dem Song und der Gitarre ist, dass alles zur gleichen Zeit entstanden ist“, sagt Vai. „Es war eine dieser ‚unantastbaren‘ Inspirationen – bumm!“

“Ich wusste, dass ich mit der Hydra etwas schaffen musste, das wie ein echtes Musikstück klang“, fährt er fort. “Es durfte nicht nur eine Neuheit sein. Denn wenn man wüsste, was meine Hände machen und wie ich meine linke Hand benutze, um Phrasierungen zu kreieren, die funktionieren, wenn ich keine Note greifen kann, weil meine rechte Hand woanders ist… mein Gott. Aber das fertige Stück musste für sich selbst stehen. Es durfte nicht so klingen, als würde ich einfach nur mit Sachen jonglieren.“

Im Laufe des Jahres 2021 wurden mehrere dieser Kompositionen der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Vai komponierte und nahm den Song „Knappsack“ nach seiner Schulteroperation zu einer Zeit auf, als sein rechter Arm in einer Schlinge (oder, wie sein Chirurg Dr. Knapp es nannte, einem „Knappsack“) steckte und er daher nur seine linke Hand benutzen konnte, um das Stück zu spielen.

Er veröffentlichte ein Video mit einer einhändigen Darbietung, das hier zu sehen ist: :

Er sagt lachend: „Bald darauf sah ich einige Clips von jungen Kids, die das auch schafften, was schon echt faszinierend ist.“

Die bereits von ihm Anfang 2021 aufgenommenen Songs, wozu auch  “Candle Power” gehört, wurden nun von einer Band unterstützt, die aus Bassisten Bryan Beller, Philip Bynoe und Henrik Linder, sowie Keyboarder David Rosenthal bestand. Am Schlagzeug ist Zappa-Kollege Terry Bozzio und Vinnie Colaiuta zu hören.

Oder nimm den Track „Apollo in Color“, bei dem Vai seine hochfliegenden Läufe auf seiner Ibanez PIA Signature-Gitarre (das neu entworfene Modell ist übrigens das erste Mal auf einem Vai-Studioalbum zu hören) mit filigranen Klängen auf allen möglichen exotischen Saiteninstrumenten unterlegt. Im Grunde geht es darum, seine eigene Stimme zu finden und dann den Mut und die Überzeugung zu haben, seinen musikalischen und kreativen Instinkten zu folgen, wohin auch immer sie einen führen mögen – etwas, das Vai bei seinem Spiel nie gescheut hat.
„Eines der großartigen Dinge an der Gitarre ist, dass man kein Virtuose sein muss, um seine kreative Vision auszudrücken“, sagt er. „Ich meine, Bob Dylan spielt die Gitarre perfekt für seinen Ausdruck. Das gilt auch für John McLaughlin. Man muss nur entscheiden, wie viel Technik man will oder braucht, um ans Ziel zu kommen. Ich selbst wollte und brauchte das alles. Wenn es um meine Musik geht, habe ich nicht das Gefühl, dass ich irgendetwas beweisen oder mich an etwas anpassen muss. Ich liebe es einfach, mir kreative Ideen auszudenken und sie dann mit allen mir zur Verfügung stehenden Mitteln umzusetzen.“

„Eine unantastbare (Inviolate) Inspiration ist eine, die völlig rein zu dir kommt“, erklärt Vai. „Sie erscheint fast in ihrer Vollständigkeit, und man erkennt, dass sie für einen richtig ist. Da gibt es für dich keine Ausreden mehr. Du wirst nur noch die Erkenntnis haben und kannst dann deiner Kreativität freien Lauf lassen. Hoffentlich ist mir das mit dieser Platte gelungen.“


ABOUT STEVE VAI:
Steve Vai ist ein virtuoser Gitarrist, Komponist und Produzent, der von vielen als einer der größten Gitarristen aller Zeiten angesehen wird. In über 40 Jahren in der Branche hat Vai mehr als 15 Millionen Platten verkauft, drei Grammy Awards erhalten und mit Musiklegenden wie Frank Zappa, David Lee Roth und David Coverdale (Whitesnake) gespielt. Er war gemeinsam mit Zakk Wylde, Yngwie Malmsteen, Nuno Bettencourt und Tosin Abasi Gründer der Supergroup Generation Axe. Tourte ausgiebig als Solo-Künstler oder dem Live-Projekte G3 (in Zusammenarbeit mit verschiedenen Tournee-Besetzungen mit Joe Satriani, John Petrucci, Eric Johnson, Yngwie Malmsteen und Steve Lukather). Außerdem ist Vai der Autor von Vaideology: Basic Music Theory for Guitar Players (Hal Leonard), seinem ersten Musiktheorie-Buch, das sowohl Anfängern als auch erfahrenen Gitarristen helfen soll.

Eine vollständige Diskografie und mehr findest Du unter: www.vai.com

Online:
https://www.vai.com/
www.facebook.com/stevevai
www.instagram.com/stevevaihimself
www.twitter.com/stevevai
www.youtube.com/user/SteveVaiHimself

Music-News, Musik

DEEP PURPLE – „Turning To Crime“

DEEP PURPLE veröffentlichen „Turning To Crime“ – offizielles Album Pre-Listening auf Youtube l VÖ: 26.11.21

DEEP PURPLE – „Turning To Crime“ (earMUSIC / Edel Germany)

Das neue Album, das von earMUSIC veröffentlicht wird, erreicht die weltweite Gemeinschaft treuer Deep Purple-Fans nur 15 Monate nach dem letzten Deep Purple-Studioalbum „Whoosh!“. Einem Album, das von prestigeträchtigen Chart-Erfolgen (drei aufeinanderfolgende #1-Platzierungen in Deutschland sowie #4 in Großbritannien) gekrönt und von Kritikern gelobt wurde, die die kreative Stärke einer Band lobten, die sich mit jeder Veröffentlichung weiterentwickelt.

„Turning To Crime“ ist das erste Studioalbum von Deep Purple, das ausschließlich aus Songs besteht, die nicht von der Band selbst geschrieben und zuvor von anderen Künstlern aufgenommen wurden.

Da die Bandmitglieder nicht nur auf das Album, sondern auch auf die vielfach exzellenten Rückmeldungen aus den verschiedensten Kritikerumfeldern stolz sind, ermöglichen sie ihren Fans einen akustischen Gesamteindruck von „Turning to Crime“ mit einem offiziellen Pre-Listening auf Youtube:

Deep Purple „Turning To Crime“ – Official Pre-Listening:

Das neue Album kann hier bestellt werden…

Der Trailer zur Dokumentation ermöglicht interessante Eindrücke, unter welchen Bedingungen die Bandmitglieder dieses außergewöhnliche Album entwickelt und produziert haben:

Deep Purple – Turning to Crime – Documentary Trailer:

Die „Time Trilogy“, bestehend aus „NOW What?!“, „inFinite“ und „Whoosh!“ (2013, 2017 und 2020) verkaufte sich über 1 Millionen Mal, führte 11 Mal die Charts an und erreichte weltweit mehr als 40 Top-10-Platzierungen.

Produzent und Freund Bob Ezrin, der mit Deep Purple bereits an den vorherigen Alben der „Trilogie“ arbeitete, war auch bei der neuen Studioarbeit wieder ein wichtiger Bestandteil.

Weitere Infos:
Turning to Crime Landingpage
Facebook
Instagram
Twitter
www.ear-music.net

Photocredit: earMUSIC

Music-News, Musik

GARBAGE – „beautifulgarbage“ (Reissue)

Zum 20. Jubiläum ihres dritten, ikonischen Studioalbums „beautifulgarbage“ veröffentlichen GARBAGE am 5. November 2021 ein Reissue in verschiedenen Formaten.

GARBAGE – „beautifulgarbage“ (Reissue) (Stunvolume / BMG / ada / Warner)

So finden sich auf der Tracklist der CD-Edition einige extravagante Re-Mixes, die seinerzeit in der Club-Szene große Beachtung fanden – und die bis heute überzeugen. Anfang des Nuller-Jahre durfte man sich nicht wundern, wenn bei einem Dance-Club-Besuch remixed GARBAGE-Hits aufgelegt wurden: Sie begeisterten das Publikum auf der ganzen Welt in den angesagtesten Szenedancefloors.

So begegneten sich der New Yorker Produzent und House-DJ Roger Sanchez mit der Band auf Augenhöhe, als sein Song „Another Chance“ 2001 weltweit zum Hit wurde. In seiner Remix-Version des GARBAGE-Klassikers „Cheery Lips (Go Baby Go!)“ brach er den Song komplett auf, indem er Shirley Mansons Vocals fast in Alleinstellung setzte und dem Titel mit technoiden Dance-Floor-Grooves, Sequenzern und Sounds eine völlig neue Anmutung gab:

Garbage – Cherry Lips (Go Baby Go!) (Roger Sanchez Tha S-Man’s Release Mix Radio Edit):

Der deutsche Techno- und House-DJ Timo Maas hingegen nahm dem „Breaking Up The Girl“ die klassische, ironisch-fröhliche Strophe-/Chorus-Songstruktur und drehte ihn durch eine rhythmische Komplettumstellung unter Verwendung neuer Drumpattern und Bass-Sequenzer zu einem fast souligen, kultigen Clubtrack:

Garbage – Breaking Up The Girl (Timo Mass Radio Mix) (Official Music Video):

Einen ganz anderen Weg schlug der englische Produzent Jagz Kooner ein, der dem ursprünglichen mid-tempo Rocker „Shut Your Mouth“ durch seine Remixauffassung und völlig aufgedrehte Indie-Electronia-Sequenzer die Tür für ein völlig anderes Publikum öffnete:

Garbage – Shut Your Mouth (Jagz Kooner Radio Mix):

Die Band hat auch eine bisher ungehörte Version von Androgyny, der Lead-Single des Albums, enthüllt. Der Track bietet lyrische Inhalte und eine Botschaft, die bei der ersten Veröffentlichung im Jahr 2001 seiner Zeit voraus war und den neuen, poppigen Sound von Garbage widerspiegelte.

Garbage – Androgyny (Rough Mix) [Visualizer]:

Über die Neuauflage von „beautifulgarbage“ sagt Shirley Manson:

„Wir wollten die Veröffentlichung unseres dritten Albums genauso feiern, wie wir das 20-jährige Jubiläum unserer beiden vorherigen Alben gefeiert haben, da wir dieses dritte Kind von uns genauso schätzen wie seine Vorgänger. Im Laufe der Zeit hat es sich bei unseren Fans immer mehr Respekt verschafft, und viele der Songs sind bis heute in unseren Live-Sets enthalten. Wir waren immer unglaublich stolz auf dieses Album und hatten das Gefühl, dass es seiner Zeit in vielerlei Hinsicht weit voraus war.

Zwanzig Jahre später sind wir alle überaus dankbar, so gut gemachte Songs in unserer Diskographie zu haben und sind sehr stolz darauf, dass wir trotz aller Widrigkeiten immer noch bestehen und unserem geliebten Album den Tribut zollen können, den es so sehr verdient.“

Das Album „beautifulgarbage“ erweiterte die musikalische Vielfalt der Band mit direkteren Texten und Sounds, die Rock mit elektronischen, New Wave-, Hip-Hop- und Girlgroup-Einflüssen mischen.

Die brandneue Ausgabe des Albums mit dem Remastering der Originalaufnahmen erscheint in den Formaten Deluxe, LP, CD und Digital. Die Deluxe Edition enthält „beautifulgarbage „auf 2 x schwerem schwarzem Vinyl sowie 12“ B-Seiten und Memorabilien. Die beiden Doppel-LP-Formate wurden auf schweres schwarzes bzw. weißes Spezialvinyl gepresst. Die Neuauflage erscheint außerdem als 3CD mit Originalalbum, B-Seiten, Demos und Remixen in einer Deluxe-Verpackung.

Garbages 20. Jubiläums-Neuauflage von „beautifulgarbage“ erscheint am 5.November – das Album hier vorbestellt werden.

„beautifulgarbage“-Tracklisting Neuauflage zum 20. Jubiläum:

CD1
Shut Your Mouth (2021 Remaster)
Androgyny (2021 Remaster)
Can’t Cry These Tears (2021 Remaster)
Til The Day I Die (2021 Remaster)
Cup Of Coffee (2021 Remaster)
Silence Is Golden (2021 Remaster)
Cherry Lips (2021 Remaster)
Breaking Up The Girl (2021 Remaster)
Drive You Home (2021 Remaster)
Parade (2021 Remaster)
Nobody Loves You (2021 Remaster)
Untouchable (2021 Remaster)
So Like A Rose (2021 Remaster)

CD2: B-sides & Alternative Versionen
Candy Says
Use Me
Sex Never Goes Out Of Fashion
Begging Bone
April 10th
Happiness Pt.2
Confidence
Enough Is Never Enough
Wild Horses (Live)
I’m Really Into Techno
Pride In The Name Of Love*
Androgyny (Rough Mix March 14, 2001)*
Til The Day I Die (Demo Sept 14, 1999)*
Nobody Loves You (Rough Mix March 14, 2001)*
Breaking Up The Girl (Acoustic)
Silence Is Golden (Demo Sept 14, 1999)*
Can’t Cry These Tears (Rough Mix March 14, 2001)*
Shut Your Mouth (Live)
Begging Bone (Early Demo Mix)

CD3: Remixes
Shut Your Mouth (Jagz Kooner Radio Mix)*
Shut Your Mouth (Jolly Music Scary Full Vocal Mix)
Shut Your Mouth (Professor Reay Clubbed Dead Pig Mix)
Androgyny (Neptunes Remix)
Androgyny Felix Da Housecat (Thee Glitz Mix)
Androgyny (The Architechs Mix)
Breaking Up The Girl (Timo Maas Radio Mix)
Breaking Up The Girl (Brothers In Rhythm Radio Edit)
Breaking Up The Girl (The Scourge Of The Earth Rodeo Rave Remix by Jimmy Caulty)
Breaking Up The Girl (Black Dog Wounded By The Warbeast)
Cherry Lips (Go Baby Go!) (Le Royale Mix)
Cherry Lips (Go Baby Go!) (Mauve’s Dark Remix With Acapella edit)
Cherry Lips (Go Baby Go!) (DJEJ’s Go Go Jam by Eli Janney)
Cherry Lips (Go Baby Go!) (Roger Sanchez Tha S-Man’s Release Mix (Radio) Edit)
Cherry Lips (Go Baby Go!) (Howie B Remix)
Parade End Of Night Mix*

*bisher unveröffentlichtes Material

Weitere Informationen GARBAGE:
Website: www.garbage.com
Instagram: Garbage.lnk.to/InstagramID
Twitter: Garbage.lnk.to/TwitterID
Facebook: Garbage.lnk.to/FacebookID

Photocredit: Rankin

SODOM veröffentlichen M-16 - 20TH Anniversary Edition
Music-News

SODOM veröffentlichen Lyric Video zu “Remember The Fallen (Live At Wacken 2001)”

SODOM veröffentlichen Lyric Video zu “Remember The Fallen (Live At Wacken 2001)” M-16 – 20TH Anniversary Edition des Anti-Kriegsalbums am 26.11.2021

SODOM veröffentlichen M-16 - 20TH Anniversary Edition
SODOM veröffentlichen M-16 – 20TH Anniversary Edition

Fast auf den Tag genau 20 Jahre ist es her, dass die weltweit gefeierten Thrash-Metaller Sodom eines der wichtigsten Alben ihrer Karriere veröffentlichten: ‚M-16‘, ein Werk, das musikalisch wie inhaltlich an den Nerven zerrt und bis heute den Finger in eine unverändert offene Wunde der Menschheitsgeschichte legt. Thema des Konzeptalbums ist der Vietnamkrieg, der in den 1960ern zwischen Nord- und Südvietnam tobte und in dem sich zeitweise 500.000 US-Soldaten erbitterte Kämpfe mit Verbänden des Ostblocks lieferten.

In Songs wie ‚Among The Weirdcong’, ‚Napalm In The Morning’, ‚Minejumper’ oder ‚Cannon Fodder‘ haben die seinerzeit am Album beteiligten Musiker Tom Angelripper (Gesang, Bass), Bernemann (Gitarre) und Bobby Schottkowski (Schlagzeug) auf eindrucksvolle Weise Bilder von Krieg, Verrohung und Verwüstung, von Missständen und Auswüchsen westlicher Zivilisation in harsche Metal-Klänge und unmissverständliche Worte gekleidet.

Mit ‚M-16‘ setzten Sodom ihre Tradition politisch engagierter und sozialkritischer Scheiben wie ‚Agent Orange‘ (1989) oder ‚Code Red‘ (1999) fort. Kein Zweifel: Im Herbst 2001 gelang Sodom ein Meisterwerk der internationalen Metal-Historie, das nun am 26. November 2021 neu gemastert vom Sodom-Schlagzeuger Toni Merkel, mit umfangreichem Bonusmaterial und attraktiven Fan-Items in einer hochwertigen Aufmachung wiederveröffentlicht wird.

Brandneu gibt es nun das Lyric Video zu “Remember The Fallen (Live At Wacken 2001)“, hier zu sehen:

Oder hier zu hören: https://SodomOfficial.lnk.to/RTFPR

‚M-16 (20th Anniversary Edition)‘ erscheint in drei unterschiedlichen Formaten (Tracklisting siehe unten): Als aufwändiges Boxset mit dem remasterten Originalalbum inklusive Bonus-Livetracks, zwei zusätzlichen Bootleg-LPs mit weiteren bislang unveröffentlichten Live-Versionen (aufgenommen in Deutschland, Thailand, Japan), einem USB-Stick im Look einer Gewehrpatrone mit sämtlichen Albumsongs, einer militärischen Sodom-Erkennungsmarke, einem Poster mit dem Cover-Artwork plus einem 44-seitigen Booklet mit raren Fotos sowie Linernotes von Tom Angelripper.

Im Booklet erzählt der früherer ‚Metal Hammer‘-Mitarbeiter Manni Eisenblätter, aus dessen Archiv zahlreiche unveröffentlichte Sodom-Fotos stammen, die Geschichte rund um die Entstehung und Promotion des Albums, für welches die Band wenige Wochen vor Release extra nach Thailand und Südvietnam gereist war, um sich vor Ort ein Bild vom durch den verheerenden Krieg gezeichneten Vietnam zu machen.

Das CD-Mediabook umfasst neben den remasterten Originalsongs zwei unveröffentlichte Live-Tracks aus dem Jahr 2001 und zeigt weitere unveröffentlichte Sodom-Fotos, die ebenso auf der orangenen Vinyl-Version (2LP, 180g) zu finden sind.

Auch in der Retrospektive von zwei Jahrzehnten bleibt ‚M-16‘ für Bandleader Tom Angelripper ein ganz besonderes Album: „Die Scheibe gehört zweifellos zu den Sodom-Klassikern, allein schon wegen des durchgehenden thematischen Konzepts. Außerdem war es unsere letzte Zusammenarbeit mit Produzent Harris Johns und beendete somit eine wichtige Ära der Band. Ich bin sehr glücklich, dass ‚M-16‘ jetzt als ‚20th Anniversary Edition‘ in neuen Versionen und mit viel Liebe zum Detail ausgestattet wieder auf den Markt kommt.“

Erhältlich als
Deluxe 4LP Boxset / 2LP / 1CD Mediabook
VÖ: 26. November 2021 (BMG/ADA)

Jetzt vorbestellen:
https://SodomOfficial.lnk.to/M-16PR

TRACKLISTING

CD
Among The Weirdcong * I Am The War * Napalm In The Morning * Minejumper * Genocide * Little Boy * M-16 * Lead Injection * Cannon Fodder * Marines * Surfin` Bird * Remember The Fallen (Live Wacken 2001, previously unreleased) * Blasphemer (Live Wacken 2001, previously unreleased)

LP
LP1-A: Among The Weirdcong * I Am the War * Napalm In The Morning
LP1-B: Minejumper * Genocide * Little Boy
LP2-A: M-16 * Lead Injection * Cannon Fodder
LP2-B: Marines * Surfin` Bird * Remember the Fallen (Live Wacken 2001, previously unreleased) * Blasphemer (Live Wacken 2001, previously unreleased)

BOX
LP1-A: Among The Weirdcong * I Am The War * Napalm In The Morning
LP1-B: Minejumper * Genocide * Little Boy
LP2-A: M-16 * Lead Injection * Cannon Fodder
LP2-B: Marines * Surfin` Bird * Remember The Fallen (Live Wacken 2001, previously unreleased) * Blasphemer (Live Wacken 2001, previously unreleased)

Bootleg LP1-A: Live Wacken 2001 (previously unreleased): Agent Orange * Code Red * Der Wachturm * M-16
Bootleg LP1-B: Live Tokyo 2002 (previously unreleased): Among The Weirdcong * The Vice Of Killing * Eat Me
Bootleg LP2-A: Live Bang Your Head 2003 (previously unreleased): The Saw Is the Law * Outbreak Of Evil * Bombenhagel
Bootleg LP2-B: Live Bangkok 2002: I Am The War * Masquerade In Blood * Sodomized

Musik

SODOM veröffentlichen M-16 – 20TH Anniversary Edition

SODOM veröffentlichen M-16 – 20TH Anniversary Edition des Anti-Kriegsalbums am 26.11.2021

SODOM veröffentlichen M-16 - 20TH Anniversary Edition
SODOM veröffentlichen M-16 – 20TH Anniversary Edition

Fast auf den Tag genau 20 Jahre ist es her, dass die weltweit gefeierten Thrash-Metaller Sodom eines der wichtigsten Alben ihrer Karriere veröffentlichten: ‚M-16‘, ein Werk, das musikalisch wie inhaltlich an den Nerven zerrt und bis heute den Finger in eine unverändert offene Wunde der Menschheitsgeschichte legt. Thema des Konzeptalbums ist der Vietnamkrieg, der in den 1960ern zwischen Nord- und Südvietnam tobte und in dem sich zeitweise 500.000 US-Soldaten erbitterte Kämpfe mit Verbänden des Ostblocks lieferten.

In Songs wie ‚Among The Weirdcong’, ‚Napalm In The Morning’, ‚Minejumper’ oder ‚Cannon Fodder‘ haben die seinerzeit am Album beteiligten Musiker Tom Angelripper (Gesang, Bass), Bernemann (Gitarre) und Bobby Schottkowski (Schlagzeug) auf eindrucksvolle Weise Bilder von Krieg, Verrohung und Verwüstung, von Missständen und Auswüchsen westlicher Zivilisation in harsche Metal-Klänge und unmissverständliche Worte gekleidet. Mit ‚M-16‘ setzten Sodom ihre Tradition politisch engagierter und sozialkritischer Scheiben wie ‚Agent Orange‘ (1989) oder ‚Code Red‘ (1999) fort.

Kein Zweifel: Im Herbst 2001 gelang Sodom ein Meisterwerk der internationalen Metal-Historie, das nun am 26. November 2021 neu gemastert vom Sodom-Schlagzeuger Toni Merkel, mit umfangreichem Bonusmaterial und attraktiven Fan-Items in einer hochwertigen Aufmachung wiederveröffentlicht wird.

Erhältlich als
Deluxe 4LP Boxset / 2LP / 1CD Mediabook
VÖ: 26. November 2021 (BMG/ADA)

Jetzt vorbestellen:
https://SodomOfficial.lnk.to/M-16PR

Jetzt die neue Single anhören: “Remember The Fallen”
(Live Wacken 2001): https://SodomOfficial.lnk.to/RTFPR

‚M-16 (20th Anniversary Edition)‘ erscheint in drei unterschiedlichen Formaten (Tracklisting siehe unten): Als aufwändiges Boxset mit dem remasterten Originalalbum inklusive Bonus-Livetracks, zwei zusätzlichen Bootleg-LPs mit weiteren bislang unveröffentlichten Live-Versionen (aufgenommen in Deutschland, Thailand, Japan), einem USB-Stick im Look einer Gewehrpatrone mit sämtlichen Albumsongs, einer militärischen Sodom-Erkennungsmarke, einem Poster mit dem Cover-Artwork plus einem 44-seitigen Booklet mit raren Fotos sowie Linernotes von Tom Angelripper.

Im Booklet erzählt der früherer ‚Metal Hammer‘-Mitarbeiter Manni Eisenblätter, aus dessen Archiv zahlreiche unveröffentlichte Sodom-Fotos stammen, die Geschichte rund um die Entstehung und Promotion des Albums, für welches die Band wenige Wochen vor Release extra nach Thailand und Südvietnam gereist war, um sich vor Ort ein Bild vom durch den verheerenden Krieg gezeichneten Vietnam zu machen.

Das CD-Mediabook umfasst neben den remasterten Originalsongs zwei unveröffentlichte Live-Tracks aus dem Jahr 2001 und zeigt weitere unveröffentlichte Sodom-Fotos, die ebenso auf der orangenen Vinyl-Version (2LP, 180g) zu finden sind.

Auch in der Retrospektive von zwei Jahrzehnten bleibt ‚M-16‘ für Bandleader Tom Angelripper ein ganz besonderes Album: „Die Scheibe gehört zweifellos zu den Sodom-Klassikern, allein schon wegen des durchgehenden thematischen Konzepts. Außerdem war es unsere letzte Zusammenarbeit mit Produzent Harris Johns und beendete somit eine wichtige Ära der Band. Ich bin sehr glücklich, dass ‚M-16‘ jetzt als ‚20th Anniversary Edition‘ in neuen Versionen und mit viel Liebe zum Detail ausgestattet wieder auf den Markt kommt.“

TRACKLISTING

CD
Among The Weirdcong * I Am The War * Napalm In The Morning * Minejumper * Genocide * Little Boy * M-16 * Lead Injection * Cannon Fodder * Marines * Surfin` Bird * Remember The Fallen (Live Wacken 2001, previously unreleased) * Blasphemer (Live Wacken 2001, previously unreleased)

LP
LP1-A: Among The Weirdcong * I Am the War * Napalm In The Morning
LP1-B: Minejumper * Genocide * Little Boy
LP2-A: M-16 * Lead Injection * Cannon Fodder
LP2-B: Marines * Surfin` Bird * Remember the Fallen (Live Wacken 2001, previously unreleased) * Blasphemer (Live Wacken 2001, previously unreleased)

BOX
LP1-A: Among The Weirdcong * I Am The War * Napalm In The Morning
LP1-B: Minejumper * Genocide * Little Boy
LP2-A: M-16 * Lead Injection * Cannon Fodder
LP2-B: Marines * Surfin` Bird * Remember The Fallen (Live Wacken 2001, previously unreleased) * Blasphemer (Live Wacken 2001, previously unreleased)

Bootleg LP1-A: Live Wacken 2001 (previously unreleased): Agent Orange * Code Red * Der Wachturm * M-16
Bootleg LP1-B: Live Tokyo 2002 (previously unreleased): Among The Weirdcong * The Vice Of Killing * Eat Me
Bootleg LP2-A: Live Bang Your Head 2003 (previously unreleased): The Saw Is the Law * Outbreak Of Evil * Bombenhagel
Bootleg LP2-B: Live Bangkok 2002: I Am The War * Masquerade In Blood * Sodomized

Erhältlich als
Deluxe 4LP Boxset / 2LP / 1CD Mediabook
VÖ: 26. November 2021 (BMG/ADA)

Music-News, Musik

CRAIG ARMSTRONG – „Nocturnes – Music For 2 Pianos“

CRAIG ARMSTRONG veröffentlicht das sehr persönliche Klavieralbum „Nocturnes – Music For 2 Pianos“ am 03.09.21

CRAIG ARMSTRONG – „Nocturnes – Music For 2 Pianos“ (Modern Recordings / BMG / ada / Warner)

Das Projekt begann 2020 – mit ein paar Tracks, die Craig Armstrong eigentlich nur für sich selbst und als Ablenkung von den Turbulenzen der Welt geschrieben hatte, und die alle nachts in seinem Heimstudio in Glasgow entstanden.

Craig Armstrong | Nocturne 4 (Official Music Video):

Als das Projekt zu einer Platte heranwuchs, merkte Armstrong, dass es ihm eine Atempause und Trost bot; dass die Stimmung der Musik untrennbar mit ihrer Umgebung verbunden war und zugleich das gesamte Werk von zeitloser Tragweite und emotionaler Fülle ist.

„Durch den Lockdown kam ich nie dazu, tagsüber zu schreiben, so dass alle 14 Tracks zwischen 21 Uhr und der Morgendämmerung entstanden sind. Ich folgte diesem Ablauf, und nur meine Tochter war ab und zu wach, um mir etwas Gesellschaft zu leisten. Es herrschte eine wirklich seltsame Atmosphäre während dieses ersten Lockdowns: Wenn ich normalerweise gegen 23 Uhr spazieren gehe, ist es für gewöhnlich sehr ruhig – nun war die Zeit geprägt von vorbeifahrenden Krankenwagen. Zurück in meinem Studio im Keller arbeitete ich die ganze Nacht hindurch, schrieb vier Tracks, ließ sie für eine Weile ruhen, und wenn ich die Arbeit dann wieder aufnahm, wurde mir bewusst, dass es die Musik war, die es mir ermöglichte, alles andere für eine Weile gänzlich zu vergessen. In gewisser Weise habe ich das Album also eher für mich geschrieben – als eine Art Flucht – und je weiter der Prozess fortschritt, desto mehr dachte ich, dass es vielleicht auch anderen Menschen Trost spenden könnte.“

Craig Armstrong | Nocturne 12 (Official Video):

Die Nocturnes sind ein Album der Nacht, aber nicht notwendigerweise für die Nacht; die vierzehn individuellen Kompositionen erforschen die musikalischen und emotionalen Paletten klassischer Formen und erweitern sie.

Das Album widerlegt die Annahme, dass Nocturnes zwangsläufig melancholisch sein müssen. Während einige der Tracks eine wunderschöne Tristesse vermitteln, zeigen andere (wie Track 4), dass eine Nocturne auch erhebend sein und Hoffnung ausdrücken kann.

Craig Armstrong | Nocturne 1 (Official Video):

Armstrong hat die Stücke für zwei Klaviere geschrieben; seine ursprüngliche Idee war, sie von anderen Künstlern aufführen zu lassen – eine Vorstellung, von der er immer noch hofft, dass sie sich erfüllt und das Werk live aufgeführt wird. Wirklich wichtig war ihm, dass einige der Stücke so komponiert sind, dass die Aufmerksamkeit weniger auf der Melodie, sondern vielmehr auf der Struktur und auf Emotionen liegt. Auf diesem Wege konnte er strukturelle Elemente ergründen, die weniger linear und abstrakter waren.

„Nocturnes – Music for 2 Pianos“ ist am 3. September 2021 erschienen und kann hier bestellt werden: craigarmstrong.lnk.to/NocturnesMusicfor2PianosAlbum

Über Craig Armstrong:

Craig Armstrong ist ein in Schottland geborener Komponist, dessen einzigartiger Stil durch seine Orchesterstücke, die Verwendung elektronischer Elemente und vielseitige künstlerische Kollaborationen im Bereich der klassischen Musik und Filmmusik weltweit höchste Anerkennung gefunden hat. Er studierte an der Royal Academy Of Music unter Größen wie Cornelius Cardew, Paul Patterson oder auch Malcolm MacDonald und hat eine Herangehensweise entwickelt, die es ihm ermöglicht, feinste Veränderungen der Atmosphäre und Gefühlsebene hervorzurufen.

Armstrong hat ein überaus beeindruckendes Repertoire sowohl an klassischer als auch populärer Musik aufgebaut und sich dabei verschiedenster Einflüsse aus Klassik, Jazz, Pop und experimenteller Musik bedient. Mit „The Edge Of The Sea” veröffentlichte er sein erstes Album nach Vertragsunterzeichnung beim neu gegründeten Label Modern Recordings (BMG Deutschland). Es ist eine wunderschöne Hommage an die für die Westküste Schottlands typischen gälischen Psalmengesänge und Höhepunkt eines sich über mehrere Jahre erstreckenden kreativen Prozesses. In enger Zusammenarbeit mit dem hebridischen Komponisten Calum Martin und dem innovativen Scottish Ensemble entstanden einzigartige Aufnahmen der traditionell a capella gesungenen gälischen Psalmen.

Die von Armstrong für frühere Recordings gestartete und mittlerweile viele Jahre anhaltende Kollaboration mit Massive Attack auf deren zukunftsweisenden Alben erwies sich als äußerst fruchtbar. Armstrongs erste Soloalben “The Space Between Us” und “As If To Nothing” erschienen sogar auf dem Label von Massive Attack Melankolic (Virgin Records). Es folgten die atemberaubenden und puristischen „Piano Works“ und „Piano Works: The Film“, die 2004 auf Sanctuary veröffentlicht wurden, der Longplayer „Memory Takes My Hand“ mit der Geigerin Clio Gould und dem BBC Symphony Orchestra (2008) – erschienen bei EMI Classics – und das im Zusammenwirken mit Paul Buchanan und Vladislav Delay entstandene Soloalbum „It’s Nearly Tomorrow“ (2014) via BMG Chrysalis. Decca veröffentlichte 2016 mit „The Lost Song’s Of St. Kilda“ unter weltweit stürmischen Beifall ein Sonderprojekt, welches Craigs Originalkompositionen „Stac Lee Dawn“ und „Dusk“ enthielt, die von den wiederentdeckten Original-Klavierwerken St. Kilda inspiriert wurden. Armstrongs jüngstes Soloalbum „Sun On You“ – ein in erneuter Zusammenarbeit mit dem Scottish Ensemble entstandenes Album für Streicher und Klavier – erschien 2018 bei Decca Records.

Unter den zahllosen von ihm komponierten Konzertwerken befinden sich auch jene für das Royal Scottish National Orchestra, das Hebrides Ensemble, Cappella Nova und wie schon erwähnt das Scottish Ensemble. „Visconti“ – ein Auftragswerk der Londoner Sinfonietta und des Barbican – wurde 2002 beim Stockhausen Festival uraufgeführt und ist eine Hommage sowohl an den Filmregisseur Luchino Visconti als auch an den Komponisten Gustav Mahler. Das Violinkonzert „Immer“ für die Violinistin Clio Gould wurde von Virgin Classics aufgenommen und 2008 beim Saint Denis Festival in Paris uraufgeführt. Armstrongs zweiter Kompositionsauftrag der Scottish Opera, „The Lady From The Sea“, feierte seine Premiere 2012 beim Edinburgh International Festival und gewann den Herald Angel Award. Für einen aktuellen Auftrag des Union Chapel’s Organ Reframed Festivals komponierte Armstrong das wunderschöne „Painted In White“ für Orgel und Streicher, das vom London Contemporary Orchestra dargeboten wurde.

Armstrong genießt hohes Ansehen und einen weltweit anerkannten Ruf als Komponist preisgekrönter Filmmusik. So komponierte er Scores sowohl für Hollywood- als auch für Independent-Filme – angefangen bei Peter Mullans Regiedebüt „The Close Trilogy“ bis hin zu den BAFTA-, Ivor Novello- und Golden Globe-prämierten Scores für Baz Lurhmanns „Romeo und Julia“ oder auch „Moulin Rouge“. Viele weitere Filme und Blockbuster haben sich Armstrongs Repertoire bedient – darunter „The Quiet American“, „Orphans“, „Love Actually“, „World Trade Centre“, „Elizabeth: The Golden Age“ und „Far From The Madding Crowd“. Armstrongs Filmmusik für „Ray!“, das unter der Regie von Taylor Hackford entstand, wurde mit einem GRAMMY für die Originalmusik ausgezeichnet.

Die langjährige künstlerische Beziehung Armstrongs sowohl zu Mullan als auch zu Lurhmann setzt sich bis heute erfolgreich fort und führte zu der Kollaboration für Peter Mullans preisgekrönten Film „Neds“ und der für den GRAMMY-nominierten Filmmusik zu „The Great Gatsby“ für Baz Lurhmann. Auch mit Oliver Stone pflegt Armstrong eine langjähriger Zusammenarbeit – angefangen beim bereits erwähnten „World Trade Centre“ bis hin zur jüngsten Arbeit an Stones Bio-Pic „Snowden“.

Im Jahr 2018 fand Armstrongs Arbeit an dem von den Kritikern hochgelobten „Mrs. Lowry and Son“ unter der Regie von Adrian Noble zu einem krönenden Abschluss. Des Weiteren hat Armstrong mit dem Regisseur Giuseppe Capotondi für den Film „The Burnt Orange Heresy“ zusammengearbeitet, der 2020 in die Kinos kam. 2019 gab es eine kreative Wiedervereinigung mit der Regisseurin Thea Sharrock („Me Before You“) und ihren neuen Disney-Spielfilm „The One And Only Ivan“, der im Herbst 2020 veröffentlicht wurde.

Craig Armstrong arbeitet hauptsächlich von seinem Studio in Glasgow aus und ist nach wie vor für Projekte in der ganzen Welt als Komponist tätig. Im Jahr 2010 nahm er im Palace of Holyroodhouse den Ritterorden OBE („The Most Excellent Order of the British Empire“) für seinen herausragenden Beitrag zur Musik entgegen. 2016 erhielt er von der American Society of Composers Authors and Publishers (ASCAP) den Henry Mancini Award.

Weitere Informationen unter:
craigarmstrong.com
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twitter.com/CArmstrongUK
www.instagram.com/craigarmstrongofficial/
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Photocredit: Simon Murphy

Music-News, Musik

ROBBEN FORD – „Pure“

Musik-Ikone ROBBEN FORD veröffentlicht neues Studioalbum „Pure“ | Album-VÖ: 27.08.21

ROBBEN FORD – „Pure“ (earMUSIC / Edel Germany)

„Pure“ ist Robben Fords brandneues instrumentales Studioalbum – das erste seit „Tiger Walk“(1997). Mit neun einzigartigen Tracks zeigt das Album einen „reinen“ Robben Ford – diesen Gitarrenvirtuosen, der über ein enormes musikalisches Vokabular aus Jazz, Blues und Rock verfügt.

Robben Ford „A Dragon’s Tail“ (Audio-Stream):

„Pure“ ist als ein Album zu beglückwünschen, das nahtlos einen souligen Westküsten-Vibe mit bluesigem Hardrock verbindet. Obendrein bietet „Pure“ außergewöhnliche Gastmusiker wie Nate Smith, Toss Panos, Shannon Forest, Bill Evans, Jeff Coffin und viele andere.

Robben Ford „Balafon“ (Audio-Stream):

“Pure ist anders als alle Alben, die ich bisher gemacht habe. Wenn es um Studioarbeit geht, war ich schon immer traditionell: bringt eine gute Band in einem guten Raum mit einem guten Produzenten zusammen, lass sie für drei bis fünf Tage aufnehmen, erledige die nötige Nachbearbeitung und dann Mixen und Mastern.“Pure” habe ich auch so angefangen. Aber irgendwie hat sich der Einfluss von anderen Musikern und Musikerinnen, den es immer gibt, etwas falsch angefühlt. Ich habe erkannt, dass ich diese neue Musik selbst von Grund auf neu formen muss. Mein Toningenieur und Co-Produzent Casey Wasner war unverzichtbar in diesem Prozess. Die meiste Musik auf diesem Album wurde von uns beiden in seinem Studio Purple House gemacht: das richtige Gefühl für die Musik bekommen, dann Bass und Schlagzeug einspielen. Nachdem ich so gearbeitet habe, glaube ich, dass “Pure” vielleicht die beste Repräsentation meiner musikalischen Vision ist. Bisherige Alben waren das Produkt der Entwicklung bis zu diesem Punkt. Es war sehr schön, meine eigenen Kompositionen so gründlich zu formen und etwas zu erschaffen, was komplett mir gehört.” (Robben Ford)

Robben Ford „White Rock Beer… 8¢“ (Audio-Stream):

Robben Ford, ein Name, der keiner Erklärung bedarf. Seit über 40 Jahren begeistert der Gitarrist Künstler und Fans des Bluesrock und hat das Genre mit seinem innovativen Spiel wahrlich geprägt.

Da beide Elternteile selbst leidenschaftliche Musiker waren, entdeckte Robben schon früh seine Liebe zur Musik und vor allem zum Gitarrenspiel – und es war eine Liebe, die für immer anhalten sollte. Im Alter von dreizehn Jahren begann er, sich selbst das Gitarrenspiel beizubringen, und heute ist sein Engagement, zu unterrichten und das, was er in den letzten 40 Jahren gelernt hat, an aktuelle und zukünftige Musiker weiterzugeben, ein wesentlicher Bestandteil seiner Karriere.

Auf diesem Instrumentalalbum stellt einer der aufregendsten Gitarristen unserer Zeit nun einmal mehr sein Können unter Beweis.

Einen besonderen Leckerbissen stellt das streng limitierte „Pure“-Deluxe-Boxset dar, das exklusiv im Artist Store erhältlich ist.

Im Boxset zu finden sind: 1 x Ltd. 180 gr Vinyl in transparent yellow, 1 x die CD im Digipak, 1 x ein von Hand nummeriertes Zertifikat, ein weiterer exklusiver Bonustrack zum Download, 5 hochwertig gedruckte Robben Ford Fotos in 7“ Format, ein Schlüsselanhänger mit einer Mini-Telecaster + Robben Ford Prägung auf der Rückseite sowie eine Handvoll mit Logo bedruckte Robben Ford Guitar Plektren.

Einen kurzen Albumtrailer gibt es hier:
Instagram: Robben Ford Official (@robbenfordmusic) • Instagram-Fotos und -Videos
und auf Facebook.

Das neue Album „Pure kann hier vorbestellt werden: robbenford.lnk.to/Pure

Weiter Informationen unter:
www.robbenford.com
www.instagram.com/robbenfordmusic
www.facebook.com/RobbenFordOfficial
www.youtube.com/c/RobbenFordofficial/
Spotify – Robben Ford
Robben Ford – Apple Music

Photocredit: Mascha Photography