Las Vegas, NV – OTHERWISE und Mascot Records / Mascot Label Group veröffentlichen am 10.03.2023 das neue Studioalbum der Band mit dem Titel Gawdzillionaire.
Die Leadsingle „Full Disclosure“ stürmte mit Schwung die Rockcharts, während bis zum Verkaufsstart über drei Millionen Streams gezählt wurden. Seit dem Erscheinungsdatum ist der Song unter den drei meistgespielten neuen Tracks bei Active Rock Radio in den USA.
In den letzten Monaten hat die Band mehrere Musikvideos von Gawdzillionaire veröffentlicht… “Coffins“:
„Wir bringen einige ernste Themen ans Licht“, sagt Adrian. „Jeder macht irgendetwas durch – sei es makroökonomisch und sozioökonomisch oder persönlich mit seinen Beziehungen. Wir mussten das alles in einem größeren Bild darstellen. Deshalb haben wir diesen Gawdzillionaire-Charakter erfunden, der in uns und überall um uns herum vorkommt. Wir lieben Videospiele, Comics und Superschurken. Wer kontrolliert uns von innen heraus? Wer spielt das Spiel, an dem wir teilhaben? Wer leitet den Tisch der coolen Kids auf dem Planeten Erde? Das ist der Gawdzillionär. Wir werden nicht aufgeben, für das Gute zu kämpfen.“
Ryan ergänzt:„Es fühlte sich wie eine Befreiung an, über diesen bösen Charakter zu singen, den wir in der Gesellschaft und der Wirtschaft sehen. Wir denken darüber nach, was diese verrückte Sache namens Geld mit uns als Menschen macht. Manchmal belasten uns Aspekte der Gesellschaft so sehr. Wir werden mit Inhalten und Zahlen überflutet. Wir rufen dazu auf, nicht einfach blindlings zu folgen. Warum wachen wir nicht alle auf und die Dinge ändern sich dann vielleicht.“
Im Jahr 2021 stellte Otherwise und Produzent Matt Good [Asking Alexandria, Hollywood Undead] das Material für Gawdzillionaire zusammen.
„Ehrlich gesagt, haben wir jede einzelne Note und jeden verdammten Text, den wir geschrieben haben, gelebt“, erklärt Adrian. „Wir haben keine Kostüme oder ein Gimmick. Wir sind einfach Kerle auf der Bühne, die darüber singen, was sie durchgemacht haben.“
„Wir haben Leute kennengelernt, die anders sind als ihre Bühnenpersönlichkeit“, bemerkt Ryan. „Es ist eine echte Frustration festzustellen, wenn Leute nicht das sind, was sie zu sein scheinen.“
„Um es als ehemaliger Student des Wirtschaftsrechts zusammenzufassen: ‚Full Disclosure‘ ist ein juristischer Begriff und bedeutet, dass das, was man sieht, das ist, was man bekommt“, grinst Adrian.
„Unser Vater ist ein Einwanderer, der Universitätsregent wurde“, erklärt Adrian. „Der verrückte alte Pitbull sagte immer wie ein Mantra: ‚Scheitern ist für uns keine Option‘. Das möchte ich meinen Söhnen beibringen. Sie werden sich selbst hören, wie sie es bis ans Ende der Zeit singen. Es ist eine Botschaft für sie, sich niemals aufzugeben.“
Letztendlich gewinnt OTHERWISE diesen Kampf. „Wir haben diese karmische, ewige Schuld gegenüber unseren Eltern und unserer Familie“, sagt Ryan abschließend. „Ich hoffe, dass das, was wir tun, sie stolz macht. Ihre Investition war nie umsonst. Wir werden niemals aufgeben. Wir glauben, dass wir dazu bestimmt sind, auf den größten Bühnen zu stehen. Wir werden alles tun, was nötig ist. OTHERWISE is alive, and we’re kicking ass.“
Mehr Infos unter: https://otherwisemusic.com/ https://www.facebook.com/otherwiseofficial/ https://www.instagram.com/weareotherwise/
Der junge britische Troubadour Connor Selby stellt seine Coverversion von Ray Charles‘ Song „My Baby Don’t Dig Me“ aus dem Jahr 1964 vor. Der Song stammt aus seinem kommenden Album ‚Connor Selby‘ (Deluxe Edition), das bei Provogue/Mascot Label Group erscheint.
“My Baby Don’t Dig Me” kann man sich hier anhören:
Außerdem wird er die Soul-Legende P.P. Arnold bei zwei speziellen Londoner Showsim Jazz Café am 25. und 26. Februar sowie Beth Hart bei ihrer kompletten Tournee durch Großbritannienund Irland vom 03. bis 21. März begleiten. Außerdem wird er am 27. April auf dem Cheltenham Jazz Festival auftreten.
Über den neuen Song sagt Selby:„Ich habe diesen Song ausgewählt, weil ich, wie jeder, der mich kennt, sagen wird, ein großer Ray Charles-Fan bin und ich ihm eine Hommage erweisen wollte. Allerdings wollte ich einen weniger bekannten Song wählen, den nicht viele Leute kennen, und nicht einen seiner Hits, damit er den Leuten noch frisch im Gedächtnis ist und sie ihn nicht automatisch mit dem Original vergleichen. Es war mir wichtig, dass ich mich selbst in den Song hineinversetzen konnte, ohne dem Original zu nahe zu treten. Ich habe mich für diesen Song entschieden, im Gegensatz zu vielen seiner anderen, weil es ein lustiger Song mit einem tollen Groove und einem ziemlich humorvollen Text ist, der mich immer angesprochen hat.“
Selby wird „Connor Selby (Deluxe Edition)“ am 03. März über Provogue veröffentlichen. Das Album enthält vier Bonustracks, darunter die neuen Videos zu „I Shouldn’t Care“ und „The Deep End (Lyric Video)“. Seine Musik hat eine zeitlose, melancholische Qualität. In ihrer Ehrlichkeit und Offenheit schöpft sie aus der Angst und der Verletzlichkeit, aber sie vermittelt sie mit einer weltgewandten Eleganz. Das Album wurde ursprünglich 2021 im Eigenverlag veröffentlicht und wird nun mit viel Liebe und vier neuen Bonussongs von Provogue wiederveröffentlicht.
Connor Selby ist eines der größten Talente in der britischen Bluesszene. Bei den diesjährigen UK Blues Awards ist er nominiert für „Acoustic Act of the Year“, „Instrumentalist of the Year“, „Blues Vocalist of the Year“ und „Blues Artist of the Year“. Er wurde bei den UK Blues Awards in den letzten drei aufeinanderfolgenden Jahren (2020, 2021, 2022) zum „Young Artist of the Year“ gewählt und hat eine beeindruckende Liste von Auftrittsorten, darunter das Wembley-Stadion, wo er im Juli 2019 für The Who eröffnete und im Sommer 2022 im Londoner Hyde Park zusammen mit Pearl Jam, Stereophonics und Johnny Marr spielte.
Aufgewachsen in einem Dorf in Essex, hat er einen weniger ausgetretenen Pfad beschritten. Von den frühen Jahren in Connecticut, USA, als kleines Kind bis nach Dubai, VAE, im Alter von zehn bis vierzehn Jahren, und Essex auf beiden Seiten, mit diesen jungen Augen saugte er die Reisen und die Veränderungen auf, die an ihm vorbeizogen. Eine Sache, die ihn nicht losließ, war seine aufkeimende Liebe zur amerikanischen Roots-Musik. „Ich interessierte mich nicht nur für die Musik selbst, sondern auch für die Geschichte und alles, was damit zu tun hatte“, sagt er. „Ich wollte so viel lernen und hören, wie ich konnte. Ich denke, es ist wichtig, dass jemand, der nicht aus diesem Kulturkreis stammt, der Musik den Respekt entgegenbringt, den sie verdient. Man kann die Musik nicht von ihrem historischen Kontext trennen.“
„Ich liebe die Direktheit, die Einfachheit und Erdverbundenheit der Musik“, fügt er hinzu. „Ich liebe es, wie bodenständig er ist, sowohl textlich als auch musikalisch. Ich denke, beim Blues geht es im Grunde um sehr grundlegende menschliche Gefühle. Dinge wie Kummer und Stolz und die Art und Weise, wie wir mit alltäglichen Situationen und Problemen umgehen. Außerdem hat mich schon immer die verbindliche Qualität der Musik angezogen. Als Kind und Teenager war ich ziemlich schüchtern und nicht sehr selbstbewusst, also denke ich, dass ich in der Musik ein Gefühl von Macht finden konnte.“
Für Selby, der neben Auszeichnungen auch zahlreiche Auftritte bei BBC Radio 2 hat, ist der Himmel die Grenze. Mit seiner gefühlvollen Bluesmischung und seinem emotionalen, introspektiven Songwriting, das sich mit seinem beeindruckenden Gitarrenspiel paart, ist es leicht zu verstehen, warum. Die Songs auf „Connor Selby“ sind kleine Vignetten der verschiedenen Musikstile, die ihn inspirieren.
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ALI FARKA TOURÉ – NEUER TRACK ‚CHERIE‘ MIT OUMOU SANGARÉ – ALBUM ‚VOYAGEUR‘ ERSCHEINT AM 10. MÄRZ AUF WORLD CIRCUIT
Heute präsentiert World Circuit mit einen neuen, bisher ungehörten Track des großen malischen Gitarristen und Königs des „Desert Blues“, Ali Farka Touré. Auf „Cherie“ ist die malische Superstar-Diva Oumou Sangaré zu hören, eine enge und langjährige Freundin von Ali. Sangaré ist an insgesamt 3 Tracks des Albums „Voyageur“ beteiligt, das am 10. März über World Circuit auf CD, LP und in digitalen Formaten erscheinen wird.
Oumou kommentiert die Zusammenarbeit, die 1995 in London aufgenommen und bisher noch nicht veröffentlicht wurde: „Ali Farka Touré war nicht nur ein bedeutender Künstler, sondern auch ein Menschenfreund. Er unterstützte mich sehr, als ich mit meiner Musik anfing, wie ein beschützender großer Bruder, und er war stolz auf meine Leistungen für die afrikanische Entwicklung. Ali und ich haben oft gemeinsam vor malischem Publikum gesungen, und diese Session ist das einzige Zeugnis unserer musikalischen Harmonie. Leider ist Ali nicht mehr unter uns… aber ich weiß, dass er sich sehr darüber gefreut hätte. Ich bin sehr stolz darauf, an diesem Album mitgewirkt zu haben.“
„Voyageur“ wurde von Nick Gold von World Circuit zusammen mit Alis Sohn Vieux Farka Touréproduziert und ist die erste Veröffentlichung von ungehörtem Material von Ali Farka Touré seit dem posthumen Grammy-Gewinner „Ali & Toumani“ von 2010. Es enthält eine Sammlung von Juwelen, die zu verschiedenen Zeitpunkten in Alis glanzvoller Karriere aufgenommen wurden und Alis Status als weltweit verehrte Legende der afrikanischen Musik bestätigen. Die Songs auf „Voyageur“, die im Laufe von 15 Jahren spontan auf der Straße und im Studio zwischen den Sessions für andere Alben aufgezeichnet wurden, waren alle von immenser persönlicher Bedeutung für Ali. Sie spiegeln sein leidenschaftliches Engagement für die Kreativität und die kulturelle Vielfalt seiner Heimat wider sowie ein Leben, das er als Reisender – als Voyageur – zwischen den Wüstenbühnen von Timbuktu, den Studios von West Hollywood, den Konzertsälen von London und Tokio und den winzigen Dörfern am malischen Flussufer verbracht hat, wo Ali natürlich jedem bekannt war.
Kein afrikanischer Musiker hat in seiner Heimat und in der internationalen Öffentlichkeit mehr Eindruck hinterlassen, als der große malische Gitarrist, Sänger und Begründer des Desert Blues, Ali Farka Touré. Von der Grammy-prämierten Zusammenarbeit mit Ry Cooder und dem Kora-Maestro Toumani Diabaté bis hin zu den düsteren Lo-Fi-Aufnahmen aus seinem abgelegenen Heimatdorf kommuniziert Alis unnachahmliche Stimme und sein hypnotisches Gitarrenspiel mit den Zuhörenden durch eine Autorität, die über die Grenzen von Märkten, Moden und Genres hinausgeht. Ali wurde seiner Musik mehr als gerecht: eine imposante, sogar königliche Erscheinung, mit einem herrlichen Lächeln, einem unangreifbaren Selbstvertrauen und einem verschmitzten Sinn für Humor. Sechzehn Jahre nach seinem Tod bleibt Ali eine überragende Persönlichkeit, eines der wenigen großen Talente – neben Jimi Hendrix und Fela Kuti -, deren Musik ewig lebendig und relevant bleibt und deren Charisma auch nach ihrem Tod so hell brennt wie zu Lebzeiten.
Alis Mystik ist ungebrochen und inspiriert Zuhörende auf der ganzen Welt und eine Vielzahl berühmter Bewunderer, darunter Robert Plant, der Schauspieler Matthew McConaughey, der seinen berühmten Summgesang in „The Wolf of Wall Street“ einem von Alis Rhythmen nachempfunden hat, und die texanische Indie-Rockband Khruangbin, die kürzlich zusammen mit seinem Sohn Vieux eine Sammlung von Alis Liedern aufgenommen hat.
Von reduzierten, hypnotischen Grooves in Alis unverkennbarem Sonrhaï-Stil bis hin zu hymnischen Fischer-Refrains, pulsierenden Jäger-Rhythmen und einer afrikanischen „Noise-Band“ aus hallbeladenen Gitarren und Lauten („Kombo Galia“) zeigt „Voyageur“ einen geheimen Schatz an Songs, den Ali im Laufe seiner langen und abwechslungsreichen Karriere aufgebaut hat, und wirft ein neues Licht auf ein außergewöhnliches und mysteriöses Talent.
„Safari“ („Medizin“) ist ein klassisches Ali-Stück in seiner typischen Sonrhaï-Manier. Seine aufgeladene Stimme wird von einem treibenden Kalebassen-Rhythmus und dem geisterhaften Surren einer Fula-Flöte unterstrichen, während Ali damit prahlt, dass er die „Medizin“ und die nötige Anleitung besitzt, um „schlechtes Verhalten“ zu heilen. In „Cherie“ („Liebling“), einem von drei Stücken, bei denen Ali von der großen Wassoulou-Diva Oumou Sangaré begleitet wird, verleiht die Kamelngoni – die „Harfe des Jägers“ – Alis smoothen Gitarrenriff einen wunderbaren elastischen Swing, während die beiden Stimmen in perfekter Harmonie zueinander erklingen. Das einsaitige Riffing der Djerkel-Gitarre, die bei Zeremonien zur Geisterbesessenheit verwendet wird, wird auf eine läutende, offen gestimmte E-Gitarre übertragen. „Sambadio“, ein Fula-Lied zum Lob der Bauern, ist in zwei Versionen zu hören: akustisch mit einer wunderbar lockeren Lagerfeuerstimmung, angetrieben durch das eindringliche Ngoni-Zupfen der Maestros Bassekou Kouyate und Mama Sissoko; elektrisch mit einem wunderbaren jazzigen Saxophon-Arrangement von James Brown-Sideman Pee Wee Ellis. „Sadjona“ (The Weight of Fate) ist ein traditionelles Lied für Wassoulou-Jäger, das von Oumou Sangaré während eines Mikrofonchecks spontan zu einem Loblied für Ali umgedichtet wurde. Die schiere beschwörende Dringlichkeit ihres Gesangs wird durch den hüpfenden Kamelngoni-Groove fantastisch in Schwung gebracht, bevor ein packender Saxophonpart in den Mix einfließt – einer dieser inspirierenden, zufälligen musikalischen Momente, die zu hören ein Privileg ist.
Diese Lieder, die zu dem gehören, was der Produzent Nick Gold als „kostbares, privates Archiv“ bezeichnet, wurden von Ali über einen Zeitraum von 25 Jahren sparsam und manchmal scheinbar widerwillig an Gold weitergegeben. Und Ali wusste genau, was er tat: Indem er diese Lieder nach und nach an Gold weitergab, würden sie eines Tages, so Gott will, ein weltweites Publikum erreichen; doch selbst dann hielt Ali die Dinge gerne auf Messers Schneide. Einige dieser Songs wurden ganz spontan zwischen den Aufnahmen anderer Lieder eingespielt. Glücklicherweise liefen die Bänder, sonst wäre ein Großteil der Musik auf diesem wunderbaren Album vielleicht nie zu hören gewesen.
STEVE VAI KÜNDIGT GEPLANTE EUROPA-AUFTRITTE AUF DER INVIOLATE WORLD TOUR AN
Die Tour beginnt am 24. März in Lissabon, Portugal und endet am 7. Mai in Helsinki, Finnland
Steve Vai hat eine Rückkehr nach Europa für geplante Auftritte zwischen März und Mai angekündigt. Der zweite Teil der Europa-Termine der Inviolate World Tour beginnt am 24. März in Lissabon, Portugal. Die Reiseroute führt Vai durch Portugal, Spanien, Italien, Deutschland, Ungarn, Kroatien, die Slowakei, Serbien, Bulgarien, die Türkei, Griechenland, Rumänien, die Tschechische Republik, Polen, Nord-Mazedonien, Lettland und Estland, bevor sie am 7. Mai in Helsinki, Finnland endet.
Tickets und eine Reihe von EVO Experience VIP-Paketen sind erhältlich unter:https://www.vai.com
Steve Vai sagt:„Unsere letzte Herbsttournee durch Nordamerika war hervorragend. Ich und die Band sind so gut geölt und bereit wie immer. Ich freue mich darauf, die Hydra-Gitarre endlich nach Europa zu bringen, denn das habe ich bei der letzten EU-Tour verpasst. Die Resonanz auf Inviolate war enorm positiv und das zeigte sich in der Presse, den Besucherzahlen und der Energie im Publikum, und wir freuen uns so sehr auf diese EU-Tour.“
Im vergangenen Jahr hat Steve Vai ein neues Studioalbum mit dem Titel Inviolate veröffentlicht. Zur Unterstützung der Veröffentlichung veranstaltete er erfolgreiche Touren durch Nordamerika und Europa. In diesem Jahr wird der Gitarrist, Komponist und Songwriter im Rahmen der Inviolate World Tour auf den meisten Kontinenten der Welt auftreten.
Favored Nations / Mascot Label Group präsentierte das offizielle Musikvideo zu „Teeth Of The Hydra“, das mittlerweile über 5,4 Millionen Mal angesehen wurde. Um das Performance-Video zu sehen, klicken Sie hier: https://youtu.be/46qjDJ0lLdE.
Später in diesem Monat, am 27. Januar, wird er Vai/Gash veröffentlichen, ein Album, das er seit mehr als drei Jahrzehnten im Archiv aufbewahrt hat.
Er erzählt:„Vai/Gash wurde 1991 in einer Art Bewusstseinsstrom innerhalb von vielleicht zwei Wochen geschrieben und aufgenommen, als Antwort auf meinen Wunsch, eine bestimmte Art von Musik zu hören, wenn ich mit meinen Freunden auf meiner Harley Davison Motorrad unterwegs war. Einer dieser Freunde war John „Gash“ Sombrotto, der der kraftvolle Sänger auf dieser Platte ist. Es erinnert mich an eine bestimmte Art von Rockmusik, die ich als Teenager in den 1970er Jahren genossen habe. Diese Aufnahmen lagen über 30 Jahre lang im Regal und werden nun im Jahr 2023 veröffentlicht.“
Bislang wurden drei Songs veröffentlicht:
„She Saved My Life Tonight“:
„In The Wind“:
„Busted“:
INVIOLATE WORLD TOUR:
24 March Lisbon, Portugal CCB
26 March Porto, Portugal Casa da Musica
27 March Malaga, Spain Teatro Cervantes
29 March Huelva, Spain Gran Teatro de Huelva
31 March Madrid, Spain La Riviera
01 April Bilbao, Spain Santana 27 – Sala Gold
02 April Barcelona, Spain Sala Parallel 62
04 April Vigo, Spain Auditorio Mar de Vigo
05 April Gijón, Spain Audiotorio de La Universidad
07 April Milan, Italy Teatro Dal Verme
08 April Jesolo (Venezia), Italy PalaInvent
11 April Munich, Germany Technikum
12 April Budapest, Hungary Akvárium Klub
13 April Zagreb, Croatia Culture Factory
14 April Bratislava, Slovakia Refinery Gallery
18 April Ankara, Turkey Congresium Ankara
19 April Istanbul, Turkey VW Arena
21 April Thessaloniki, Greece Principal Club
22 April Athens, Greece Fuzz Live Music Club
24 April Bucharest, Romania Sala Mare (The Great Hall)
25 April Sofia, Bulgaria NDK Hall 3
26 April Skopje, N. Macedonia DRS Kale
27 April Belgrade, Serbia MTS dvorana
28 April Brno, Czech Republic Semilasso
29 April Prague, Czech Republic Lucerna Music Bar
01 May Wroclaw, Poland Majowka Festival at Hala Stulecia
02 May Krakow, Poland ICE
03 May Lublin, Poland CSK
05 May Riga, Latvia Palladium
06 May Tallinn, Estonia Noblessner Foundry
07 May Helsinki, Finland House of Culture
ÜBER STEVE VAI
Steve Vai ist ein virtuoser Gitarrist, Komponist und Produzent, der von vielen als einer der größten Gitarristen aller Zeiten angesehen wird. In über 40 Jahren in der Musikbranche hat Vai mehr als 15 Millionen Tonträger verkauft, drei Grammy Awards erhalten und mit Musiklegenden wie Frank Zappa, David Lee Roth, Whitesnake und vielen anderen aufgenommen. Vai tourte auch ausgiebig und nahm Live-Projekte mit G3 auf (in Zusammenarbeit mit verschiedenen Tournee-Besetzungen wie Joe Satriani, John Petrucci, Eric Johnson, Yngwie Malmsteen und Steve Lukather) und Generation Axe, einer Supergruppe, die Vai mit Zakk Wylde, Yngwie Malmsteen, Nuno Bettencourt und Tosin Abasi gründete. Vai ist der Autor von Vaideology: Basic Music Theory for Guitar Players (Hal Leonard), seinem ersten Musiktheorie-Buch, das sowohl Anfängern und erfahrenen Gitarristen helfen soll. Derzeit tourt er durch Nordamerika, um sein aktuelles Studioalbum Album “Inviolate” live vorzustellen.
Eine vollständige Diskographie und mehr Informationen findet man hier:www.vai.com
Connor Selby veröffentlicht mit „The Deep End“ einen weiteren Song aus seinem selbstbetitelten Album (Deluxe Edition)/ VÖ 03. März 2023
Der junge britische TroubadourConnor Selby hat das Lyric-Video zu seinem neuen Song „The Deep End“ veröffentlicht. Der Song stammt aus seinem kommenden selbstbetitelten Deluxe-Edition-Album, das am 03. März über Provogue/Mascot Label Group erscheinen wird.
Über den neuen Song sagt er:„The Deep End wurde geschrieben, um mir selbst zu sagen, dass man im Leben manchmal mutig sein und Risiken eingehen muss und dass man sich manchmal selbst aufs Spiel setzen muss, um zu bekommen, was man will. Wenn ich mir eine Aufgabe vornehme, kann ich ziemlich besessen davon sein, und ich schätze, dieser Song war einfach eine Möglichkeit, diese Gefühle zu kanalisieren. Der Protagonist ist in ein Mädchen verliebt, das gerade eine Beziehung hinter sich hat, und er will nichts mehr, als mit ihr zusammen zu sein. Er sagt sich, dass viele Leute vor ihm den Fehler gemacht haben, kein Risiko einzugehen, und dass dies der einzige Weg ist, um das zu bekommen, was er will. Ich würde nicht sagen, dass dieser Song autobiografisch ist, aber er ist sicherlich von Ereignissen in meinem Leben inspiriert.“
Connor Selby ist eines der größten Talente in der britischen Bluesszene. Er wurde bei den UK Blues Awards in den letzten drei aufeinanderfolgenden Jahren (2020, 2021, 2022) zum „Young Artist of the Year“ gewählt. Er hat eine beeindruckende Liste von Auftrittsorten, darunter das Wembley-Stadion, wo er im Juli 2019 für The Who eröffnete und im Sommer 2022 im Londoner Hyde Park zusammen mit Pearl Jam, Stereophonics und Johnny Marr spielen wird.
Aufgewachsen in einem Dorf in Essex, hat er einen weniger ausgetretenen Pfad beschritten. Von den frühen Jahren in Connecticut, USA, als kleines Kind bis nach Dubai, VAE, im Alter von zehn bis vierzehn Jahren, und Essex auf beiden Seiten, mit diesen jungen Augen saugte er die Reisen und die Veränderungen auf, die an ihm vorbeizogen. Eine Sache, die ihn nicht losließ, war seine aufkeimende Liebe zur amerikanischen Roots-Musik. „Ich interessierte mich nicht nur für die Musik selbst, sondern auch für die Geschichte und alles, was damit zu tun hatte“, sagt er. „Ich wollte so viel lernen und hören, wie ich konnte. Ich denke, es ist wichtig, dass jemand, der nicht aus diesem Kulturkreis stammt, der Musik den Respekt entgegenbringt, den sie verdient. Man kann die Musik nicht von ihrem historischen Kontext trennen.“
„Ich liebe die Direktheit, die Einfachheit und Erdverbundenheit der Musik“, fügt er hinzu. „Ich liebe es, wie bodenständig er ist, sowohl textlich als auch musikalisch. Ich denke, beim Blues geht es im Grunde um sehr grundlegende menschliche Gefühle. Dinge wie Kummer und Stolz und die Art und Weise, wie wir mit alltäglichen Situationen und Problemen umgehen. Außerdem hat mich schon immer die verbindliche Qualität der Musik angezogen. Als Kind und Teenager war ich ziemlich schüchtern und nicht sehr selbstbewusst, also denke ich, dass ich in der Musik ein Gefühl von Macht finden konnte.“
Kürzlich veröffentlichte er das offizielle Video zu „I Shouldn’t Care“, einem Song über Beziehungen mittels Bedauern und Wut, der ebenfalls aus dem kommenden Album stammt. Das Album wurde ursprünglich 2021 im Eigenverlag veröffentlicht und wird nun mit vier neuen Bonussongs von Provogue wiederveröffentlicht. Seine Musik hat eine zeitlose, melancholische Qualität. Sie ist ehrlich und offen, schöpft aus Ängsten und Verletzlichkeit, vermittelt diese aber mit einer weltgewandten Eleganz.
Für Selby, der neben Auszeichnungen auch zahlreiche Auftritte bei BBC Radio 2 hat, ist der Himmel die Grenze. Mit seiner gefühlvollen Bluesmischung und seinem emotionalen, introspektiven Songwriting, das sich mit seinem beeindruckenden Gitarrenspiel paart, ist es leicht zu verstehen, warum. Die Songs auf „Connor Selby“ sind kleine Vignetten der verschiedenen Musikstile, die ihn inspirieren.
DeWolff veröffentlichen mit “Night Train” einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023
Die niederländische Rockband DeWolff hat die nächste Single und den Eröffnungstrack ihres neuen Albums „Love, Death & In Between“ veröffentlicht, das am 3. Februar über Mascot Records / Mascot Label Group erscheint.
“Night Train“ erinnert an klassische Hits wie „Love Train“ von The O’Jays und ist ein fröhlicher Kracher, der geschickt psychedelischen Southern Rock mit klassischem Soul und R&B mischt.
Offizielle Musikvideo zu „Night Train“:
„Night Train“ ist hier erhältlich: https://lnk.to/DeWolff „Night Train“ folgt auf die vorherigen Singles “Counterfeit Love“, das die Band als das Zeppelin-eskeste Ding, das wir je aufgenommen haben“ bezeichnete, und “Heart Stopping Kinda Show“, das veröffentlicht wurde, kurz nachdem die Band eine 13-tägige Tour mit The Black Crowes auf dem europäischen Festland beendet hatte.
Die Band wird ab 2023 mit Shows in den Niederlanden, Deutschland, Spanien, Frankreich und Großbritannien starten.
DeWolff sind keine Band, die stillsitzt. Sie gedeihen durch ständige Bewegung. Von psychedelischen Southern-Rock-Kriegern zu Abgesandten des Soul. In den letzten vier Jahren haben sie fünf Alben veröffentlicht, wobei 2021s Wolffpack ihr bestes Album wurde, das in ihrer Heimat auf Platz 2 der Charts landete und nur durch die Foo Fighters wurde ihnen der Spitzenplatz streitig gemacht.
‚Love, Death & In Between‘ ist eine Reaktion auf ihre beiden vorherigen Studioalben. ‚Tascam Tapes‘ wurde unterwegs mit einem Vierspur-Kassettenrekorder aus den 1980er Jahren aufgenommen. ‚Wolffpack‘ wurde im Pandemie Jahr mit Social Distance in ihrem Utrechter Electrosaurus Southern Sound Studio aufgenommen.
DeWolff veröffentlichen mit „Night Train“ einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023
„Ich liebe die kontrollierte Umgebung des Studios“, sagt Pablo. „Aber normalerweise verbringen wir einen Monat oder ein paar Wochen im Studio, dann gehen wir auf Tour, und dann herrscht Chaos. Das sind verrückte Sachen, Improvisation, Leute, die auf deine Musik reagieren, und du reagierst auf sie. Das ist es, was wir vermisst haben. Wir haben uns am Ende der Corona-Zeit so sehr danach gesehnt. So entstand die Idee zu dieser neuen Platte. Wir wollten etwas mit Menschen machen, mit so vielen Menschen wie möglich.“
Bei einem Besuch in Memphis wurde Pablo buchstäblich vom Blitz getroffen. „2019 besuchte ich eine Predigt von Al Green in seiner eigenen Kirche, und das war eine lebensverändernde Erfahrung, musikalisch gesehen“, erinnert sich Pablo.
„Ich war buchstäblich eine Minute da drin und habe geweint. Ich habe die ganze Predigt über geweint, weil sie so schön war. Er sprach über jemanden, der seine Rechnungen nicht bezahlen kann, und er sagte: ‚Ich rufe den allmächtigen Retter an, um ihr zu helfen, und das wurde mit einer Runde von ‚Yeaaah! Yeaaah’s!‘ und die Band spielte nur zwei Akkorde, und es war so schön. Das hat mich zutiefst berührt. Es hat einen tiefen Eindruck bei mir hinterlassen. Ich wollte so etwas unbedingt bei einer Live-Show machen, aber wir hatten keine Songs, in die es gepasst hätte. Als wir dann anfingen, neue Songs zu schreiben, dachte ich mir: Ja, lass uns so etwas machen. Eine sehr einfache Akkordfolge, aber mit dieser fast religiösen Erfahrung. Denn schließlich ist Musik für uns wie eine Religion. Sie ist etwas, das wir ständig im Kopf haben. Es ist etwas, dem wir unser ganzes Leben widmen.“
Im Mai 2022 fuhren sie nach Loguivy-Plougras in der Bretagne, welches das analoge Studio Kerwax (https://www.kerwax.com/museum/) beheimatet. „Wir dachten, wir sollten uns auf ein Abenteuer einlassen“, sagt er. Im Nordwesten Frankreichs gelegen und von Wäldern umgeben, zogen sie sich in das atemberaubende Wohnstudio zurück, das von Vintage-Aufnahmegeräten aus den 1940er bis 1970er Jahren umgeben ist.
Die Brüder Pablo (Gitarre/Gesang) und Luka van de Poel (Schlagzeug/Gesang) sowie Robin Piso (Hammond/Wurlitzer) nahmen die Aufnahmen live und ohne Overdubs auf und wurden dabei von zahlreichen Freunden unterstützt. „Wir haben zusätzliche Leute mit nach Frankreich gebracht. Mit zehn Leuten in einem Raum zu spielen ist chaotisch. Bei jedem Take, den man macht, ist jemand nicht damit zufrieden, wie er spielt. Aber man erkennt, worauf es bei einem Take ankommt“.
Alles wurde komplett analog und direkt auf Band aufgenommen, bei der Herstellung des Albums wurden keine Computer verwendet. Die Bänder wurden dann zu einem Mastering-Ingenieur geschickt, der den Lackschnitt für die Vinylpressung herstellte – auch dieses Mastering und der Schnitt erfolgten vollständig analog (https://www.vinylherstellung.de/vinyl-pressung/).
Die Themen wurden teilweise von Romanen amerikanischer Autoren des 20. Jahrhunderts inspiriert, die Pablo während der Pandemie gelesen hatte. Besonders John Steinbecks ‚Tortilla Flat‘, ein Schelmenroman von 1935. „Es gibt ein Zitat von ihm: ‚Die gute Geschichte liegt in halb erzählten Dingen, die aus der eigenen Erfahrung des Hörers ausgefüllt werden müssen‘, und das war etwas, was ich mit den Texten auf dieser Platte wirklich tun wollte.“
Zur gleichen Zeit tauchte die Band tief in alte Soul- und R&B-Platten ein – Sam Cooke, The Impressions, The Coasters, The Clovers, Ray Charles und Little Richard – sowie in eine kräftige Dosis Gospel – The Soul Stirrers, Al Green und frühe Platten von The Staple Singers.
Einige Songs auf dem Album tragen ihr Herz auf der Zunge, wie z.B. „Counterfeit Love“, während das 16-minütige Epos „Rosita“ ihre Entwicklung zeigt. „Wie ich jetzt schreiben möchte, spiegelt sich in Songs wie diesem wider“, sagt er. „Ich wollte, dass sich diese Texte wie eine Geschichte anfühlen, aber auch wie eine Reise in sich selbst“, erklärt er. Was als kleine Geschichte über eine Highschool-Liebe beginnt, explodiert zu einer Geschichte über die Göttin der Liebe und des Todes, die in „The Queen of Space and Time“ mündet. „Es ist dieselbe Person. Es geht um diese gottähnliche weibliche Figur, die alle Arten von verrückten, dunklen Dingen kontrolliert. Bei Rosita kann man nur mit ihr zusammen sein, wenn man schläft oder tot ist, es ist also eine Kombination aus Liebe und Tod. Daher kommt auch der Name des Albums.“
‚Heart Stopping Kinda Show‘ ist ein weiterer vielseitig interpretierbarer Song: „Es geht darum, wie ich das Leben sehe“, sagt er. „Das Leben ist eine herzzerreißende Art von Show. Ich habe mit ‚Tortilla Flat‘ (John Steinbeck Roman von 1935) im Hinterkopf geschrieben. Diese Charaktere denken nicht ständig über alles nach; sie leben, trinken Wein und haben diese schönen Momente. Sie führen das ultimative Leben. In dem Song wollte ich die Dinge im Leben beschreiben, die schön sind.“
‚Will o‘ the Wisp‘ hat eine verführerische Düsternis, während Songs wie ‚Night Train‘, ‚Message for my Baby‘ und ‚Wontcha Wontcha‘ fröhliche Gassenhauer sind.
DeWolff verließ die ländliche Umgebung der Bretagne mit zwölf Songs, die auf vier Bändern aufgenommen wurden, mit Freunden, die Spaß hatten und sich an das erinnerten, was ihnen am wichtigsten ist. Mit einer Mischung aus Al Green, Sam Cooke und John Steinbeck haben sie einige ihrer gefühlvollsten und mitreißendsten Songs geschaffen. Wenn sie singen: „Hey there baby won’t you come on in, I got plenty old records that we can play, some rhythm & blues some old rock ’n roll, yes the type of stuff that can save a soul“, sollte man sich fallen lassen und sich von DeWolff zurück in die Zeit versetzen lassen.
Weiter aktuell…
Video zu„Heart Stopping Kinda Show“:
Track Pre-Listening“Counterfeit Love”:
Tour Dates 2023:
03 Feb – Effenaar Eindhoven, NETHERLANDS
04 Feb – Muziekgieterij, Maastricht, NETHERLANDS
09 Feb – Annabel, Rotterdam, NETHERLANDS
11 Feb – Tivoli Vredenburg, Utrecht, NETHERLANDS
13 Feb – Fraanz Club, Berlin, GERMANY
14 Feb – Bahnhof Pauli, Hamburg, GERMANY
16 Feb – De Oosterpoort, Groningen, NETHERLANDS
17 Feb – Doornroosje, Nijmegen, NETHERLANDS
22 Feb – Factoria Cultural, Avilés, SPAIN
23 Feb – Sala Mon, Madrid, SPAIN
24 Feb – Rock & Blues Café, Zaragoza, SPAIN
25 Feb – Upload, Barcelona, SPAIN
26 Feb – Kafe Antzokia, Bilbao, SPAIN
28 Feb – La Maroquinerie, Paris, FRANCE
02 Mar – 100 Club, London, UK
Kenny Wayne Shepherd veröffentlicht mit „Blue On Black“ einen neuen Track inkl. Video von seinem neuen Album „Trouble Is…25“ (VÖ 01.12.2022)
Die Veröffentlichung wird von einer Dokumentation über „Trouble Is…“ und einer Live-DVD begleitet, die im The Strand Theatre in Shepherds Heimatstadt Shreveport, Louisiana, gedreht wurde.Am 02. Dezember wird der fünfmal für einen Grammy nominierte Gitarrist Kenny Wayne Shepherd„The Trouble Is…25“ veröffentlichen, eine komplette Neuinterpretation seines bahnbrechenden Albums „Trouble Is…“, das den Schlag traf, der die Moderne neu entfachte Blues bei seiner Veröffentlichung vor 25 Jahren.
Kurz vor VÖ des Albums veröffentlicht Kenny Wayne Shepherd nun mit „Blue On Black“ einen neuen Track inkl. Video von seinem neuen Album, hier zu hören und zu sehen…
Offizielles Video zu„Blue On Black“:
Große Songs sind nicht in Stein gemeißelt. Seit er 1997 mit seinem bahnbrechenden und karrierebestimmenden zweiten Album ‚Trouble is…‘ aus den Blues Clubs von Louisiana auf die globale Musikszene losstürmte, hat Kenny Wayne Shepherd diese klassischen Stücke jeden Abend auf der Bühne in kühne neue Formen gebracht. Angefeuert vom Puls des Publikums, jede einzelne Note lebendig in seinen Händen, waren die „Trouble Is…“ Tracks immer in Bewegung, und verstaubten somit nicht als musikalische Museumsstücke.
Aber einem Vierteljahrhundert alten Album eine Art Wiedergeburt zu bescheren, ist nochmal eine ganz andere Sache. Also heckte der mehrfach mit Platin ausgezeichnete Musiker für das 25-jährige Jubiläum einen kühnen Plan aus. Um erfahrene Fans und neue Hörer daran zu erinnern, wie dieses Album den modernen Blues wiederbelebt hat, versammelte Kenny die alte Crew der ursprünglichen „Trouble Is…“-Sessions in den Record Plant Studios in Sausalito, Kalifornien, und spannte den Bogen zwischen dem 18-jährigen Gitarrenhelden von 1997, und dem immer noch auf der Suche befindlichen Meistermusiker, der heute mehr denn je seiner Seele mit Fingerfertigkeit an der Gitarre Ausdruck verleiht.
„Eines der coolsten Dinge bei der Neuaufnahme von „Trouble Is…“ war es, herauszufinden – oder zu bestätigen – wie zeitlos dieses Album wirklich ist“, sagt Shepherd. Seit dem Sommer spielt er mit seiner Kenny Wayne Shepherd Band eine triumphale Jubiläumstournee durch die Vereinigten Staaten, bei der das Album in voller Länge aufgeführt wird. „Ich bin so stolz auf das, was wir erreicht haben, und auch auf die Tatsache, dass ich gerade mal 18 Jahre alt war, als ich es gemacht habe. Ich meine, ich habe mit diesem Album eine Erfahrung gemacht, von der die meisten Musiker nur träumen können. ‚Trouble Is…‘ hat sich millionenfach verkauft. Das bestätigt mich natürlich in meinem Tun.“
Nach seinem Debüt „Ledbetter Heights“ von 1995, stürzte sich Shepherd mit seinem zweiten Werk kopfüber in den internationalen Wettbewerb. Mit der legendären Band des 1990 verstorbenen Stevie Ray Vaughan, „Double Trouble“, bestehend aus Schlagzeuger Chris Layton, Bassist Tommy Shannon und Tastenmann Reese Wynans, verblüffte der 18-jährige seine Zuhörer bei seinen Auftritten.
Und obwohl er seine eigene Gesangsstimme erst noch finden musste (damals wie heute übernimmt Noah Hunt den kraftvollen Leadgesang), war Shepherds frühreife Gitarrenarbeit eine Klasse für sich.
In den darauffolgenden 25 Jahren – ein Zeitraum, in dem Shepherd weitere sieben gefeierte Soloalben veröffentlicht hat, ganz zu schweigen von den zwei mit seinem All-Star-Nebenprojekt The Rides an der Seite von Stephen Stills und Barry Goldberg – haben sich einige Aspekte zur Wiederbelebung von „Trouble Is…“ geändert. The Record Plant schloss 2008 seine Pforten (die neuen Sessions fanden im The Village in Los Angeles und im Ocean Way in Nashville statt), und Tommy Shannon, der sich aus der Musikszene zurückgezogen hat (er wird kompetent durch Shepherds Bassisten Kevin McCormick ersetzt) ist nicht dabei.
„Abgesehen von Tommy hatten wir die ganze Crew wieder zusammen, mit Jerry Harrison als Co-Produzent“, sagt der Bandleader. „Und im Studio fühlte es sich an, als ob keine Zeit vergangen wäre. Wenn man gut zusammenspielt, spielt man gut zusammen. Es hat damals funktioniert und es hat auch dieses Mal funktioniert. Wir waren alle live in einem Raum. So mache ich das einfach. Ich bin da ganz altmodisch. Menschen müssen im selben Raum sein, um gemeinsam Musik machen zu können.“
Andere Elemente der Neuaufnahme waren unheimlich identisch: Shepherd kramte genau das gleiche 61er Fender Stratocaster-Modell und die gleiche Backline hervor, die er in den späten 90ern verwendet hatte. „Als Verstärker hatte ich eine der allerersten Fender Blackface Twin Neuauflagen, die jemals hergestellt wurden. Und dann hatte ich noch einen Vibro-King – und den habe ich seit den ersten Aufnahmen nicht mehr wirklich benutzt. Wir hatten also diese beiden Verstärker und dann einen Blackface ’64 Vibroverb. Ich hatte noch alle Original-Pedale, die ich ’97 benutzt hatte – einen Uni-Vibe, einen TS808 Ibanez Tube Screamer, einen Klon Overdrive, den Roger Mayer Octavia. Ich habe noch nie etwas verkauft. Wenn also irgendetwas da draußen herumfliegt, das einmal mir gehörte, dann hat wohl jemand klebrige Finger gehabt.“
Laut Kenny waren die Details seiner Anlage weniger wichtig als der Geist, der in der Luft lag. „Ich wollte nicht, dass ‚Trouble Is…25‘ ein chirurgischer Prozess wird. Ich mag es nicht, Dinge zu sehr zu durchdenken. Ich wollte einfach nur reingehen und den Vibe einfangen. Es gab mehrere Möglichkeiten, wie wir an diese neue Aufnahme hätten herangehen können. Wir hätten eine hundertprozentig getreue Reproduktion machen können.“
Die Zeiten ändern sich. Künstler entwickeln sich weiter. Die Musikszene ändert sich ständig. Damals, 1997, wurde das ursprüngliche ‚Trouble Is…‘ Album von einer Rock’n’Roll-Generation mit offenen Armen angenommen. Die Fans damals suchten nach etwas Substanziellem, während der fade Industriepop seinen unaufhaltsamen Aufstieg begann. „Als das Album durch die Decke ging, war es genau das, wofür ich so hart gearbeitet hatte“, reflektiert er. „Und um ehrlich zu sein, ich hatte Vertrauen. Ich hatte einfach das Gefühl geleitet zu werden. Ich hatte das Gefühl, dass hier etwas passieren sollte, und ich musste es nur ermöglichen. Ich musste einfach mir selbst und meinem Instinkt treu bleiben, mein Bestes geben und zusehen, wie es sich entwickelt.“
„Während der ‚Trouble Is…‘-Jubiläumstour“, sagt Shepherd, „sagt jeder, dass dieses Album heute veröffentlicht werden könnte und immer noch genauso relevant wäre wie vor 25 Jahren. Dieses Album 1997 aufzunehmen, war eine wirklich monumentale Leistung. Die neue Aufnahme war für mich eine echte Reise in die Vergangenheit. Und ich bin immer noch so stolz auf diese Songs…“
Kenny Wayne Shepherd greift Bob Dylans „Ballad Of A Thin Man“ neu auf – auf dem neuen Album „Trouble Is…25“ (VÖ 01.12.2022)
Die Veröffentlichung wird von einer Dokumentation über „Trouble Is…“ und einer Live-DVD begleitet, die im The Strand Theatre in Shepherds Heimatstadt Shreveport, Louisiana, gedreht wurde.
Am 02. Dezember wird der fünfmal für einen Grammy nominierte Gitarrist Kenny Wayne Shepherd„The Trouble Is…25“ veröffentlichen, eine komplette Neuinterpretation seines bahnbrechenden Albums „Trouble Is…“, das den Schlag traf, der die Moderne neu entfachte Blues bei seiner Veröffentlichung vor 25 Jahren. Und obwohl die Tracklist fast dieselbe ist, gibt es einen Ausreißer, den Fans bemerken werden – eine mitreißende Neuinterpretation von „Ballad Of A Thin Man“, das aus der Originalveröffentlichung von 1997 herausgeschnitten wurde.
Shepherd erinnert sich:„Ich wollte Bob Dylans ‚Everything Is Broken‘ machen, weil ich gerade mit ihm auf Tour war und er so gut zu mir und so eine Inspiration war. Unser Produzent, Jerry Harrison, hatte einen anderen Dylan-Song vorgeschlagen, „Ballad Of A Thin Man.“ Aber ich hatte Bedenken, dass dies für die Fangemeinde ein zu großer Schritt über den Tellerrand hinaus sein könnte, und „Everything Is Broken“ war näher an der Realität Blues-Song. Jerry hat hart für „Ballad Of A Thin Man“ gekämpft, also haben wir die Köpfe aneinander gestoßen und uns einen kleinen Kampf um diese Songs geliefert. Letztendlich habe ich mich durchgesetzt und obwohl wir „Ballad Of A Thin Man“ aufgenommen haben, war es „Everything Is Broken“, das auf die Platte kam. Aber was wirklich cool ist, ist, dass wir für diese neue Aufnahme von ‚Trouble Is…‘ diese Version von ‚Ballad Of A Thin Man‘ von 1997 sehr originalgetreu nachgebaut und in dieses Boxset aufgenommen haben.“
Große Songs sind nicht in Stein gemeißelt. Seit er 1997 mit seinem bahnbrechenden und karrierebestimmenden zweiten Album ‚Trouble is…‘ aus den Blues Clubs von Louisiana auf die globale Musikszene losstürmte, hat Kenny Wayne Shepherd diese klassischen Stücke jeden Abend auf der Bühne in kühne neue Formen gebracht. Angefeuert vom Puls des Publikums, jede einzelne Note lebendig in seinen Händen, waren die „Trouble Is…“ Tracks immer in Bewegung, und verstaubten somit nicht als musikalische Museumsstücke.
Aber einem Vierteljahrhundert alten Album eine Art Wiedergeburt zu bescheren, ist nochmal eine ganz andere Sache. Also heckte der mehrfach mit Platin ausgezeichnete Musiker für das 25-jährige Jubiläum einen kühnen Plan aus. Um erfahrene Fans und neue Hörer daran zu erinnern, wie dieses Album den modernen Blues wiederbelebt hat, versammelte Kenny die alte Crew der ursprünglichen „Trouble Is…“-Sessions in den Record Plant Studios in Sausalito, Kalifornien, und spannte den Bogen zwischen dem 18-jährigen Gitarrenhelden von 1997, und dem immer noch auf der Suche befindlichen Meistermusiker, der heute mehr denn je seiner Seele mit Fingerfertigkeit an der Gitarre Ausdruck verleiht.
„Eines der coolsten Dinge bei der Neuaufnahme von „Trouble Is…“ war es, herauszufinden – oder zu bestätigen – wie zeitlos dieses Album wirklich ist“, sagt Shepherd. Seit dem Sommer spielt er mit seiner Kenny Wayne Shepherd Band eine triumphale Jubiläumstournee durch die Vereinigten Staaten, bei der das Album in voller Länge aufgeführt wird. „Ich bin so stolz auf das, was wir erreicht haben, und auch auf die Tatsache, dass ich gerade mal 18 Jahre alt war, als ich es gemacht habe. Ich meine, ich habe mit diesem Album eine Erfahrung gemacht, von der die meisten Musiker nur träumen können. ‚Trouble Is…‘ hat sich millionenfach verkauft. Das bestätigt mich natürlich in meinem Tun.“
Nach seinem Debüt „Ledbetter Heights“ von 1995, stürzte sich Shepherd mit seinem zweiten Werk kopfüber in den internationalen Wettbewerb. Mit der legendären Band des 1990 verstorbenen Stevie Ray Vaughan, „Double Trouble“, bestehend aus Schlagzeuger Chris Layton, Bassist Tommy Shannon und Tastenmann Reese Wynans, verblüffte der 18-jährige seine Zuhörer bei seinen Auftritten.
Und obwohl er seine eigene Gesangsstimme erst noch finden musste (damals wie heute übernimmt Noah Hunt den kraftvollen Leadgesang), war Shepherds frühreife Gitarrenarbeit eine Klasse für sich.
In den darauffolgenden 25 Jahren – ein Zeitraum, in dem Shepherd weitere sieben gefeierte Soloalben veröffentlicht hat, ganz zu schweigen von den zwei mit seinem All-Star-Nebenprojekt The Rides an der Seite von Stephen Stills und Barry Goldberg – haben sich einige Aspekte zur Wiederbelebung von „Trouble Is…“ geändert. The Record Plant schloss 2008 seine Pforten (die neuen Sessions fanden im The Village in Los Angeles und im Ocean Way in Nashville statt), und Tommy Shannon, der sich aus der Musikszene zurückgezogen hat (er wird kompetent durch Shepherds Bassisten Kevin McCormick ersetzt) ist nicht dabei.
„Abgesehen von Tommy hatten wir die ganze Crew wieder zusammen, mit Jerry Harrison als Co-Produzent“, sagt der Bandleader. „Und im Studio fühlte es sich an, als ob keine Zeit vergangen wäre. Wenn man gut zusammenspielt, spielt man gut zusammen. Es hat damals funktioniert und es hat auch dieses Mal funktioniert. Wir waren alle live in einem Raum. So mache ich das einfach. Ich bin da ganz altmodisch. Menschen müssen im selben Raum sein, um gemeinsam Musik machen zu können.“
Andere Elemente der Neuaufnahme waren unheimlich identisch: Shepherd kramte genau das gleiche 61er Fender Stratocaster-Modell und die gleiche Backline hervor, die er in den späten 90ern verwendet hatte. „Als Verstärker hatte ich eine der allerersten Fender Blackface Twin Neuauflagen, die jemals hergestellt wurden. Und dann hatte ich noch einen Vibro-King – und den habe ich seit den ersten Aufnahmen nicht mehr wirklich benutzt. Wir hatten also diese beiden Verstärker und dann einen Blackface ’64 Vibroverb. Ich hatte noch alle Original-Pedale, die ich ’97 benutzt hatte – einen Uni-Vibe, einen TS808 Ibanez Tube Screamer, einen Klon Overdrive, den Roger Mayer Octavia. Ich habe noch nie etwas verkauft. Wenn also irgendetwas da draußen herumfliegt, das einmal mir gehörte, dann hat wohl jemand klebrige Finger gehabt.“
Laut Kenny waren die Details seiner Anlage weniger wichtig als der Geist, der in der Luft lag. „Ich wollte nicht, dass ‚Trouble Is…25‘ ein chirurgischer Prozess wird. Ich mag es nicht, Dinge zu sehr zu durchdenken. Ich wollte einfach nur reingehen und den Vibe einfangen. Es gab mehrere Möglichkeiten, wie wir an diese neue Aufnahme hätten herangehen können. Wir hätten eine hundertprozentig getreue Reproduktion machen können.“
Die Zeiten ändern sich. Künstler entwickeln sich weiter. Die Musikszene ändert sich ständig. Damals, 1997, wurde das ursprüngliche ‚Trouble Is…‘ Album von einer Rock’n’Roll-Generation mit offenen Armen angenommen. Die Fans damals suchten nach etwas Substanziellem, während der fade Industriepop seinen unaufhaltsamen Aufstieg begann. „Als das Album durch die Decke ging, war es genau das, wofür ich so hart gearbeitet hatte“, reflektiert er. „Und um ehrlich zu sein, ich hatte Vertrauen. Ich hatte einfach das Gefühl geleitet zu werden. Ich hatte das Gefühl, dass hier etwas passieren sollte, und ich musste es nur ermöglichen. Ich musste einfach mir selbst und meinem Instinkt treu bleiben, mein Bestes geben und zusehen, wie es sich entwickelt.“
„Während der ‚Trouble Is…‘-Jubiläumstour“, sagt Shepherd, „sagt jeder, dass dieses Album heute veröffentlicht werden könnte und immer noch genauso relevant wäre wie vor 25 Jahren. Dieses Album 1997 aufzunehmen, war eine wirklich monumentale Leistung. Die neue Aufnahme war für mich eine echte Reise in die Vergangenheit. Und ich bin immer noch so stolz auf diese Songs…“
LAIBACH haben mit „Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)“ das erste Stück einer 8-Track-EP veröffentlicht, die am 20. Januar 2023 auf CD und digital erscheint (die Vinylversion folgt im März). Ab Ende Oktober ist das slowenische Kunst-Kollektiv bereits auf „The Coming Race-Tour“, darunter auch auf vielen Stationen in Deutschland. Details weiter unten.
„Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)“ auf YouTube:
„Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)“
Der Plot: Nahe Zukunft zu Beginn des dritten Jahrtausends. Der Planet Erde, den wir einst als unsere Heimat kannten, ist nur noch ein toter Felsen, der im All treibt, zerstört durch Kriege, Pandemien und all das Böse, das Menschen tun. Das Gleiche gilt für den Mond, der einst als Sprungbrett in die Weiten des Universums diente, später aber zu einem Zufluchtsort für die letzten Menschen wurde. Jetzt rasen die Überreste der Menschheit in einem einzigen Raumschiff durch das Universum, an Bord die wenigen Glücklichen, die vor der Vernichtung gerettet wurden. Sie sind auf dem Weg zum Mars, wo einst alles Leben seinen Ursprung hatte. Sie mögen ihre Geschichte und ihren Planeten verloren haben, aber solange sie einen Hoffnungsschimmer und ein rotes Licht haben, das in der Dunkelheit leuchtet, werden sie mutig dorthin gehen, wo noch nie jemand zuvor gewesen ist – solange die Liebe noch am Leben ist.
LAIBACH – LOVE IS STILL ALIVE-EP VÖ: 20.01.2023 VIA MUTE/[PIAS]Die „Love Is Still Alive“-EP verfolgt die Reise der Überlebenden durch unser Sonnensystem, und ist zugleich eine Reise durch einige der „Space“-Musikgenres der letzten Jahrzehnte. Die EP ist eine Fortführung jener Musik, die für den Film „Iron Sky – The Coming Race“ (Regie: Timo Vuorensola, 2019) entstanden ist, ein heimliches musikalisches Sequel sozusagen.
(Die Musik die Laibach für „Iron Sky – The Coming Race“ selbst eingespielt haben, soll 2023 zusammen mit einem eigens entwickelten Videospiel veröffentlicht werden. Schön, dass Sie fragen.)
Laibach wurden in der damaligen jugoslawischen Industriestadt Trbovlje gegründet. Gegründet in dem Jahr, in dem der Gründervater des Landes, Tito, starb, stieg die Band zu einer der international bekanntesten Bands auf, die aus den ehemaligen kommunistischen Ländern Ost- und Mitteleuropas hervorgingen, und wurde kürzlich zu einer der ersten Bands, die in Nordkorea auftraten. 2019 veröffentlichten sie eine laibach‘sche Interpretation von „The Sound of Music“, die während ihrer Reise nach Nordkorea entstand, 2020 feierten sie vier Jahrzehnte mit „Laibach Revisited“.
Ein Album mit Musik aus der gefeierten Theaterproduktion „Wir sind das Volk (ein Musical aus Deutschland)“, die auf den Schriften von Heiner Müller (1929-1995) basiert, folgte 2022. Kürzlich erst kündigten Laibach an, dass diplomatische Verhandlungen für eine Aufführung von „Alamut,“ einem symphonischen Originalwerk, das in Zusammenarbeit mit iranischen Komponisten und Interpreten komponiert wurde, in Teheran im Gange sind.
LAIBACH – THE COMING RACE TOUR – 2022 / 2023 26.10. Ludwigshafen, Pfalzbau
27.10. Schorndorf, Club Manufaktur
28.10. CZ-Prag, Palac Akropolis 29.10. Bochum, Christuskirche
30.10. NL-Arnhem, Luxor Live
02.11. PL-Danzig, B90
03.11. PL-Krakau, 3 Klub Kwadrat 04.11. Dresden, Kulturzentrum Strasse E
05.11. HU-Budapest, A 38
23.01. CH-Lausanne, Les Docks 24.01. Rostock, Nikolaikirche
25 01. DK-Kopenhagen, Bremen Teater
26.01. SE_Göteborg, Pustervik
28.01. FI-Helsinki, Savoy Theatre
29.01. EE-Tallinn, Vaba Lava
31.01. SE-Stockholm, Lilla Cirkus
01.02. NO-Oslo, Marmorsalen
02.02. DK-Aarhus, VoxHall 03.02. Berlin, Astra
04.02. Leipzig, Schauspiel
06.02. München, Muffathalle
Tracklisting:
01 – Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)
02 – Love Is Still Alive II (Venus, Libidine)
03 – Love Is Still Alive III (Mercury, Dopamine)
04 – Love Is Still Alive IV (Neptune, Oxytocin)
05 – Love Is Still Alive V (Uranus, Prolactin)
06 – Love Is Still Alive VI (Saturn, Insomnia)
07 – Love Is Still Alive VII (Jupiter, Tristitia)
08 – Love Is Still Alive VIII (Mars, Dysphoria)
»Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)«auf YouTube:
Recent Praise: “A version of The Sound of Music that you can march to” – New Internationalist (The Sound of Music)
„… stirring, funny and thought provoking“ – The Guardian (The Sound of Music)
„Playful, poignant, sublime and ridiculous… Laibach continue to hold up a mirror to a divided world.“ – The Quietus (The Sound of Music)
… a perfect vehicle for the themes which possess the group” – MOJO (Wir sind das Volk)
“Stirring sturm und drang” – Uncut (Wir sind das Volk)
“… blending spoken and sung texts with reverb-drenched piano, strings, and electronics” – The Wire (Wir sind das Volk)
“This is not easy listening but it is arguably Laibach’s most sonically rich, least ironic, most mature work to date” – Classic Rock (Wir sind das Volk)
DeWolff werden ihr brandneues Album ‚Love, Death & In Between‘am 3. Februar über Mascot Records / Mascot Label Group veröffentlichen. Außerdem veröffentlichten sie das Video zum neuen Song „Heart Stopping Kinda Show“.
Die Band startet außerdem eine 13-tägige Europatournee als Support von The Black Crowes.
Video Premiere„Heart Stopping Kinda Show“:
DeWolff sind keine Band, die stillsitzt. Sie gedeihen durch ständige Bewegung. Von psychedelischen Southern-Rock-Kriegern zu Abgesandten des Soul. In den letzten vier Jahren haben sie fünf Alben veröffentlicht, wobei 2021s Wolffpack ihr bestes Album wurde, das in ihrer Heimat auf Platz 2 der Charts landete und nur durch die Foo Fighters wurde ihnen der Spitzenplatz streitig gemacht.
‚Love, Death & In Between‘ ist eine Reaktion auf ihre beiden vorherigen Studioalben. ‚Tascam Tapes‘ wurde unterwegs mit einem Vierspur-Kassettenrekorder aus den 1980er Jahren aufgenommen. ‚Wolffpack‘ wurde im Pandemie Jahr mit Social Distance in ihrem Utrechter Electrosaurus Southern Sound Studio aufgenommen.
„Ich liebe die kontrollierte Umgebung des Studios“, sagt Pablo. „Aber normalerweise verbringen wir einen Monat oder ein paar Wochen im Studio, dann gehen wir auf Tour, und dann herrscht Chaos. Das sind verrückte Sachen, Improvisation, Leute, die auf deine Musik reagieren, und du reagierst auf sie. Das ist es, was wir vermisst haben. Wir haben uns am Ende der Corona-Zeit so sehr danach gesehnt. So entstand die Idee zu dieser neuen Platte. Wir wollten etwas mit Menschen machen, mit so vielen Menschen wie möglich.“
Bei einem Besuch in Memphis wurde Pablo buchstäblich vom Blitz getroffen. „2019 besuchte ich eine Predigt von Al Green in seiner eigenen Kirche, und das war eine lebensverändernde Erfahrung, musikalisch gesehen“, erinnert sich Pablo.
„Ich war buchstäblich eine Minute da drin und habe geweint. Ich habe die ganze Predigt über geweint, weil sie so schön war. Er sprach über jemanden, der seine Rechnungen nicht bezahlen kann, und er sagte: ‚Ich rufe den allmächtigen Retter an, um ihr zu helfen, und das wurde mit einer Runde von ‚Yeaaah! Yeaaah’s!‘ und die Band spielte nur zwei Akkorde, und es war so schön. Das hat mich zutiefst berührt. Es hat einen tiefen Eindruck bei mir hinterlassen. Ich wollte so etwas unbedingt bei einer Live-Show machen, aber wir hatten keine Songs, in die es gepasst hätte. Als wir dann anfingen, neue Songs zu schreiben, dachte ich mir: Ja, lass uns so etwas machen. Eine sehr einfache Akkordfolge, aber mit dieser fast religiösen Erfahrung. Denn schließlich ist Musik für uns wie eine Religion. Sie ist etwas, das wir ständig im Kopf haben. Es ist etwas, dem wir unser ganzes Leben widmen.“
Im Mai 2022 fuhren sie nach Loguivy-Plougras in der Bretagne, welches das analoge Studio Kerwax (https://www.kerwax.com/museum/) beheimatet. „Wir dachten, wir sollten uns auf ein Abenteuer einlassen“, sagt er. Im Nordwesten Frankreichs gelegen und von Wäldern umgeben, zogen sie sich in das atemberaubende Wohnstudio zurück, das von Vintage-Aufnahmegeräten aus den 1940er bis 1970er Jahren umgeben ist.
Die Brüder Pablo (Gitarre/Gesang) und Luka van de Poel (Schlagzeug/Gesang) sowie Robin Piso (Hammond/Wurlitzer) nahmen die Aufnahmen live und ohne Overdubs auf und wurden dabei von zahlreichen Freunden unterstützt. „Wir haben zusätzliche Leute mit nach Frankreich gebracht. Mit zehn Leuten in einem Raum zu spielen ist chaotisch. Bei jedem Take, den man macht, ist jemand nicht damit zufrieden, wie er spielt. Aber man erkennt, worauf es bei einem Take ankommt“.
Alles wurde komplett analog und direkt auf Band aufgenommen, bei der Herstellung des Albums wurden keine Computer verwendet. Die Bänder wurden dann zu einem Mastering-Ingenieur geschickt, der den Lackschnitt für die Vinylpressung herstellte – auch dieses Mastering und der Schnitt erfolgten vollständig analog (https://www.vinylherstellung.de/vinyl-pressung/).
Die Themen wurden teilweise von Romanen amerikanischer Autoren des 20. Jahrhunderts inspiriert, die Pablo während der Pandemie gelesen hatte. Besonders John Steinbecks ‚Tortilla Flat‘, ein Schelmenroman von 1935. „Es gibt ein Zitat von ihm: ‚Die gute Geschichte liegt in halb erzählten Dingen, die aus der eigenen Erfahrung des Hörers ausgefüllt werden müssen‘, und das war etwas, was ich mit den Texten auf dieser Platte wirklich tun wollte.“
Zur gleichen Zeit tauchte die Band tief in alte Soul- und R&B-Platten ein – Sam Cooke, The Impressions, The Coasters, The Clovers, Ray Charles und Little Richard – sowie in eine kräftige Dosis Gospel – The Soul Stirrers, Al Green und frühe Platten von The Staple Singers.
Einige Songs auf dem Album tragen ihr Herz auf der Zunge, wie z.B. „Counterfeit Love“, während das 16-minütige Epos „Rosita“ ihre Entwicklung zeigt. „Wie ich jetzt schreiben möchte, spiegelt sich in Songs wie diesem wider“, sagt er. „Ich wollte, dass sich diese Texte wie eine Geschichte anfühlen, aber auch wie eine Reise in sich selbst“, erklärt er. Was als kleine Geschichte über eine Highschool-Liebe beginnt, explodiert zu einer Geschichte über die Göttin der Liebe und des Todes, die in „The Queen of Space and Time“ mündet. „Es ist dieselbe Person. Es geht um diese gottähnliche weibliche Figur, die alle Arten von verrückten, dunklen Dingen kontrolliert. Bei Rosita kann man nur mit ihr zusammen sein, wenn man schläft oder tot ist, es ist also eine Kombination aus Liebe und Tod. Daher kommt auch der Name des Albums.“
‚Heart Stopping Kinda Show‘ ist ein weiterer vielseitig interpretierbarer Song: „Es geht darum, wie ich das Leben sehe“, sagt er. „Das Leben ist eine herzzerreißende Art von Show. Ich habe mit ‚Tortilla Flat‘ (John Steinbeck Roman von 1935) im Hinterkopf geschrieben. Diese Charaktere denken nicht ständig über alles nach; sie leben, trinken Wein und haben diese schönen Momente. Sie führen das ultimative Leben. In dem Song wollte ich die Dinge im Leben beschreiben, die schön sind.“
‚Will o‘ the Wisp‘ hat eine verführerische Düsternis, während Songs wie ‚Night Train‘, ‚Message for my Baby‘ und ‚Wontcha Wontcha‘ fröhliche Gassenhauer sind.
DeWolff verließ die ländliche Umgebung der Bretagne mit zwölf Songs, die auf vier Bändern aufgenommen wurden, mit Freunden, die Spaß hatten und sich an das erinnerten, was ihnen am wichtigsten ist. Mit einer Mischung aus Al Green, Sam Cooke und John Steinbeck haben sie einige ihrer gefühlvollsten und mitreißendsten Songs geschaffen. Wenn sie singen: „Hey there baby won’t you come on in, I got plenty old records that we can play, some rhythm & blues some old rock ’n roll, yes the type of stuff that can save a soul“, sollte man sich fallen lassen und sich von DeWolff zurück in die Zeit versetzen lassen.
13-tägige Europatournee als Support von The Black Crowes:
30.09. Antwerp, Belgium – Lotto Arena
01.10. Amsterdam, Netherlands – AFAS Live
05.10. Paris, France – L’Olympia
07.10. Frankfurt, Germany – Jahrhunderthalle
08.10. Bochum, Germnay – RuhrCongress Bochum
10.10. Berlin, Germany – Tempodrom
11.10. Hamburg, Germany – Barclays Arena
13.10. Milan, Italy – Alcatraz
14.10. Zürich, Switzerland – Samsung Hall
16.10. Barcelona, Spain – Sant Jordi Club
18.10. Madrid, Spain – WiZink Center
Der kultige US-Blues-Rock-Gitarrist Walter Trout hat am vergangenen Freitag das offizielle Video zu „Ride“ aus seinem gleichnamigen 30. Soloalbum veröffentlicht.
Walter wird 2022 auch durch Europa touren und dabei Songs aus dem Album spielen.
Als er zwei Wochen vor Beginn der Aufnahmen an der Westküste der USA ankam, ließ sich Trout in seinem inzwischen verlassenen Haus in Huntington Beach, Kalifornien, nieder, um das Material für Ride zu schreiben. Doch selbst in diesem Strandparadies, zwischen sich wiegenden Palmen und der Meeresbrise, wurde er von der Vergangenheit eingeholt. Wie alteingesessene Trout-Fans wissen, ist der Golden State seit 47 Jahren die Heimat des Bluesers.
Mit der Zeit schloss sich Trout ’85 John Mayalls Bluesbreakers an, bevor er ab ’89 eine gefeierte Solokarriere startete. Davor hatte er jedoch chaotische, selbstzerstörerische Jahre als Jobgitarrist hinter sich, sei es für verehrte, aber schwierige Blues-Pioniere wie John Lee Hooker und Big Mama Thornton oder als Mitglied einer Canned Heat-Besetzung in den 80ern, die von den Hell’s Angels kontrolliert wurde.
Photo taken in Los Angeles on 02/21/20.
Trouts gut dokumentierte Exzesse in dieser Zeit waren düsterer als die eines jungen Rockstars. Er erklärt, dass das alles auf seine schwierige Kindheit in New Jersey zurückgeht, wo ein instabiler Stiefvater – selbst Opfer schockierender Grausamkeiten als Kriegsgefangener – eine furchterregende Präsenz war. Als Ride Gestalt annahm, konnten diese Erinnerungen nicht umhin, die Musik zu beeinflussen. „Dieses Album ist offensichtlich das, was ich geistig und emotional durchgemacht habe“, meint er. „Alles, was ich tat, war, es auszudrücken. Ich habe viel Zeit damit verbracht, zu weinen, weil ich mich in meinem emotionalen Kern vergraben habe. Ich möchte, dass meine Songs eine Art von Wahrheit enthalten.“
Einige der Erinnerungen, die Trout auf „Ride“ verarbeitet, liegen weit zurück und sind sehr ergreifend. Der Titelsong ist ein weiterer Song, der als Gedicht begann und von der Lokomotive erzählt, die jede Nacht an seinem Elternhaus vorbeiratterte und ihn dazu verleitete, in die Freiheit zu fliehen. „Der Song handelt davon, wie es sich anfühlte, im Bett zu liegen und davon zu träumen, mit diesem Zug zu entkommen.”
Photo taken in Los Angeles on 02/21/20.
Das stürmische “Hey Mama” ist von der gleichen Zeit inspiriert, wobei Trout darüber debattiert, ob sein Trauma hätte abgewendet werden können. „Ich bin nicht sauer auf meine Mutter und ich liebe die Erinnerung an sie“, sagt er, „aber meine Frau sagt: ‚Deine Mutter hätte wahrscheinlich mehr tun können, um dich vor deinem Stiefvater zu schützen‘. Ja, vielleicht hätte sie das tun können. Aber im Nachhinein ist es leicht, das zu sagen.”
Walter Trout ist das schlagende Herz der modernen Bluesrock-Szene. Von der alten Garde respektiert. Verehrt von den jungen Wilden. Angebetet von den Fans, die ihm jeden Abend nach der Show die Hand schütteln, ist Trout auch nach fünf Jahrzehnten in der Szene immer noch eine schillernde Figur.
Doch egal, wie schnell oder weit ein Mann reist, er kann seiner Vergangenheit nie wirklich entkommen. Auf seinem neuen Album blickte er auf den Horizont und die grünen Triebe seiner triumphalen Spätkarriere. Es gab einen neuen Plattenvertrag mit Mascot/Provogue. Ein Umzug von Kalifornien nach Dänemark mit seiner geliebten Familie. Selbst jetzt, im Alter von 70 Jahren, schreibt Trout immer noch neue Kapitel seiner Lebensgeschichte.
Inzwischen weiß Trout, dass niemand sein altes Ich jemals wirklich hinter sich lassen kann. Aber mit „Ride“ als emotionalem Ventil – sowohl für seinen Schöpfer als auch für seine treuen Zuhörer – kann sich der altgediente Künstler vielleicht mit seiner Vergangenheit versöhnen, seine Zukunft akzeptieren und in der Gegenwart leben, während sie sich entfaltet. „Ich denke, man kann den Albumtitel auf verschiedene Weise interpretieren“, sagt er abschließend. „Ich meine, dieses Album ist definitiv ein musikalischer Ritt und ich habe sicherlich versucht, eine Menge an Themen abzudecken. Aber eigentlich ist das Leben auch eine Art Fahrt, nicht wahr? Und ich möchte mein Leben in vollen Zügen genießen.“
Tour Daten
08.07. Torgau, Bastion Festival
23.07. Winterbach, Zeltspektakel – Magic Blues Night
18.08. Leverkusen, Schloß Morsbroich
20.08. Waffenrod, Woodstock Forever Festival
05.10. Hamburg-Schenfeld, Jucks
06.10. Hannover-Isernhagen, Bluesgarage
07.10. Dillingen/Saar, Lokschuppen
08.10. Köln, Stollwerck, Blues Alive Festival 2
11.10. Aschaffenburg, Colos Saal
13.10. Münster, Jovel
14.10. Erfurt, Gewerkschaftshaus
15.10. Kaiserslautern, International Kammgarn Bluesfestival
16.10. Berlin, Kesselhaus
19.10. Karlsruhe, Tollhaus
20.10. Worpswede, Musichall
24.10. Bochum, Zeche
ZZ Top steuern mit zweiter Single aufs neue Album zu: „La Grange“ ab sofort im Stream!
Das neue Album RAW kommt am 22. Juli – Originalsoundtrack zu That Little Ol’ Band From Texas (Netflix)
Drei Monate vor dem Albumrelease präsentieren ZZ Top ein weiteres Highlight der RAW-Session: Die neue Single „La Grange“ ist seit Freitag, dem 22. April erhältlich! Nachdem die Südstaaten-Ikonen zuletzt die erste Single „Brown Sugar“ vorgelegt hatten, wird das dazugehörige Album RAW am 22. Juli bei Shelter Records/BMG erscheinen. Die Neuaufnahme von „La Grange“ wurde, wie alle 12 Stücke des Albums, in der Gruene Hall in New Braunfels, Texas aufgenommen. Das Album entstand im Rahmen der Arbeiten an der gefeierten Netflix-Dokumentation That Little Ol’ Band From Texas und fungiert als Originalsoundtrack zur Doku.
Dieser Song zählt zu den absoluten Highlights ihres massiven Backkatalogs: Genau genommen tauchte „La Grange“ schon vor knapp 50 Jahren das erste Mal auf, als ZZ Top die Komposition für ihr drittes Album Tres Hombres einspielten, das ihnen 1973 den internationalen Durchbruch bescherte.
Die Single selbst entpuppte sich als ihr größter Hit jener Tage – und zählt seit nunmehr rund fünf Jahrzehnten zu den Trademark-Songs von ZZ Top. Der Text von „La Grange“ ist eine Hommage an „The Chicken Ranch“, ein in jenen Tagen gut frequentiertes Bordell in der Nähe des texanischen Städtchens La Grange, das wiederum nur 88 Meilen von New Braunfels entfernt liegt. Tatsächlich skizzierte die Band mit dem Song „La Grange“ bereits jene Story, die Larry L. King später aufschreiben und damit das Fundament für das Broadway-Musical The Best Little Whorehouse In Texas legen sollte. In der 1982 veröffentlichten Verfilmung des Stoffs, zu Deutsch Das schönste Freudenhaus in Texas, spielte Dolly Parton die Bordellbesitzerin Mona Stangley, die verantwortlich war für das Treiben im „Hühnerhaus“…
„Kurz nachdem die Platte damals erschienen war, musste der Laden dann dichtmachen – weshalb ich viel unterwegs war und extrem viel Zeit damit verbracht hab, den Leuten in ganz Texas zu erklären, dass wir damit nichts zu tun hatten“, kommentierte Dusty Hill (1949-2021) einst den Zusammenhang zwischen dem realen Etablissement und dem Songtext von „La Grange“. „Das war so ein Ort, an dem unglaublich viele Initiationsriten vollzogen wurden“, berichtet Billy Gibbons, der im selben Atemzug einräumt, dass das „abschließende ‘but I might be mistaken’ von Buddy Hollys ‘Peggy Sue Got Married’ inspiriert war.“ In diesem Fall also hätte sich ein ikonischer Vertreter texanischer Musik (ZZ Top) vor einem seiner direkten Vorläufer (Buddy Holly) verneigen wollen.
Sämtliche Songs von RAW entstanden an einem einzigen Tag, wobei ZZ Top – wie der Titel schon sagt – so direkt und schnörkellos vorgingen wie in ihren Anfangstagen. In den Linernotes beschreiben Billy und Frank die Aufnahmen dementsprechend als „absolut ehrliche Rückkehr zu unseren Wurzeln“. Produziert wurde das neue Album, auf dem auch der im vergangenen Sommer verstorbene Dusty Hill zu hören ist, von Billy F. Gibbons. Während Jake Mann und Gary Moon als Toningenieure mitwirkten, zeichnete Ryan Hewitt für den Mix von RAW verantwortlich. Das neue Album erscheint „in righteous memory of Dusty Hill“ am 22. Juli, wenige Tage vor dem ersten Todestag, als Heavyweight-Vinyledition (180g), CD sowie in digitaler Form.
RAW Tracklist:
Brown Sugar
Just Got Paid
Heard It On The X
La Grange
Tush
Thunderbird
I’m Bad, I’m Nationwide
Legs
Gimme All Your Lovin’
Blue Jean Blues
Certified Blues
Tube Snake Boogie
Schon vor der Veröffentlichung von RAW werden ZZ Top die dazugehörige RAW WHISKY TOUR durch Nordamerika antreten, in deren Rahmen gut 100 Shows in den größten US-Venues auf dem Programm stehen. Der Titel der am 27. Mai in San Diego startenden US-Tournee bezieht sich auf das kommende Album RAW und zugleich auf den seit einigen Monaten erhältlichen Tres Hombres Whisky von ZZ Top, den die Band zusammen mit Balcones Distilling aus Waco, Texas entwickelt hat.
ZZ TOP: Raw (Originalsoundtrack zu That Little Ol’ Band From Texas)
Black Stone Cherry – neues Album “Live From The Royal Albert Hall… Y’All” am 24. Juni 2022
Black Stone Cherry “Live From The Royal Albert Hall… Y’All”
Black Stone Cherry veröffentlichen am 24. Juni ihr neues Live Album ‚Live From The Royal Albert Hall… Y’All‘. Das Album erscheint als 2CD + Blu-ray, Digital und als 2er Vinyl über Mascot Records / Mascot Label Group. Einen ersten Vorgeschmack mit „Ringin‘ In My Head“ kannst Du hier sehen…
Am Mittwoch, den 29. September 2021 – im Jahr des 20-jährigen Bandjubiläums – erfüllten sich die Band aus Kentucky ihren Kindheitstraum, nämlich in der legendären Royal Albert Hall in London zu spielen. Auf der Bühne des kultigen viktorianischen Gebäudes sitzend, hält Sänger und Gitarrist Chris Robertson inne, schaut sich um und sagt: „Wenn man als Kind die Auftritte seiner Helden sieht und dann plötzlich selbst auf der Bühne steht, ist das ziemlich emotional. Aber wir werden es heute Abend richtig rocken. Das könnt ihr mir glauben.“
Und sie enttäuschen nicht, als sie mit dem explosiven „Me and Mary Jane“ eröffnen. Von Clubs über Arenen bis hin zu Festival-Headline-Auftritten – niemand liefert eine so gute Show wie diese Jungs. Ein Hit nach dem anderen – allesamt Killer – und die begeisterte Menge brüllt mit. Black Stone Cherry war eine der ersten internationalen Bands, die nach der Lockerung der Covid19-Beschränkungen durch Großbritannien tourten, und sie bescherten jedem einzelnen Fan in dieser Nacht eine euphorische Dosis Glück.
Sie spielten sich durch ihren beeindruckenden Backkatalog und spielten Songs von ihrem letzten Studioalbum„The Human Condition“ – „In Love with the Pain“, „Again“ und „Ringin‘ In My Head“ – bis hin zu ihren größten Hits und Fan-Favoriten. „Blind Man“, „Hell and High Water“, „Blame it on the Boom Boom“ und „White Trash Millionaire“ rocken das Gebäude. Aber es gab auch berührende Momente, so zum Beispiel der emotionalen Performance von Chris Robertson beim Song „Things My Father Said“.
Über den Auftritt in der Royal Albert Hall sagte Schlagzeuger John-Fred Young: „Um ehrlich zu sein, hatte ich eine Heidenangst. Es war schwer, dort hineinzugehen. Man denkt daran, wie viele große Künstler hier schon gespielt haben. Das Prestige dahinter. Wir wollten schon seit der ersten UK-Tour 2007 in der Royal Albert Hall spielen.“
Er fährt fort: „Wir als Leute aus der Mitte des Landes in Kentucky kommen hierher nach England und haben uns eine erstaunliche Fangemeinde aufgebaut, Menschen die uns wichtig sind und zu unseren Shows kommen und uns unterstützen. Zu wissen, dass wir mit all der harten Arbeit und Hingabe, die wir in Black Stone Cherry gesteckt haben, hier etwas erreicht haben. Wenn man diesen Ort betritt, ist es einfach atemberaubend. Du betrittst diese Bühne und sagst: Wir haben es geschafft, und das ist ein Gefühl, das ich für den Rest meines Lebens in Ehren halten werde.“
Die Filmaufnahmen, die auf Blu-ray mit der Doppel-CD erscheinen, transportieren diese Gefühle ausgesprochen gut. Deshalb kann jeder Fan auf der Welt die Augen schließen und sich daran erinnern, dass er entweder dabei war oder sich vorstellen kann, dabei gewesen zu sein, und die pure Freude und den Stolz der Jungs spüren, weil sie sich einen Traum erfüllt haben.
Das neue Bandmitglied Steve Jewell Jr. ersetzt Gründungsmitglied Jon Lawhon am Bass und kreuzt mit Ben Wells und Robertson die Bühne und versprüht grenzenlosen Enthusiasmus. Diese Band genießt es zusammen zu spielen, und das merkt man jedem einzelnen Song auch an.
„Wir waren schon als Headliner in der Wembley Arena und auf Festivals, aber wenn man hier reinkommt, ist das anders. Ich erinnere mich, dass ich hier Aufnahmen von Led Zeppelin gesehen habe, und jetzt sind wir hier“, meint Robertson.
Auf der Blu-Ray ist das Live-Material gespickt mit Interviews hinter den Kulissen, Aufnahmen von der Bühne und Archivaufnahmen, die die Band in ihren Anfängen zeigen, mit Ausschnitten aus ihrer ersten UK-Tournee und mit Momenten der Besinnung, die zu Herzen gehen. Aber letztendlich ging es bei ‚Live From The Royal Albert Hall… Y’All‘ darum, den Rock ’n‘ Roll nach London zu bringen, und zwar im Kentucky-Style, um das Dach dieses ehrwürdigem Mutterschiffs abzureissen.
Deutschland/Österreich/Schweiz Termine im Spätsommer 2022
12.09. Köln – E-Werk
14.09. Hamburg – Markthalle
21.09. Berlin – Metropol
22.09. A-Wien – Arena
24.09. München – Tonhalle
27.09. CH-Zürich – Komplex 457
28.09. Stuttgart – LKA Longhorn
Der angesehene malische GitarristVieux Farka Touré wird am 10. Juni sein neues Album„Les Racines“ herausbringen. Der als „der Hendrix der Sahara“ bekannte Künstler ist der Sohn des verstorbenen „Desert Blues“-Pioniers Ali Farka Touré.
VIEUX FARKA TOURÉ – NEUE SINGLE „GABOU NI TIE“
Mit „Les Racines“ veröffentlicht er sein Album-Debüt auf dem Label World Circuit und damit auch den ersten Longplayer seit 2017. „Les Racines“ bedeutet übersetzt „die Wurzeln“ und steht für eine tiefe Verbundenheit mit der Songhai-Musik aus Nord-Mali, die als „Desert Blues“ bekannt und eben durch seinen Vater und dessen World Circuit-Veröffentlichungen bereits Jahrzehnte zuvor berühmt geworden ist.
Das Video zum Album-Opener „Gabou Ni Tie“, auf dem Amadou Bagayoko von Amadou & Mariam Gitarre spielt, ist hier zu sehen: https://worldcircuit.lnk.to/VFTRacines
In Mali gibt es ein bekanntes Sprichwort, das besagt, dass der Nachname des Lebens Veränderung bedeutet. Eine Lebensweisheit, die Vieux Farka Touré während seiner gesamten Karriere und durch eine Reihe von abenteuerlichen grenzüberschreitenden Erfahrungen und Kooperationen hindurch stets befolgt hat. Doch es gibt noch ein anderes, universelleres Sprichwort, das besagt: ‚Um zu wissen, wohin man geht, muss man wissen, woher man kommt‘. Und eben jenes dem innewohnenden und für den Menschen grundlegendes Bedürfnis, sich seiner Herkunft bewusst zu werden, steht im Mittelpunkt von „Les Racines“.
Der Sohn des verstorbenen Ali Farka Touré, der als der beste Gitarrist gilt, den Afrika je hervorgebracht hat, verbrachte zwei Jahre mit der Produktion von „Les Racines“ – von der ursprünglichen Idee in dessen Kopf bis zur Entstehung brauchte es sogar noch mehr Zeit. „Der Wunsch, ein traditionelleres Album zu machen, reifte schon seit langem in mir. Es ist mir und den Menschen in Mali wichtig, dass wir mit unseren Wurzeln und unserer Geschichte verbunden bleiben“, erklärt Vieux. Der durch den Ausbruch des Coronavirus verursachte Lockdown hinderte ihn zwar daran, wie geplant auf Tournee zu gehen, ermöglichte es ihm jedoch auch gleichzeitig, die so gewonnene Zeit zu nutzen, um eben dieses wohl tiefgründige Statement seiner bisherigen Karriere zu schaffen.
„Les Racines“ ist bereits Vieux‘sechstes Soloalbum, seit er im Jahr 2006 mit seiner Karriere startete. Eine Karriere, die unter anderem eine Kollaboration mit Dave Matthews und dem Jazzgitarristen John Scofield beinhaltete. Eine Karriere, die ein Album mit der amerikanischen Singer-/ Songwriterin Julia Easterlin und zwei Alben mit dem israelischen Künstler Idan Raichel in Form der „The Touré-Raichel Collective“ hervorbrachte. „Am Anfang meiner Karriere fragten die Leute, warum ich nicht einfach meinem Vater folgte. Aber es war essentiell wichtig für mich, meine eigene Identität zu finden“, erklärt Vieux. „Heute wissen die Leute, wozu ich fähig bin, und das ermöglicht es mir, mit Stolz und – so hoffe ich zumindest – auch mit einer gewissen Autorität zu diesen Wurzeln zurückkehren.“
Die zeitlosen Grooves des Albums, das in Vieux‘ Heimstudio in Bamako aufgenommen wurde, sind stark von der traditionellen Musik Westafrikas geprägt. Das Feuer von Vieux‘ Gitarrenspiel jedoch und die Dringlichkeit der Botschaften in seinen Songs verleihen dem Album eine ganz und gar zeitgenössische Relevanz. „Wir sind nichts, wenn wir den Respekt vor der Vergangenheit verlieren„, sagt Vieux. „Aber wir können die Kraft unserer Traditionen durchaus auch mit dem Modernen vereinen.“
Die zehn Songs, allesamt Eigenkompositionen, beschäftigen sich mit einer ganzen Reihe von Themen, sowohl traditionelle wie auch aktuelle. „In Mali sind viele Menschen Analphabeten, und die Musik ist das wichtigste Mittel, um Informationen und Wissen weiterzugeben“, erklärt Vieux. „Mein Vater hat für den Frieden gekämpft, und als Künstler haben wir die Pflicht, über die Probleme unseres Landes aufzuklären, die Menschen zusammenzubringen und sie auf diese Weise zur Vernunft zu bringen.“
„Die Rückkehr zu den Wurzeln dieser Musik ist eine gänzlich neue Erfahrung für mich – ich habe noch nie so lange und so hart an einem Album gearbeitet“, reflektiert Vieux. „Ich wusste jedoch instinktiv, dass es tiefgründig, beständig und kraftvoll zugleich sein musste, und deshalb habe ich mir viel Zeit genommen, um darüber nachzudenken, wie ich es wohl schaffen könnte, all das miteinander zu verbinden.“
JOE BONAMASSA VERÖFFENTLICHT ANIMIERTES VIDEO ZUM SONG “MIND’S EYE”. Europa- und Großbritannien-Tournee startet im April!
Mit „Mind’s Eye“ kommt nun ein weiterer Song mit Video aus seinem Top 3 Album „Time Clocks“ heraus. Das Video, das eine Hommage an den Animationsstil von Yellow Submarine der Beatles und die Prog-Rock-Videos der 70er Jahre ist, wird im Vorfeld von Bonamassas Europa- und Großbritannien-Tournee veröffentlicht, die am 20. April beginnt und bis zum 7. Mai dauert. Der Bluesrock Gitarrist macht auch in 5 deutschen Städten Station.
Animiertes Video zu “Mind Eye“:
„Joe wollte, dass dieses Video die großen Prog-Rock-Videos der Vergangenheit nachahmt, indem er coole, maßgeschneiderte Illustrationen und psychedelische Szenen verwendet“, sagt Roy Weisman, der CEO von Joes US-Label J&R Adventures.
Weisman fährt fort: „Der Song hat ein sehr Pink Floyd-artiges Feeling, also musste das Video diese einzigartige Stimmung aufgreifen und umsetzen. Das ganze Time Clocks-Album handelt von einer Reise, und Mind’s Eye“ gibt einen unterhaltsamen Einblick in das, was im Kopf eines Menschen herumschwirren könnte.“
Der gefeierte Blues-Rock-Gitarrist und Singer-Songwriter Joe Bonamassa kehrt zum ersten Mal seit drei Jahren auf Tournee nach Europa und Großbritannien zurück. Die Tournee 2022 folgt auf die Veröffentlichung von Bonamassas von der Kritik gefeiertem 15. Solo-Studioalbum„Time Clocks“, das ursprünglich im Oktober 2021 über Provogue/Mascot Label Group in Europa veröffentlicht wurde und in Deutschland bis auf Platz 3 der Album Charts stieg und sich ganze 9 Wochen lang hielt.
Auf Joes Tournee 2022 wird der Gitarrist zusammen mit einer handverlesenen Gruppe von Weltklasse-Musikern auftreten und Songs aus seinem letzten Studioalbum „Time Clocks“ sowie Titel aus seinem umfangreichen Katalog von Alben wie „Royal Tea“, „Redemption“, „Blues of Desperation“ und „The Ballad of John Henry“ sowie klassische Bonamassa-Fan-Favoriten spielen.
EU/UK Tour Dates
APRIL 20, 2022 GLASGOW, UK, THE ARMADILLO
APRIL 22, 2022 CARDIFF, UK CARDIFF MOTORPOINT ARENA
APRIL 23, 2022 BRIGHTON, UK BRIGHTON CENTRE
APRIL 24, 2022 ANTWERP, BE LOTTO ARENA APRIL 26, 2022 HANNOVER, DE SWISS LIFE HALL APRIL 27, 2022 SAARBRÜCKEN, DE SAARLANDHALLE APRIL 29, 2022 FRANKFURT, DE JAHRHUNDERTHALLE (SOLD OUT)
APRIL 30, 2022 AMSTERDAM, NL ZIGGO DOME MAY 1, 2022 BERLIN, DE VERTI MUSIC HALL MAY 3, 2022 DÜSSELDORF, DE MITSUBISHI ELECTRIC HALLE
MAY 5, 2022 LONDON, UK ROYAL ALBERT HALL
MAY 6, 2022 LONDON, UK ROYAL ALBERT HALL
MAY 7, 2022 PARIS, FR PALAIS DES SPORTS
The Wake Woods – Video Premiere zu „Hole In The Sun“ – neues Album „Treselectrica“ jetzt veröffentlicht!
Nach der Veröffentlichung des neuen Albums„Treselectrica“ am Freitag den 21.01.2022 und den ersten beiden Singles/ Videos zu „Paycheck“ und „Electric Boogie“ feiern The Wake Woods nun die Video Premiere zu ihrer 3. Singleauskopplung „Hole In The Sun“, hier zu sehen…
Video Premiere„Hole In The Sun“:
Die Berliner Band zeigt klar ihre Affinität für modernen Heavy Garage Blues im Stil von Jack White, The Dead Weather, Reignwolf oder Rival Sons.
2015 veröffentlichten The Wake Woods ihr gefeiertes Debüt „Get Outta My Way“, es folgten prompt 12 Wochen TOP 25 Rock-DJ-Charts, Support Shows für Deep Purple und Status Quo sowie ein fulminantes Konzert beim 40-jährigen Jubiläum des WDR Rockpalast! Seitdem ist um die Berliner einiges passiert: unzählige Clubshows, ein zweites Album, Besetzungswechsel 2019, weitere Touren u.a. mit Birth Of Joy aus den Niederlanden oder den österreichischen The Weight, Deichbrandfestival 2019, schließlich dann der pandemiebedingte Full Stop – „Denkste“, wie es in Berlin so schön heißt.
Mitnichten hat sich die die Band um das Brüderpaar Ingo und Helge Siara von der notwendigen Zwangspause beeindrucken lassen, ganz im Gegenteil. Mit Neuzugang Sebastian Kuhlmeyan den Drums investierte man als frisch gebackenes Trio im Corona Sommer 2020 alle finanziellen Reserven im Hamburger Cloud Hill Studio für die EP „Remedies“, um anschließend sofort mit dem Songwriting für das neue Album“Treselectrica“ zu beginnen.
Scheinbar locker aus dem Handgelenk schütteln The Wake Woods mit „Treselectrica“ nun einen Bretterknaller aus stampfendem Heavy Blues, Indie und Alternative Rock. Angetrieben von jeder Menge Fuzz-Gitarre schiebt das Trio darauf eine Soundwand vor sich her, die dem einstigen Quartett ein neues und sagenhaft dickes Fundament liefert. Drei. Elektrisch. Aber sowas von. Fans von Band Of Skulls, The Dead Weather oder den Rival Sons können sich freuen. Die Berliner zeigen sich mit „Treselectrica“ angriffslustiger und experimentierfreudiger denn je, stellen jedoch einmal mehr auch ihr Können in Sachen Songwriting unter Beweis.
Eric Gales behauptet: “You Don’t Know The Blues” auf seinem neuen sensationellem Album „Crown“, welches am 28. Januar über Provogue/Mascot Label Group erscheinen wird.
Wenn es jemanden gibt, der den Blues kennt, dann ist es der legendäre Gitarrist Eric Gales. Seit über 30 Jahren und 18 Alben ist Gales ein Blues-Fanatiker, dessen Leidenschaft für die Musik und sein grenzenloser Wunsch, sie lebendig zu halten, nie nachgelassen hat. Jetzt, nach einer Karriere, die von den höchsten Höhen bis zu den tiefsten Tiefen reichte, nimmt Gales mit der Veröffentlichung von „Crown“ seinen rechtmäßigen Platz an der Spitze des Blues-Rock ein. „Wenn du die Dinge, von denen ich in diesem Song spreche nicht kennst“ so Gales, „dann kennst du den Blues nicht!“
Video Premiere “You Don’t Know The Blues”:
Produziert von Joe Bonamassa und Josh Smith, öffnet sich Eric auf „Crown“ wie nie zuvor und erzählt von seinen Kämpfen mit Drogenmissbrauch, seinen Hoffnungen auf eine neue Ära der Nüchternheit und ungezügelten Kreativität sowie seinen persönlichen Überlegungen zum Thema Rassismus. Fünf Jahre nüchtern, kreativ verjüngt und einfühlsam, sind die Songs auf „Crown“ klar und deutlich und zeigen Erics persönliche Erfahrungen und seine Hoffnung auf positive Veränderungen. Auf diesem Album zeigt sich Eric von seiner verletzlichsten Seite, kompromisslos politisch und unbeirrbar selbstbewusst.
„You Don’t Know The Blues“ folgt auf die Veröffentlichung der erste Single des Albums, dem aalglatten „I Want My Crown (featuring Joe Bonamassa)“. Hier singt Eric mit spielerischer Bravour davon, dass er endlich das bekommt, was ihm zusteht, und gesteht gleichzeitig seine selbstsabotierende Vergangenheit ein. Sauber und konzentriert, mit der Gitarre in der Hand, strebt er nach der Krone und kämpft gegen den kraftstrotzenden Blueskrieger Joe Bonamassa in einem epischen Kampf à la Rocky. Triumphale Bläsersätze treiben die Spannung an, während die beiden ein wahres Feuerwerk des Blues entfesseln, bei dem sich die Passagen jedes einzelnen Spielers anfühlen wie die letzte Explosion eines Silvester-Feuerwerks.
Video “I Want My Crown” feat. Joe Bonamassa:
Seit 1991 hat der in Memphis geborene Gitarrist den Blues mit einer Virtuosität wiederbelebt. Nicht zuletzt wegen seinem rockigen Auftreten wird der Linkshänder als Nachfolger von Jimi Hendrix gepriesen. Er war und ist ein Wunderkind mit grenzenlosem Talent und unbändiger Entschlossenheit und veröffentlichte im Alter von nur 16 Jahren sein Debüt The Eric Gales Band bei Elektra Records. Er wurde von Gitarristen wie Carlos Santana, Dave Navarro, Joe Bonamassa und Mark Tremonti hoch gelobt, und hat sich mit einigen der größten Gitarristen der Welt, wie eben Santana und Bonamassa, aber auch Zakk Wylde und Eric Johnson auf der Bühne gemessen.
Die Geschichte von ‘Crown’ reicht bis in die frühen 1990er Jahre zurück, als Eric und Joe als Teenager beide als Blues-Wunderkinder und Fackelträger gefeiert wurden. Eric ist drei Jahre älter als Joe, und Bonamassa war früher der Support von Gales. Die beiden haben sehr unterschiedliche Lebenswege und Karrieren eingeschlagen, aber Erics volles Potenzial wurde durch seine Drogenprobleme behindert. „Während ich mit meiner Krankheit zu kämpfen hatte, ging es mit Joes Karriere steil bergauf. Ich habe mich durch meine Drogensucht selbst in den Hintergrund gedrängt. Die Welt kennt mich, aber eigentlich kennt sie mich nicht“, sagt er. Im Jahr 2009 erreichte Eric den Tiefpunkt und verbüßte eine Haftstrafe im Shelby County Correction Center wegen Drogen- und Waffenbesitzes. Die beiden trafen sich 2019 wieder, als Joe Eric einlud, mit ihm auf der Bühne bei seiner Blues Cruise zu spielen. Es war das erste Mal seit 25 Jahren, dass die beiden live zusammen auf der Bühne standen, und es wurde seitdem als eines der explosivsten Gitarrenduelle aller Zeiten bezeichnet, das über 3 Millionen Mal auf YouTube angeklickt wurde.
„Wir waren immer brüderlich miteinander verbunden. Als wir wieder zusammenkamen, sagte Joe zu mir: ‚Du bist ein Wahnsinns-Gitarrist, jetzt bist du an der Reihe, deinen Platz am Tisch zu bekommen und deine Krone zu tragen'“, erinnert sich Eric. Kurz nach ihrem kultigen Jam, während der Keeping The Blues Alive Mediterranean Cruise 2019, trat Eric an Joe heran, um ihn zu fragen, ob Joe nicht sein nächstes Album produzieren wolle. „Wir haben geweint, als wir darüber sprachen, und er sagte: ‚Du hast keine Ahnung, wie lange ich auf dich gewartet habe, jetzt werde ich meinen Teil dazu beitragen, dich dahin zu bringen, wo du hingehörst.'“, verrät Gales.
Mit Crown tritt Eric Gales an, um den Titel für sich zu beanspruchen! Die Platte ist eklektisch aber in sich schlüssig. Mit sicherer und authentischer Kunstfertigkeit beschwört Eric Gales die Weite des Blues, des Rock und darüber hinaus.
Die Songs auf ‘Crown’ wurden von Eric, Josh Smith und Joe Bonamassa geschrieben und enthalten zusätzlich Beiträge von LaDonna Gales und bekannten Songwritern wie Tom Hambridge, James House und Keb Mo. Das Album wurde im Sound Emporium Nashville aufgenommen, die Overdubs wurden im Ocean Way Nashville und in den Earthtone Studios in Greensboro, NC, eingespielt.
‘Crown’ wurde nach dem tragischen Tod von George Floyd geschmiedet. Am Tag bevor Eric Greensboro, North Carolina, in Richtung Los Angeles, Kalifornien, verließ, um mit Joe und Josh zu arbeiten, hörte er die Nachricht über den Mord an George Floyd. „Als ich während der Vorproduktion anfing, mit Joe und Josh darüber zu sprechen, kamen rohe und entnervte Emotionen aus mir heraus, und Joe kritzelte Notizen über all das auf. Diese Songs sind aus diesen Gefühlsausbrüchen entstanden. Sie handeln von meinem Leben und dem, was gerade in der Welt passiert. Mit diesem Album teile ich meine privaten Kämpfe und Erfahrungen als Schwarzer Mann mit meinen Hörern. Auf ‘Crown’ lasse ich die Welt wissen, was ich durchgemacht habe”
Die Reise des Albums ‘Crown’ ist aufregend und führt, ähnlich wie Erics Leben, durch Momente des Sieges und der Verletzlichkeit. Auf seinem Weg teilt Eric seine Geschichte und seine Gefühle durch die Bluesmusik. Er sagt: „Wenn ich spiele, ist der Kern immer der Blues, und auf diesem Album gehen wir durch einen Themenpark des Blues und erforschen alle Arten des Blues. Wir besuchen das Karussell, die Autoscooter, die Wasserbahnen, die Imbissbuden, und wir kommen alle mit einem Lächeln heraus.
Aktuell ist Gales zur Zeit in den Vereinigten Staaten auf Tour. Für März 2022 sind u.a. Termine in Hamburg, Berlin, Leipzig, München Stuttgart, Oberhausen, Bensheim und Aschaffenburg geplant.
Beth Hart veröffentlicht neues Album: A Tribute To Led Zeppelin/ VÖ 25. Februar 2022
Die Grammy-nominierte Sängerin Beth Hart wagt sich an eines ihrer bisher tiefgründigsten Projekte, indem sie auf A Tribute To Led Zeppelin die legendäre Stimme von Robert Plant verkörpert. Das Album wird am 25. Februar über Provogue/Mascot Label Group veröffentlicht und ist als CD, LP (schwarzes Vinyl, orangefarbenes transparentes Vinyl und rotgoldenes Splatter-Vinyl) und digital erhältlich.
Höre Dir die erste Auskopplung an… Good Times Bad Times:
Das Album zeigt mit seiner Auswahl von neun Songs das unglaubliche Spektrum, in dem sich Led Zeppelin bewegten, von Powerhouse-Rock über Psychedelic, Folk, Jazz, Progressive Rock, Blues, Funk, Soul und darüber hinaus. Gerüchte über das Album kursierten schon seit ein paar Jahren. Die treibenden Kräfte hinter diesem Projekt waren Produzent Rob Cavallo (Green Day, Linkin Park, My Chemical Romance) und Doug McKean (Goo Goo Dolls, Adam Lambert, Gerard Way).
Cavallo, der selber einige Gitarrenparts einspielte, stellte eine Liste hochkarätiger Musiker zusammen. Dazu gehörten Gitarrist Tim Pierce (Bon Jovi, Bruce Springsteen, Tina Turner), Bassist Chris Chaney (Rob Zombie, Jane’s Addiction, Slash), an den Keyboards Jamie Muhoberac (Bob Dylan, Iggy Pop, Rolling Stones) und die Schlagzeuger Dorian Crozier (Celine Dion, Miley Cyrus, Joe Cocker) und Matt Laug (Alanis Morissette, Alice Cooper). Die orchestralen Arrangements übernahm David Campbell (Muse, Aerosmith, Beyoncé). Alles, was noch fehlte, war das letzte Teil des Puzzles… die Stimme.
‚Die Dinge fügten sich zusammen, als Rob Cavallo Harts vorheriges Album War In My Mind (2019) produzierte und sie während der Session eine improvisierteVersion von „Whole Lotta Love“ im Kontrollraum sang. Später fragte er sie, ob sie eine ganze Platte machen wolle, aber Hart zögerte. Beth sagte: „Ich werde nicht das ganze Album machen. Um Zeppelin zu machen, muss man wütend sein, um die Noten richtig zu treffen. Ich kann das nicht; ich habe jahrelang daran gearbeitet, meine Wut unter Kontrolle zu bringen.“
Sie fährt fort: „Dann kam die Pandemie und alles, was damit zusammenhängt. Und jetzt bin ich stinksauer. Ich rief meinen Manager an und sagte, Rob und Doug sollen mir die ganze Musik schicken, denn jetzt bin ich bereit, die Songs einzusingen.“
Wenn man die Zeit zurück drehen würde, könnte man sagen, dass die Geschichte für ein Led Zeppelin-Album ein wenig weiter zurückliegt; gehen wir also in den Mai 2004, als Hart die Bühne des Paradiso in Amsterdam für eine feurige Performance von „Whole Lotta Love“ betrat. Der Song wurde im Laufe der Jahre zu einem halbwegs regelmäßigen Bestandteil ihrer Setlist, darunter ein denkwürdiger Auftritt mit Slash beim MusiCares Benefit Konzert im Frühjahr 2010.
Als Kind drang der Klang von „Black Dog“ aus dem Nachbarhaus herüber. Ihr Bruder machte sie mit dem Heavy Rock von Zeppelin und Black Sabbath bekannt. Ihr Debüt bei einem Major-Label gab sie 1996 mit dem Album Immortal bei Atlantic. Dasselbe Label welches 1969 Led Zeppelin in die Welt brachte.
Zu Beginn ihrer Karriere empfahl Alan Callan, ehemaliger Vizepräsident des Swan Song-Labels von Led Zeppelin, Beth, Jeff Beck zu kontaktieren, um mit ihr zu arbeiten. Zwischen Hart und Beck hat sich eine wunderbare Freundschaft entwickelt. Beck und Jimmy Page sind ebenfalls befreundet und
waren eine Zeit lang Bandkollegen bei The Yardbirds. Nach Becks Ausscheiden aus der Band wurden sie schließlich zu Led Zeppelin.
Ihr phänomenaler Auftritt bei den Kennedy Centre Honors 2012 für Buddy Guy war ein weiterer besonderer Moment. Sie erhielt stehende Ovationen von Robert Plant, Jimmy Page und John Paul Jones, die im Publikum saßen.
Es ist passend, dass der Song, mit dem alles begann, „Whole Lotta Love“, der Eröffnungssong des Albums ist. Von da an ist es eine ununterbrochene, Reise durch „Kashmir“, eine bezaubernde Version von „Stairway to Heaven“ bis hin zu einem James Brown-esken, funkigen „The Crunge“. Mit „Dancing Days/When The Levee Breaks“ und „No Quarter/Babe I’m Gonna Leave You Now“ gibt es zwei inspirierende Medleys, die nur dem wuchtigen „Black Dog“ unterbrochen werden.
Der vorletzte Song „Good Times Bad Times“ leitet in die orchestrale Ballade „The Rain Song“ über, die das Album abschließt. Über die Musik und das Vermächtnis von Zeppelin sagt Beth: „Es ist so schön gemacht, es ist zeitlos. Diese Musik wird für immer Bestand haben. Manchmal kommen Leute daher, die von einem anderen Planeten sind, und sie schaffen diese Kunstwerke, die für immer bleiben werden.“
Hart gilt als eine der talentiertesten Stimmen ihrer Generation. Sie hat weltweit mehrere ausverkaufte Tourneen absolviert, darunter Auftritte in historischen Veranstaltungsorten wie dem Ryman Auditorium in Nashville und der Royal Albert Hall in London, und füllt den ZiggoDome in Amsterdam mit über 11.000 Fans. Sie stand sechsmal an der Spitze der Billboard Blues Charts, erhielt Doppelplatin und hatte eine Reihe von Top-10-Alben in ganz Europa in den Charts. Ihr letztes Studioalbum „War In My Mind“ von 2019, schaffte es in Deutschland bis auf Platz 6 der Album Charts.
Abschließend hält Beth inne und meint: „Dieses Zeppelin-Album hat es mir ermöglicht, meine ganze Wut herauszulassen, und dafür bin ich wirklich dankbar.“
2022 wird Beth Hart endlich wieder in Deutschland zu sehen sein…
Hier die Termine ihrer ‚Thankful 2022‘ Tournee:
The Wake Woods veröffentlichen mit “Payckeck“ die erste Single und das Video zum neuen Album „Treselectrica“ (VÖ 21.01.2022)
Ein moderner Heavy Blues Stomp, der sich – angetrieben von düsteren Fuzz-Gitarren – als mitreißende und spannungsgeladene Kampfansage unbeugsam nach vorne schiebt. „Take the street, burn the banks, take the cash and give it back“ – “Paycheck“!
Die Berliner Band The Wake Woods zeigt klar ihre Affinität für modernen Heavy Garage Blues im Stil von Jack White, The Dead Weather, Reignwolf oder Rival Sons.
Mit Unterstützung der Background Vocals von Lisa Lystam (SWE) und Katrin Sperling (GER) veröffentlichen The Wake Woods den ersten Vorboten ihres neuen Albums “Treselectrica“, das am 21.01.2022 veröffentlicht wird.
2015 veröffentlichten The Wake Woods ihr gefeiertes Debüt „Get Outta My Way“, es folgten prompt 12 Wochen TOP 25 Rock-DJ-Charts, Support Shows für Deep Purple und Status Quo sowie ein fulminantes Konzert beim 40-jährigen Jubiläum des WDR Rockpalast! Seitdem ist um die Berliner einiges passiert: unzählige Clubshows, ein zweites Album, Besetzungswechsel 2019, weitere Touren u.a. mit Birth Of Joy aus den Niederlanden oder den österreichischen The Weight, Deichbrandfestival 2019, schließlich dann der pandemiebedingte Full Stop – „Denkste“, wie es in Berlin so schön heißt.
Mitnichten hat sich die die Band um das Brüderpaar Ingo und Helge Siara von der notwendigen Zwangspause beeindrucken lassen, ganz im Gegenteil. Mit Neuzugang Sebastian Kuhlmeyan den Drums investierte man als frisch gebackenes Trio im Corona Sommer 2020 alle finanziellen Reserven im Hamburger Cloud Hill Studio für die EP „Remedies“, um anschließend sofort mit dem Songwriting für das neue Album“Treselectrica“ zu beginnen.
Scheinbar locker aus dem Handgelenk schütteln The Wake Woods mit „Treselectrica“ nun einen Bretterknaller aus stampfendem Heavy Blues, Indie und Alternative Rock. Angetrieben von jeder Menge Fuzz-Gitarre schiebt das Trio darauf eine Soundwand vor sich her, die dem einstigen Quartett ein neues und sagenhaft dickes Fundament liefert. Drei. Elektrisch. Aber sowas von. Fans von Band Of Skulls, The Dead Weather oder den Rival Sons können sich freuen. Die Berliner zeigen sich mit „Treselectrica“ angriffslustiger und experimentierfreudiger denn je, stellen jedoch einmal mehr auch ihr Können in Sachen Songwriting unter Beweis.
Debüt Album von The Georgia Thunderbolts „Can We Get A Witness“ seit dem 15.10.2021 veröffentlicht – Finale Single-Auskopplung “Midnight Rider” jetzt online
Nach einem turbulenten Jahr, in dem sie durch die USA tourten und von so unterschiedlichen Medien wie Rolling Stone, American Songwriter, Loudwire und Wide Open Country hochgelobt wurden, haben The Georgia Thunderbolts nun endlich ihr Debütalbum „Can We Get A Witness“ veröffentlicht, das am vergangenen Freitag über Mascot Records/Mascot Label Group erschienen ist. „Wir haben eine Menge Herzblut in dieses Album gesteckt“, so die Band. „Es geht uns darum, eine rohe Rock’n’Roll-Platte zu veröffentlichen, mit der sich jeder auf der Welt identifizieren kann. Wir hoffen, dass es jedem ein Lächeln ins Gesicht zaubert.“
Mit einer feurigen Interpretation des Allman Brothers Klassiker ‘Midnight Rider’ kündigt die Band nun ihr Debütalbum an. Der Song war fester Bestandteil der Tour, die sie gerade mit Black Stone Cherry durch die USA führte.
Link zur finalen Single-Auskopplung “Midnight Rider”:
The Georgia Thunderbolts gehören zu einer neuen Generation des klassischen, von Soul und Blues geprägten Südstaaten-Rocks. Das Magazin American Songwriter bezeichnet die Band als “zeitlos”, das Classic Rock Magazin betitelt sie als “Ihre neue Lieblings-Südstaaten-Rockband” und das Rolling Stone Magazin sieht sie als Beweis dafür, das Southern Rock auch im 21. Jahrhundert Bestand hat. „Wir streben nach diesem zeitlosen und klassischen Sound mit einem modernen Twist und einer neueren Einstellung“, erklärt TJ. „Wir sind alle mit Rockmusik aufgewachsen“, fügt Gitarrist Riley Couzzourt hinzu. „Wenn mir drei Worte einfallen würden, um uns zu beschreiben, dann wären das ‚fleißig, entschlossen und bescheiden‘.“ Schlagzeuger Bristol Perry grinst: „Wenn mir drei Worte einfallen würden, dann wären es ‚Rock And Roll‘.“
Ob am Ufer des Mississippi oder tief im Herzen Deutschlands – Rock’n’Roll lebt, atmet und brennt überall. Die Georgia Thunderbolts stammen aus Rome, GA, am Fuße der Appalachen. Ihr Stil ist durchdrungen von Southern Rock und Blues Rock. Mit einer breiten Palette an Inspirationen, die von Southern Gospel und Hank Williams bis hin zu Merle Haggard, Neil Young, Little Feat, Ozzy Osbourne und Lynyrd Skynyrd reicht, hat sich die Band bei Auftritten mit der Allman Betts Band, Blackberry Smoke, Kentucky Headhunters und Black Stone Cherry einen Namen gemacht. Kurz darauf begaben sie sich in das berühmte Barrick Recording Studio in Glasgow, KY, um mit dem Produzenten Richard Young Aufnahmen zu machen.
Das Ergebnis sind dreizehn Songs mit hymnischen Riffs, wilder Mundharmonika und pulsierendem Schlagzeug. Vom bluesigen „So You Wanna Change The World“ bis zum ersten Song, den sie je geschrieben haben, dem dynamischen „Looking For An Old Friend“, lassen The Georgia Thunderbolts eine neue Ära des Rock ’n‘ Roll aufleben, die von ihrer Geschichte in Rome, einer Stadt mit einer tiefen landwirtschaftlichen Vergangenheit, geprägt ist. Wenn sie also „Spirit of A Workin‘ Man“ singen, solltest du wissen, dass sie es ernst meinen. „Der Song ist eine Art Lektion. Man darf den kleinen Mann nicht unterdrücken“, sagt TJ.
„Das, was wir tun, hat eine Botschaft“, sagt Bristol. „Es ist okay, man selbst zu sein. Wenn du schwere Zeiten durchmachst, wird die Musik immer da sein. Daran möchten wir alle erinnern.“ „Rock’n’Roll ist etwas, das uns in die Wiege gelegt wurde“, schließen Riley, Zach und Logan. „Wir lieben es und sind durch und durch dabei.“ Offizielles Video “Take It Slow”:
Offizielles Video“Can I Get A Witness”:
Offizielles Video “It’s Alright“:
Neues Album„Can We Get A Witness“ vorbestellbar unter:https://smarturl.it/TheGAThunderbolts
The Georgia Thunderbolts sind: Riley Couzzourt [guitar] Zach Everett [bass, harmony vocals, keys] TJ Lyle [vocals] Bristol Perry [drums] Logan Tolbert [guitar]
Die Leadsingle „Full Disclosure“ stürmte mit Schwung die Rockcharts, während bis zum Verkaufsstart über drei Millionen Streams gezählt wurden. Seit dem Erscheinungsdatum ist der Song unter den drei meistgespielten neuen Tracks bei Active Rock Radio in den USA.
Ryan ergänzt: „Es fühlte sich wie eine Befreiung an, über diesen bösen Charakter zu singen, den wir in der Gesellschaft und der Wirtschaft sehen. Wir denken darüber nach, was diese verrückte Sache namens Geld mit uns als Menschen macht. Manchmal belasten uns Aspekte der Gesellschaft so sehr. Wir werden mit Inhalten und Zahlen überflutet. Wir rufen dazu auf, nicht einfach blindlings zu folgen. Warum wachen wir nicht alle auf und die Dinge ändern sich dann vielleicht.“
![LAIBACH - LOVE IS STILL ALIVE-EP VÖ: 20.01.2023 VIA MUTE/[PIAS]](https://www.echte-leute.de/wordpress/wp-content/uploads/2022/10/3b907764-d602-7556-4bd3-d906971b5225-1038x576.jpg)
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