Paolo Fresu, an eclectic and really gifted artist, is the most famous Italian trumpet-player in the world and is offering us another amazing album, this time connected with the cinema: “7/8” is the soundtrack of the last Stefano Landini’s movie.

The title “7/8” (sever eighth) is referred to the jazz tempo, the musical genre inspiring the whole project.

Here relationship between music and images are really closed in such a way that each frame is completed by the notes, and the vice-versa losing the border lines.

But music, poetic and involve, is also living by itself and is able to pass on amazing emotions and to stir up reflection moments.

Paolo Fresu and his Quintet have been also involved in the shooting. Three songs played in a perfect synch are included in the story, they are performed by Ettore Fiovanti, Roberto Cipelli, Attilio Zanchi Tino Tracanna next to Paolo Fresu: Gio‘ Cervi’s Ballad (Set session), Gio‘ Cervi’s Blues (Set session) e Gio‘ Cervi’s Anatole (Set session).

„Recording the music for “7/8” was a real challenge for me
The challenge of the production time (they were really close in the hot summer of 2006 with thousand concerts and travels) but above all a language challenge.

7/8 is a story set during the fascism period – II World war – when jazz was just moving his first steps in Italy with Ellington sounds hidden among the songs allowed by the regime.

The challenge was also to record a soundtrack that was not set in those years but in the following decade and inspired by Miles Davis
I hope it worked out and I hope I didn’t twist the spirit and the historical direction of this movie

It’s a soundtrack inspired by a story where the music becomes a telling and begins a fascinating trip helped by images and characters who appears and disappears through the opera.

All this is interpreted by my Quintet with whom I’ve had the honor to share great musical experiences.“ Paolo Fresu – 01.2010

Some words about the movie: A David di Donatello and a Coppa Volpi at the “Mostra del Cinema” in Venezia “7/8” is the fist movie about Italian jazz in the 40es.

Dramatic, enthralling and full of great Italian interprets (Roberto Citran, Ernesto Mahieux, Fabrizio Nicastro) the movie tells about the censorship and the mistrust that surrounded actors and musicians in the Italian jazz world during the fascism. It’s enough to think that the jazz was seen as a menace for the italic melody.

For further information: http://www.setteottavi.net/

PAOLO FRESU Quintet Tracklist

Ascensore Per Il Paradiso
Gio‘ Cervi’s Blues (Studio session)
When Dad Is Coming
Gio‘ Cervi’s Ballad (Studio session)
So!
Dark Theme
Cool Blues
Free Up
Gio‘ Cervi’s Anatole (Studio session)
Gio‘ Cervi’s Ballad (Set session)
Sette Ottavi
Nightingale Song
Gio‘ Cervi’s Blues (Set session)
The Shooting
Gio‘ Cervi’s Anatole (Set session)

Original Music composed and arranged by PAOLO FRESU

PAOLO FRESU Quintet

Paolo Fresu: trumpet and fluehorn
Tino Tracanna: tenor and soprano saxophone
Roberto Cipelli: piano
Attilio Zanchi: bass
Ettore Fioravanti: drums
Max Carletti : special guest on guitar

Next gigs PAOLO FRESU Quintet

30 gennaio BARI Paolo Fresu Quintett
2/3/4 febbraio MILANO BLUE NOTE – Paolo Fresu Quintett
13 febbraio MORTARA (PV) Paolo Fresu Quintett

Die Beziehung zwischen Lee Konitz und dem Trio Minsarah begann vor einigen Jahren in Köln, wo Lee fast 20 Jahre lang lebte, bevor er in die USA zurückging.

Lee hat das internationale Trio des deutschen Pianisten Florian Weber, des US-Bassisten Jeff Denson und des israelischen Schlagzeugers Ziv Ravitz bei Konzerten gehört und war unmittelbar tief beeindruckt.

Die vier begannen gemeinsam in Deutschland und vor allem den USA aufzutreten, die erste CD wurde im Systems Two Studio in Brooklyn aufgenommen (ENJ-9492 Deep Lee).

Lee wusste schnell, dass er hervorragende, aufregende Partner gefunden hatte, die ihn das Material, über das er sein Leben lang improvisiert hatte, mit neuen Ohren hören ließen.

Für den Auftritt im Village Vanguard in New York – wohl mit Recht der berühmteste Jazz-Club der Welt – probte das Quartett in Lees Wohnung an der Upper Westside.

Dabei meinte der mit viel trockenem Humor begabte Konitz: „Lasst es uns als Quiz angehen. Wir fangen sofort an zu improvisieren, spielen keine Melodie und geben nur kleine Hinweise auf den Titel. Wer im Publikum zuerst kapiert, worum es sich handelt, soll den Finger heben und wir kaufen ihm einen Drink in der Pause.“

Und so wurde es auch weitgehend gehalten – dem Publikum gefiel es. Dieses Konzept befreite Lee in von zu strengen harmonischen Regeln und er konntes seinen unendlichen Einfallsreichtum an Melodien voll ausbreiten.

Schwierig wurde das Ratespiel fürs Publikum allerdings, als Jeff mit dem Bogen einen alten jüdischen Traditional strich: Darüber hatte Lee vor langer Zeit sein berühmtes Kary’s Trance geschrieben, das hier erst in den letzten Takten zitiert wird.

Lee hatte seinen letzten Auftritt im Vanguard im Jahr 1983, bevor er nach Europa ging. So wichtig waren ihm das neue Engagement und die Aufnahme, dass er nun sein Lieblingssaxophon aus Lennie-Tristano-Tagen, das er viele Jahre nicht mehr gespielt hatte, bei seinem alten sax doctor in Chicago gründlich überholen und in beste Form bringen ließ.

Er betont, dass die Aufnahme mit Minsarah unbedingt ein Höhepunkt in seiner langen Karriere ist.

Jahrzehntelang hatte er keine feste eigene Gruppe, dies aber sei nun das Lee Konitz New Quartet. Lee Konitz hat sich auch über das begeisterte „Welcome Home“ gefreut, das ihm die New Yorker Presse und das enthusiastische Publikum bereiteten. Am zweiten Abend des eine Woche dauernden Engagements brachte das Feuilleton der New York Times eine halbe Seite darüber.

„Besides making elegant use of Konitz’s alto, the group’s music is richly textured and often wonderfully evocative, a celebration of cultural diversity and thematic exploration.“ – The Washington Post

LEE KONITZ NEW QUARTET Live:

03.03. München (Trio)
05.03. Düsseldorf (Trio)
07.03. Haan (privat)
11.03. Frankfurt
12.03. Bremen
13.03. Heilbronn
14.03. Graz
15.03. Wien
17.03. Osnabrück (Trio)
29.03. Paris
30.03. Zürich

Neue Runde, anderes Spiel. Auf seinem dritten Album für ECM präsentiert Manu Katché eine komplett neue Band, einen veränderten Sound: Elf durchlässig entspannte Stücke zwischen minimalem Funk, elegantem Pop und Jazz-Feeling.

Der dezente aber grundsolide Druck, den die Perkussionsarbeit des Leaders gemeinsam mit Pino Palladinos punktgenauem Bass ausübt, inspiriert das gesamte Ensemble. Natürliche Harmoniefolgen tragen so eingängige wie zwingende Melodien. Die Stimmung schwankt zwischen träumerisch und tänzerisch, sucht eine imaginäre Schnittmenge zwischen Katchés langjährigen Bandchefs Jan Garbarek und Sting.

„Wenn ich meine Songs schreibe, habe ich die Musiker im Hinterkopf“, sagt der Drummer und Komponist. Als Gastgeber der populären ARTE-Musikshow „One Shot Not“, in der er seine Gäste häufig bei spontanen Jam-Sessions begleitet, hat er sein Sensorium für die speziellen Stärken bestimmter Musiker noch weiterentwickelt.

„Als ich den Kollegen vor der Aufnahme die Demos mit den Noten dazu präsentierte, erkannten sie manches Eigene wieder. Ohne sie imitieren zu wollen, habe ich ihnen die Sachen förmlich in die Finger geschrieben.“ Wie osmotisch die Stücke solche Anregungen aufnehmen, ist schon am klaren und dichten Bandsound zu spüren, der das Konzept seiner beiden früheren ECM-Alben konsequent weiter entwickelt.

„Ich sehe meinen musikalischen Werdegang als Kontinuum“, meint der Franzose, dessen Familie von der Elfenbeinküste stammt. Nach dem klassischen Studium am Pariser Konservatorium und Lehrjahren in den Bands von Popstars wie Sting und Peter Gabriel erschien vor fünf Jahren sein Debüt als Leader bei ECM, bei dem er mit Jazz-Größen wie Jan Garbarek, Tomasz Stanko und Marcin Wasilewski zusammenarbeitete.

„Diesmal wollte ich wirklich etwas Anderes machen. Sobald man auch elektronische Texturen einbringt, um die Musik zum Fließen und Schweben zu bringen, kommt auch alles andere in Bewegung.“

„Third Round“ entstand im Dezember 2009 im Studio La Buissonne in Südfrankreich mit einem internationalen „Dreamteam“, wie es Katché begeistert ausdrückt: Den Pianisten Jason Rebello, schon Anfang der Neunzigerjahre Lichtgestalt der jungen Londoner Jazzszene, kannte Manu von den gemeinsamen Touren mit Sting. Auch Pino Palladino, dessen lupenreiner Groove die A-List des modernen Popgeschäfts – von D’Angelo bis John Mayer – versorgt, spielt mit Manu bei Sting, mittlerweile seit fünfundzwanzig Jahren. Kami Lyle aus Boston, Massachusetts, in unseren Breiten eher eine Neuentdeckung, ist für Manu eine alte Bekannte.

„Ich habe vor über zehn Jahren auf einem ihrer Alben gespielt. Sie ist eine gute Trompeterin, und sie singt mit dieser wunderbaren Stimme –wie ein kleines Mädchen oder wie eine naive Joni Mitchell. Trotzdem hat sie diesen Tiefgang, den ich in vielen afrikanischen Stimmen erkenne.“ Die beiden Norweger Tore Brunborg und Jacob Young schließlich hatte der Leader über die „Labelfamilie von ECM“ kennengelernt.

„Uns alle verbindet großes Vertrauen, Spaß und Lachen – und das zählt mehr als alles andere“, so Katché. „Es war mir wichtig, mit genau diesen Musikern zu arbeiten, obwohl es schwierig war, drei Tage zu finden, an denen wir alle Zeit hatten. Ich hätte jeden anrufen können: ‚Okay, hier ist das Material, fangen wir an.’ Aber das reicht nicht.“ Nicht umsonst bezeichnet sich Katché als „absoluten Perfektionisten“.

Was damit gemeint ist, erschließt sich beim Hören sofort: Perfekt ist hier vor allem die Balance. Schon „Swing Piece“ lebt von der klanglichen Weite des Pianos und dem satten Tenor von Tore Brunborg, unterstützt von einem dieser tiefgreifenden Grooves, die sich so nur durch das Zusammenspiel von Katché und Palladino ergeben.

„Une larme dans ton sourire” ist zwar die französische Übersetzung eines Songs von Meshell Ndegeocello („A Tear And A Smile“) und eine bewusste Hommage an die amerikanische Sängerin und Bassistin. Dennoch klingt die Komposition der Ballade nach originärem Katché. „Springtime Dancing“ mit der sensiblen Rhythmusgitarre von Jacob Young weckt nicht nur im „Manha de Carnaval“-Zitat des Klaviersolos brasilianische Reminiszenzen.

Sogar das melancholische „Stay With You“, gesungen und getextet von Kami Lyle – schon bei den ersten Worten wird klar, was Manu Katché an ihrer Stimme fasziniert – fügt sich organisch ins Gesamtkonzept. Ohnehin haben die Kompositionen eine sehr vokale Qualität.

„Die Melodien sind auskomponiert, aber im Studio lasse ich gern Raum für Variation. Wenn etwas Unerwartetes passiert – und seien es nur Kleinigkeiten – bin ich glücklich. Die Noten sind die Basis, nicht mehr. Nach der dritten Probe im Studio sah ich plötzlich, wie Manfred Eicher im Kontrollraum seine Arme bewegte, und da wusste ich, dass wir auf dem richtigen Weg sind. Er erkennt immer den richtigen Moment. Wenn er sagt ‚Hör dir das mal an’, heißt das so viel wie ‚Mir gefällt es. Wenn es dir auch gefällt, sind wir fertig.’ Es ist großartig, so einen Produzenten zu haben.“

Dass der Leader, ohnehin ein Meister der Zurückhaltung, sich beim abschließenden „Urban Shadow“ komplett der Stimme enthält und nur seine Komposition sprechen lässt, wirkt wie ein diskretes Statement: Es ist eben ein sehr gelassenes Spiel, das hier in die dritte Runde geht …

MANU KATCHÉ wird am 18.03. (gegen 0:00 Uhr) mit seiner Band in der arte-Sendung „One Shot Not“ Stücke aus dem aktuellen Album spielen.

Manu Katché, drums; Tore Brunborg, saxophones; Jason Rebello, piano, fender rhodes; Pino Palladino, bass; Jacob Young, guitars; Kami Lyle, vocals, trumpet.

Manu Katché – „Third Round“ / VÖ: 19.03.2010
ECM Records [ LC : 02516 ] | im Vertrieb bei Universal

Der Gitarrist Lionel Loueke stammt ursprünglich aus dem kleinen westafrikanischen Staat Benin und ist in den letzten Jahren kometenhaft zu einem international bewunderten Jazzmusiker aufgestiegen.

In den letzten beiden Jahren, 2008 und 2009, wurde er in den Kritikerpolls des Jazzmagazins Down Beat jeweils zum ultimativen Aufsteiger unter den Jazzgitarristen gewählt.

Sein nunmehr zweites Album für Blue Note, Mwaliko, das Folgewerk seines 2007 erschienenen, hochgelobten Labeldebüts „Karibu“, zeichnet sich durch ebenso innovative wie intime Duettaufnahmen mit Angelique Kidjo, Esperanza Spalding, Richard Bona und Marcus Gilmore aus. Zudem enthält es drei neue Tracks mit seinen langjährigen Trio-Partnern Massimo Biolcati (Bass) und Ferenc Nemeth (Drums).

Von seinem Mentor Herbie Hancock als „musikalischer Maler“ gelobt, zeichnet sich Loueke durch ein hervorragendes Harmonieverständnis, erlesene Melodien und fundierte Kenntnisse der afrikanischen Musik aus, während seine sich über Konventionen hinwegsetzende Gitarrentechnik einen warmen und assoziationsreichen Klang erzeugt. JazzTimes lobte Louekes Spiel als „clever in der Form und geschickt in der Ausführung. Seine vertraut klingende Melodik leitet sich ebenso von traditioneller afrikanischer Musik ab wie von seinem lebenslangen, intensiven Studium von Wahlverwandten wie Jim Hall und George Benson; seine Rhythmuswechsel sind schnell und stecken voller Überraschungen.“

„Karibu“, eingespielt mit seinem Trio und Herbie Hancock und Wayne Shorter als special guests, erntete reihum großes Lob bei den Kritikern. TIME bezeichnete das Album als „ein ausgelassenes Fest voller Freudensprünge, gespickt mit afrikanischem und brasilianischem Flair, wobei Loueke mit Scatgesang, Schnalzlauten und Gitarren-Percussion einen abgefahrenen Jazz erzeugt“. Die New York Times schwärmte von Loueke als „aufsehenerregend neue Stimme (…) von fesselnder Präsenz. (…) – einer der bemerkenswertesten Jazzkünstler seit geraumer Zeit.“

Neben seinen Aufnahmen als Leader sowie mit seinem Projekt-Trio Gilfema hat Loueke an einigen herausragenden Werken mitgewirkt, wie Terence Blanchards Grammy-nominiertem Album „Flow“ (2005) und Hancocks mit einem Grammy ausgezeichnetem „River: The Joni Letters“ (2008). Er tourte mit Musikern von Hancocks Band durch die ganze Welt und unterstützte aufstrebende Künstler bei ihren Aufnahmen, darunter der Bassist Avishai Cohen, die Schlagzeuger Francisco Mela und Kendrick Scott sowie die Sängerin Gretchen Parlato. All diese Erfahrungen haben auch Louekes vorbildliche Arbeit als Leader geprägt.

„Mwaliko“ kommt aus dem Suaheli und bedeutet „Einladung“, was Loueke näher erläutert. „Man kann den Titel auf zweierlei Weise betrachten: einerseits als Einladung an meine Freunde und Musikerkollegen, diese Aufnahmen als Duo zu machen, andererseits als Einladung an alle Hörer, die Musik einfach zu genießen. Ich wollte aber nicht nur Aufnahmen mit verschiedenen Leuten im Duett machen, sondern auch auf den Klang meines Trios zurückgreifen, weil es das eigentliche Zentrum meiner Musik bildet.“ „Mwaliko“ wird aber auch getragen von Louekes inspiriertem Mix aus akustischen und elektrischen Klängen: Stimmen mit Schichten harmonischer Effekte, Gitarren mit Nylonsaiten und wunderbaren, an Orgelsounds erinnernden Tremolo-Effekten sowie einer neuen maßgeschneiderten Rolf-Spuller-Gitarre, die auch ganz tiefe Basstöne erzeugen kann, was den recht spärlichen Duoaufnahmen raumgreifende Fülle verleiht.

Sein Gastspiel auf Angelique Kidjos Album „Djin Djin“ (2007) erwidert die ebenfalls aus Benin stammende Sängerin nun mit zwei afrikanischen Songs, die beiden Musikern viel bedeuten. „Wir kommen beide aus derselben Gegend und kennen uns schon unglaublich lang“, sagt Loueke über Kidjo. „Sie hat ein großartiges Rhythmusgefühl und eine unglaubliche Stimme, die so natürlich klingt, dass jegliche Overdubs überflüssig sind. Wir sind beide mit ‘Amio’ aufgewachsen, einem häufig gehörten afrikanischen Standard aus Kamerun. Und ‘Vi Ma Yon’ ist ein traditioneller Song aus Benin, dessen Ursprung unbekannt ist. Der Song handelt davon, wie wichtig es ist, Kinder zu haben. Wenn man viele Kinder hat, sei man reich, heißt es da – ein Umstand, dem ich heute nicht mehr beipflichten würde!“

Ähnlich wie Loueke hat auch der aus Kamerun stammende Richard Bona die Jazzwelt im Sturm erobert und mit seinem Bassspiel und Gesang für Aufsehen gesorgt. „Ich kenne Richard nun schon eine ganze Weile“, so Loueke, „und er ist definitiv einer der besten Musiker des Kontinents. Die Zusammenarbeit war prima, denn wir haben schon ein paar Mal zusammen live gespielt und diese Gigs waren echt gut. Genau dieses Gefühl wollte ich wieder heraufbeschwören.“ Bonas engelhaft trällernde Stimme erkennt man sofort und „Wishes” hat Loueke speziell für seinen Freund komponiert. „‘Wishes’ hat ein klassisches Element”, so Loueke. „Klassische Musik hat mich sehr beeinflusst und das zeigt sich besonders hier, aber natürlich bin ich kein Klassikmusiker, sodass mir Richards Stimme hier besonders wichtig war. Und wie er hier Fretless Bass spielt, das liebe ich einfach.“ Loueke über „Hide Life“, das zweite Duett mit Bona und Finale des Albums: „Dieser Song sagt, dass es manchmal besser ist, mit einem Lächeln zu kämpfen. Ein unbeschwerter Song. Manchmal muss man sich verstecken, um glücklich zu sein.“

Am Bass und Gesang glänzt auch Esperanza Spalding, die mit Loueke ebenfalls zwei Stücke aufnahm. „Mit ihr habe ich auch schon Konzerte gegeben, aber noch nie als Duo“, so Loueke. „Sie war mir wichtig, weil sie eine so starke Persönlichkeit hat und eine der wirklich neuen Stimmen unserer Zeit ist.“ Spalding prägt Louekes Komposition „Twins“, die bereits in einer orchestrierten Fassung auf dem Album „Gilfema + 2“ zu finden war. Das warme Klarinettenspiel der früheren Version ersetzen Loueke und Spalding durch einen akzentuierten, gleichwohl farbenprächtigen, wenn nicht sogar spirituellen Gesang. „Wir singen und spielen gleichzeitig. Und auch bei Esperanza erübrigen sich jegliche Overdubs. Sie singt in einer Tonlage, die sich vom Basslauf völlig unterscheidet, was wirklich nicht einfach ist. So hatte ich mir das vorgestellt. ‘Flying’ ist auch ein neuer Song, den ich mit diesen hohen Noten und dem Groove unbedingt mit ihr aufnehmen wollte.“

Mit dem jungen Ausnahmeschlagzeuger Marcus Gilmore widmet sich Loueke der Interpretation von Wayne Shorters „Nefertiti“. Gilmore, der Enkel des legendären Jazzers Roy Haynes, spielt in den Bands von Gonzalo Rubalcaba und Vijay Iyer, wobei er auf dem besten Weg ist, selbst ein Leader zu werden. „Ich hatte Marcus spielen sehen und war ganz angetan von dem Sound und dem Gefühl, das er für sein Instrument entwickelt hat. Man hört ihn plötzlich überall und das hat seinen guten Grund – er ist für seine jungen Jahre eben schon unglaublich reif. ‘Nefertiti’ ist das Ergebnis unseres ersten Zusammenspiels im Studio. Es ist der erste Take, den man hier hört. Als wir fertig waren, sagte ich, ‘Ok, das war’s, wir können nach Hause gehen. Was soll man auch noch groß tun, wenn einfach alles passt!“

Die drei mit seinem Trio aufgenommenen Stücke auf „Mwaliko“ demonstrieren jene „kapriziösen Bewegungen und schlangenhaften Grooves“, die Nate Chinen von der New York Times auch bei einem der jüngsten Auftritte dieses Dreigestirns bewunderte, wobei er betonte, dass ihre Musik von „wachsender Intimität und hohem Anspruch“ geprägt sei. Louekes „Griot“ etwa ist ein Musterbeispiel seines harmonietrunkenen Gesangs und pendelt locker zwischen Afropop, Brazil-Jazz und treibendem Swing.

Dass Loueke auch zwei Stücke seiner Bandkollegen berücksichtigt hat, spricht natürlich Bände. Biolcatis temperamentvolles „Shazoo“ spricht für die Kompositionskunst des Bassisten, die er 2008 auf „Persona“, seinem Debüt als Leader, demonstrierte (bei dem Loueke natürlich mit von der Partie war). Nemeths „L.L.“, unverkennbar Loueke gewidmet, erschien erstmals 2007 auf „Night Songs“, dem Debüt des Schlagzeugers – ebenfalls mit Loueke an Bord. Hier zeigt Loueke sein Können mit einer raffinierten Bassoktave, ein Effekt, den er auf „Mwaliko“ einige Male einsetzt.

Seine ersten musikalischen Ambitionen im Bereich des Jazz entwickelte Lionel Loueke bereits in Benin. Dann schrieb er sich am National Institute of Art an der Elfenbeinküste ein, um dort Jazz zu studieren. 1994 verließ er Afrika und setzte seine Jazzstudien an der American School of Modern Music in Paris fort. Ein Stipendium fürs Berklee College of Music führte ihn schließlich in die USA, wo er Massimo Biolcati und Ferenc Nemeth kennenlernte. Durch Jamsessions entwickelten die drei Musiker enge Beziehungen. Biolcati ist italienischer Abstammung, wuchs aber in Schweden auf, während Nemeth in Ungarn aufwuchs. Beide hatten ausgiebig afrikanische Musik studiert und waren auf Loueke aufmerksam geworden, als dieser begann, seine Jazztechniken mit seinen afrikanischen Wurzeln zu fusionieren.

Nach seinem Berklee-Abschluss wurde Loueke – gemeinsam mit Biolcati und Nemeth – am Thelonious Monk Institute of Jazz in Los Angeles angenommen und studierte dort unter der Ägide seiner großen Mentoren: Herbie Hancock, Wayne Shorter und Terence Blanchard. „Ich war hin und weg“, erinnert sich Hancock an den Moment, als er erstmals eine Bandaufnahme von Loueke hörte. „Ich hatte noch nie einen Gitarristen, dem ein guter Ruf vorausgeeilt war, auch so überzeugend spielen hören. Kein musikalisches Terrain schien hier tabu zu sein. Er schreckte vor nichts zurück!“

Schon bald nach seiner Zeit am Monk Institute konzentrierte sich Loueke ganz auf seine nylonsaitenbezogene Akustikgitarre, auf der er eine ganz eigenwillige Handschrift entwickelte. „Ich fühle mich mit der Wärme, die man mit Nylonsaiten erzeugen kann, eng verbunden, auch wenn der Sound nicht immer vollkommen akustisch klingt“, befindet der Gitarrist. Tatsächlich scheint Louekes Gitarrensound nicht rein akustisch, aber strahlt doch eine Unmittelbarkeit, Zärtlichkeit und Leidenschaft aus, die ihn zu einem der einflussreichsten Instrumentalisten auf der Weltbühne des Jazz machen – wenn nicht sogar weit darüber hinaus.

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