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Loreena McKennitt “UNDER A WINTER’S MOON”

Neues Album – Loreena McKennitt “UNDER A WINTER’S MOON” – eine Sammlung von Musik und Spoken Words am 18.11.2022

Im Dezember 2021 spielte Loreena McKennitt eine Reihe von Konzerten in einem historischen Venue in Stratford, Kanada, die live aufgenommen wurden und nun als das 16. Album „ Under A Winter’s Moon“ auf den Markt kommt.

Die zweifach CD mit einem 6 Seiten Digipak-Buch wird am 18. November 2022 über ihr eigenes Label, Quinlan Road, veröffentlicht. Das Album beinhaltet 15 weihnachtliche Songs, durchzogen mit entsprechend weihnachtlichen Geschichten von den kanadischen Schauspielern /Sängern Tom Jackson und Cedric Smith und dem indigenen Ojibway Künstler und Flötist ,Jeffrey Red George.

Das Album wird gleichfalls digital, gemischt im Dolby Atmos Surround Sound, veröffentlicht.

Gespickt mit saisonalen Favoriten wie “Coventry Carol”, “Good King Wenceslas” und dem “Huron Carol”. Das erste Set beginnt mit der Lesung von Jackson The Sky Woman Story, einer indigenen Geschichte und die zweite Lesung beinhaltet, aufgeteilt in sechs Abschnitte,  A Child’s Christmas in Wales, eine bewegende und nostalgische Prosa des walisischen Poeten Dylan Thomas.

Das ist das allererste Mal, dass Loreena McKennitt “Huron Carol” aufgenommen hat. Ebenfalls bekannt unter  “’Twas in the Moon of Wintertime”, ist der Song das  älteste bekannteste kanadische Weihnachtslied. 1642 geschrieben von Jean de Brébeuf, einem jesuitischen Missionar in Sainte-Marie. Brébeuf’s Lyrics wurden im Original in der Sprache der Huron-Wendat Einwohner geschrieben.

Ausschnitt “Huron Carol” – Video hier zu sehen:

“An einigen Winter Abenden um den 21. Dezember herum, haben meine musikalischen Freunde und ich diese besonderen Konzerte mit der Mischung aus Liedern und Spoken Words gewebt“, schreibt McKennitt in ihren Liner Notes. “…Ich habe versucht, wörtliche Elemente der verschiedenen Kulturen mit Traditionen zu verbinden, um uns inspirieren zu lassen, aber auch die Vergangenheit aufleben zu lassen. Speziell um an die alten Zeiten zu erinnern und die Art der Kommunikation und was es in im Leben bedeutete und noch immer  bedeutet.”

Loreena hat das Album aufgenommen und zu ihrem Gesang noch Harfe, Keyboard und Akkordeon gespielt. Begleitet wurde sie von Caroline Lavelle am CelloGraham Hargrove/ Percussion, Errol Fischer/Geige, Pete Watson/ Gitarre und 12-Saiten Bouzouki, und Cait Watson/ Irische Pfeife. Alle Musiker sind als Backup Vocals ebenfalls zu hören.

Under A Winter’s Moon wurde in der Knox Church in Stratford, Ontario, Kanada aufgenommen, und von dem Multi-Award-Gewinner, Jeff Wolpert gemixt und gemastert im Desert Fish in Toronto.

Mit ihrem eklektischen, keltischen Mix aus Pop, Folk und Weltmusik hat die Kanadierin über 15 Millionen Alben verkauft. Ihre Aufnahmen haben Gold, Platin und Multi-Platin Auszeichnungen gewonnen, sie wurde bereits zweimal für den Grammy nominiert, hat zwei Juno Awards gewonnen und den Billboard International Achievement Award.

Ihre Auftritte haben immer eine ganz besondere Magie und sie hat weltweit in historischen Venues gespielt – in der  Carnegie Hall  bis hin zur berühmten Alhambra in Granada, Spanien und ebenfalls hat sie vor großen Ehrenträgern gespielt, einschließlich der  verstorbenen  Queen Elizabeth II und König  Charles III.

Darüber hinaus engagiert sich Loreena McKennitt in vielen philantrophischen Initiativen:

2004 wurde McKennitt mit dem  Order of Canada ausgezeichnet und 2013 zum Knight of the National Order of Arts and Letters der Republik Frankreich ernannt.

Mehr infos unter:
www.UnderAWintersMoon.com
Website: www.LoreenaReVisited.com
Twitter: @Loreena #LoreenaReVisted
Instagram: @LoreenaMcKennitt #LoreenaReVisited

MOLLLUST veröffentlichen 2. Single „Saturn – Human Clockwork“

MOLLLUST veröffentlichen  2. Single „Saturn – Human Clockwork“ inklusive Lyric Video – neues Album „Mother Universe“ am 25.11.2022

MOLLLUST zelebrieren seit nunmehr elf Jahren ihre charakteristische Mixtur aus klassischer Musik und Metal. Dass diese Mischung ein äußerst hörenswertes und vielschichtiges Klangfeuerwerk ergibt, ist unter Symphonic Metal-Fans längst kein Geheimtipp mehr. Live präsentiert das Ensemble diese in opulenten Kleidern und Gehröcken mit theatralen Elementen und rockt mal kraftvoll und virtuos, mal melodisch und gefühlvoll neben Gitarren und Schlagzeug auch Streichinstrumente und Tasten. Die Musik führte die Band quer durch Europa und auf namenhafte Festivals, wie z. B. auf das Wacken Open Air, das WGT, das Bachfest und das Mera LunaBislang sind zwei Alben (Schuld und In Deep Waters) sowie eine EP (Bach con fuoco) erschienen.

Nunmehr folgt das neuste und monumentalste Werk der Band: Das neue Album „Mother Universe“ erscheint am 25.November 2022. Der geneigte Hörer wird hier auf eine fast 80-minütige Reise durch unser Sonnensystem entführt.

Nach der 1. Single Veröffentlichung „Mars – The game is over“ erscheint nun die 2. Single „Saturn – Human Clockwork“ inklusive Lyric Video, hier zu sehen und zu hören:

Stream/ Download – „Saturn – Human Clockwork“: https://bfan.link/Saturn-HumanClockwork

Video zur 1. Single „Mars – The game is over“, hier zu sehen:

Stream/ Download – „Mars – The game is over“https://bfan.link/mars-the-game-is-over

Jedem Planeten, der Sonne und dem Mond ist jeweils ein Song gewidmet. Thematisch haben diese Bezug zu den Zuständigkeiten der namensgebenden Götter aus dem griechisch-römischen Pantheon, sowie dem aktuellem Zeitgeschehen. So vielschichtig diese Himmelskörper sind, so unterschiedlich sind auch die Songs. Detailverliebt wurden unterschiedliche Klangwelten geschaffen: Mars – The game is over kommt z. B. brachial mit großem Orchesterklang, Blechbläsern, Pauken und epischen Chören daher, Venus – Poems of love mit lieblich verspielten Streicherdialogen und Harfenklängen, während Saturn – Human clockwork roh und geradezu maschinenhaft stampft.

Somit ist die Klangsprache von MOLLLUST auf diesem Album vielfältiger und teils deutlich orchestraler als bei seinen Vorgängern. Von einem Planeten zum anderen reist der Hörer mit den Promenaden, ein sich stetig variierendes Thema, welches Instrumentierung, Stimmung und Klangmaterial der Songs aufgreift – ähnlich wie in den Bildern einer Ausstellung  von Mussorgsky. Gerahmt wird das Album durch eine Ouvertüre und ein Outro, welche die Themen der Songs aufgreifen. So bewegt sich das Gesamtwerk musikalisch zwischen Metalalbum und Programmmusik, denn Klang und Textinhalt sind stets eng verzahnt – man könnte es als Planeten-Zyklus bezeichnen.

Produziert wurde Mother Universe von Joost van den Broek (u.a. Epica, Xandria, Powerwolf) in den Sandlane Recording Facilities in den Niederlanden.

Mehr Infos und Links unter: https://molllust.com/links/

Robert Moss “Desire” 

Der australische Komponist Robert Moss veröffentlicht mit “Desire” das erste Album des interkulturellen Musik Projekts “Desire and Attachment” am 07.10.2022

Robert Moss “Desire” 
Robert Moss “Desire”

“Ex Girlfriend” und nun aktuell nun “Green, Green World“ sind die neuesten Tracks vorab!

“Desire” (VÖ 07.10.2022) ist das erste Album des Projekts “Desire and Attachment” von Robert Moss, Musiker, Musikproduzent und (Film)Komponist. Das zweite Album wird den Titel “Attachment” tragen. Dabei handelt es sich nicht nur um ein musikalisch bahnbrechendes Projekt, sondern es verkörpert auch die Idee eines interkulturellen Musikprojekts.

Es ist ein zweisprachiges Projekt mit einem australischen Komponisten, einem in Wales lebenden Dirigenten, einem tschechischen Orchester, einer in London lebenden chinesischen Sängerin, einem in Peking geborenen Übersetzer mit Wohnsitz in Sydney, einem in Peking geborenen Künstler mit Wohnsitz in Hongkong, einem in Peking geborenen Guzheng (Chinesischer Harfenspieler) mit Sitz in Hongkong und einem deutschen Label. Alle kommen zusammen, um das eine Projekt zu schaffen, das kulturelle Grenzen überschreitet!

Die neue Single von Robert Moss, mit Fifi Rong heißt “Green, Green World“ und erscheint jetzt aktuell am 20.05.2022. Der Track wird nicht nur von der gehauchten und intimen Stimme der chinesisch-britischen Sängerin Fifi Rong und Martyn Ford am Pult des Philharmonischen Orchesters der Stadt Prag begleitet, sondern auch von der wunderbar einfühlsamen, in Indien geborenen britischen Harfenistin Shaila Kanga. Die neueste Single des australischen Komponisten Robert Moss, die für das kommende Album “Desire” veröffentlicht wird, entstand zunächst als Idee für einen Ska/Reggae-Lied, wurde dann aber in Filmmusik umgewandelt, aus der dann diese endgültige Version hervorging. Dieses bahnbrechende neue Projekt bringt eine interkulturelle Kombination aus rauer Orchestermusik und intimem zeitgenössischem Gesang zusammen.

Die Single ist hier zu hörenhttps://frontl.ink/rpjgwqd

“Ex Girlfriend” (VÖ März 2022) ist die letzte Single Veröffentlichung aus dem Projekt und wurde in einer Zeit geschrieben, in der entdeckt wurde, wie man verändernde Beziehungen meistert. Es behandelt die zärtliche Verbindung und Zuneigung, die wir für Ex-Liebhaber empfinden, selbst wenn wir wissen, dass es richtig ist, die Beziehung zu beenden.

Der Text des ersten Verses und des Refrains hat sich seit seiner ursprünglichen Niederschrift nicht verändert. Der Song entstand aus einem Gespräch zwischen Robert mit seinem Freund Joe Coffey über die Schwierigkeiten, Ex-Partner nach dem Ende einer Beziehung wiederzusehen. Es kann sein, dass man selbst schon wieder in einer neuen Beziehung ist, oder der Partner hat bereits eine neue Liebe gefunden. Während dieser Gespräche sagte Joe nonchalant während er an seinem Kaffee nippte: „So etwas wie eine Ex-Freundin gibt es nicht …“

Das blieb Robert seitdem im Gedächtnis und als er das Stück fertigstellte, erkannte er, dass es das war, worum es in dem Song wirklich ging. Dies lieferte die Inspiration für die zweite Strophe und den Titel des Liedes.

“Ex Girlfriend” wurde ursprünglich auf der Gitarre geschrieben, genau wie der Gitarrenpart jetzt in der Endpartitur von Desire and Attachment steht. Besonders authentisch fangen dabei auch die Streicher die gleiche musikalische Essenz ein.

“Ex Girlfriend” kann hier gehört werden:
https://frontl.ink/zp0e4a4

In einer privaten Nachricht an den hochgeschätzten Martyn Ford, der das Philharmonische Orchester der Stadt Prag für die Alben dirigierte, schrieb David Robinson, seit 16 Jahren Senior VP, Business and Legal Affairs bei 20th Century Fox„Das Projekt Desire and Attachment ist außergewöhnlich! Ich habe es mir viele Male angehört und immer etwas Neues und Anregendes gefunden. Es gibt Momente, in denen mich die Virilität der Streicherprogressionen an Jimmy Page erinnert … die Kraft und doch die Klarheit. Ich nehme an, das zeigt die Rock’n’Roll-Wurzeln des Komponisten. Die Sängerin ist so verführerisch; es muss ein sehr ausgeklügelter EQ im Spiel sein, um die totale Klarheit des Gesangs zu ermöglichen, selbst wenn sie fast flüstert, und während die Streicher donnern und treiben. Erstaunlich!“

Bereits veröffentlichte Tracks und Videos gibt es hier zu sehen: http://desireandattachment.com/

Mehr Infos gibt es unter:

Sales and streaming links: https://odesli.co/album/s/2eqoKcR8ysVJykBQrwvBWh
Website: http://desireandattachment.com/

DER FREISCHÜTZ – Textfassung von Kommando Himmelfahrt

DER FREISCHÜTZ - Textfassung von Kommando Himmelfahrt
DER FREISCHÜTZ – Textfassung von Kommando Himmelfahrt

DER FREISCHÜTZ – Romantische Oper in drei Aufzügen von Carl Maria von Weber. Neue Textfassung von Kommando Himmelfahrt

2048. Nach einem Bürgerkrieg liegt Deutschland in Trümmern. Kommando Himmelfahrt verlegt die düstere Geschichte vom braven Jägerburschen Max, der für den einen, entscheidenden Treffer seine Seele verkaufen muss, in eine dystopische Zukunft, in der jede Wissenschaft als Teufelswerk gilt.

Schauspielerin Astrid Meyerfeldt muss als untergetauchte Chemikerin Melisa die Reste der Aufklärung im Alleingang retten.

Dirigent Roberto Rizzi Brignoli legt die entfesselnde Kraft von Webers Musik frei. Ein Zukunftsmärchen aus der Vergangenheit über Wissenstransfer, Aberglaube, Rituale und gesellschaftliche Zwänge.

Premiere am 8. April 2022 um 19.00h Nationaltheater Mannheim

Musikalische Leitung: Roberto Rizzi Brignoli
Regie und Konzept: KOMMANDO HIMMELFAHRT
Bühne: Heike Vollmer, Kostüme: Kathi Maurer,
Licht: Florian Arnholdt
Chorleitung: Dani Juris
Dramaturgie: Patricia Knebel

Mit: Blanz, Kaminskaite/Kessler, Kho, Meyerfeldt, Polanska; Berau, Brunner/Ha, Brunner/Moskalchuk, Diffey/Stoughton, Goltz/Jesatko, Urbanowicz/Goltz; Opernchor; Statisterie; Nationaltheater-Orchester

https://www.nationaltheater-mannheim.de/de/oper/stueck_details.php?SID=4108

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK - EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND

LAIBACH teilen weitere Details zu ihrem jüngsten Album ”Wir sind das Volk (ein Musical aus Deutschland”), das am 25. März bei Mute als Deluxe -CD mit umfangreichen Sleevenotes und digital erscheint – die Doppel-LP erscheint am 10. Juni 2022.

Vorab-Auskopplung “Ich will ein Deutscher sein” hier hören:

Das Album bündelt Musik aus der gefeierten Theaterproduktion „Wir sind das Volk“, die am 8. Februar 2020 im Hebbel am Ufer (HAU) in Berlin uraufgeführt wurde. Zwei weitere Vorstellungen schlossen sich an, bevor die Produktion aufgrund der Pandemie eingestellt wurde. Im Jahr 2021 eröffneten Laibach die Klagenfurter Festspiele mit einer slowenischen Version desselben Stücks und gaben zwei weitere ausverkaufte Vorstellungen im Kino Šiška in Ljubljana.

Im März dieses Jahres werden die Aufführungen im Berliner HAU fortgesetzt, weitere Aufführungen in Zagreb, Ljubljana, Hamburg, Maribor und in der Kulturhauptstadt Europas, Novi Sad, sind bereits bestätigt – Einzelheiten siehe unten.

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK - EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND
LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND

„Wir sind das Volk“ basiert auf Schriften des Dramatikers Heiner Müller (1929-1995). Laibachs Verbindung zu Müller reicht weit zurück: Bereits 1984 komponierten sie für das Slowenische Nationaltheater in Ljubljana Musik zu Müllers zwei Jahre zuvor am Bochumer Schauspielhaus uraufgeführten Stück „Quartett“ nach Pierre-Ambroise-François Choderlos de Laclos Briefroman „Gefährliche Liebschaften“ aus dem Jahr 1782, dem Müller die Anweisung „Zeitraum: Salon vor der Französischen Revolution / Bunker nach dem dritten Weltkrieg“ voranstellte. Klassisches Laibach-Material. Im folgenden Jahr trafen sie Müller in Berlin, der ihnen eine Zusammenarbeit für eine zukünftige Inszenierung vorschlug, die leider nie zustande kam – bis die Leiterin der Internationalen Heiner-Müller-Gesellschaft, Anja Quickert, ein posthumes Projekt auf der Grundlage von Müllers Texten vorschlug.

Laibach erklären: „We followed Heiner Müller’s own strategy of cutting and rearranging the material, taking his texts and putting it into another context, rebooting it with music, in order to drag the audience into it or alienate them from it. Music unlocks the emotions and is therefore a great manipulative tool and a powerful propagandistic weapon. And that’s why a combination of Heiner Müller, who saw theatre as a political institution, and Laibach, can be nothing else but a musical.”

Das Artwork und die Innenhülle des nun vorliegenden Albums zeigen Gemälde des österreichisch-irischen Künstlers Gottfried Helnwein, „Epiphanie 2B: Die Anbetung der Hirten“ (Sammlung der Fine Arts Museums of San Francisco) und „Epiphanie I: Anbetung der Könige“ (Sammlung des Denver Art Museum), aus dessen Epiphanie-Serie, die zu seinen bekanntesten Werken gehören und zwei der zentralen Themen seines Werks reflektieren: Kindheit und Nationalsozialismus.

LAIBACH "Wir sind das Volk" credit: Valter Leban
LAIBACH „Wir sind das Volk“ credit: Valter Leban

Mit „Wir sind das Volk“ zeigen Laibach erneut ihr Gespür, gesellschaftliche Verwerfungen in ihre Kunst zu überführen. Der immer schon mindestens ambivalente – und im Deutschen naturgemäß extrafiese – Begriff „Volk“ hat sich seit den „Wir sind das Volk“-Sprechchören von 1989, als die Berliner Mauer fiel, tiefgreifend verändert und ist in den letzten Jahren in ganz Europa und Amerika zu einem Instrument nationalistischer und rassistischer Ausgrenzung geworden.

Anja Quickert führt aus: „Dieses Projekt bringt endlich zusammen, was schon längst hätte geschehen müssen: Laibach und der deutsche Dramatiker und Dichter Heiner Müller zusammen. Der Mythos der Nation kann nicht begraben werden, solange Gespenster sein Fundament untergraben. Der Dialog mit den Toten darf nicht abgebrochen werden, bis sich zeigt, welcher Teil der Zukunft mit ihnen begraben wurde. Willkommen am Abgrund der Nation!“

Editor’s note:
Laibach formierten sich in der damaligen jugoslawischen Industriestadt Trbovlje. Gegründet in dem Jahr, in dem der Gründervater des Landes, Tito, starb, stieg die Band zu einer der international bekanntesten Bands auf, die aus den ehemals kommunistischen Ländern Ost- und Mitteleuropas hervorgegangen sind, und trat kürzlich als eine der ersten Bands in Nordkorea auf. Im Jahr 2019 veröffentlichten sie eine laibachsche Interpretation von „The Sound of Music“, die während ihrer Reise nach Nordkorea entstand. Im Jahr 2020 feierten sie vihr vierzigstes Jubiläum mit „Laibach Revisited“.

LAIBACH – WIR SIND DAS VOLK PERFORMANCES
25. – 28.03.2022 Berlin (DE), HAU Hebbel am Ufer
02.04.2022 HR-Zagreb, Vatroslav Lisinski Hall
08.04.2022 SI-Ljubljana, Cankarjev Dom
28.04.2022 Hamburg, Kampnagel
23. – 24.06.2022 SI-Maribor (SI)
02.07.2022 RS-Novi

Mehr unter: https://www.laibach.org/future-events/

WIR SIND DAS VOLK (EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND) TRACKLISTING
(STUMM472)

01 – Philoktet
02 – Der Vater
03 – Medea Material
04 – Ich bin der Engel der Verzweiflung
05 – Flieger, grüß mir die Sonne
06 – Ordnung und Disziplin (Müller versus Brecht)
07 – Traumwald
08 – Lessing oder Das Ende der Aufklärung
09 – Im Herbst 197.. starb… (instrumental)
10 – Ich will ein Deutscher sein
11 – Ich war die Wunde

Album-Vorbestellungen:

„Ich will ein Deutscher sein“ auf YouTube:

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND (NACH TEXTEN VON HEINER MÜLLER)
VÖ: 25.03.2022 (MUTE/[PIAS])
VORABSTÜCK “ICH WILL EIN DEUTSCHER SEIN”

www.laibach.org
www.mute.com

Beethoven Orchester Bonn & Dirk Kaftan & Cameron Carpenter – „Beethoven X – The AI Project“

Künstliche Intelligenz vollendet Beethovens zehnte Sinfonie. Deutsche Telekom initiiert Experiment an der Schnittstelle von Musik, Kunst und Technologie. Die Aufnahme des Beethoven Orchesters Bonn unter der Leitung von Dirk Kaftan wird am am 8. Oktober 2021 auf Modern Recordings / BMG veröffentlicht.

Beethoven Orchester Bonn unter der Leitung von Dirk Kaftan mit Cameron Carpenter – „Beethoven X – The AI Project“ (Modern Recordings / BMG / ada / Warner)

Seit Ludwig van Beethoven im Jahr 1827 gestorben ist, trägt die in seinem Todesjahr nur in handschriftlicher Skizzenform verfasste Notation seiner 10. Sinfonie den Beinamen „Die Unvollendete“. Im Kontext zur vorangegangenen 9. Sinfonie, die als Zäsur in der Musikgeschichte gilt, weil Beethoven in ihr zum ersten Mal das Dogma der Instrumental- sinfonie durchbrach und sie mit einem Schlusschoral versah, handelt es sich um eine doppelte Leerstelle. Wie hätte die 10. geklungen? Und hätte Beethoven abermals für eine Zäsur gesorgt?

KI reüssiert als Komponist:

Leicht verzögert durch die Corona-Pandemie erscheint nun – ein Jahr nach dem Beethoven-Jahr 2020 – ein mithilfe von künstlicher Intelligenz (KI) unternommener Versuch, die Kompositionsfragmente in ein ausformuliertes Werk zu übertragen. Federführend bei diesem von der Deutschen Telekom aus Anlass des 250. Geburtstags Ludwig van Beethovens initiierten Experimentes war Dr. Matthias Röder, Leiter des Karajan-Instituts sowie Managing Partner von The Mindshift, einer Institution, die sich dem Ausloten neuer (technischer) Möglichkeiten an der Schnittstelle von Musik, Kunst und Technologie verschrieben hat. Röder: „In den Skizzen zur 10. Sinfonie befasst sich Beethoven mit dem Gedanken der Spiritualität. Er möchte den Choral ‚Herrgott dich loben wir‘ vertonen, und zwar in alten Kirchentonarten. In den Notizen offenbart sich zudem ein sehr nach innen gewandter Komponist, ganz im Gegensatz zur weltumfassenden Sicht, die in der 9. Sinfonie ihren Ausdruck findet. Vielleicht auch, weil er sich mit seinem eigenen Ende konfrontiert sieht, ist er introspektiv. In diesem Sinne ist es sicherlich erlaubt, die 10. Sinfonie als Kehrseite oder Kontrast zur 9. zu begreifen.“ Mit diesem philosophisch-musikwissenschaftlichen Grundverständnis im Kopf versammelte Röder ein kleines Team von Musikinformatikern und Computerwissenschaftlern, von Programmierern und Komponisten um sich und begab sich mit diesen in einen kollaborativen Arbeitsprozess, der zwei Phasen umfasste.

Beethoven X: The AI Project: III Scherzo. Allegro – Trio (Official Video) | Beethoven Orchestra Bonn:

In der ersten Phase wurde die KI gefüttert mit Beethovens kompositorischem Werk sowie zeitgenössischer Musik Dritter und vor allem mit den Notenfolgen, die Beethoven bereits für die 10. notiert hatte. Damit wurde ein differenzierter Erkenntnishorizont geschaffen, der definierte, was für die KI als Allgemeinwissen, als spezifisches Wissen Beethovens und was als noch unbekanntes Zukunftswissen zu begreifen ist.

In der zweiten Phase wurde die KI zur Kreativität aufgefordert. Röder: „Die KI hat all das Wissen, das wir ihr bereitgestellt haben, aufgegriffen und weitergedacht. Über Nacht entstehen dann vielleicht 300 verschiedene Versionen eines Motivs, die alle denselben Anfang haben, sich aber von dort alle ein bisschen anders entwickeln. Aus dieser Vielzahl an Variationen hat der Komponist in unserem Team, Walter Werzowa, dann eine Auswahl getroffen, die KI abermals damit gefüttert und wieder Hunderte von neuen Vorschlägen bekommen. Das ist unendlich faszinierend, denn wenn es algorithmisch sehr gut gemacht wird, dann ist jeder Versuch plausibel.“

Die 10. Sinfonie, genauer, die Sätze 3 und 4, wie sie auf dieser Einspielung durch das Beethoven Orchester Bonn unter der Leitung seines Dirigenten Dirk Kaftan zu hören ist, ist also eine dialogische Zusammenarbeit zwischen Mensch und Maschine, bei der die künstlichen neuronalen Netzwerke der KI zu eigenständiger Kreativität aufgefordert wurden, der Mensch jedoch richtungsentscheidend verantwortlich für die finale Partitur zeichnete. Während die KI kalte, emotionslose, aber gleichwohl musikwissenschaftlich fundierte Midi-Noten lieferte, übertrugen der Komponist Walter Werzowa, die Musiker und ihr Dirigent die errechnete Notation in ein lebendiges Werk. Dabei erlaubte sich das Projektteam eine wichtige, von Beethoven so nicht vorgesehene Intervention, indem im vierten Satz eine Kirchenorgel, gespielt von Cameron Carpenter, zum Einsatz kommt.

Röder: „Das Instrument steht für das Spirituelle. Die Orgel ist gewissermaßen eine Schlussfolgerung aus unserer Interpretation seiner Skizzen.“ So schließt sich – vielleicht – ein Kreis: Die Orgel gilt als die älteste von Menschen erdachte Maschine, und sie kommt in der Regel im spirituellen Raum der Gotteshäuser zum Einsatz. Indem der Orgel eine tragende Rolle zugewiesen wird, besitzt die 10. Sinfonie in ihrer Ausformulierung durch eine von Menschen begleitete KI somit ein Überraschungsmoment, das man von Beethoven vielleicht auch hätte erwarten dürfen, und sie steht zugleich für eine Zukunftsidee, für ein Erneuerungspotenzial einer damals zeitgenössischen und neuen Musik.

Die Aufnahmen der Sätze 3 und 4 sind somit eine Momentaufnahme, die den Stand der Zusammenarbeit zwischen Mensch und Maschine von heute wiedergibt, ohne den Anspruch, eine „echte“ 10. Sinfonie vollendet zu haben, wie sie Beethoven analog aus der kratzenden Feder geflossen wäre. Und sie entstand dennoch im Geiste Beethovens, der künstlerisch keine Grenzen kannte und hier vor allem eines einforderte: „Weiter gehen!“

Die feierliche Uraufführung findet am 9.10.2021 im Telekom-Forum Bonn statt. Karten für die Veranstaltung können voraussichtlich ca. 4 Wochen vor dem geplanten Aufführungstermin an allen bekannten Vorverkaufstellen erworden werden.

Das Album erscheint als CD und Stream/Download (ebenfalls in Dolby Atmos) auf allen digitalen Plattformen und hier vorbestellt werden: https://lnk.to/BeethovenX

Tracklisting: Ludwig van Beethoven X – The AI Project

Ludwig von Beethoven 1770-1827
Symphonie No. 8 in F Dur, Op. 93
1. I. Allegro Vivace E Con Brio 09:21
2. II. Allegretto Scherzando 03:53
3. III. Tempo Di Menuetto 04:30
4. IV. Allegro Vivace 07:06

Ludwig Van Beethoven / Beethoven AI / Walter Werzowa Beethoven – The AI Project
5. III. Scherzo. Allegro – Trio 08:49
6. IV. Rondo 12:39

CRAIG ARMSTRONG – „Nocturnes – Music For 2 Pianos“

CRAIG ARMSTRONG veröffentlicht das sehr persönliche Klavieralbum „Nocturnes – Music For 2 Pianos“ am 03.09.21

CRAIG ARMSTRONG – „Nocturnes – Music For 2 Pianos“ (Modern Recordings / BMG / ada / Warner)

Das Projekt begann 2020 – mit ein paar Tracks, die Craig Armstrong eigentlich nur für sich selbst und als Ablenkung von den Turbulenzen der Welt geschrieben hatte, und die alle nachts in seinem Heimstudio in Glasgow entstanden.

Craig Armstrong | Nocturne 4 (Official Music Video):

Als das Projekt zu einer Platte heranwuchs, merkte Armstrong, dass es ihm eine Atempause und Trost bot; dass die Stimmung der Musik untrennbar mit ihrer Umgebung verbunden war und zugleich das gesamte Werk von zeitloser Tragweite und emotionaler Fülle ist.

„Durch den Lockdown kam ich nie dazu, tagsüber zu schreiben, so dass alle 14 Tracks zwischen 21 Uhr und der Morgendämmerung entstanden sind. Ich folgte diesem Ablauf, und nur meine Tochter war ab und zu wach, um mir etwas Gesellschaft zu leisten. Es herrschte eine wirklich seltsame Atmosphäre während dieses ersten Lockdowns: Wenn ich normalerweise gegen 23 Uhr spazieren gehe, ist es für gewöhnlich sehr ruhig – nun war die Zeit geprägt von vorbeifahrenden Krankenwagen. Zurück in meinem Studio im Keller arbeitete ich die ganze Nacht hindurch, schrieb vier Tracks, ließ sie für eine Weile ruhen, und wenn ich die Arbeit dann wieder aufnahm, wurde mir bewusst, dass es die Musik war, die es mir ermöglichte, alles andere für eine Weile gänzlich zu vergessen. In gewisser Weise habe ich das Album also eher für mich geschrieben – als eine Art Flucht – und je weiter der Prozess fortschritt, desto mehr dachte ich, dass es vielleicht auch anderen Menschen Trost spenden könnte.“

Craig Armstrong | Nocturne 12 (Official Video):

Die Nocturnes sind ein Album der Nacht, aber nicht notwendigerweise für die Nacht; die vierzehn individuellen Kompositionen erforschen die musikalischen und emotionalen Paletten klassischer Formen und erweitern sie.

Das Album widerlegt die Annahme, dass Nocturnes zwangsläufig melancholisch sein müssen. Während einige der Tracks eine wunderschöne Tristesse vermitteln, zeigen andere (wie Track 4), dass eine Nocturne auch erhebend sein und Hoffnung ausdrücken kann.

Craig Armstrong | Nocturne 1 (Official Video):

Armstrong hat die Stücke für zwei Klaviere geschrieben; seine ursprüngliche Idee war, sie von anderen Künstlern aufführen zu lassen – eine Vorstellung, von der er immer noch hofft, dass sie sich erfüllt und das Werk live aufgeführt wird. Wirklich wichtig war ihm, dass einige der Stücke so komponiert sind, dass die Aufmerksamkeit weniger auf der Melodie, sondern vielmehr auf der Struktur und auf Emotionen liegt. Auf diesem Wege konnte er strukturelle Elemente ergründen, die weniger linear und abstrakter waren.

„Nocturnes – Music for 2 Pianos“ ist am 3. September 2021 erschienen und kann hier bestellt werden: craigarmstrong.lnk.to/NocturnesMusicfor2PianosAlbum

Über Craig Armstrong:

Craig Armstrong ist ein in Schottland geborener Komponist, dessen einzigartiger Stil durch seine Orchesterstücke, die Verwendung elektronischer Elemente und vielseitige künstlerische Kollaborationen im Bereich der klassischen Musik und Filmmusik weltweit höchste Anerkennung gefunden hat. Er studierte an der Royal Academy Of Music unter Größen wie Cornelius Cardew, Paul Patterson oder auch Malcolm MacDonald und hat eine Herangehensweise entwickelt, die es ihm ermöglicht, feinste Veränderungen der Atmosphäre und Gefühlsebene hervorzurufen.

Armstrong hat ein überaus beeindruckendes Repertoire sowohl an klassischer als auch populärer Musik aufgebaut und sich dabei verschiedenster Einflüsse aus Klassik, Jazz, Pop und experimenteller Musik bedient. Mit „The Edge Of The Sea” veröffentlichte er sein erstes Album nach Vertragsunterzeichnung beim neu gegründeten Label Modern Recordings (BMG Deutschland). Es ist eine wunderschöne Hommage an die für die Westküste Schottlands typischen gälischen Psalmengesänge und Höhepunkt eines sich über mehrere Jahre erstreckenden kreativen Prozesses. In enger Zusammenarbeit mit dem hebridischen Komponisten Calum Martin und dem innovativen Scottish Ensemble entstanden einzigartige Aufnahmen der traditionell a capella gesungenen gälischen Psalmen.

Die von Armstrong für frühere Recordings gestartete und mittlerweile viele Jahre anhaltende Kollaboration mit Massive Attack auf deren zukunftsweisenden Alben erwies sich als äußerst fruchtbar. Armstrongs erste Soloalben “The Space Between Us” und “As If To Nothing” erschienen sogar auf dem Label von Massive Attack Melankolic (Virgin Records). Es folgten die atemberaubenden und puristischen „Piano Works“ und „Piano Works: The Film“, die 2004 auf Sanctuary veröffentlicht wurden, der Longplayer „Memory Takes My Hand“ mit der Geigerin Clio Gould und dem BBC Symphony Orchestra (2008) – erschienen bei EMI Classics – und das im Zusammenwirken mit Paul Buchanan und Vladislav Delay entstandene Soloalbum „It’s Nearly Tomorrow“ (2014) via BMG Chrysalis. Decca veröffentlichte 2016 mit „The Lost Song’s Of St. Kilda“ unter weltweit stürmischen Beifall ein Sonderprojekt, welches Craigs Originalkompositionen „Stac Lee Dawn“ und „Dusk“ enthielt, die von den wiederentdeckten Original-Klavierwerken St. Kilda inspiriert wurden. Armstrongs jüngstes Soloalbum „Sun On You“ – ein in erneuter Zusammenarbeit mit dem Scottish Ensemble entstandenes Album für Streicher und Klavier – erschien 2018 bei Decca Records.

Unter den zahllosen von ihm komponierten Konzertwerken befinden sich auch jene für das Royal Scottish National Orchestra, das Hebrides Ensemble, Cappella Nova und wie schon erwähnt das Scottish Ensemble. „Visconti“ – ein Auftragswerk der Londoner Sinfonietta und des Barbican – wurde 2002 beim Stockhausen Festival uraufgeführt und ist eine Hommage sowohl an den Filmregisseur Luchino Visconti als auch an den Komponisten Gustav Mahler. Das Violinkonzert „Immer“ für die Violinistin Clio Gould wurde von Virgin Classics aufgenommen und 2008 beim Saint Denis Festival in Paris uraufgeführt. Armstrongs zweiter Kompositionsauftrag der Scottish Opera, „The Lady From The Sea“, feierte seine Premiere 2012 beim Edinburgh International Festival und gewann den Herald Angel Award. Für einen aktuellen Auftrag des Union Chapel’s Organ Reframed Festivals komponierte Armstrong das wunderschöne „Painted In White“ für Orgel und Streicher, das vom London Contemporary Orchestra dargeboten wurde.

Armstrong genießt hohes Ansehen und einen weltweit anerkannten Ruf als Komponist preisgekrönter Filmmusik. So komponierte er Scores sowohl für Hollywood- als auch für Independent-Filme – angefangen bei Peter Mullans Regiedebüt „The Close Trilogy“ bis hin zu den BAFTA-, Ivor Novello- und Golden Globe-prämierten Scores für Baz Lurhmanns „Romeo und Julia“ oder auch „Moulin Rouge“. Viele weitere Filme und Blockbuster haben sich Armstrongs Repertoire bedient – darunter „The Quiet American“, „Orphans“, „Love Actually“, „World Trade Centre“, „Elizabeth: The Golden Age“ und „Far From The Madding Crowd“. Armstrongs Filmmusik für „Ray!“, das unter der Regie von Taylor Hackford entstand, wurde mit einem GRAMMY für die Originalmusik ausgezeichnet.

Die langjährige künstlerische Beziehung Armstrongs sowohl zu Mullan als auch zu Lurhmann setzt sich bis heute erfolgreich fort und führte zu der Kollaboration für Peter Mullans preisgekrönten Film „Neds“ und der für den GRAMMY-nominierten Filmmusik zu „The Great Gatsby“ für Baz Lurhmann. Auch mit Oliver Stone pflegt Armstrong eine langjähriger Zusammenarbeit – angefangen beim bereits erwähnten „World Trade Centre“ bis hin zur jüngsten Arbeit an Stones Bio-Pic „Snowden“.

Im Jahr 2018 fand Armstrongs Arbeit an dem von den Kritikern hochgelobten „Mrs. Lowry and Son“ unter der Regie von Adrian Noble zu einem krönenden Abschluss. Des Weiteren hat Armstrong mit dem Regisseur Giuseppe Capotondi für den Film „The Burnt Orange Heresy“ zusammengearbeitet, der 2020 in die Kinos kam. 2019 gab es eine kreative Wiedervereinigung mit der Regisseurin Thea Sharrock („Me Before You“) und ihren neuen Disney-Spielfilm „The One And Only Ivan“, der im Herbst 2020 veröffentlicht wurde.

Craig Armstrong arbeitet hauptsächlich von seinem Studio in Glasgow aus und ist nach wie vor für Projekte in der ganzen Welt als Komponist tätig. Im Jahr 2010 nahm er im Palace of Holyroodhouse den Ritterorden OBE („The Most Excellent Order of the British Empire“) für seinen herausragenden Beitrag zur Musik entgegen. 2016 erhielt er von der American Society of Composers Authors and Publishers (ASCAP) den Henry Mancini Award.

Weitere Informationen unter:
craigarmstrong.com
www.facebook.com/craigarmstrongofficial
twitter.com/CArmstrongUK
www.instagram.com/craigarmstrongofficial/
www.youtube.com/c/CraigArmstrongOfficial/
de.wikipedia.org/wiki/Craig_Armstrong

Photocredit: Simon Murphy

Miriam Hanika veröffentlicht Album „Louise“

„Louise“, nach „Wanderlust“ das zweite Album der Multiinstrumentalistin Miriam Hanika, erscheint nun endlich am 07. Mai 2021 und ist weit mehr als die bloße Weiterentwicklung eines musikalischen Konzepts. Es ist die unbändige Suche nach Freiheit, Geborgenheit und Selbstbestimmtheit einer jungen Künstlerin in der Musik.

Acht deutschsprachige Lieder und zwei Instrumentalstücke, abwechslungsreich und kunstvoll arrangiert, nehmen den Zuhörer mit auf eine faszinierend einzigartige Reise. Wie auch bei Miriam Hanikas erstem Album „Wanderlust“, hat die Oboe wieder einen festen Platz in ihren Liedern. Die studierte Oboistin greift schon seit einiger Zeit auch auf das Englisch Horn zurück, die große Schwester der Oboe, und verzaubert mit ihrem samtig weichen Klang ihr Publikum. Kein Wunder also, dass sie diesem Instrument zwei Solostücke gewidmet hat.

Wenn man schon bei ihrer ersten Veröffentlichung vermutet hatte, dass an Miriam Hanika eigentlich eine wahre Poetin verloren gegangen ist, dann bestätigt „Louise“ diese Annahme: Die Musikerin findet wieder einmal tiefe Worte für jede Situation und befördert sich mit Liedern wie „Etiketten“ oder „Louise“ fraglos an die Spitze deutscher Liedtexterinnen.

Die deutsche Sprache, als sperrig verkannt, wird in Miriam Hanikas Händen zu Musik. Die Themen, die Miriam Hanika verarbeitet sind nah am Zeitgeschehen. Besonders die Frage nach der Identität als Frau in einer immer noch männlich geprägten Welt, hat Miriam Hanika in ihren neuen Liedern verarbeitet – ein aktuelles Thema, welches viele Künstlerinnen seit jeher beschäftigt.

Miriam Hanika schlägt wie auch bei „Wanderlust“ eine Brücke zwischen Selbstreflexion und der Außenwelt. Wer sich darauf einlässt ihr über diese Brücke zu folgen, wird einen Ort finden, der gegensätzlicher kaum sein könnte: Voller Fragen, voller Ruhe, voller Ehrlichkeit und Schönheit – dem Zerbrechen nahe und voller Lebendigkeit

Video zur 2. Single „Schwalben“, hier zu sehen:

Ein Lied gegen das Vergessen: Miriam Hanika und Konstantin Wecker singen in „Schwalben“ für das Erinnern unserer Geschichte und für den Erhalt des Friedens.

Offizielles Video zu „Louise“, hier zu sehen:

Das Video zur Single wurde in der ehemaligen Arzberger Porzellan-Fabrik gedreht. Es gibt wohl kaum einen Ort, der Schönheit, Ästhetik, Langlebigkeit und Zerbrechlichkeit so gut vereinen könnte, wie diese alte Fabrik. Licht durchflutet die Mauern, die sich die Natur langsam zurückholt. Efeu rankt sich zwischen filigranen Porzellantässchen und Maschinenhallen, wo die Tänzerin Anna Martens und Miriam Hanika gemeinsam ein Stück alltägliche Frauengeschichte schreiben.

Miriam Hanika veröffentlicht ihr neues Album „Louise“ am 07. Mai!

Mehr Infos unter:
www.miriamhanika.de
www.facebook.com/miriamhanika
www.instagram.com/miriamhanika

Schwarzwald Musikfestival 2021 – Sonderkonzert im Livestream am 7. Mai 2021

Verschiebung des Schwarzwald Musikfestivals 2021 von Mai auf Oktober

eigen.sinnig.welt.bewegend.

Aufgrund der aktuellen Entwicklungen hinsichtlich der Corona-Pandemie haben die Gesellschafter und die Verwaltungsräte schweren Herzens eine Verschiebung des Schwarzwald Musikfestivals 2021 auf den Herbst beschlossen. Dieses wird nun vom 15. bis 31. Oktober 2021 stattfinden. Wir freuen uns, die geplanten Konzerte mit nahezu demselben Programm präsentieren zu können. Die konkrete Terminierung der neuen Konzerttermine ist in Arbeit und wird nach Festlegung veröffentlicht. Alle bisher gekauften Eintrittskarten für das Schwarzwald Musikfestival behalten währenddessen ihre Gültigkeit. Nach Bekanntgabe der neuen Veranstaltungstermine haben Sie bei Erstattungswunsch 6 Wochen die Möglichkeit, Ihre Tickets an das Festivalbüro postalisch zurückzusenden. Sie erhalten daraufhin Ihren Kaufpreis zurücküberwiesen.

Neu in diesem Jahr ist ein einmaliges Sonderkonzert im Livestream mit dem Starpianisten Alexej Gorlatch, das zum ursprünglich geplanten Festivalstart am Freitag, den 7. Mai 2021 um 19.30 Uhr stattfindet. Sein Programm „Beethoven meets Chopin“ präsentiert unter anderem Beethovens „Sturm-Sonate“ und eine Werk-Auswahl von Chopin. Moderiert wird der Livestream vom Intendanten des Schwarzwald Musikfestivals persönlich – Mark Mast.

Alle Konzertbesucher, die bereits ein Ticket für das Festival 2020/2021 erworben haben, erhalten einen kostenlosen Zugang zu diesem Livestream und werden separat darüber informiert.

Weitere Kauftickets für das Sonderkonzert im Livestream sind erhältlich unter: https://www.reservix.de/veranstaltungskalender?q=Schwarzwald+Musikfestival+Livestream

Wir freuen uns auf exzellente Musikerlebnisse mit Ihnen! Ihr Mark Mast und das Team des Schwarzwald Musikfestivals.

Mehr Infos unter:
www.schwarzwald-musikfestival.de
https://www.facebook.com/Schwarzwald-Musikfestival-106008146150491/?ref=ts

HÄNDEL / MORPHINE von Burak Özdemir

HÄNDEL / MORPHINE von Burak Özdemir

Nach seinen Händel-Produktionen SAMPLING BAROQUE (Händel Festspiele Halle) und STILL SEMELE (Kölner Philharmonie) entwickelt Burak Özdemir mit HÄNDEL MORPHINE ein neues Werk, welches ausschließlich auf den Opern von Georg Friedrich Händel basiert.

HÄNDEL / MORPHINE von Burak Özdemir
HÄNDEL / MORPHINE von Burak Özdemir

„Händels Arien gelten als die zeitlosesten Songs der europäischen Musikkultur. Drei Jahrhunderte später spricht diese Musik immer noch unsere Seele und unsere tiefsten Gefühle an, völlig Zeit unverhaftet“ sagt Özdemir. HÄNDEL MORPHINE ist eine Auswahl von zwölf meditativen Opernarien in einer Fassung für Sopran, Solofagott und Barockensemble von Burak Özdemir.

Das Pasticcio war im 18. Jahrhundert eine gängige Praxis, da es in der Barockzeit kein Urheberrecht gab. Komponisten verwendeten vorhandene Musikstücke für eine neue Oper oder stellten sie zusammen, um ein neues Werk zu erstellen.

Händel schuf mehrere Pasticci. Zusammenstellungen wurden nach Händels Tod negativ bewertet, aber heute werden sie sehr geschätzt.

Für sein Projekt HÄNDEL MORPHINE schuf Özdemir ein einzigartiges Pasticcio und komponierte eigene Interludien, um diese Songs miteinander zu verbinden. Die Atmosphäre des Albums schafft einen subtilen und spirituellen Zustand der Schwerelosigkeit und des Gleichgewicht.

Özdemir möchte den Hörer durch hochkonzentriertes Zuhören in utopische Fantasielandschaften entführen, in die Verletzlichkeit und Schönheit des Tagträumens.

Album Hören

Özdemir erklärt den kreativen Prozess mit eigenen Worten: „Die Pandemie hat die Rotation der Welt gestoppt. Die Menschheit ist einer ernsthaften Prüfung unterzogen. Musik war schon immer der Begleiter, die in dunklen Tunneln unseren Weg beleuchtet hat. MORPHINE war eine schmerzhafte Geburt für mich.

Ich hatte Sorgen, es in so schwierigen Zeiten zu veröffentlichen. Aber mir wurde klar, wie gut mir dieses Album tut, als ich es von Anfang bis Ende anhörte. Es hat mir neue Energie gegeben. Genau deshalb habe ich beschlossen, nicht mehr zu warten. Ich möchte, dass diese Musik die Menschen tröstet, besonders in diesen herausfordernden Zeiten.“

Der deutsche Aufnahmeproduzent Christian Jaeger und Burak Özdemir haben bereits gemeinsam mehrere Alben von Musica Sequenza produziert, darunter den Bestseller BACH: THE SILENT CANTATA und RAMEAU A LA TURQUE sowie SAMPLING BAROQUE / HÄNDEL. Die Berliner Sopranistin Margret Bahr des Albums war auch Solistin in Özdemirs interdisziplinärer Bach-Produktion ATLAS PASSION.

Das Cover, Artwork und Videomaterial wird vom niederländischen Designer Daniel Mulder gestaltet. Das Studio Daniel Mulder hat auch bei den früheren Projekten von Musica Sequenza wie HERMES, DEVAS und OPIUM als Art Director gearbeitet.

Making of Video

„Händel sollte heute von Künstlern als Vorbild genommen werden, insbesondere wenn sie Angst haben größere Produktionen zu schaffen. Händel hat für seine Opern intensive Arbeit geleistet. Er ging Risiken ein. Es gab Zeiten, in denen sehr gut er verdiente, in anderen Zeiten machte er große Verluste.

Aber er folgte immer seiner Vision, blieb sich treu und hat ein immenses, wegweisendes Werk hinterlassen. MORPHINE ist dritte Produktion von Musica Sequenza mit Musik von Händel. Alle drei Projekte basieren auf Händels Opern. Dafür gibt es zwei eindeutige Gründe: Farbe und Drama. Ich bin persönlich ein großer Fan von Händels Instrumentierungskunst, durch die er eine ungehörte Farbigkeit entwickelte. Er hatte keinen Zugang zu der digitalen Technologie, mit der ich heute meine neuen Sounds kreiere, aber er hat sein Orchester definitiv an seine Grenzen gebracht.

Was das Drama betrifft, sind Charaktere im Allgemeinen musikalisch nie einfach zu schaffen. Jeder benötigt einen eigenen Ton, um dem Publikum zu helfen, die Erzählung auf der Bühne zu verfolgen.

Jeder Oper Händels ist eine einzigartige Schreibweise und ein eigener Stil zu eigen.  Dadurch ist jede und jeder Charakter unglaublich einzigartig. Dies half nicht nur, dass die dramatischen Effekte enorm waren, sondern auch, dass die Charaktere definiert und sehr lebendig wurden. Ich bin in diesem Aspekt in seine Fußstapfen getreten, als ich nach neuen Affekten gesucht habe. Es gibt immer etwas Neues und Inspirierendes zu entdecken, wenn wir in einer Händel-Partitur blättern.“ erklärt Özdemir.

HÄNDEL / MORPHINE ALBUM TRACKLIST
1. Symphony by Burak Özdemir
2. O thou bright sun
3. With darkness deep as is my woe
4. Non chiedo oh miei tormenti
5. Interlude I by Burak Özdemir
6. Ma quai note di mesti lamenti
7. Interlude II by Burak Özdemir
8. Stille amare
9. Senti bell idol mio
10. Son nata a lagrimar
11. Guardian angels oh protect me
12. Ombra cara
13. Voi che udite il mio lamento
14. Addio mio caro bene
15. Interlude III by Burak Özdemir
16. Bonus: Haec est Regina virginum

HÄNDEL MORPHINE

  • Burak Özdemir . Concept & Artistic Director
  • Margret Bahr . Soprano
  • Tim Willis . Baroque Violin
  • Miako Klein . Baroque Violin
  • Chang Yoo . Baroque Viola
  • Linda Mantcheva . Baroque Cello
  • Mirjam Wittulski . Baroque Contrabass
  • Cengiz Özdemir . Organ
  • Charlie Zhang . Theorbo
  • Carlo Grippa . Sound

Webseite: https://musicasequenza.com/projects/morphine

THE STRING THEORY – “The Los Angeles Suite”

THE STRING THEORY mit dem Album “The Los Angeles Suite” jetzt endlich auch auf CD und Vinyl | CD/LP: 25.09.

THE STRING THEORY – “The Los Angeles Suite” (Project C / Clouds Hill / ADA / Warner)

Das Corona-Jahr 2020 hat so manches Veröffentlichungstiming beeinflusst. Aber nunmehr kann das Grammy-nominierte Künstlerkollektiv THE STRING THEORY ihr neues Studioalbum “The Los Angeles Suite” endlich auch auf CD und dem immer beliebter werdenden Format Vinyl präsentieren.

Nachdem “The Los Angeles Suite” bereits am 04.09.20 vom Label Project C/Clouds Hill weltweit als digitale Konfiguration veröffentlicht wurde, folgt jetzt endlich die ersehnte physische Ware.

Das 2007 in Berlin gegründete Künstlerkollektiv THE STRING THEORY bewegt sich in den Grenzbereichen von Komposition, Improvisation und sozialem Event und ist musikalisch irgendwo zwischen Singer/Songwriter-Pop, Indie-Alternative, Electronica und Neoklassik angesiedelt.

Nach fünf Tourneen in Europa und Nordamerika, fünf Alben und einer Grammy-Nominierung 2020 hat sich THE STRING THEORY mit ihrer eigenwilligen Mischung aus klassischem Klangkörper und elektronischen Sounds nicht nur als innovatives eigenständiges Orchester, sondern auch als künstlerischer Partner für internationale Stars wie José González, Wildbirds & Peacedrums, Robot Koch und Anna von Hausswolff etabliert.

Der nachstehende Clip läßt die Kernmitglieder des Kollektives, die sich auch gerne als “Band” bezeichnen, auf ihre natürliche und authentische Weise selbst zu Wort kommen. Ebenso zu sehen: der international erfolgreiche Singer/Songwriter José Gonzáles.

The String Theory – Dive Into The Unknown:

The String Theory – Hollywood Calling feat. Addie Hamilton (Official Music Video):

The String Theory – California Lover feat. Shana Halligan (Official Music Video):

Weitere Infos unter
Web: wearethestringtheory.org
Facebook: www.facebook.com/wearethestringtheory
Instragramm: www.instagram.com/wearethestringtheory/
Youtube: www.youtube.com/user/TGST2010

Photocredit: Ashley MacPhee

Queenz of Piano - “Queenz of Piano“ (Edel Kultur/Edel)

Queenz of Piano – “Queenz of Piano“

Queenz of Piano ist der Name eines Duos, bestehend aus den Pianistinnen Jennifer Rüth und Ming, welches am Freitag sein selbstbetiteltes Debütalbum via Edel Kultur veröffentlicht hat.

Queenz of Piano - “Queenz of Piano“ (Edel Kultur/Edel)
Queenz of Piano – “Queenz of Piano“ (Edel Kultur/Edel)

Soundtechnisch in Szene gesetzt wurde es von keinem Geringeren als Mousse T., der in der Vergangenheit bereits mit Acts wie Tom Jones, Emma Lanford, Roachford, Yvonne Catterfeld oder den No Angels zusammengearbeitet hat.

Auf “Queenz of Piano“ gehen Elemente aus Klassik und Pop eine perfekt gelungene Symbiose ein, wobei die Musik stets durch das virtuose Klavierspiel des Duos geprägt wird.

Mal treffen in einem Stück die Klänge von Beethovens “Ode An Die Freude“ auf den Feel Good-Song “Happy“ (Pharrell Williams), mal werden Coverversionen von “Smells Like Teen Spirit“ (Nirvana) oder “Viva La Vida“ (Coldplay) dargeboten, mal verschmelzen der AC/DC-Klassiker “Thunderstruck“ und die “Toccata in D minor“ von Johann Sebastian Bach zu einem homogenen Ganzen.

Hier der Videoclip zu “Ode To Joy / Happy (Beethoven meets Pharrell Williams)“:

Und hier das Nirvana Cover „Smells Like Teen Spirit“:

Tracklist:
1. Ed Sheeran: Shape of You
2. Nirvana: Smells Like Teen Spirit
3. Jennifer Rüth: December Song
4. Beethoven: Ode to Joy / Happy
5. Jennifer Rüth: Two Roads
6. AC/DC / J.S. Bach: Thunderstruck / Toccata in D minor
7. Jennifer Rüth: On the Fly
8. Coldplay: Viva La Vida
9. Ming: Reminiscence
10. Survivor / Chopin Eye of the Tiger / Revolutionary Etude
11. Ramin Djawadi: Game of Thrones
12. Chopin / Sting: Nocturne C-sharp minor / Shape of My Heart

Website: https://www.queenz-of-piano.de/

Facebook-Auftritt: https://www.facebook.com/queenzofpiano/

Queenz of Piano – “Queenz of Piano“ (Edel Kultur/Edel)

Anna Depenbusch – “Echtzeit“ (Liedland/Indigo)

Anna Depenbusch – “Echtzeit“

Changierend zwischen Chanson, Klassik und Pop sind die Stücke des neuen Albums von Anna Depenbusch, das seit Freitag im Handel erhältlich ist.

Anna Depenbusch – “Echtzeit“ (Liedland/Indigo)
Anna Depenbusch – “Echtzeit“ (Liedland/Indigo)

Die 42-jährige Künstlerin, welche in der Vergangenheit sowohl mit dem Fred Jay-Preis als auch mit dem Deutschen Chanson-Preis ausgezeichnet wurde, hat ihr brandneues Werk “Echtzeit“ genannt. Da passt der Titel wunderbar, denn das Album entstand im Januar als analoger Vinyl-Direktmitschnitt in den Emil Berliner Studios, also sozusagen in “Echtzeit“.

11 Kleinode werden auf dem Nachfolger des 2017er-Albums “Das Alphabet der Anna Depenbusch“ offeriert, darunter Perlen wie “Tim 2.0“, eine Nummer, welche ihren Klassiker “Tim Liebt Tina“ in die Jetztzeit transformiert, das melodiöse Liebeslied “Bin Dabei“ oder “5 Meter“, ein von Sehnsucht durchzogener Song.

Als Ergänzung werden mit “Hilbert“ und “Schlaflied Für Pauli“ auch noch zwei Instrumentals dargeboten.

Eine zwischen Melancholie und Optimismus oszillierende Grundstimmung sowie eine karge Instrumentierung mit Pianoklängen sind es dabei, welche die liebevoll in Szene gesetzten Albumtracks auszeichnen.

Wer zur Bonus-Edition greift, darf sich übrigens über eine zusätzliche zweite CD freuen, und zwar unter dem Titel “Wo die Geschichten herkommen – Echtzeit-Demos“.

Hier das Video zu “5 Meter“:

Tourdaten:
12.03.20 Fulda · Orangerie
13.03.20 Ravensburg · Konzerthaus
14.03.20 Karlsruhe · Tollhaus
20.03.20 Halle · Händel Halle
21.03.20 München · Prinzregententheater
22.03.20 Freiburg · Jazzhaus
24.03.20 Ludwigsburg · Scala
25.03.20 Essen · Lichtburg
26.03.20 Oldenburg · Kulturetage (Zusatzshow)
27.03.20 Oldenburg · Kulturetage
28.03.20 Wolfsburg · Hallenbad (Ausverkauft)
02.04.20 Hannover · Pavillon
03.04.20 Berlin · Admiralspalast
04.04.20 Jena · Volkshaus
05.04.20 Augsburg · Parktheater
06.04.20 Reutlingen · franz.K
07.04.20 Darmstadt · Staatstheater
24.04.20 Hamburg · Laeiszhalle
25.04.20 Lübeck · Kulturwerft Gollan
21.06.20 Kiel · Krusenkoppel
10.07.20 Sylt Rantum · Meerkabarett
11.09.20 Dresden · Konzertplatz Weisser Hirsch

Website: http://www.annadepenbusch.de/

Facebook-Auftritt: https://www.facebook.com/annadepenbusch/

Anna Depenbusch – “Echtzeit“ (Liedland/Indigo)

Andrea Bocelli – „Sì Forever“ – Diamond Edition

Andrea Bocelli präsentiert die Diamond Edition seines Albums „Sì Forever“ mit dabei sind u.a. Ellie Goulding, Jennifer Garner und viele mehr, Album-VÖ: 08.11.19

Andrea Bocelli – „Sì Forever“ – Diamond Edition (Decca Records / Universal Music)

Nach weltweit mehr als einer Million Verkäufen seines Albums „Sì“ meldet sich der Operntenor und Golden-Globe-Gewinner Andrea Bocelli mit einer erweiterten Special Edition zurück. Sie erscheint am 8. November 2019 bei Decca/Sugar und enthält neue Stücke, die mit bekannten Popkünstlern und berühmten Freunden des Sängers aufgenommen wurden.

Das erste der neu eingespielten Duette erschien am 3. Oktober 2019 und präsentiert die mit Brit Award und Grammy-Nominierung ausgezeichnete britische Sängerin und Songschreiberin Ellie Goulding. Über die Zusammenarbeit bei dem emotionalen Stück „Return to love“ sagt Bocelli: »Ellie Goulding ist die perfekte Sängerin für diesen Song. Sie hat eine wunderschöne Stimme, die mir auf Anhieb gefiel.«

Hier gibt es das Video zur aktuellen Single „Return To Love“ zusammen mit Ellie Goulding:

Von Bocellis Einladung, gemeinsam zu singen, war Ellie Goulding begeistert: »Dass der legendäre Andrea Bocelli diesen Song mit mir machen wollte, war eine große Ehre für mich. Ich hatte schon immer eine enge Beziehung zur klassischen Musik, und wer könnte schon einem Liebeslied widerstehen? Außerdem hat es Spaß gemacht, auf Italienisch zu singen, und war auch lehrreich. Die Aufnahme war eine echte Freude.«

Neu ist auch ein Stück mit Bocellis guter Freundin, der Hollywood-Schauspielerin Jennifer Garner, die mit ihm „Dormi Dormi Lullaby“ singt. Das durch den Choral „Jesus bleibet meine Freude“ aus J. S. Bachs Kantate BWV 147 inspirierte Lied wird auf Italienisch und Englisch gesungen. Die sanften Schwingungen und Harmonien eröffnen dem ursprünglich geistlichen Werk einen weiteren Horizont. Dies ist die erste Musik-Veröffentlichung der Golden-Globe-Preisträgerin, die für ihre Rollen in 30 über Nacht, Alias – Die Agentin und Daredevil bekannt ist.

Die beiden neuen Duette ergänzen die Starbesetzung des ursprünglichen Albums: Neben Ed Sheeran, Dua Lipa und Josh Groban ist darauf Bocellis Sohn Matteo Bocelli zu hören, dessen Duett „Fall On Me“ ein Hit wurde. Das dazugehörige Musikvideo brachte es in nur vier Wochen auf 20 Millionen Abrufe.

Darüber hinaus gibt es drei neue Solostücke von Bocelli. Das erste, „Alla Goia“, wurde anlässlich Ludwig van Beethovens 250. Geburtstag aufgenommen, der 2020 weltweit gefeiert wird. Auf eine neue Aufnahme von „Ragazzo Mio“ das auf dem irischen Volkslied „Danny Boy“ basiert, folgt „Il mare calmo della sera“. Es wurde von Zucchero Fornaciari, Giampiero Felisatti und Gloria Nuti 1994 eigens für Bocelli komponiert und erscheint nun in der vorliegenden Version zum 25-jährigen Jubiläum von Bocellis Erfolg mit diesem Lied beim Festival in Sanremo. Das Lied wurde als Bocellis erste Studio-Single und später auf seinem gleichnamigen Debütalbum veröffentlicht.

Andrea Bocelli ist ein musikalisches Naturtalent und mittlerweile einer der berühmtesten und angesehensten Sänger der Welt. Er tritt bei großen internationalen Veranstaltungen wie den Olympischen Spielen und der Fußball-Weltmeisterschaft auf, und auch seine eigenen Stadionkonzerte sind immer ausverkauft. Zu seinen Auszeichnungen gehören ein Golden Globe, sieben Classical BRITs, sieben World Music Awards und ein Stern auf dem Hollywood Walk of Fame. Seine Stimme zieht Millionen in ihren Bann. In seiner Musik hat er mit vielen hochkarätigen Popstars zusammengearbeitet, darunter Ariana Grande, Nicole Scherzinger, Jennifer Lopez, LeAnn Rimes, Christina Aguilera, Céline Dion, Tony Bennett.

Facebook: www.facebook.com/andreabocelli
Instagram: www.instagram.com/andreabocelliofficial/
Website: www.andreabocelli.com

Jay Alexander - “Serienhits“ (Panorama/Universal Music)

Jay Alexander – “Serienhits“

Jochen Alexander Pfitzenmeier alias Jay Alexander ist ein Tenor, der einigen von euch vielleicht als eine Hälfte des überaus erfolgreichen Klassik Pop-Duos Marshall & Alexander bekannt sein dürfte.

Jay Alexander - “Serienhits“ (Panorama/Universal Music)
Jay Alexander – “Serienhits“ (Panorama/Universal Music)

Nun hat der 47-jährige Künstler mit “Serienhits“ ein neues Soloalbum am Start, auf dem er vielen Titelmelodien und Filmmusiken von populären deutschen Kultserien neues Leben einhaucht.

Die Texte zu den bisher nur als Instrumentals bekannten Titeln wurden dabei von keiner Geringeren als der ehemaligen Quarks-Sängerin und Songwriterin Jovanka von Wilsdorf beigesteuert, die auch durch ihre Zusammenarbeit mit Leuten wie Johannes Oerding, Annette Humpe, Tim Bendzko oder Zwei Von Millionen bekannt ist.

Auf “Serienhits“ wartet Jay Alexander unter anderem mit Neuinterpretationen der Titelmelodien von “Derrick“ (“Mitten Im Leben Sein“), “Diese Drombuschs“ (“So, Wie Du Bist“), “Der Landarzt“ (“Zurück Daheim“), “Freunde Fürs Leben“ („You Never Walk Alone“), “Die Schwarzwaldklinik“ (“An Deiner Seite“) oder “Traumschiff“ (“Noch Einmal“) auf.

Elemente aus Klassik, Pop und Filmmusik gehen auf dem Album, in dessen Credits auch der Kammerchor der Chorgemeinschaft Kai Müller, Werner Neumann, Rene Möckel sowie die Vogtland Philharmonie & Stefan Fraas auftauchen, eine perfekte Symbiose ein.

Man muss kein Hellseher sein, um vorherzusagen, dass Jay Alexander auch mit seinem neuen Solo-Werk “Serienhits“ – wie bereits mit den Vorgängern “Geh‘ Aus, Mein Herz“ (2015) und “Schön Ist Die Welt“ (2017) die Klassik-Charts stürmen dürfte.

Jay Alexander live:
15.05. – Ravensburg, Konzerthaus Ravensburg
16.05. – Bad Orb, Konzerthalle Bad Orb – Theatersaal
17.05. – Riesa, Stadthalle “Stern”
18.05. – Leonberg, Stadthalle Leonberg
19.05. – Rastatt, BadnerHalle
21.05. – Rheine, Stadthalle Rheine
22.05. – Gotha, Kulturhaus
25.05. – Gießen, Kongresshalle
26.05. – Gifhorn, Stadthalle – Theatersaal

Website: https://www.jayalexander.de/

Facebook-Auftritt: https://de-de.facebook.com/jay.alexander.tenor/

Jay Alexander – “Serienhits“ (Panorama/Universal Music)

Lang Lang – „Piano Book“

Lang Lang veröffentlicht sein neues Album „Piano Book“, Album-VÖ: 29.03.19

»Piano Book handelt von meiner ersten Liebe – der Liebe zur Musik. Die Stücke auf diesem Album sind der Grund, warum ich überhaupt Pianist werden wollte.« – LANG LANG

Lang Lang – „Piano Book“ (Deutsche Grammophon / Universal Music)

Einer der größten internationalen Klassikstars, Lang Lang, kehrt zurück mit seinem brandneuen Soloalbum »Piano Book« (Album-VÖ:29.03.19). Es ist eine äußerst persönliche Sammlung von Stücken; es sind Werke, die ihn dazu anregten, überhaupt Klavier zu spielen und die ihn auf seinen Weg zur Weltkarriere führten. »Piano Book«, sein erstes Studioalbum seit drei Jahren, markiert Lang Langs Rückkehr zur Universal Music Group und zu Deutsche Grammophon – dem Label, bei dem er 2003 erstmals einen Vertrag unterzeichnete.

Lang Lang (Yann Tiersen) „La Valse d’Amélie“:

Lang Lang sagt: »Ich möchte alle Musikliebhaber auf eine Reise mitnehmen – durch die Welt meiner Lieblingsstücke für Klavier. Und ich möchte Klavierschüler inspirieren, sie ermutigen zum täglichen konzentrierten Spiel, ein Verständnis schaffen für das, was diese Stücke sind: echte Meisterwerke!«

Lang Lang (Beethoven) „Für Elise“:

Auf »Piano Book« finden sich viele der Miniaturen, mit denen Generationen von Amateurpianisten aufgewachsen sind. Es sind wichtige Werke für Lang Lang, Klassiker auf ihre Art. Der Pianist möchte Klavierschüler weltweit ermutigen, sie schätzen zu lernen.

Neben Werken wie Beethovens Für Elise, Debussys Clair de lune und J. S. Bachs Präludium in C-Dur aus dem Wohltemperierten Clavier – bringt Lang Lang auch einige moderne Klassiker, die aus Film und Fernsehen bekannt sind, beispielsweise Yann Tiersens La Valse d’Amélie, Max Richters The Departure und Ryuichi Sakamotos Musik zu Merry Christmas, Mr. Lawrence. Es sind Stücke, die Lang Lang durch seine Arbeit mit Schülern kennengelernt hat und die heute zu seinen Lieblingswerken für Klavier zählen.

Außerdem hat Lang Lang Stücke ausgewählt, die in bestimmten Kulturkreisen besonderen Stellenwert haben, beispielsweise das schwedische Limu, limu, lima oder das populäre chinesische Jasmine Flower. »Ich bin so viel gereist und habe so viel kennengelernt, so viele unterschiedliche Volkslieder. Auch sie sind ein Grund, warum mir dieses Album so wichtig ist«, sagt Lang Lang. »Volkslieder sind unverzichtbar für die eigene kulturelle Identität. Durch diese Lieder habe ich Klassik mit anderen Ohren gehört, denn natürlich haben Volkslieder und -tänze klassische Komponisten beeinflusst. Auf meinen Reisen in viele verschiedene Länder bin ich großartiger Musik begegnet, und ich wollte einiges davon auf meinem Album vorstellen.«

Website: www.klassikakzente.de/lang-lang/home & langlangfoundation.org

BENNY ANDERSSON – „Piano“ inkl. Bonustracks

BENNY ANDERSSON: Neuveröffentlichung von „Piano“ inkl. Bonustracks, VÖ: 09.11.18

BENNY ANDERSSON – „Piano“ inkl. Bonustracks (Mono Music / Deutsche Grammophon / Universal)

ABBA-Legende Benny Anderson veröffentlicht sein Kultalbum „Piano“ als Fan-Edition mit zwei exklusiven Bonustracks, darunter der Klassiker „Money Money Money“.

Mit der Band ABBA kann der schwedische Pianist Benny Andersson auf eine Weltkarriere sondergleichen zurückblicken. In den letzten Jahrzehnten hat er sich auch als Komponist einen Namen gemacht. Mit seinem im Herbst 2017 veröffentlichten Album „Piano“ offenbarte der Pianist eine neue Facette seines musikalischen Könnens – ein Album gestückt mit kleinen, eleganten Piano-Balladen, die dem Klassikliebhaber wie auch dem leidenschaftlichen Popfan träumen lassen. Zu Evergreens avanciertes, ausgewähltes Repertoire der ABBA-Zeit wie „Embassy Lament“ oder „Thank You For The Music“ erstrahlen in neuem Gewand.

Nun darf man sich auf eine Zugabe freuen: Die am 09. November erscheinende „Piano“-Deluxe-Edition fährt mit den zwei exklusiven Bonustracks „Money Money Money“ und „Jag Hör“ auf. Beide Songs sind seit dem 12. Oktober bereits digital verfügbar.

Website: www.klassikakzente.de/benny-andersson/home

David Garrett - “Unlimited – Greatest Hits“ (Polydor/Universal)

David Garrett – “Unlimited – Greatest Hits“

Bereits am 26. Oktober erschien “Unlimited – Greatest Hits“, das erste Best Of-Album von David Garrett.

David Garrett - “Unlimited – Greatest Hits“ (Polydor/Universal)
David Garrett – “Unlimited – Greatest Hits“ (Polydor/Universal)

Der beliebte Violinist, der mit bürgerlichem Namen David Christian Bongartz heißt, versammelt auf der CD insgesamt 21 Tracks, darunter auch seine erfolgreichsten Single-Auskopplungen “He`s A Pirate“ (2009) und “Viva La Vida“ (2012 – im Original von Coldplay) sowie weitere Erfolge wie “Smells Like Teen Spirit“ (Nirvana), “Dangerous“ (David Guetta) oder “Cry Me A River“ (Justin Timberlake).

Freuen dürfen sich alle Fans des Crossover-Stars zudem auf sechs brandneue Stücke, darunter Neuinterpretationen von Musik-Klassikern wie “The Show Must Go On“ (Queen), “Leningrad“ (Billy Joel), “Musica E“ (Eros Ramazzotti), “She`s Out Of My Life“ (Michael Jackson), “The Best Of Me“ (David Foster) und “Hey Jude“ (The Beatles).

Angereichert wird das Ganze noch durch vier brandneue Akustikversionen seiner beliebten Tracks “Smooth Criminal“ (Michael Jackson), “Walk This Way“ (Aerosmith), “Air“ (Johann Sebastian Bach), “Purple Rain“ (Prince) und “Asturias“ sowie durch eine eine neu arrangierte Fassung von “Toccata“ (Johann Sebastian Bach).

Während auf der regulären CD 21 Stücke zu finden sind, ist die Deluxe Edition von “Unlimited – Greatest Hits“ mit 2 CDs und insgesamt 37 Tracks ausgestattet. Die Bonus-CD der Deluxe Version präsentiert unter anderem noch solche Schmankerl wie Coverversionen von Stücken wie “Bitter Sweet Symphony“ (The Verve), “November Rain“ (Guns N‘ Roses), “Bolero“ (Maurice Ravel), “I Have A Dream“ (ABBA) oder ein Duett mit Nicole Scherzinger (“Io Ti Penso Amore“).

Für alle Crossover-Fans dürfte “Unlimited – Greatest Hits“, der pünktlich zum Weihnachtsgeschäft erschienene neue Longplayer des fünffachen ECHO-Klassik- und dreifachen ECHO-Pop Preisträgers, ein absoluter Pflichtkauf sein. In der Woche nach dem Release enterte das Werk – dass soll an dieser Stelle nicht unerwähnt bleiben – direkt die Top 10 der offiziellen Longplay-Charts in Deutschland und Österreich.

Mit dem Best Of-Album im Gepäck geht David Garrett übrigens im Mai nächsten Jahres auf große “UNLIMITED – GREATEST HITS“-Tour und zelebriert dann sein 10-jähriges Crossover-Jubiläum mit seinen Fans.

DAVID GARRETT mit Band und der Neuen Philharmonie Frankfurt
UNLIMITED GREATEST HITS – LIVE 2019
04.05. Chemnitz, Arena
05.05. Erfurt, Messehalle
07.05. Berlin, Mercedes-Benz Arena
10.05. Dortmund, Westfalenhalle
11.05. Oberhausen, König-Pilsener-Arena
12.05. Köln, LANXESS arena
14.05. CH – Zürich, Hallenstadion
15.05. Stuttgart, Schleyer-Halle
17.05. Hannover, TUI-Arena
18.05. Braunschweig, Volkswagen Halle
19.05. Leipzig, Arena
21.05. Bremen, ÖVB Arena
22.05. Schwerin, Sport- und Kongresshalle
24.05. Kiel, Sparkassen Arena
25.05. Hamburg, Barclaycard-Arena
27.05. Mannheim, SAP-Arena
28.05. Frankfurt, Festhalle
29.05. München, Olympiahalle
31.05. A – Wien, Stadthalle

Website: https://www.david-garrett.com/de/

Facebook-Auftritt: https://www.facebook.com/davidgarrettofficial

David Garrett – “Unlimited – Greatest Hits“ (Polydor/Universal)

Alex Christensen & The Berlin Orchestra – “Classical 90s Dance 2“ (Starwatch Entertainment/Warner)

Alex Christensen & The Berlin Orchestra – “Classical 90s Dance 2“

Im letzten Jahr überraschte Alex Christensen, einer der erfolgreichsten deutschen Produzenten der letzten Dekaden, die Musikwelt mit dem Album “Classical 90s Dance“, das viele der größten Eurodance-und Technoklassiker in einer neuen orchestralen Verkleidung präsentierte.

Alex Christensen & The Berlin Orchestra – “Classical 90s Dance 2“ (Starwatch Entertainment/Warner)
Alex Christensen & The Berlin Orchestra – “Classical 90s Dance 2“ (Starwatch Entertainment/Warner)

Mit “Classical 90s Dance 2“ gibt es nun den Nachfolger des 2017er-Erfolgsalbums, welches eine Notierung in den Top 10 der offiziellen deutschen Charts schaffte und in den iTunes-Charts sogar Platz 2 erreichen konnte.

Wiederum ist nun das Berlin Orchestra mit von der Partie. Zudem gibt es Gast-Features von Leuten wie Anastacia, Melanie C, Medina, Pietro Lombardi, Linda Teodosiu, Yass, Ski, Asja Ahatovic oder Beymarie.

Unter anderem huldigt Alex Christensen auf seinem jüngsten Werk längst zu Musik-Klassikern avancierten Tracks wie “Mr. Vain“ (Culture Beat), “Insomnia“ (Faithless). “Everybody`s Free“ (Rozalla) oder “Don`t Talk Just Kiss“ (Right Said Fred) sowie auch der eigenen Produktion “Feels Like In Heaven“ (U96) aus dem Jahre 1996.

Als erste Vorab-Single wurde übrigens am 14. September “Around The World“, eine mit keiner Geringeren als Melanie C aufgenommene Coverversion des gleichnamigen ATC-Klassikers aus dem Jahre 2000, ausgekoppelt. Die über 700.000 mal verkaufte Originalfassung des Eurodance-Quartetts, das im selben Jahr mit “My Heart Beats Like a Drum“ einen weiteren großen Hit landen konnte (D #3), erreichte zu Beginn des neuen Jahrtausends Platz 1 in den Charts von Deutschland, Österreich und der Schweiz und schaffte darüber hinaus eine Notierung in den Top20 der UK-Charts.

Weiterhin machten in der Folge “Another Night“ (Anastacia – VÖ: 05.10.208), ein Remake des M.C. Sar & The Real McCoy Smash-Hits aus dem Jahre 1993, welcher es in der Original-Version in Großbritannien und den USA jeweils in die Top5 der Charts schaffte, und “Listen To Your Heart“ (feat. Medina), eine Neufassung des gleichnamigen Roxette-Klassikers aus dem Jahre 1988, Appetit auf das Album.

Neben den genannten Vorboten ist es die Neuinterpretation des Eurodance-Klassikers “Mr. Vain“ (1993 – Culture Beat), die mir auf dem mit 14 Track ausgestatteten Opus besonders zu gefallen weiß.

Fazit: Gemeinsam mit dem Berlin Orchestra und einer Vielzahl von Gästen ist dem erfolgreichen Produzenten Alex Christensen mit den vielen orchestral gefärbten Neufassungen auf “Classical 90s Dance 2“ eine wunderbare Hommage an zahlreiche Eurodance-und Pop-Klassiker gelungen, womit er sicherlich an den Erfolg des in den deutschen Top Ten platzierten Vorgängeralbums anknüpfen dürfte.

Hier der Videoclip zu “Around The World“ (feat. Melanie C):

Und hier das Video zu “Another Night“ (feat. Anastacia):

Hier schließlich das Video zu “Listen To Your Heart“ (feat. Medina):

Tracklisting:
01. Blue feat. Bars and Melody
02. Around The World feat. Melanie C
03. Another Night feat. Anastacia
04. Because I Love You feat. Pietro Lombardi
05. Mr. Vain feat. Anastacia & Ski
06. Feels Like in Heaven feat. Yass
07. Don‘t Talk Just Kiss feat. Melanie C
08. Sandstorm
09. Everybody‘s Free feat. Linda Teodosiu
10. Freed From Desire feat. Beymarie
11. Insomnia feat. Ski
12. Listen To your Heart feat. Medina
13. Something feat. Asja Ahatovic
14. Adagio for Strings

Website: https://alexchristensen.net/

Facebook-Auftritt: https://www.facebook.com/Alexu96Christensen/

Alex Christensen & The Berlin Orchestra – “Classical 90s Dance 2“ (Starwatch Entertainment/Warner)

Andrea Bocelli – „SÌ“

Der meistverkaufte klassische Solokünstler unserer Zeit Andrea Bocelli kehrt zurück mit seinem neuen Album „SÌ“, VÖ: 26.10.18

Andrea Bocelli – „SÌ“ (Decca Records / Universal Music)

Kurz nachdem Andrea Bocelli den »Icon«-Preis bei den Classic Brit Awards erhalten hat und überraschend neben Ed Sheeran im Londoner Wembley-Stadion aufgetreten ist, kündigt der internationale Startenor sein brandneues Album an. „Sì“ ist Bocellis erste Aufnahme von ausschließlich neuen Stücken nach 14 Jahren. Sie erscheint bei Decca/Sugar am 26. Oktober 2018.

Die erste Single daraus, „Qualcosa più dell’oro“, wurde bereits am 15. Juni veröffentlicht.

Bocellis bescheidene Art lässt nicht erahnen, dass er einer der größten Klassikstars der Welt ist – er hat für Päpste, Präsidenten und Könige gesungen, ist in vielen der bedeutendsten Konzertsäle und Opernhäuser der Welt aufgetreten und hat 80 Millionen Tonträger verkauft.

Nun kehrt er zurück zu seinen Wurzeln. „Sì“ ist eine persönliche Sammlung von Stücken, die Liebe, Zuversicht und Familie feiern. Das Album wurde in seinem Haus in Italien aufgenommen und von dem legendären Bob Ezrin (Pink Floyd, Lou Reed) produziert.

»Ich wollte zu meinen Erinnerungen aus der Zeit zurückkehren, als ich als junger Mann in Bars Klavier spielte. Seitdem habe ich viele Alben gemacht, viele Coverversionen gesungen und natürlich auch anderes. Doch dann kam ein Moment, wo ich mir sagte: ›Vielleicht ist es an der Zeit … vielleicht ist die Zeit reif für neue Songs.‹ Es war, als würde ich meine Karriere noch einmal beginnen.«

Bocelli singt auf den Bühnen der Welt, so versteht es sich von selbst, dass er den ersten Track seines Albums in drei Sprachen aufgenommen hat. „Qualcosa più dell’oro“ wurde von Francesco Sartori und Lucio Quarantotto geschrieben – die auch „Con te partirò“ schufen, einen von Bocellis größten Hits, der vor 20 Jahren erschien und zu einer der meistverkauften Singles aller Zeiten wurde.

„Sì“ enthält auch persönliche Tribute an Bocellis Familie und spiegelt seine spirituelle Seite wider. Zu den Highlights gehören „Vivo“, eine gefühlvolle Hommage an seine Frau Veronica, und „Fall On Me“, ein mitreißendes Duett mit seinem 20-jährigen Sohn Matteo – ihre erste gemeinsame Aufnahme überhaupt.

Hier gibt es das Video zum Song „Fall On Me“ im Duett mit seinem Sohn Matteo:

Im Gespräch über ihre Stimmen sagt Bocelli: »Grundsätzlich sind unsere Stimmen sehr verschieden, etwas aber macht sie äußerst ähnlich: die Einstellung. Die charakteristische Art und Weise, wie man sich durch seine Stimme ausdrückt. Das ist etwas, was man weder lernen noch lehren kann. Das ist angeboren.«

Auch Bocellis Musikalität ist angeboren, sie machte ihn zu einem der berühmtesten Sänger der Welt. Er tritt bei internationalen Ereignissen auf, bei den Olympischen Spielen ebenso wie bei der Fußballweltmeisterschaft, ausverkauft sind seine eigenen Konzerte in großen Arenen. Bocelli wurde mit dem Golden Globe, sieben Classical Brit Awards und sieben World Music Awards ausgezeichnet, und er hat einen Stern auf dem Hollywood Walk of Fame.

Während Bocelli allein Millionen Menschen mit seinem populären Crossover fasziniert, arbeitet er zudem mit vielen erstrangigen Popstars zusammen, Ed Sheeran beispielsweise, Ariana Grande, Nicole Scherzinger, Jennifer Lopez, LeAnn Rimes, Céline Dion oder Tony Bennett. 2016 begeisterte er die englischen Fußballfans mit einem Auftritt im King Power Stadium, als Claudio Ranieris Club Leicester City als Sieger der Premier Ligue gefeiert wurde.

In diesem Jahr ist Bocelli auf Welttournee, große US-Auftritte stehen auf seinem Programm, in New York beispielsweise, in Las Vegas oder in der Hollywood Bowl in Los Angeles. Auch in Deutschland, Italien, Spanien, Brasilien, Kanada, Irland und Großbritannien wird er auftreten und den Fans seine neue Musik vorstellen.

„Sì“ ist ein Album, in dem es um Herz und Seele geht, um Optimismus und Familie, um Melodie und Zauber. Deshalb wählte Bocelli diesen eindrucksvollen, schlichten Titel. »In der geschichtlichen Phase, die wir gerade durchlaufen, sagen wir zu oft Nein. Aber Ja ist das Wort, das man bei seinem ersten Kuss sagt, wenn man mit jemandem übereinstimmt, wenn man möchte, dass ein anderer sich wohlfühlt. „Sì“ ist das Wort, das man jedesmal sagt, wenn Dinge gut enden. Aus vielerlei Gründen ist sì der Ausdruck einer positiven, kraftvollen, menschlichen Welt und Empfindung.«

Andrea Bocelli kehrt in seinem 60. Lebensjahr mit Stolz dorthin zurück, wo alles begann. Sein lebensfrohes neues Album Sì erlaubt uns einen Blick in die Welt dieses außergewöhnlichen Sängers und Weltstars.

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