Rhino Records würdigt das Schaffen von Aretha Franklin, der “Queen Of Soul“, mit einem brandneuen Box-Set.
Aretha Franklin – „The Queen Of Soul“
Zu hören bekommt man auf “The Queen Of Soul“ 87 Klassiker, die während ihrer Zeit bei Atlantic Records (1967 bis 1976) entstanden sind.
Selbstverständlich sind sämtliche Evergreens der wohl bedeutendsten Sängerin aller Zeiten auf dem 4-CD Boxset vertreten, darunter “Respect“ (1967), “Chain Of Fools“ (1967), “Think“ (1968), “Spanish Harlem“ (1971), eine Coverversion des gleichnamigen Ben E. King-Songs aus dem Jahre 1960, oder “Rock Steady“ (1971).
Mit “Night Life“ (1968), “Spirit In The Dark (1971 – Reprise With Ray Charles), “Mary Don`t You Weep” (1972), “Climbing Higher Mountains” (1972) und “Precious Memories” (1972) sind auch fünf Live-Aufnahmen auf der chronologisch angeordneten Retrospektive zu finden.
Ergänzt wird die feine Kollektion noch durch erlesene Raritäten wie “It Was You“, ein Outtake aus den Aufnahmesessions ihres Albums “Arrives“ (1967), oder “Talk To Me, Talk To Me“, das im gleichen Zeitraum entstand, als die begnadete Soulsängerin ihr Cover-Album “Soul ’69“ einspielte.
Standout-Tracks der Werkschau sind meines Erachtens der Uptempo-Track “Think“, welcher es bis auf Platz 7 der US-Billboard-Charts schaffte, die Hymne “Respect“, welche heute als Aretha Franklins absoluter Trademark-Song gilt und sogar die Pole der US-amerikanischen Single-Charts erreichte, die Gospel-infizierte Curtis Mayfield-Komposition “People Get Ready“, der UK-Top5-Hit “I Say A Little Prayer“, die von Quincy Jones co-produzierte Ballade “Angel“ sowie “I Never Loved A Man The Way I Love You)“, ein exzellenter Hybride aus Blues und Soul.
Insgesamt werden dem geneigten Hörer auf “The Queen Of Soul“ mehr als 7 Dutzend wunderschöne Songs im Spannungsfeld zwischen Soul, R`n`B und Gospel geboten, die eindrucksvoll demonstrieren, dass die 20-fache Grammy-Preisträgerin Aretha Franklin völlig zu Recht als “Godmother Of Soul“ angesehen wird.
Aretha Franklin – “The Queen Of Soul” Tracklisting
Disc One
01. “I Never Loved A Man (The Way I Love You)”
02. “Do Right Woman – Do Right Man”
03. “Respect”
04. “Drown In My Own Tears”
05. “Soul Serenade”
06. “Don’t Let Me Lose This Dream”
07. “Baby, Baby, Baby”
08. “Dr. Feelgood (Love Is A Serious Business)”
09. “Good Times”
10. “Save Me”
11. “Baby, I Love You”
12. “Satisfaction”
13. “You Are My Sunshine”
14. “Never Let Me Go”
15. “Prove It”
16. “I Wonder”
17. “Ain’t Nobody (Gonna Turn Me Around)”
18. “It Was You” (Aretha Arrives Outtake)
19. “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”
20. “Chain Of Fools”
21. “People Get Ready”
22. “Come Back Baby”
23. “Good To Me As I Am To You”
24. “Since You’ve Been Gone (Sweet Sweet Baby)”
25. “Ain’t No Way”
Disc Two
01. “Think”
02. “You Send Me”
03. “I Say A Little Prayer”
04. “The House That Jack Built”
05. “You’re A Sweet Sweet Man”
06. “I Take What I Want”
07. “A Change”
08. “See Saw”
09. “My Song”
10. “I Can’t See Myself Leaving You”
11. “Night Life” (Live)
12. “Ramblin’”
13. “Today I Sing The Blues”
14. “River’s Invitation”
15. “Pitiful”
16. “Talk To Me, Talk To Me” (Soul ‘69 Outtake)
17. “Tracks Of My Tears”
18. “The Weight”
19. “Share Your Love With Me”
20. “Pledging My Love/The Clock”
21. “It Ain’t Fair”
22. “Sit Down And Cry”
23. “Let It Be”
24. “Eleanor Rigby”
25. “Call Me”
Disc Three
01. “Son Of A Preacher Man”
02. “Try Matty’s”
03. “The Thrill Is Gone” (From Yesterday’s Kisses)
04. “Dark End Of The Street”
05. “You And Me”
06. “You’re Taking Up Another Man’s Place” (Spirit In The Dark Outtake)
07. “Don’t Play That Song”
08. “Why I Sing The Blues”
09. “Spirit In The Dark”
10. “My Way” (Spirit In The Dark Outtake)
11. “One Way Ticket”
12. “Pullin’”
13. “Border Song (Holy Moses)”
14. “A Brand New Me”
15. “You’re All I Need To Get By”
16. “Bridge Over Troubled Water”
17. “Spanish Harlem”
18. “Lean On Me”
19. “Spirit In The Dark” (Reprise with Ray Charles)
Disc Four
01. “Rock Steady”
02. “Young, Gifted And Black”
03. “All The King’s Horses”
04. “Oh Me Oh My (I’m A Fool For You)”
05. “Day Dreaming”
06. “Mary, Don’t You Weep” (Live)
07. “Climbing Higher Mountains” (Live)
08. “Precious Memories” (Live)
09. “Master Of Eyes”
10. “Angel”
11. “Somewhere”
12. “So Swell When You’re Well”
13. “I’m In Love”
14. “Ain’t Nothing Like The Real Thing”
15. “Until You Come Back To Me (That’s What I’m Gonna Do)”
16. “Look Into Your Heart”
17. “Sparkle”
18. “Something He Can Feel”
Wer noch auf der Suche nach dem passenden Soundtrack für die Adventszeit und das Weihnachtsfest ist, dem möchte ich das brandneue Mary J. Blige-Album “A Mary Christmas“ ans Herz legen.
Mary J Blige – „A Mary Christmas“
Viele Weihnachts-Klassiker, darunter “Little Drummer Boy“, “Have Yourself A Merry Little Christmas“, “Rudolph, The Red-Nosed Reindeer” oder “Do You Hear What I Hear”, sind darauf einträchtig nebeneinander versammelt.
Unterstützt wird die begnadete Sängerin auf “A Mary Christmas“ von so illustren Gästen wie Jessie J, Marc Anthony, Barbra Streisand, dem amerikanischen Trompeter Chris Botti sowie dem mit zwei Grammy-Awards ausgezeichneten weiblichen Gospel-Quartett “The Clark Sisters“.
Unter den liebevollen Weihnachts-Aufnahmen ragen meines Erachtens der Musical-Song (“Meet Me In St. Louis“) “Have Yourself A Merry Little Christmas“, das Jazz-getränkte “Rudolph, The Red-Nosed Reindeer”, “When You Wish Upon A Star”, eine im Duett mit Barbra Streisand vorgetragene Coverversion des gleichnamigen Soundtrack-Beitrages zu der Walt Disney-Verfilmung des Klassikers „Pinocchio“ aus dem Jahre 1940, “Mary Did You Know?”, eine soulig gefärbte Version des von Mark Lowry geschriebenen Country-Weihnachts-Evergreens (1984), sowie das Jessie J featurende Stück “Do You Hear What I Hear“ heraus.
Vortrefflich geworden ist auch “The First Noel“, ein Traditional, bei dem die weltweit erfolgreichste weibliche Gospel-Formation The Clark Sisters ein Gast-Feature gibt.
Nicht unerwähnt bleiben darf, dass “A Mary Christmas“ von keinem Geringeren als der mit 15 Grammys ausgezeichneten Songwriter- und Produzenten-Legende David Foster (Whitney Houston, Michael Jackson, Janet Jackson, Josh Groban, The Corrs) in Szene gesetzt wurde, der auch soundtechnisch an den famosen Weihnachts-Alben von Rod Stewart und Michael Buble mitwirkte.
Zwischen Pop, Soul und Jazz verortet, ist “A Mary Christmas“ ein köstlicher Leckerbissen geworden, der meines Erachtens das Zeug zu einem zeitlosen Weihnachts-Album-Klassiker hat.
Eine nette Gewinnspiel- und Weihnachtskarten-Aktion zum Album findet ihr hier
Bevor am 17. Oktober (Pro7) die mittlerweile 3. Staffel der Musik-Castingshow The Voice Of Germany startet, ist es nun erstmal Zeit für das zweite Album von Ivy Quainoo, der Gewinnerin der ersten Staffel.
Ivy Quainoo – „Wildfires“
Seit ihrem Sieg im Februar 2012 hat die Sängerin einen beachtlichen Karriereweg zurückgelegt. So stürmte sie mit ihrer Debüt-Single “Do You Like What You See“ aus dem Top5-Album “Ivy” hierzulande auf Platz 2 der offiziellen Single-Charts und konnte zwei Gold-Auszeichnungen einheimsen.
Zudem gewann die Sängerin mit ghanaischen Wurzeln in diesem Jahr den Echo in der Kategorie “Künstlerin Rock/Pop National“.
Für ihr neues Album “Wildfires“ scharte die Musikerin so namhafte Songwriter und Produzenten wie Rob Knox (Justin Timberlake, Britney Spears), Jamie Hartman (The Wanted, Lemar, Matt Cardle, Christina Aguilera), Nikolai Potthoff (Leslie Clio, Muff Potter) oder Christian Medice (Molly Moore) um sich, wobei sie selbst meist als Co-Autorin fungiert.
Zu finden sind auf dem Zweitling 14 Stücke in der Schnittmenge zwischen Pop, Elektro, Soul und R&B, welche stets durch die soulig gefärbte Stimme der 21-Jährigen ihre Prägung erhalten.
Es sind dabei nur wenige Hördurchgänge vonnöten, bis sich der exotisch gefärbte Vorbote “Wildfires“, die einfühlsame Piano-Ballade “300 Years“, das gefühlvolle Songjuwel “Empty“, die hymnische Pop-Nummer “Burial“ und “Imaginary Friends“, ein als Duett mit Ron Sexsmith aufgenommenes Remake des gleichnamigen Songs aus seinem Durchbruch-Album “Retriever“, als die Stand Out-Tracks des Werkes offenbaren.
Während Casting-Stars hierzulande meist eine geringe Halbwertszeit haben, demonstriert Ivy Quainoo auf ihrem Zweitwerk eindrucksvoll, dass sie kein One-Hit-Wonder ist, sondern durchaus das Zeug zu einer langfristigen Musikkarriere hat.
Wer sich für die exklusive Amazon-Download-Edition des Albums entscheidet, wird übrigens mit den Bonus-Tracks “Paralyzed“ und “300 Years“ (Band-Version) belohnt.
Man kann Ivy Quainoo im Oktober als Special Guest auf der anstehenden Olly Murs-Tournee erleben, bevor sie im Januar nächsten Jahres selbst auf Headliner-Tour gehen und im Zuge dessen unter anderem in Bielefeld, Köln, München, Berlin, Hamburg, Bremen, Dortmund und Hannover gastieren wird.
Ivy Quainoo als Special Guest von Olly Murs:
04.10.2013 Düsseldorf
05.10.2013 Stuttgart
06.10.2013 München
09.10.2013 Offenbach
10.10.2013 Berlin
11.10.2013 Hamburg
Das Album „Bei Meiner Seele“ hat so manchen überrascht, da Xavier damit auch persönliche Erlebnisse vertonte.
Xavier Naidoo – Video Premiere zur neuen Single „Der Letzte Blick“Seine Fans waren begeistert und sicherten ihm nicht nur direkt nach Veröffentlichung den Chartthron, sondern momentan befindet sich der Longplayer auch auf direktem Platinkurs. Die erste Singleauskopplung „Bei Meiner Seele“ traf ebenfalls den Nerv der Zeit und der Fans und hat mittlerweile Goldstatus erreicht.
Bei der zweiten Singleauskopplung „Der Letzte Blick“ ergänzt Xavier das Thema ‚gefühlvolle Lyrik’ um ein weiteres Kapitel. Denn der Song ist eine emotionale und berührende Liebeserklärung die den Gefühlszustand ausdrückt, wenn man seiner großen Liebe begegnet ist. Das unverhoffte Glück den Deckel für den richtigen Topf zu finden.
Die sparsame Instrumentierung von Gitarre und Orgel verstärkt dabei die Eindringlichkeit der Worte, die wohl jeder in seinem Leben einmal hören möchte.
„Ich seh dich an und fass es nicht, dass solch ein Glück an meiner Seite ist.“
Der Song, ab 27.9.2013 als Download und im Handel zu haben, ist eine der schönsten Liebeserklärungen, die man seit langem gehört hat. Doch wer jetzt ein Kuschel-Video erwartet hat, liegt voll daneben…
Mit dabei sind einige der besten und angesagtesten Schauspieler Deutschlands.
Karoline Tamati aka Ladi6 schickt sich an, mit ihrem brandneuen Album “Automatic“ auch hierzulande durchzustarten.
Ladi6 – “Automatic“
Das Vorgänger-Werk “The Liberation Of …“ – bereits 2011 veröffentlicht und unter anderem soundtechnisch in Szene gesetzt vom Blumentopf-DJ Sebastian Weiss alias Sepalot – erklomm in ihrer Heimat Neuseeland sensationell die Spitze der Longplay-Charts, nachdem bereits ihr Erstling “Time Is Not Much“ dort mit einer Goldauszeichnung bedacht worden war.
Als Co-Produzenten fungierten bei den Aufnahmen zum Drittling zum einen Parks aka Brent Park, zum anderen Robert O` Bryant alias Waajeed, den einige von euch auch als Mastermind der Formation Platinum Pied Pipers kennen dürften.
Changierend zwischen R&B und HipHop und garniert mit Soul-und Elektro-Einflüssen, ist das Resultat ein sehr facettenreiches Album, das mit Gast-Features von Leuten wie Invincible, LO5, Scribe, Tyra Hammond oder Parks noch angereichert wird.
Mit hochkarätigen Songs wie “Ikarus“, “Slow Ride“ (feat. Invincible) “Diamonds“, “Shine On“ oder “Hold Tight“ hat die in Christchurch lebende Sängerin definitiv das Zeug, zu einer ganz großen der Urban Music zu werden.
Ab dem 16. September ist die Künstlerin mit samoanischen Wurzeln hierzulande auf Headliner-Tour und wird dann sicherlich auch zahlreiche Songs ihres taufrischen Albums “Automatic“ und die in Neuseeland mit Platin ausgezeichnete Single “Like Water“ – produziert übrigens von Sepalot – aus dem Longplayer „The Liberation Of…“ (2011) live präsentieren.
Neben James Brown und George Clinton zählen Sly & The Family Stone wohl zu den bedeutendsten Wegbereitern der Funkmusik.
Sly & The Family Stone – “Higher“
Anlässlich des 70. Geburtstages von Sylvester Stewart aka Sly Stone erscheint nun eine wirklich umfassende 4CD-Box mit 77 Tracks der 1967 gegründeten Formation, wobei 17 davon bisher unveröffentlicht sind.
Ob Mono Masters, Live-Aufnahmen (unter anderem vier Mitschnitte vom Isle Of Wight- Festival am 30. August 1970), Session Outtakes oder seltene Instrumentals (“Undercat“ (1967)) – auf der ultimativen Werkschau “Higher“ finden sich zahllose Schätze.
Selbstverständlich sind auch alle ihren großen Hits, darunter die erste Platzierung in den Top 10 der US-Billboard Charts mit “Dance To The Music“ sowie die US Nr.1-Hits „Everyday People“ (1968), “Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)“ (1969) und “Family Affair“ (1971) auf der Retrospektive vertreten.
Neben dem 4CD-Set erscheint gleichzeitig auch der Silberling “Higher! The Best Of The Box“, der auf einer CD mit 16 Titeln die Highlights der Box versammelt, darunter auch bislang unveröffentlichte Tracks wie “What`s That Got To To With Me“, eine Coverversion des gleichnamigen Jim and Jean-Songs aus dem Jahre 1967, “You`re The One (live from Don Kirshner`s Rock Concert)“ oder “I Remember” (1967).
“Higher“ ist ein wirklich lohnenswerter Querschnitt durch die Karriere von Sly & The Family Stone geworden, der beginnend mit raren Solo-Aufnahmen von Sly Stone (Autumn Records, 1964-1965) bis in das Jahr 1977 reicht. Abgerundet wird die wunderbare Würdigung der Formation durch ein 104-seitiges Booklet mit umfangreichen Liner Notes und Anmerkungen zu allen 77 Tracks des Box-Sets.
Sly & The Family Stone – “Higher“ (Epic/Legacy/Sony Music)
NIGHTMARES ON WAX aka George Evelyn ist seit seinen bahnbrechenden 90er-Alben „Smokers Delight“ und „Carboot Soul“ eine Institution.
Nightmares on Wax – Feelin´GoodAls „longest serving artist“ auf Warp Records veröffentlicht er seit mehr als 22 Jahren herausragende Alben. Ein absolutes Novum im schnelllebigen Musikgeschäft. Am 13.09.2013 erscheint auf Warp Records nun sein siebtes Studioalbum „Feelin´ Good“.
In den vergangenen sieben Jahren hat George in einem Bauernhaus auf Ibiza gelebt. Er hat immer davon geträumt, Musik in der Sonne zu machen und den Balearic Einfluss hört man dem neuen Album an. “I come from the city but sunshine is in my music… It was always a natural dream to make music in the sun like I do now.”
Ein wesentlicher Einfluss auf das Album und die Live-Show ist George´s eigene Clubnacht „Wax Da Jam“ im Las Dalias, einem der ältesten Clubs auf Ibiza. Zusammen mit Gästen wie DJ Shadow oder Roots Manuva zelebriert er dort Nächte voll mit Grooves, Experimenten, Percussion und Improvisation.
„Feelin Good“ ist das bislang musikalisch opulenteste Album von Nightmares on Wax. Orchestrierung und Streicher wurden in Berlin von Jazzanova-Arrangeur Sebastian Studnitzky inszeniert. Unterstützt wurde George an den Keyboards von Robin Taylor-Firth, an den Drums durch den virtuosen deutschen Jazz-Schlagzeuger Wolfgang Haffner und am Bass von Paul Powell. Percussions kommen von Shovell dem „Drum Warrior“ und Vocals von Mozez (Zero 7).
Nightmares on Wax„Feelin Good“ ist gewürzt mit dicken Downbeats, Funk, Soul und House. Übersprudelnd vor Ideen, warm und lebendig – „a soundscape to feeling good, that’s my aim”. Der Ideenreichtum von George ist beinahe grenzenlos. Abwechslungsreich und mit überraschenden Sprüngen zwischen den Genres präsentiert er eine grandios entspannte Reise.
„Masterplan“ ist ein abgehangener Trip-Hop-Soul-Song gesungen von der Kalifornischen Sängerin Katy Gray. Das funky „Now Is The Time“ kommt im besten „Wax Da Jam“ – Partyflavour daher und „Give Thx“ verzückt mit 70er Motown-vibes.
„I wanted the message to be a universal thank you for everything. I wanted to get it across in a way that was happy but wasn’t preachy, wasn’t cheesy. I had to manifest it, to genuinely mean it with energy. That’s how I went through the process of making the whole album, really feeling it.”
„Eye (Can’t See)“ paart einen packenden Latin-Groove mit Clicks´n´Cuts, auf „Tapestry“ und „There4U“ singt jeweils der ExZero 7 Sänger Mozez und auf „Om Sweet H(ome)“ schrauben sich George und der Percussionist Shovell zu den Gesängen tibetischer Mönche hoch.
„Feelin Good“ ist das perfekte Album für den Sundowner mit rauchgeschwängerten Dub-Beats und der NOW-typischen, wohlig-warmen Atmosphäre, der sich die Wenigsten entziehen können.
Nightmares on Wax – Feelin´Good Tracklist:
01 So Here We Are
02 Be, I Do
03 Master Plan
04 Luna 2 feat. Wolfgang Haffner
05 Now is The Time
06 Give Thx
07 Eye (Can’t See)
08 Tapestry
09 There 4u
10 Om Sweet H(Om)e
Bei der 54. Grammy-Verleihung im letzten Jahr konnte die Tedeschi Trucks Band sich mit ihrem Debüt-Album ‚Revelator“ (2011) in der Kategorie Best Blues Album gegen Mitstreiter wie Gregg Allman, Marcia Ball, Warren Haynes und Keb`Mo` durchsetzen.
Tedeschi Trucks Band – “Made Up Mind”
Nun legt die 11-köpfige Band um Susan Tedeschi und Derek Trucks mit “Made Up Mind“ ihren zweiten Longplayer vor.
Als Co-Produzent bei den Aufnahmen in den Swamp Raga Studios (Jacksonville) stand Derek Trucks niemand Geringerer als Jim Scott (Johnny Cash, Red Hot Chili Peppers, Wilco) zur Seite, der ihn bereits auf dem Debüt produktionstechnisch unterstützt hatte.
Neben Susan Tedeschi und Derek Trucks waren am Songwriting auch Doyle Bramhall II (Eric Clapton, Sheryl Crow), Eric Krasno (Soulive, Lettuce), Gary Louris (The Jayhawks, Dixie Chicks) und John Leventhal (Michelle Branch, Rosanne Cash, Shawn Colvin) beteiligt, die bereits in den Credits für das Debüt “Revelator“ zu finden sind.
Das kraftvolle Soul-Stück “Made Up Mind“, der mit Funk-Einflüssen aufwartende Track “Misunderstood”, “Part Of Me“, ein feines Rhythm & Blues-Duett zwischen Susan Tedeschi und dem Posaunisten Saunders Sermons, der Gospel-lastige Titel “It`s So Heavy“, das akustische Kleinod “Idle Wild“ sowie die feinfühlige Ballade “Calling Out To You” zieren ein Werk, das aufgrund seiner Klasse mit Auszeichnungen und Preisen überhäuft werden dürfte.
Pendelnd zwischen Soul, Rhythm & Blues und Gospel, ist “Made Up Mind“ ein exzellenter Zweitling geworden, der durch die rauchig-soulige Stimme von Susan Tedeschi und musikalischen Abwechslungsreichtum zu bestechen weiß.
Tedeschi Trucks Band live:
23.04.14, Köln – E-Werk
25.04.14, München – Tonhalle
26.04.14, Berlin – Postbahnhof
Besetzung:
Derek Trucks – Guitar
Susan Tedeschi – Guitar & Vocals
Oteil Burbridge – Bass Guitar
Kofi Burbridge – Keyboards & Flute
Tyler Greenwell – Drums & Percussion
J.J. Johnson – Drums & Percussion
Mike Mattison – Harmony Vocals
Mark Rivers – Harmony Vocals
Kebbi Williams – Saxophone
Maurice Brown – Trumpet
Saunders Sermons – Trombone
Gerne erinnert man sich an das Duo Lighthouse Family, das ab Mitte der 90er bis Anfang des neuen Jahrtausends mit Hits wie “Lifted“ (1995),. “Ocean Drive“ (1995), “Raincloud“ (1996), “High“ (1998), “Lost In Space“ (1998) oder “(I Wish I Knew How It Would Feel To Be) Free / One” (2001) international für Furore sorgte.
Tunde Baiyewu – “Diamond In A Rock”
Von seinen Alben “Ocean Drive” (1995), “Postcards From Heaven” (1997) und “Whatever Gets You Through The Day” (2001) konnte es weltweit etwa 20 Millionen Einheiten absetzen.
Seit 2004 lässt der Frontmann Tunde Baiyewu auch solo von sich hören. Nach “Tunde“ erscheint mit “Diamond In A Rock“ nun sein zweites Soloalbum.
Die Aufnahmen für den neuen Longplayer fanden in Portland statt, wobei Sebastian Rogers (Catherine Feeny, Roses Kings Castles) als Produzent fungierte.
Als Co-Autoren waren zudem Leute wie Ben Cullum (Jamie Cullum, Ferry Corsten, Emma Hewitt) oder Daniel Kamas beteiligt.
Getragen von Tundes warmer Stimme, ist das Resultat ein feines Album, das sich zwischen den Koordinaten Soul und Pop sehr wohl fühlt.
Erwähnt sei schließlich noch, dass der Lighthouse Family-Sänger M People auf ihrer “20th Anniversary Greatest Hits“-Tour im Oktober als Support begleiten wird und dann sicherlich auch Album-Highlights wie “Move“, “Blissful In No Time“, “Fear And Fortune“ oder die erste Single-Auskopplung, den Titeltrack, mit im Gepäck haben wird. Für November ist dann eine UK-Headliner-Tour geplant.
WE ARE TONY ist ein 5-köpfiges Bandkollektiv aus Profi-Musikern und Songwritern, angeführt von dem in Seattle geborenen Gesangstalent Tony Potts.
WE ARE TONY „Seven Kinds of Crazy“WE ARE TONY ist mehr als eine Band – WE ARE TONY ist ein Lebensgefühl, daß diese Urban-Sound-Section stellvertretend für eine ganze Generation repräsentiert. Bei dem bewußt reduziert erzeugten Klangbild von WE ARE TONY zählt das Songwriting mehr als eine High-Tech-Produktion.
Die Band ist nicht eine weitere beliebige Retro-Truppe, sondern ein clever arrangiertes Zusammenspiel, das im Sinne des Vintage-Sounds vor allem Nachhaltigkeit anstrebt.
Mit Wurzeln in Seattle, Berlin und Hamburg hat die Band 2011 die Hansestadt zu Ihrem Heimat-Hafen ernannt, bespielt von dort aus die Clubbühnen in der gesamten Republik und wird seither in Fankreisen und bei ihren Live-Konzerten gefeiert
„SEVEN KINDS OF CRAZY“
Die sieben Todsünden waren gestern. Heute regieren die sieben Arten des Wahnsinns – seven kinds of crazy. We Are Tony transportieren in ihrer Musik wie selbstverständlich dieses Gefühl von originärer Musikqualität, mit einem eigenen, direkt ansprechenden Sound, so authentisch wie ausgefallen. Jetzt präsentieren die fünf Musiker sich und ihre unverwechselbare Klangwelt mit den 13 Stücken des Debut-Albums „Seven Kinds of Crazy“.
Eindringlich erschaffen sie einen faszinierenden musikalischen Kosmos zwischen modernem Pop und vintage Soul, „Urban Pop“, wie sie es in Ermangelung einer besseren Bezeichnung nennen. „Alle Genre-Schubladen mal bei Seite gelassen: was unsere Musik meiner Meinung nach ausmacht ist eine gewisse Dringlichkeit, die allen Stücken des Album innewohnt“, sagt Chris. „Es geht ums Leben“, sagt Martin, der Bassist – und die ganze Band stimmt zu. „Das Leben ist nun mal Gut und Böse, schön und schlimm, aufregend und entspannt – warum sollte unsere Musik das nicht reflektieren?“ Keine Frage: die Musik von We Are Tony übt einen enormen Reiz aus.
Ein Reiz dem offensichtlich auch Stimmwunder Kim Sanders unterlag. Mit dem Duett „Come My Way“, das sie zuletzt mit Tony Potts im Studio für das Album geschrieben und eingesungen hat, erfüllt sich für die Band und für Kim selbst der Wunsch nach etwas Wahrhaftigem in dieser oft oberflächlichen Musik-Business-Welt und so resumiert Kim Sanders nach der Recording-Session. „… es ist etwas Herzhaftes es ist Nahrung für die Seele!“
Alle dreizehn Songs des Album sind von der Band selbst geschrieben und entwickelt. Sie breiten dem Hörer einen flauschigen Teppich aus. Gewoben aus dicken Grooves, perlenden Fender-Rhodes, je nach Stimmung diskreten, fast klangmalerischen oder tanztreibenden Gitarren, Bassläufen wie aus der besten Funk-Familie – und darüber und drumherum diese samtweiche, angenehm angeraute Soulstimme des Leadsängers.
„Ich heiße Tony“, sagt dieser, ein Amerikaner aus Seattle, der seit langem in Deutschland lebt. „Aber das ist zweitrangig. „Tony“ ist ein Lifestyle, es ist ein Gefühl – manchmal sieht dein Haar „Tony“ aus, manchmal geht es dir einfach „Tony“. Tony ist mehr als die Summe unserer Teile, deshalb heißen wir als Band auch „We Are Tony“. „Wer glaubt wir überidentifizieren uns alle mit unserem Sänger, der irrt. Für uns steht der Bandname synonymisch für ein Lebensgefühl. „Tony“ kann dabei als Begriff manches bedeuten. etwa einen Lifestyle oder eine Haltung oder ein feeling, dass sich nur durch Musik ausdrücken lässt“, entzieht sich Martin elegant einer zu genauen Beschreibung. „Ein bisschen steckt darin auch: einer für alle, alle für einen.“
Der Titel-Song “Seven kinds of crazy” wirft einen Blick auf die Welt aus unserer Perspektive. „Wenn man bestimmte Phänomene wahrnimmt, wundert man sich schon über bestimmte Entwicklungen. Nimm die Medienwelt, ich sage nur ein Stichwort: „Snookie“. da darf man sich schon fragen wer hier verrückt ist, die vielen Menschen die hier Fan sind, oder man selbst, der diese Tatsache nicht nachvollziehen kann“, erklärt Tony und fügt an, „als Künstler, so denke ich, gehört es zur Verantwortung, die Welt zu kommentieren, sie zu beschreiben. Durch die Musik wird ein solcher Kommentar verstärkt und wiederum in etwas anderes verwandelt. Auch wenn nicht jedes von uns beleuchtete Thema heiterer Natur ist, so ist doch der Prozess ein positiver. Wichtig ist nur hier nicht die Haltung einzunehmen man wüsste die Dinge von vorne herein besser. Ich bin definitiv nobody ́s Guru!. Musikalisch ist „Sevens Kinds Of Crazy“ für unsere Arbeitsweise ungewöhnlich, weil sich zwischen der Version im Proberaum und der hier auf dem Album realisierten Version kaum ein Unterschied besteht. Normalerweise wandeln sich die Stücke bei uns außerordentlich, weil wir sie immer wieder überarbeiten, hier aber hatten wir gleich den Sound und die Struktur gefunden, die sich durchgesetzt hat“.
Dass die Musik universell funktioniert, zeigt sich schon nach kurzem Hören: mal elegant, mal angriffslustig und funky, immer selbstbewusst und intensiv, treffen die Melodien, die Arrangements, ja die Songs an sich immer direkt ins Schwarze, ins Herz und in die Seele. „Es ist manchmal anstrengend mit so vielen Individuen mit so starker Leidenschaft gemeinsame Sache zu machen“, sagt Shield, der Gitarrist. „Aber wir wollen es nur so und nicht anders. Und wir schulden es den Songs: Sie haben eine Wahrhaftigkeit, die man ernst nehmen muss. es geht um das große Ganze, das komplette Bild.“
Egal ob im funky Beziehungs-Abgesang „Off With Your Head“ oder im Disco-shuffligen „Rise“, immer gibt es eine tiefe Ebene hinter oder unter der brodelnden Oberfläche, einen Spaßfaktor, der jenseits von einfachem Witz anhaltend glücklich machen kann – wie es gute Popmusik sollte. „Rise ist inhaltlich sehr gerade heraus. Wir hatten dieses Bad-Ass-Lick, auf dem schlussendlich der ganze Song fußt. Daraus ergab sich der Groove, der zackige Rhythmus, einfach alles. Und diese Direktheit ist es sicherlich auch, warum wir das Stück als Single ausgesucht haben. Wir sind nicht dazu da jedem zu gefallen. Wir müssen niemands Vorstellungswelt bedienen. Entweder du kannst dich auf das was wir machen beziehen, oder nicht. Letzteres wäre nicht so schlimm. Jedem gehört seine eigene Welt“, fasst Olaf den Song „Rise“ zusammen.
Der Song „Billy“ gibt Eindrücke aus den USA wieder. Sänger Tony verarbeitet darin seine Gedanken zur radikalen Gewalt in der amerikanischen Kultur: „für mich hat es vor ein paar Jahren angefangen, dass sich die Dinge nochmals zugespitzt haben. Viele Städte haben sich gewandelt, eine neue Armut fasst in den Staaten fuß. Und die Gewaltverherrlichung im Gangsta-rap ist natürlich eine Reaktion darauf, wenn gleich keine gute. ich verstehe dieses ganze Hard-Guy sein um des Hard-Guy-Seins-Willen einfach nicht. Respekt und Ehre sind mehr Wert als ein Menschenleben? Man gibt um keinen Preis nach? Lieber begegnet man sich mit einem „I will shoot you in the head“? Insofern habe ich mir die Geschichte um Billy als Reaktion auf diese Entwicklung ausgedacht. Für unseren Arbeitsprozess bei diesem Track ist es ungewöhnlich dass der Text vor der Musik da war. Normalerweise läuft es andersherum. Wir komponieren ein Stück und durch dessen Vibes fliegt mir ein Text, eine Geschichte zu.“
Seven kinds of crazy – eine Möglichkeit alle sieben Wahnsinnsarten zu umgehen wäre, dieses Album anzuhören. Und es zu lieben. Aber das ist ohnehin der konsequente nächste Schritt.
WE ARE TONY / BIOGRAFIE
WE ARE TONY ist mehr als eine Band – WE ARE TONY ist ein Lebensgefühl, daß diese Urban-Sound-Section stellvertretend für eine ganze Generation repräsentiert. Bei dem bewußt reduziert erzeugten Klangbild von WE ARE TONY zählt das Songwriting mehr als eine High-Tech-Produktion. Die Band ist nicht eine weitere beliebige Retro-Truppe, sondern ein clever arrangiertes Zusammenspiel, das im Sinne des Vintage-Sounds vor allem Nachhaltigkeit anstrebt. Man könnte es nicht besser ausdrücken als der Amerikaner und Sänger der Band, der nach der Musik befragt zusammenfassend antwortet:
»WE ARE TONY« IS A SEDUCTIVE SOUND SOMEWHERE BETWEEN SEATTLE, HAMBURG AND BERLIN. SMOOTH AND FUNKY, PROUD AND INTENSE. THE MUSIC’S NARRATIVE SENSE BRINGS THE POWER OF EVERY MUSICIAN QUIETLY TO A CLIMAX. A FEELING WE ARE ADDICTED TO. WE ARE TONY! ARE YOU TONY?!“
Tony Potts ist in Seattle, USA geboren und aufgewachsen. Als Sohn eines Pfarrers und einer Gospelsängerin wurde sein angeborenes Talent für das Singen früh erkannt und unterstrich seine Leidenschaft für die Musik im Generellen. So begann er seine Karriere als Gospel-Sänger bereits mit 11 Jahren. Die Gesangausbildung und das jahrelange intensive Training ist verantwortlich für das feine Gehör, die genaue Intonation und die Klarheit im Ton von Tonys Gesangsstimme. So wundert es niemand, dass auch Weltstars und anerkannte Musiker wie Quincy Jones, Patti Austin, Ray Charles, Pat Wright und Roy Dyk, um nur einige zu nennen, mit diesem Gesangstalent bereits zusammen gearbeitet haben und vollen Lobes waren.
Christoph Spangenberg, Keyboarder von WE ARE TONY ist ein international anerkannter Songwriter, Pianist und Ausnahme-Musiker, der schon in jungen Jahren mit Preisen und Stipendien überhäuft wurde. Dies ermöglichte ihm in Berlin, Hamburg und New York eine fundierte Klassik- und Jazz- Klavierausbildung zu absolvieren. Das hohe Maß an Zielstrebigkeit bei seiner Arbeit, sowohl mit den eigenen Bands als auch mit der deutschen Erfolgsband „Stanfour“, brachte ihm gepaart mit der Live-Experience als Support von „A-HA“ und bei Stadionkonzerten von „P!NK“, für die Studioarbeit bereits mit 23 Jahren seine erste goldene Schallplatte ein.
Die anderen Macher von WE ARE TONY sind der Schlagzeuger HaJo Schüler, Bassist Martin Werner und Gitarrist Olaf Schildt, allesamt Profi-Musiker und Songwriting-Talente.
Die Erfahrung aus unzähligen Auftritten der Musiker im Jazz-, Soul- und Rockbereich u.a. für das Goethe-Institut in Griechenland und Frankreich, mit Nina Hagen, A La Phonk oder den Toten Hosen verbindet sich in ihrem Songwriting und lässt den Groove entstehen, der die Band auszeichnet.
Mit Wurzeln in Seattle, Berlin und Hamburg hat die Band 2011 die Hansestadt zu Ihrem Heimat-Hafen ernannt, bespielt von dort aus die Clubbühnen in der gesamten Republik und wird seither in Fankreisen und bei ihren Live-Konzerten gefeiert. Genau aus diesem Grund setzt sich mit dem Signing von WE ARE TONY durch das Soulkitchen/Soulciety-Label eine Tradition fort, die bereits in den 90er Jahren international bejubelt wurde: Good old rockin’ soul music made in germany!
Chasing Kurt ist der Name eines Musik-Projektes, das sich der House Music verschrieben hat, welche mit Ingredienzen aus Pop und Soul kombiniert wird.
Chasing Kurt – „From The Inside“
Am gestrigen Tagerschien mit “From The Inside“ das erste Album des aus Pascal Blanche, Wojtek Kutschke und Lukas Poloczek bestehenden Acts, welches von den beiden Erstgenannten soundtechnisch in Szene gesetzt wurde.
Seit dem 3. Mai ist der Titeltrack, ein eingängiger Deep House-Titel, als Vorab-Single mit zusätzlichen Remixes von Daniel Bortz, Till von Sein und Tigerskin auf allen bekannten Download-Portalen käuflich erhältlich.
Glanzlichter der CD werden zudem mit der gefühlvoll-schwermütigen Nummer “Take Me Home“, dem clubtauglichen Titel “In Control“, dem souligen und durch Piano-Klängen gefärbten Track “It Shines On Me“ und dem mit reduzierten Beats aufwartenden Closer “This Is My Religion“ gesetzt.
Hört unbedingt mal rein in dieses facettenreiche Gebräu aus House, Pop und Soul, das mit dem souligen Gesang von Lukas Poloczek garniert wird, aus dessen Feder auch die Stücke des Albums stammen.
Alex Hepburn ist meines Erachtens derzeit der aufgehende Stern am Pop-Himmel.
Alex Hepburn – “Together Alone“
In diesen Tagen veröffentlicht die in London lebende Sängerin ihr Album-Debüt “Together Alone“, bei dem ihr Jimmy Hogarth (Paolo Nutini, KT Tunstall), Gary Clark(David McAlmont, Natalie Imbruglia, Eddi Reader) und Ian Barter (Amy Winehouse, Natasha Beddingfield, Saint Lu) als Co-Produzenten zur Seite standen.
Das Mixing übernahm dann Cenzo Townsend (Florence & The Machine, Snow Patrol), während Tom Coyne (Adele, Amy Winehouse) für das Mastering zuständig war.
Ein erstes Ausrufezeichen hat die gebürtige Schottin hierzulande gerade mit der ersten Single-Auskopplung “Under“ gesetzt, einem Ohrwurm-Hybriden aus Pop und Rock, der eine Notierung in den Top 40 der offiziellen deutschen Single-Charts schaffte. Noch erfolgreicher ist der Titel momentan in Frankreich und der Schweiz, wo er auf Platz 2 bzw. Platz 5 gechartet ist.
Aber auch die anderen, zwischen Pop, Rock, Blues und Soul changierenden Songs vermitteln Gänsehaut-Feeling und warten mit einer unglaublich hohen Hitdichte auf.
Zu nennen sind dabei vor allem die wunderbare Piano-Ballade “Broken Record“, der kraftvolle Rocker “Angelina“, die Rhythm & Blues-Nummer “Bad Girl“, das ausgelassen nach vorn gehende “Get Heavy“, der fragil wirkende Poptrack “Reckless“, welcher zusammen mit Paul Barry entstanden ist, sowie das in Blues-Gefilden wandernde “Miss Misery“.
Ohne Frage wird das vielversprechende Musiktalent mit ihrem Debütalbum “Together Alone“, das durch ihre rauchig-soulige Stimme, einer facettenreiche Melange aus Pop, Rock, Blues und Soul und einer schwermütig-dunklen Grundstimmung besticht, auch hierzulande die Erfolgsleiter erklimmen, nachdem sie in der Schweiz und Frankreich in den Longplay-Charts bereits sensationell auf Platz 2 bzw. Platz 3 landen konnte.
Eine der Entdeckungen des Jahres ist sicherlich Jesper Munk, der mit “For In My Way It Lies“ nun sein Debütalbum vorlegt.
Jesper Munk – “For In My Way It Lies“
Bei den Aufnahmen zeichnete sein Vater Rainer Germann (Cat Sun Flower) nicht nur als Co-Produzent verantwortlich, sondern er spielte auch am Bass. Zudem fungierte Clemens Finck von Finckenstein, mit dem Jesper in der Vergangenheit bereits gemeinsam in der Band Lila`s Riot spielte, als Drummer.
Oszillierend zwischen Blues, Soul und Folk, sind 12 ausnahmslos hochwertige Stücke entstanden, die stets durch die rauchige Stimme des 20-Jährigen veredelt werden.
Wunderschöne Song-Pretiosen wie die soulig gefärbte Nummer “I Love You“, ein Remake des gleichnamigen Eddie Holman-Songs aus dem Jahre 1969, das unbekümmerte und leicht beschwingt daherkommende “The Everlasting Good“ oder der Blues-geschwängerte Titel “Lady River Song“ sorgen dabei für ein beeindruckendes Hörerlebnis.
Da muss man wirklich nicht mit der Gabe der Prophetie ausgestattet sein um vorherzusagen, dass dem Sänger mit deutschen und dänischen Wurzeln die Zukunft gehört.
Erwähnt sei noch, dass der Album-Titel ein Zitat aus dem ersten Akt des Shakespeare-Klassikers “Macbeth“ ist.
Während Josh Kumra in seinem Heimatland Großbritannien bereits 2011 für Furore sorgte, als er den Gesang zum dortigen Nr.1-Hit “Don`t Go“ von Wretch 32 beisteuerte, erlangte er hierzulande erst am Anfang diesen Jahres eine gewisse Bekanntheit, als sein Song “The Answer“ auf dem Soundtrack zum Matthias Schweighöfer-Film “Schlussmacher“ zu hören war.
Josh Kumra – “Good Things Come To Those Who Don’t Wait”
Mit “Good Things Come To Those Who Don’t Wait” bringt der 22-Jährige jetzt sein Debütalbum heraus, das den Spagat zwischen Pop, Folk, Singer/Songwritertum, Blues und Gospel wagt.
In den Songwriter- und Produzenten-Credits für den Silberling finden sich dabei so illustre Namen wie Emeli Sande, Fink, Naughty Boy und Mr Hudson.
Es sind Songs wie das melancholische Popstück “Keep On Walking“, in dem über eine gescheiterte Liebe reflektiert wird, das in einer neuen Fassung dargebotene “Don`t Go“, “Find My Way Home“, eine mit Gospel-Elementen angereicherte Soul-Nummer, das mit Blues-Anleihen aufwartende “Where Do We Go From Here“, der hymnische Feel Good-Poptitel “Be My Light“, das in Folk-Gefilden wandernde und mit einem Feature der Sängerin Maiday versehene Lied “Black & White“ sowie das mit melancholischem Pop berührende “Lost Again”, die das ungemein facettenreiche Debüt schmücken.
Zu meinem absoluten Favoriten auf “Good Things Come To Those Who Don’t Wait” ist aber längst “The Answer” avanciert, das einen mit balladeskem Gitarrenpop zu verzaubern weiß.
In toto ein fulminanter Erstling mit 12 sehr hörenswerten Songs, für die vor allem exzellente Songwriterqualitäten und Joshs einfühlsame Stimme signifikant sind.
Der wahre Fan dürfte aber wohl zur Deluxe Edition der Scheibe greifen, die mit fünf Bonus Tracks, nämlich “Helicopters & Planes“, einer Produktion von Naughty Boy (Emeli Sandé, Rihanna), “You`ll Come Running“, “Fingertips“, “Pretend“ und dem Harry Nilsson-Cover “I`ll Be Home“ aufwartet.
Qeaux Qeaux Joans (sprich: Coco Jones) zelebriert auf ihrem Aufsehen erregenden Debütalbum „No Man’s Land“ einfühlsamen, sinnlichen Singer/Songwriter-Pop, voller Emotionen, Blues und Soul.
„NO MAN’S LAND“ Debütalbum von QEAUX QEAUX JOANSQeaux Qeaux Joans wollte immer nur eins: Mit ihrer Musik Geschichten erzählen. Ihre Stimme geht durch Mark und Bein und ihr Rhythm & Blues ist mit einem Wort erstklassig. Ihre wandelbare Stimme brachte ihr Vergleiche mit Norah Jones, Feist oder Leslie Clio ein. Doch all diese Vergleiche werden ihr nicht gerecht.
Mit ihrem sehnsuchtsvollen Gesang und ihrer charismatischen Erscheinung transportiert Qeaux Qeaux Joans Emotionen, die über die betörende Poesie ihrer Songtexte noch hinausgehen. Aus fragil getupften Stimmungen und geerdeter Wucht entfesselt die Ausnahmekünstlerin ihre Geschichten – und lebt die wahre Schönheit und Kraft der Musik. Die Rückschläge in ihrem Leben spiegeln sich in der Tiefe und Sensibilität ihrer Musik – nicht als eine bewusste Wahl, sondern als selbstverständliche Verarbeitung ihrer Erfahrungen.
Mit ihrem Debüt „No Man’s Land” schaffte sie es auf Anhieb in die holländischen Album-Charts. Sie teilte bereits die Bühne mit Bobby McFerrin und tourte mit Beth Hart und Seasick Steve. In den Niederlanden hat Qeaux Qeaux Joans den Status des Geheimtipps schon längst hinter sich gelassen
Auf der Bühne lebt Qeaux Qeaux Joans die Musik. Sie taucht ein mit Haut und Haar, ganz gleich ob es sich dabei um eine spontane Jam Session in einer der zahlreichen Musikbars der Amsterdamer City oder einen Festivalauftritt vor mehreren tausend Besuchern handelt. Sinnlich, sanft, verwegen und immer zu 100 Prozent Musikerin.
Produziert vom niederländischen Erfolgsproduzenten Reyn Ouwehand (Ane Brun), legt Qeaux Qeaux Joans zusammen mit ihrer hervorragenden Band ein Aufsehen erregendes Erstlingswerk vor .„No Man’s Land” wird zusammen mit der Bonus DVD „Live at the Church“ am 14.06.2013 von Blackbird Music in Deutschland, Österreich und der Schweiz veröffentlicht. Die Bonus DVD enthält 7 Album-Songs die 2013 im holländischen Tonstudio „The Church“ aufgenommen und gefilmt wurden.
Qeaux Qeaux Joans über „No Man’s Land“:
“All the songs are pieces of a puzzle actually. And it all comes together. Sometimes it feels like you go underwater and see the world, sometimes it feels like you fly and sometimes it feels like you see the darkest part of your soul.“
“I think that right now we have so many choices. We do not know anymore what to choose, what’s important and what is not. We’re too preoccupied with ourselves and we’re desperately looking for a home and warmth and love. That way I would like it if people hear my music and feel at home wherever that may be.”
Tracklist CD
01 Can’t Steal My Heart 4:21
02 Golden Cage 4:53
03 Heartache 3:48
04 Final End 4:03
05 L.O.V.E. 4:44
06 No Man’s Land 4:08
07 Brother 4:17
08 While The Whole World Is Asleep 4:32
09 What If 4:30
10 Road Trippin’ 5:32
11 Try (Hidden Track) 5:54
Gesamtlaufzeit: 50:39
Tracklist Bonus DVD „Live at The Church“
(enthält 7 Songs vom Album, gefilmt 2013 im holländischen Tonstudio „The Church“; www.studiothechurch.com)
01 Brother 4:36
02 L.O.V.E. 5:41
03 What If 5:39
04 Final End 4:00
05 Golden Cage 4:30
06 No Man’s Land 5:11
07 Road Trippin’ 5:17
Gesamtlaufzeit: 34:54
QEAUX QEAUX JOANS – BIOGRAFIE
Man mag an Schicksal glauben oder nicht. Letztendlich geht es um Entscheidungen, die unser Leben beeinflussen. 2009 springt Qeaux Qeaux Joans während eines Auftritts von Seasick Steve im Amsterdamer Paradiso spontan auf die Bühne.
Der US-amerikanische Bluesmusiker ist dermaßen beeindruckt von ihr, dass er seinem für 2011 bereits gebuchten Opening Act absagt, um Qeaux Qeaux und Band auf seiner Hollandtour für sich eröffnen zu lassen. Wenig später bekommt sie einen Anruf vom niederländischen Fernsehen, das sie für einen Auftritt in die Sendung „De Wereld Draait Door“ einlädt. Qeaux Qeaux Joans hatte stets ein klares Ziel vor Augen: Musik zu machen. Ihre Songs vermitteln dennoch den Eindruck, als vereine sie die Erfahrungen vieler verschiedener Leben.
Im Alter von nur sieben Jahren schreibt sie ihren ersten Song. Mit siebzehn geht sie ans Konservatorium in Amsterdam, wo sie vier Jahre lang studiert, sich aber letztlich gegen einen Abschluss entscheidet. Statt brav zum Gesangsunterricht zu gehen, zieht es sie abends in die Musikclubs der Stadt, um mit anderen Musikern zu jammen.
Qeaux Qeaux Joans ist überzeugt davon, auf diese Weise mehr zu lernen, als es die festen Strukturen eines Studiums vermitteln könnten. Sie geht mit Beth Hart auf Tour, teilt die Bühne mit Bobby McFerrin und nimmt 2008 an der Popronde teil. Als Kind erhält Qeaux Qeaux Joans zehn Jahre lang Klavierunterricht. 2010 beginnt sie, auf der Gitarre zu experimentieren. In einem Akt der Frustration schreibt sie die Hälfte ihres Albums „No Man’s Land“ auf der E-Saite, basierend auf einigen Basslinien.
Für die Aufnahmen ihres Debüts entscheidet sie sich für die Zusammenarbeit mit dem holländischen Erfolgsproduzenten Reyn Ouwehand (Ane Brun). Die Recordings dauern drei Tage. Die meisten der Stücke sind One-Takes, um der Platte das Live-Feeling zu verpassen, das der Ausnahmemusikerin so wichtig ist. Für Pressefotos und Artwork ihres Albums gewinnt sie den international agierenden Fotografen Rahi Rezvani, der unter anderen mit Willem Dafoe und Marina Abramovic zusammenarbeitete.
Der Ausspruch „Bei meiner Seele“, rutscht einem hin- und wieder mal raus, wenn man von einer Situation plötzlich überrascht wird.
Xavier Naidoo „Bei meiner Seele“ AlbumEine weitere Definition von „Bei meiner Seele“ ist: Die Gesamtheit dessen, was das Fühlen, Empfinden und Denken eines Menschen ausmacht.
Darüber hinaus ist „Bei meiner Seele“ auch Album- und Singletitel des fünften Studioalbums von Xavier Naidoo.
Die Single „Bei meiner Seele“ ist der Vorbote des gleichnamigen Albums und ist in zwei unterschiedlichen Versionen enthalten. Die erste Variante ist eine Uptempo Version die nach vorne geht und mit gut gelaunten Streichersamples für Tanzbarkeit sorgt. Die zweite Umsetzung des Songs ist eher langsam und getragen, eine Art Schwebezustand, die eine völlig andere Stimmung erzeugt.
Den Ausgangspunkt für die gefühlvollen Worte beschreibt Xavier so: „Bei dem Song kann man sich vorstellen, dass es von Herzen und aus der Tiefe der Seele kommt. Mit großer Freude behaftet die man verspürt, wenn man jemanden anschaut den man sehr lieb hat und der einem schon alleine deshalb Kraft geben kann, weil man ihn betrachtet“.
Die Freude an der Musik und eine gehörige Portion Produktivität war es auch, die Xavier Anfang Januar 2013 plötzlich und eher unerwartet packte und aus dem das nun vorliegende Album resultierte. „Ich war im Studio und musste einige Aufnahmen machen die bis in die Nacht gingen.
Letztendlich waren nur noch Jules Kalmbacher (Produzent des Albums) und ich da und er hat mir ein paar Beats vorgespielt.“ In dieser Nacht wandelten die beiden sieben davon sofort in Songs um. Am nächsten Tag ging es weiter und plötzlich war ein Album fertig. „Wenn alle Parameter stimmen, warum sollte man es dann nicht rausbringen, auch wenn es nicht geplant war“.
Heraus gekommen ist eine Art Standortbestimmung in 13 Songs, bei denen sich Xavier textlich sehr offen gibt und dem Zuhörer teilweise Einblicke in persönlich Erlebtes gewährt. „Hin- und wieder lasse ich in ein paar Abläufe meines künstlerischen und meines privaten Lebens blicken, vielleicht konkreter als je zuvor. Ich glaube es ist menschlicher, weniger mythisch oder kryptisch“.
Konkret (und mit Augenzwickern) wird er auf „Autonarr“, was nicht nur seine Leidenschaft beschreibt, sondern auch warum er bis heute am liebsten mit dem Auto unterwegs ist. Oder, wie es Xavier beschreibt, „Im Auto kann ich laut Musik hören, daher wollte ich gleich ins Auto ziehen“.
Eine persönliche Reflektion bestimmt den Inhalt von „Hört Hört“, während „Der letzte Blick“ liebevoll beschreibt, wie es sich anfühlt die unverhoffte Liebe gefunden zu haben. Das Abschütteln von alten Vorgehensweisen wird bei dem Song „Das Aufgebot“ genauer unter die Lupe genommen, der auch musikalisch Xaviers Faible für Van Morrisons Gitarrenspiel mit einbezieht.
Ruhig und nachdenklich wirft „Woran Kann Ich Den Menschen Erkennen“ die Frage auf, wie ein freundliches und faires Miteinander möglich ist. Mit dem Ärzte Song „Junge“ beschäftigt sich Xavier schon seit Veröffentlichung. Eine Überlegung dabei war „Ich bin jetzt auch in dem Alter, wo ich meinen Sohn genauso spießig hätte anmeckern können“.
Erst am nächsten Tag nach Fertigstellung seiner Version las er, dass ausgerechnet dieser Song gerade von einem anderen Musiker gecovert wurde. Doch der Song war nun da und damit wanderte er auch auf den Longplayer.
Das einzige Feature auf dem Album ist mit Moses Pelham bei dem Track „Deine Last“. Ein elegischer Soundteppich verstärkt die eindringlichen Worte des Songtextes über die Fähigkeit loslassen zu können.
„Bei meiner Seele“ ist ein sehr persönliches Album mit viel Reflektion, Ausblick und Reaktion geworden. Es klingt anders, gradliniger produziert als seine vorherigen Soloplatten. Doch es ist 100% Xavier Naidoo, charakteristisch, menschlich und aufrichtig.
„Bei meiner Seele“ Open Air Tour – Xavier Naidoo & Quartett
31.05.13 Ladenburg, Festwiese
01.06.13 Salem, Schloß Salem
21.06.13 St. Wendel, Festwiese
22.06.13 Bielefeld, Soundpark
23.06.13 München, Königsplatz
29.06.13 Salzburg, Messegelände
03.07.13 Kestenholz, St. Peter at Sunset
13.07.13 Dresden, Elbufer
14.07.13 Graz, Freiluftarena B
24.08.13 Hamburg/Wilhelmsburg, Elbufer
28.08.13 Wien, Donauinsel
Musikalische Vielseitigkeit und sprudelnde Kreativität sind die zwei Begriffe, die man in den letzten Monaten unweigerlich mit dem Musiker aus Mannheim in Verbindung gebracht hat.
Xavier Naidoo „Bei meiner Seele“ SingleNach der Kombination aus Rap und Soul („XAVAS“) und einem Ausflug in das Dubstep-Genre („Der Xer“), schlägt Xavier Naidoo auf seinem fünften Studioalbum mit dem Titel „Bei meiner Seele“ wieder ruhigere Töne an.
Dies gilt sowohl für die Songs selbst als auch für die zurückhaltende Instrumentierung, die dem Album einen sehr geradlinigen Stil geben.
Einen ersten Vorgeschmack gibt es jetzt mit der Video Premiere zur ersten Single und Titeltrack „Bei meiner Seele“, die seit dem 03.05.2013 zu haben ist! Der Longplayer folgt dann am 31.05.2013.
„Bei meiner Seele“ ist ein sehr persönliches Album mit viel Reflektion, Ausblick und Reaktion. Eine Art Standortbestimmung in 13 Songs. Neben einem rockigen Track und einem Feature mit Moses Pelham, überwiegen die sanften, balladesken Töne. Textlich gibt sich Xavier Naidoo sehr offen, gewährt dem Zuhörer teilweise Einblick in persönlich Erlebtes.
Produziert wurde das Album von Jules Kalmbacher, der seit fast einem Jahr im Naidoo/Herberger Studio in Mannheim ein eigenes Studio betreibt. Damit bleibt er seinem Grundsatz treu, junge Talente zu fordern und zu fördern.
„Bei meiner Seele“ Open Air Tour – Xavier Naidoo & Quartett
31.05.13 Ladenburg, Festwiese
01.06.13 Salem, Schloß Salem
21.06.13 St. Wendel, Festwiese
22.06.13 Bielefeld, Soundpark
23.06.13 München, Königsplatz
29.06.13 Salzburg, Messegelände
03.07.13 Kestenholz, St. Peter at Sunset
13.07.13 Dresden, Elbufer
14.07.13 Graz, Freiluftarena B
24.08.13 Hamburg/Wilhelmsburg, Elbufer
28.08.13 Wien, Donauinsel
Die erste Single „Bei meiner Seele“ ist sowohl Titeltrack, als auch Vorbote des gleichnamigen, fünften Studioalbums von Xavier Naidoo, welches am 31.05.2013 veröffentlicht wird.
Xavier Naidoo „Bei meiner Seele“ SingleNach einigen Abstechern in andere musikalische Genres und Metiers schlägt er nun wieder sanftere Töne an. Jedoch zeigt sich Xavier auf diesem Longplayer erneut von einer neuen Seite, denn dieses Album ist nicht nur äußerst persönlich geworden, sondern es versteht sich auch als eine Art Standortbestimmung in 13 Tracks. Textlich sehr offen, gewährt er den Zuhörern teilweise Einblicke in eigene Erlebnisse.
Den Anfang macht die Single „Bei meiner Seele“, die mit klar strukturierter Melodiefolge und zurückhaltender Instrumentierung aufhorchen lässt. Auch bei den Lyrics hat sich Xavier wieder treffende Worte einfallen lassen, die das große Thema ‚Liebe’ auf unprätentiöse und gefühlvolle Weise beschreiben. Neben der Radio Version, die vollinstrumentiert und groovend direkt in den Gehörgang wandert, wird bei der Akustik Version auf Reduktion der Instrumente und Tempowechsel gesetzt und damit eine völlig andere Stimmung erzeugt.
Der geradlinige Stil, in dem die Single als auch das Album produziert wurden zeigt ebenfalls eine Neuerung. Denn getreu seinem Motto, Talente zu fordern und zu fördern, hat er dieses Mal mit dem jungen Produzenten Jules Kalmbacher zusammen gearbeitet.
„Bei meiner Seele“ präsentiert einen Xavier Naidoo, der auf spannende Art und Weise private Reflektion, Ausblick und Reaktion musikalisch vorstellt.
„Bei meiner Seele“ Open Air Tour – Xavier Naidoo & Quartett
31.05.13 Ladenburg, Festwiese
01.06.13 Salem, Schloß Salem
21.06.13 St. Wendel, Festwiese
22.06.13 Bielefeld, Soundpark
23.06.13 München, Königsplatz
29.06.13 Salzburg, Messegelände
03.07.13 Kestenholz, St. Peter at Sunset
13.07.13 Dresden, Elbufer
14.07.13 Graz, Freiluftarena B
24.08.13 Hamburg/Wilhelmsburg, Elbufer
28.08.13 Wien, Donauinsel
Brixtonboogie ist der Name eines Hamburger Blues-Kollektivs, das nach dem 2009er-Debüt “Urban Blues“, das 2010 eine Nominierung für den Preis der deutschen Schallplattenkritik erhielt, und diversen EPs nun sein zweites Album vorlegt.
Brixtonboogie – „Crossing Borders“
“Crossing Borders“ – so der Titel des Opus – präsentiert sich als nuancenreiches Konglomerat aus Blues, Funk, Soul und Jazz, das mit Elementen aus HipHop und Dubstep angereichert wird.
Zum Antesten empfehle ich euch den zwischen Soul und Pop oszillierenden Song “Love Ain`t Just A Word“, der durch den kraftvollen Gesang von Dede Priest veredelt wird, “Something Within Me“, einen mitreißender Hybriden aus Soul und HipHop, die von Pianoklängen getragene Nummer “Early October“, “Way Down In The Hole“, ein gelungenes Remake des gleichnamigen Tom Waits-Songs sowie das soulig rockende “(I Can`t Get You) Out Of My Head“.
Als am letzten Donnerstag der deutsche Vorentscheid zum Eurovision Song Contest 2013 in der Hannoveraner TUI Arena stattfand, war auch die gebürtige Österreicherin Luise Gruber aka Saint Lu mit von der Partie, die sich mit ihrem soulig gefärbten Beitrag “Craving“ in die Herzen der Musikfans singen konnte.
Hinter Cascada, LaBrassBanda und den Söhnen Mannheims landete sie bei “Unser Song für Malmö“ auf einem tollen 4. Platz, wobei anzumerken ist, dass die fünfköpfige Jury (Tim Bendzko, Mary Roos, Roman Lob, Anna Loos, Peter Urban) sie hinter Blitzkids.mvt sogar auf dem 2. Platz sah.
Bereits letzten Freitag ist ihr schlicht mit “2“ betiteltes Zweitwerk erschienen, das von niemand Geringerem als Patrik Majer (Wir Sind Helden, Lemonbabies, Diane Weigmann, Rosenstolz) produziert wurde und direkt in die Top 20 der deutschen iTunes-Charts schoss.
Darauf zu finden sind 11 Stücke in der Schnittmenge zwischen Pop, Soul und Blues, welche in Zusammenarbeit mit Songwritern wie Linda Perry (4 Non Blondes, P!nk, Christina Aguilera), Tim Baxter (Razorlight, Editors) oder Stefan Skarbek (Amy Winehouse, Sophie Ellis Bextor, Melanie C.) entstanden sind und durch die rauchige Stimme der 28-Jährigen ihre Prägung erhalten.
Nach mehreren Hördurchläufen offenbaren sich der einfühlsame und opulent arrangierte Eröffnungstrack “Waterfall“, der balladeske Titel “I Got A Feeling“, das melancholische Stück “Why Do I Want Love“ sowie das Finale in Gestalt der Ballade “Lady Of The Lanterns“ neben der Vorab-Single “Craving“ als die Songs, die als Stand-Out-Tracks des Zweitlings auszumachen sind.
Mit “2“ hat die Wahlberlinerin, die vor zwei Jahren übrigens im Rahmen des Eurosonic Festivals (Groningen) mit dem European Border Breakers Awards ausgezeichnet wurde, sicher beste Chancen auf den endgültigen Durchbruch hierzulande. Fans von Musikerinnen wie Amy Winehouse oder Duffy können hier getrost zugreifen.
