Musik

Masters of Reality

Masters of Reality veröffentlichen den verträumt-psychedelischen neuen Song „It All Comes Back To You“ am Tag, an dem ihr erstes neues Album seit 16 Jahren, The Archer, auf allen Streaming-Plattformen veröffentlicht wird.

Veröffentlicht via Mascot Records, kannst Du das Album hier streamen: https://lnk.to/mastersofreality

Physisch erscheint The Archer als CD & LP am 11 April.

Videolink: “It All Comes Back To You”:

https://youtu.be/b2ZZgbNtc-A?si=YSdaETtppsAUCkgN

Tour Daten

  1. April – Nijmegen, Doornroosje – NETHERLANDS – TICKETS
  2. April – Köln, Artheater – GERMANY – TICKETS
  3. April – Hamburg, LOGO – GERMANY – TICKETS
  4. April – Berlin, SO36 – GERMANY – TICKETS
  5. April – Leipzig, Werk II – GERMANY – TICKETS
  6. April – Nűrnberg, Z-BAU – GERMANY – TICKETS
  7. April – Frankfurt, Das Bett – GERMANY – TICKETS
  8. Oktober – Up In Smoke Festival, Pratteln – SWITZERLAND – TICKETS
  9. Oktober – Keep It Low Festival, Munich – GERMANY – TICKETS

Also, listen to “Sugar” and “Mr Tap ‘n Go”

Das erste neue Album der kultigen Masters of Reality seit 16 Jahren, The Archer, ist ab heute überall über Mascot Records als Stream erhältlich.  Das Album wird am 11. April auch auf CD und LP erhältlich sein. Zur Feier des Tages haben sie das Video zum neuen Song „It All Comes Back To You“ veröffentlicht, das ihr euch jetzt ansehen könnt.

Außerdem werden sie im April durch die Niederlande, Belgien, Großbritannien und Deutschland touren, sowie im Juni das Azkena Rock Festival (Spanien), Hellfest (Frankreich) spielen und im Oktober beim Up in Smoke Festival (Schweiz), Keep It Low Festival (Deutschland) und Desertfest (Belgien) zu sehen sein.

Chris Goss ist eines der schwer fassbaren Genies der amerikanischen Musik. Als Sänger, Gitarrist und treibende Kraft hinter Masters Of Reality hat er mehr als 40 Jahre damit verbracht, seine eigene musikalische Reise zu kartographieren, die ihn von mystischem Blues über Wüstenrock bis hin zu psychedelisch angehauchter Schönheit an allen Punkten dazwischen geführt hat.

Der neue Song „It All Comes Back To You“ ist ein verträumter Psychedelic-Rocker, der unbestreitbar Masters Of Reality ist; mit seinen Überlegungen zur karmischen Vergeltung kommt er zu einer Zeit, in der die persönliche Wahrnehmung des Sinns in eine große Masse von unkenntlichen, gehirngewaschenen Selbstporträts verdreht wurde. „Es war eine heikle Gratwanderung. Eine lächerliche Analysefalle. Aber ich denke, es wurde durch eine einfache Entschlossenheit gerettet“, sagt er. „Es kommt tatsächlich alles auf einen zurück. Das ist nichts Neues: Man erntet, was man sät“, sagt Goss.

Goss hat sich selbst als einer der wichtigsten und einflussreichsten Produzenten der letzten 30 Jahre positioniert. Sein intuitives Gespür für Musik, führte ihn zu einer Gruppe von Kids aus Palm Desert namens Kyuss, die heavy Musik mit einem transzendentalen Einschlag spielten. Goss arbeitete mit der Band in den frühen 1990er Jahren an drei bahnbrechenden Alben und trug dazu bei, die Saat für die so genannte Wüstenrock-Bewegung zu legen, die im restlichen Jahrzehnt ihre Blütezeit erlebte.

Danach arbeitete er mit Queens Of The Stone Age, Mark Lanegan, Foo Fighters, The Cult, UNKLE, Stone Temple Pilots-Sänger Scott Weiland, der ehemaligen Hole-Bassistin Melissa Auf Der Maur und sogar Hollywood-Star Russell Crowe zusammen.

Ein Beinaheunfall war Nirvana – Dave Grohl erzählte ihm, dass die Grunge-Band Goss als Produzent für den Nachfolger von Nevermind in Betracht gezogen hatte.  „Sie hörten in ihrem Van Masters Of Reality und Kyuss“, sagt Goss. „Aber ich hätte ihnen den Sound versauen wollen.”

„Dies ist ein weiterer Track, der jahrelang in der Entwicklung war“, fährt er mit It All Comes Back To You fort. „Der Refrain wurde vor über einem Jahrzehnt auf dem Keyboard geschrieben. Die Strophen waren ein Kampf über die Jahre. Manchmal ist es ein Albtraum, einen anständigen Refrain zu schreiben, bevor man den Kern des Songs hat. Wie bei anderen Songs auf diesem Album geht es auch hier darum, herauszufinden, was real ist und was nicht. Ich denke, das ist ein Thema für die heutige Zeit. Es gibt eine ganze Reihe von Mystikern, die behaupten, dass man seine eigene Realität selbst erschaffen hat. Bis zu einem kleinen Punkt haben sie Recht. Aber hier sind wir, wir alle, die wir den ganzen Tag tippen. Wir werden in eine Existenz geführt, in der es notwendig zu sein scheint, online zu sein, und der Großteil der ‚zivilisierten‘ Welt wird willentlich zu zombifizierten Digitalsüchtigen.“

Er fährt fort: „Aber es kommt auf dich zurück, und du allein entscheidest, ob du das alles mitmachst oder nicht. Wir befinden uns in dieser Ära in unerforschten Gewässern, wahrscheinlich so wie seit mindestens 50 Jahren nicht mehr. Das Ergebnis kann sich sehen lassen.“

Die vorherige Single „Mr Tap ’n Go“ ist ein blutrünstiges vaudevillianisches Tanzmonster. Dieser Song folgte auf Sugar, das im Mai 2024 veröffentlicht wurde und die Rückkehr von Masters Of Reality einläutete. Hypnotisch, ergreifend und verletzlich, baut es sich von einer mitreißenden Melodie zu einer großen, orchestrierten Gefühlswelle auf, über der Goss‘ ätherische und doch gefühlvolle Stimme schwebt.

Die Figuren, die den Bogenschützen beschäftigen, sind die namen- und gesichtslosen Menschen, die man ab und zu sieht oder regelmäßig beobachtet, wenn man auf der Straße fährt, auf der wir beide gerade sind.  „Jeder hat eine Geschichte. Und die eigene Geschichte ist für sie das Wichtigste auf der Welt“, sagt er. „Keiner ist etwas Besonderes. Jeder steuert auf seinen eigenen ‚Gethsemane‘-Moment zu oder befindet sich gerade darin – eine Erzählung aus dem Neuen Testament, die die kalte Erkenntnis des eigenen Schicksals veranschaulicht. Blut zu schwitzen kommt häufiger vor, als die meisten sich vorstellen können.“

„Der Bogenschütze ist derjenige, den man als unsichtbaren Herrscher des Schicksals wahrnimmt“, erklärt Goss. „Oft ist der Bogenschütze für diejenigen, die aufmerksam sind, sehr sichtbar. Manche halten ihn vielleicht sogar für einen diktatorischen Gott. Oder sogar ein beschworenes Wesen. Aber alle sind sich einig, dass der Bogenschütze über eine tadellose Treffsicherheit verfügt.“

Die Ankunft von The Archer – produziert von Goss und mit Gitarrist Alain Johannes, Schlagzeuger John Leamy und Bassist Paul Powell – läutet die willkommene Rückkehr von Masters Of Reality ein.

Mit Blick auf die Zukunft wird Goss das Jahr 2025 mit beiden Händen greifen. „Die Herausforderung, die dynamische Bandbreite der neuen Musik zu schaffen, ist im Moment etwas entmutigend, weil wir diese Songs noch nicht live gespielt haben. Aber ich glaube, wenn wir erst einmal im Proberaum sind und ein bisschen schwitzen, werden wir einen Riesenspaß haben. Eine seltsame, manchmal melancholische Explosion, aber das ist es, was der Blues ausmacht: Über den Teufel und unsere eigene menschliche Torheit gleichzeitig zu lachen.“

Masters Of Reality Online:
www.mastersofreality.com
www.facebook.com/mastersofreality
www.instagram.com/morealityofficial/
www.youtube.com/@MastersOfReality-Official

Musik

Im Schatten des Rippers aus der Reihe Sherlock Homes – Die geheimen Fälle des Meisterdetektivs

Der berühmteste Detektiv trifft auf den berühmtesten Serienmörder: Im Schatten Des Rippers / Shadow Of The Ripper (engl. Version) aus der Reihe Sherlock Homes – Die Geheimen Fälle Des Meisterdetektivs (Band 1) nach Motiven von Arthur Conan Doyle und Marc Gruppe. Basierend auf dem gleichnamigen Hörspiel von Marc Gruppe. (VÖs Print-on-Demand / E-Book: 28.03.2025; Titania Medien)

Die Firma Titania Medien steht ja für exzellente, mehrfach ausgezeichnete Hörspielproduktionen wie die Reihen Gruselkabinett, Grimms Märchen oder Sherlock Homes – Die Geheimen Fälle Des Meisterdetektivs, letztere preisgekrönt mit dem Blauen Karfunkel der Deutschen Sherlock Holmes-Gesellschaft und dem Publikumspreis des deutschen Buchhandels HörKules (titania-medien.de/auszeichnungen).

Nun ist den beiden Machern von Titania Medien, Marc Gruppe und Stephan Bosenius, ein weiterer famoser Coup gelungen: Am 28. März 2025 präsentierte das Erfolgslabel den allerersten Roman nach einer Folge der beliebten Hörspielserie um den englischen Meisterdetektiv Sherlock Holmes und seinen partner in crime und Chronisten Dr. John Watson. Im Schatten Des Rippers ist der Beginn einer eigenständigen Buchreihe mit neuen, aber auch bereits vertonten Geschichten, die allesamt in sich abgeschlossen sind.

In Band 1 haben es Holmes und Dr. Watson mit einem furchterregenden Kontrahenten zu tun, der gemeinhin als der weltweit berüchtigtste Serienkiller der Geschichte gilt, nämlich der leibhaftige Jack the Ripper:

London im Jahr 1888: Ein bestialischer Mörder versetzt die Bevölkerung des East Ends in Angst und Schrecken. Die Polizei kann dessen Taten, die von Mord zu Mord an Grausamkeit und Perfidität zunehmen, nicht verhindern. Wer ist dieser Unbekannte, der auf den nächtlichen Straßen Londons mordet, ohne dabei eine Spur zu hinterlassen? Ein sehr persönliches Motiv veranlasst Sherlock Holmes, die Ermittlungen aufzunehmen. Wird es ihm gelingen, die grausame Verbrechensserie zu stoppen, oder muss sich der Meisterdetektiv zum ersten Mal geschlagen geben?

Bis dato ist die Identität von Jack the Ripper ungeklärt (obskure Quellen nennen sogar Holmes-Erfinder Sir Arthur Conan Doyle als Verdächtigen), und vor allem stellt sich die Frage, wer oder was die brutale Mordserie so abrupt beendet hat…

Marc Gruppes Geschichten sind nicht nur überaus unterhaltsam, sondern tatsächlich auch lehrreich. Historisch verbürgte Ereignisse sind geschickt in die Kriminalfälle eingefügt, und so treffen Holmes und Dr. Watson auf zahlreiche legendäre Personen der Zeitgeschichte, wie etwa Harry Houdini, Bram Stoker, Geisterjäger Harry Price oder eben Jack the Ripper.

Titania Medien befindet sich mit ihren aufwändigen Hörspielproduktionen regelmäßig auf der SPIEGEL-Bestseller-Liste. Die Buchreihe Sherlock Homes – Die Geheimen Fälle Des Meisterdetektivs gibt es als Print-On-Demand-Ausgabe oder E-Book und ist überall erhältlich, wo es Literatur gibt (Bezugsquelle: https://lnk.to/ripperbuch), sämtliche Märchen-, Grusel- und Krimi-Hörspiele bei Amazon oder pop.de sowie auf allen gängigen Plattformen wie Apple Music, BookBeat, Deezer, Google, Napster, Spotify etc. (titania-medien.de) und natürlich auch auf CD.

 

 

 

Filme & Serien

SAINT-EXUPÉRY – DIE GESCHICHTE VOR DEM KLEINEN PRINZEN

Mit SAINT-EXUPÉRY – DIE GESCHICHTE VOR DEM KLEINEN PRINZEN präsentiert Regisseur und Autor Pablo Agüero ein filmisches Abenteuer über den visionären französischen Schriftsteller und Piloten Antoine de Saint-Exupéry.

Inspiriert von einer seiner größten Reisen erzählt der Film eine packende Geschichte über Mut, Freundschaft und Vorstellungskraft – die Grundpfeiler seines berühmtesten Werks „Der kleine Prinz“, das in über 548 Sprachen und Dialekte übersetzt wurde und zu den meistverkauften Büchern der Welt gehört.

Argentinien, 1930: Antoine de Saint-Exupéry ist Pilot des französischen Luftpostdienstes und fliegt an der Seite des legendären Flugkapitäns Henri Guillaumet. Auf der Suche nach immer kürzeren Flugrouten durch die Anden, wagt Guillaumet eine gefährliche Passage und stürzt mitten in den eisigen Bergen ab. Mithilfe von Guillaumets Frau Noëlle begibt sich Saint-Exupéry auf die gefährliche Suche nach seinem Freund. Getrieben von unerschütterlicher Entschlossenheit und voller Hoffnung, Guillaumet zu finden, entdeckt Saint-Exupéry, dass seine außergewöhnliche Vorstellungskraft seine größte Stärke ist. Zehn Jahre später veröffentlicht Saint-Exupéry eines der berühmtesten Bücher der Welt – „Der kleine Prinz“.

https://www.youtube.com/watch?v=5mnH_FEbkaE

SAINT-EXUPÉRY– DIE GESCHICHTE VOR DEM KLEINEN PRINZEN wartet mit einer beeindruckenden Besetzung auf: Neben den César-Preisträgern Louis Garrel („Die drei Musketiere – Milady“, „Little Women“) als Antoine de Saint-Exupéry und Vincent Cassel („Black Swan“, „Public Enemy No. 1“, „Gauguin“) als Flugkapitän Henri Guillaumet brilliert Diane Kruger („Inglourious Basterds“, „Aus dem Nichts“) als Guillaumets Ehefrau Noelle. SAINT-EXUPÉRY ist ein fesselndes Rennen gegen die Zeit, ein filmisches Abenteuer in den atemberaubenden Landschaften der Anden und eine berührende Geschichte über eine unerschütterliche Freundschaft – einer Geschichte, die die Vorlage für eines der bekanntesten Bücher unserer Zeit bildet.

Weitere Informationen finden Sie auf facebook.com/ARTHAUS
oder instagram.com/arthaus.de.

 

M!D! B!TCH 2025
Musik

MiDi BiTCH – eine kulturelle Verortung

Die Kunst von Midi Bitch  steht in einem vielschichtigen literarischen, philosophischen und musikalischen Kontext, der sich durch verschiedene interdisziplinäre Ansätze und Einflüsse auszeichnet. Diese Einflüsse erstrecken sich von der Existenzialismus-Philosophie über avantgardistische Literatur bis hin zu kosmischer und experimenteller Musik.

M!D! B!TCH 2025
M!D! B!TCH 2025

Im Folgenden wird der konkrete Zusammenhang dieser verschiedenen Strömungen und deren Bedeutung für die Kunst von Midi Bitch dargelegt.

1. Literarischer Kontext:

Die Kunst von Midi Bitch lässt sich literarisch stark in den Bereich des Existenzialismus und der avantgardistischen Literatur einordnen.

  • Existenzialismus: Die Themen von Absurdität, Sinnsuche und Freiheit spielen in Midi Bitchs Werk eine zentrale Rolle. Ähnlich wie Jean-Paul Sartre, Albert Camus und Franz Kafka, die in ihren Werken den Einzelnen in einer sinnentleerten Welt zeigen, stellt Midi Bitch in seiner Musik den individuellen Konflikt mit der Bedeutungslosigkeit des Lebens dar. Die Musik kann als klangliche Darstellung der existenziellen Frage verstanden werden, wie der Einzelne seinen eigenen Sinn in einer chaotischen Welt finden kann.
  • Avantgarde-Literatur: Midi Bitchs Kunst orientiert sich auch an den Ideen der literarischen Avantgarde, die mit Surrealismus, Dadaismus und der Dekonstruktion von klassischen Erzählmustern arbeitet. Die Musik selbst könnte mit diesen Konzepten in Einklang stehen, indem sie traditionelle Musikstrukturen durchbricht und stattdessen auf experimentelle, zerrissene Klanglandschaften setzt, die den Hörer aus gewohnten Denkmustern herausführen.

2. Philosophischer Kontext:

In der Philosophie orientiert sich Midi Bitchs Werk an Existenzialismus und postmodernen Denkansätzen.

  • Existenzialismus: Die Musik von Midi Bitch reflektiert Themen des Existenzialismus, insbesondere die Auseinandersetzung mit der Freiheit des Individuums und der Bedeutungslosigkeit der Existenz. Wie bei Sartre und Camus findet sich in Midi Bitchs Arbeit der Gedanke wieder, dass der Mensch in einer Welt ohne vorgegebenen Sinn lebt und daher selbst Verantwortung für sein Leben übernehmen muss. Die Musik dient als ein meditativer Raum, in dem der Hörer mit der Leere und der Freiheit, die die existenziellen Fragen mit sich bringen, konfrontiert wird.
  • Postmoderne Philosophie: Midi Bitchs Musik setzt sich auch mit der postmodernen Philosophie auseinander, die von Michel Foucault, Jean Baudrillard und Jacques Derrida geprägt ist. Die postmoderne Philosophie hinterfragt die Stabilität von Wahrheiten und die Erzählstrukturen der Gesellschaft. Dies spiegelt sich in Midi Bitchs Musik wider, die traditionelle Musikformen dekonstruiert und fragmentiert, um eine neue, offene Bedeutung zu schaffen. Die Musik wirkt nicht nur als ein künstlerisches Produkt, sondern auch als eine Art philosophischer Reflexion über die Bedeutung von Wahrheit und Realität.
  • Kosmische Philosophie: Midi Bitch könnte in seiner Musik auch philosophische Themen der Transzendenz und des Kosmos ansprechen. In diesem Kontext spielt das universelle Bewusstsein eine Rolle, das in Midi Bitchs Musik durch weite, atmosphärische Klänge symbolisiert wird. Die Musik könnte als ein Versuch, das Unendliche und das Kosmische zu erfassen, gedeutet werden, wobei der Hörer das Gefühl bekommt, Teil eines größeren Ganzen zu sein.

3. Musikalischer Kontext:

Die musikalische Sprache von Midi Bitch bewegt sich im Bereich der experimentellen, kosmischen und elektronischen Musik, wobei er sich von der minimalistischen Musik und ambienten Klanglandschaften inspirieren lässt.

  • Kosmische Musik: Midi Bitch arbeitet mit kosmischen Klangwelten, die ein Gefühl der Unendlichkeit und des kosmischen Bewusstseins erzeugen. Diese Musik ist darauf ausgerichtet, den Hörer in eine andere Dimension zu entführen und das Gefühl zu vermitteln, Teil eines größeren, transzendentalen Universums zu sein. Ähnlich wie die Werke von Klaus Schulze, Tangerine Dream oder Brian Eno, verwendet Midi Bitch langgezogene, atmosphärische Klänge, die den Hörer in eine tiefe, kontemplative Stimmung versetzen.
  • Elektronische Musik und Avantgarde: Midi Bitch nutzt eine Vielzahl von elektronischen Klängen und Synthesizern, um eine musikalische Struktur zu schaffen, die sich nicht an traditionellen Harmonien und Rhythmen orientiert. Stattdessen verfolgt er eine experimentelle, abstrakte Ästhetik, die dem Zuhörer die Freiheit gibt, sich von der Musik in verschiedene emotionale und mentale Zustände zu versetzen. Diese Form der Musik steht in der Tradition von Künstlern wie Aphex Twin oder Autechre, die mit digitaler Manipulation und verzerrten Soundstrukturen arbeiten, um alternative Realitäten zu erschaffen.
  • Minimalismus und Ambient: Midi Bitch bedient sich auch minimalistischer und ambienter Musiktechniken, die sich durch reduzierte, sich wiederholende Strukturen auszeichnen. Diese Musikarten schaffen ein transzendentes Erlebnis, das den Hörer auf eine innere Reise führt, bei der das Verlangen nach Bedeutung in einer scheinbar bedeutungslosen Welt thematisiert wird. Die Musik nutzt oft ruhige, gleichmäßige Rhythmen und schwebende Klänge, die eine meditative Atmosphäre fördern.

4. Subkultureller und künstlerischer Kontext:

Midi Bitchs Kunst bewegt sich auch in einem subkulturellen Kontext, der Elemente aus underground Kunst, DIY-Philosophie und post-punk Ästhetik integriert.

  • DIY-Ästhetik und Subversion: Midi Bitch könnte die DIY-Philosophie (Do It Yourself) vertreten, die Musik als persönliches Ausdrucksmittel begreift, das fernab von kommerziellen Interessen entsteht. Diese Haltung findet sich auch im post-punk-Kontext wieder, der traditionelle Musikformen in Frage stellt und Subkultur als Protest gegen Mainstream-Werte versteht. In diesem Sinne kann Midi Bitch als eine Art Rebel gesehen werden, der durch seine Musik die Normen und Konventionen der Musikindustrie herausfordert.

Fazit:

Die Kunst von Midi Bitch steht in einem komplexen, interdisziplinären Kontext, der stark von Existenzialismus, avantgardistischer Literatur, postmoderner Philosophie und kosmischer Musik beeinflusst ist. Midi Bitch kombiniert in seiner Musik experimentelle Klangstrukturen, die philosophische Reflexionen über die Bedeutungslosigkeit und Freiheit des Lebens sowie die kosmische Existenz anregen. Dabei bleibt seine Kunst stets subversiv und gegen den Strom der konventionellen Musikindustrie.

www.midibitch.de
midibitch.bandcamp.com/music
www.youtube.com/@midibitch

Musik

Dinosaur Pile-Up veröffentlichen Single „Bout To Lose It“

Dinosaur Pile-Up, melden sich mit ihrer neuen Single „Bout To Lose It“ zurück und geben ihr Signing bei Mascot Records bekannt.

Watch The Video „Bout To Lose It“:

https://www.youtube.com/watch?v=3bu5mVbAM3o

Die Single ist hier erhältlich: https://lnk.to/DinosaurPile-UP

Sechs Jahre sind seit der Veröffentlichung ihres letzten Studioalbums vergangen. „Die Leute brauchen Klarheit darüber, was passiert ist“, erklärt Matt Bigland. „Es war so kathartisch, es auszusprechen“. Im Dezember 2024 begann er, seine Geschichte auf dem Instagram-Account der Band zu dokumentieren und alles offenzulegen – hier könnt ihr es in seinen eigenen Worten sehen Part 1 | Part 2 | Part 3 | Part 4.

Bout To Lose It ist 5 Jahre aufgestauter Emotionen – Hoffnung, Verzweiflung, Resignation und kolossale Tapferkeit – die sich in 3:40 Minuten durch eine Band in absoluter Bestform entfalten. Kampf. Verwundbarkeit. Schmerz. Unverwüstlichkeit. Liebe. Es war eine höllische Reise. In vielerlei Hinsicht beginnt der brillante, sich wandelnde Opener – und die Leadsingle – ‚Bout To Lose It‘ am Ende und lässt uns in die Schuhe eines Frontmanns schlüpfen, der es kaum erwarten kann, wieder zur Sache zu kommen, dem es aber an Selbstvertrauen mangelt und der sich nicht sicher ist, ob die Fans nach so langer Abwesenheit noch etwas auf ihn geben: ‚I guess I’m back on the edge / Maybe I never left! / Es wäre schön gewesen, wenn es euch interessiert hätte / Aber was habe ich erwartet?!‘

Als Matt Bigland zum zweiten Mal ins Krankenhaus eingeliefert wurde, befanden sich sechs Personen auf der Station. Drei von ihnen haben es nicht lebend herausgeschafft. Das Leben ist kurz. Es ist zerbrechlich. Es kann in einem Augenblick enden. Das ist die harte Wahrheit, mit der der Dinosaur Pile-Up-Frontmann gerungen hat. Als er Anfang 2021 wegen einer Colitis ulcerosa auf der Intensivstation lag, begann er wieder darüber nachzudenken, worum es wirklich geht.

„Du denkst, du hast die Hälfte deines Lebens hinter dir, aber dann merkst du, dass du vielleicht schon am Ende bist“, lächelt Matt. „Es war beängstigend, in diesem Raum zu sein. Ich fühlte mich unglaublich verletzlich. Ich hatte keine Kontrolle. Aber Menschen in den letzten Stunden ihres Lebens zu hören, zwang mich dazu, darüber nachzudenken, was passieren würde, wenn ich sterben würde. Was würde ich zurücklassen? Was war wirklich wichtig, während ich hier war? Mit welchem Blödsinn verschwendete ich meine Zeit, um mich zu sorgen? Was hatte für mich einen echten Wert? Ich habe immer verstanden, dass das Leben flüchtig und zerbrechlich sein kann – wie wichtig es ist, jede Chance zu ergreifen -, aber ich habe es nie so verarbeitet…“

Da er nicht gewillt war, mit jedem Freund, der sich nach seinem Befinden erkundigte, die Schichten des täglichen Traumas zu durchdringen – ja, er war sogar oft nicht in der Lage, durch einen Mund voller zentimetergroßer Wunden zu sprechen – ertappte sich Matt dabei, dass er sich auf die ironische Antwort beschränkte: „Mir ging es schon mal besser…

Zurück ins Jahr 2018. Zehn Jahre, in denen sie jeder Chance hinterhergejagt sind und alles auf eine Karte gesetzt haben, haben Dinosaur Pile-Up zu einer der beliebtesten Alternative-Rock-Bands in Großbritannien gemacht. Gleichzeitig waren sie pleite, körperlich und geistig ausgelaugt und hatten kein Label, um ihr bevorstehendes viertes Album „Celebrity Mansions“ zu veröffentlichen. Es wurde zu ihrer „Make-or-Break“-Platte. Matt, Bassist Jim Cratchley und Schlagzeuger Mike Sheils waren sich einig, dass ein Scheitern bedeuten würde, die Band aufzulösen. Doch die Rockgötter waren ihnen wohl gesonnen, und das Album wurde ein Hit. Sie begannen das Jahr mit einer US-Tournee mit Shinedown und spielten im Sommer auf großen Festivals. Bis zum Jahresende folgte eine Nordamerika-Tournee mit The Offspring und Sum 41. Sie waren im Aufwind. 2020 sollte ein Riesenerfolg werden – dann änderte sich alles.

„Die Leute verbinden Dinge wie Gesundheitskrisen nicht damit, ein Kerl in einer Band zu sein“, betont er das Gefühl der Isolation, das mit der Tortur einherging. „Wir werden eher damit assoziiert, dass wir abrocken und eine tolle Zeit haben – erst recht in der heutigen Instagram-Kultur. An meinem Tiefpunkt fühlte ich mich nicht weiter davon entfernt, der Typ zu sein, der auf der Bühne vor einem großen Publikum spielt. Das war schwer zu rationalisieren. Ich war nur noch Haut und Knochen, am Boden zerstört, fühlte mich, als würde ich sterben, und fragte mich, was mit mir passiert war und warum.“

Da er nicht bereit war, ein Bild zu vermitteln, das nicht wirklich widerspiegelte, was er durchmachte, zog sich Matt komplett aus den sozialen Medien zurück. Das trennte ihn noch mehr von der Außenwelt, von der die meisten keine Ahnung hatten, welchen Albtraum er durchlebte. Im Februar 2021 wurde er zum ersten Mal ins Krankenhaus eingeliefert, ein Aufenthalt, der aufgrund von Bettenmangel verkürzt wurde. „Ich wurde nach Hause geschickt mit der Erlaubnis, mir selbst Morphium zu verabreichen. Es fühlte sich gefährlich an. Ich hätte mich mit dieser Spritze umbringen können.“

Die Band tauchte für Auftritte in Reading und Leeds 2021 wieder auf – Matt war immer noch geschwollen von der massiven Methylprednisolon-Dosis, mit der er aus dem Krankenhaus entlassen worden war. Zum Jahresende spielten sie eine UK-Tournee mit Enter Shikari und Nova Twins. Ihre lange aufgeschobene Headline-Show im Kentish Town Forum im März 2022 war eine emotionale Explosion, ebenso wie ihr Auftritt beim 2000Trees Festival im Sommer.  2023 standen sie erneut auf der 2000Trees-Bühne, und im Sommer kehrten sie mit einem triumphalen Auftritt zum Download Festival zurück.

„In ‚Bout To Lose It‘ geht es um das Gefühl, emotional völlig am Rande der Belastbarkeit zu sein. Ich wollte einen Song schreiben, der ein Intro hat, das den ersten Track nach einer vier- oder fünfjährigen krankheitsbedingten Pause von der ‚Welt‘ richtig in Szene setzt. Ich wollte, dass er intensiv ist und ins Herz geht. Und ich wollte, dass es Heavy Metal ist“, sagt Matt.

„Es geht nicht mehr darum, ob ich vielleicht reich und berühmt werde“, erklärt er. „Es geht darum, dass ich mich darauf freue, dass die Leute meine Songs hören können. Ich möchte frei sein von dem Scheiß, wie die Leute mich – oder uns – wahrnehmen und was es bedeutet, eine ‚coole Band‘ zu sein. Ich bin stolz darauf, dass es uns als Band überhaupt noch gibt. Ich bin stolz darauf, dass ich als Person immer noch hier bin. Und ich bin einfach so begeistert, dass ich immer noch Musik machen kann. Das ist es, was ich tun will. Deshalb bin ich hier…“

Mehr Infos unter:
www.dinosaurpileup.com/
www.tiktok.com/@dpuofficial
www.instagram.com/dpuofficial
www.facebook.com/dinosaurpileup/
www.youtube.com/@dinosaurpileup
www.twitter.com/DINOSAURPILEUP

Musik

Smash Into Pieces veröffentlicht neue Single „Man or Machine“

In diesem Song erleben wir den Abstieg in eine mechanisierte Seele – die Verwandlung, bei der der Mensch zur Maschine wird. Diese Reise erforscht den Preis des Fortschritts, wo Mitgefühl schwindet und Stahl das Fleisch ersetzt.

Die schwedische Rockband Smash Into Pieces baut weiterhin auf dem Erfolg ihrer bisherigen Hits auf, darunter die Chartstürmer „Six Feet Under“ und „Heroes Are Calling“. Beide Songs erzielten beeindruckende Streaming-Zahlen: „Six Feet Under“ erreichte Doppel-Platin-Status, während „Heroes Are Calling“ bereits wenige Wochen nach der Veröffentlichung Gold erhielt.

Bekannt für ihre markante futuristische und apokalyptische Ästhetik, hat die Band auch mit ihrer filmischen Mini-Serie „ARCADIA WORLD“ Aufmerksamkeit erregt, die eine parallele virtuelle Realität erkundet. Ihre Live-Auftritte zeichnen sich durch kraftvolle Refrains und eine energiegeladene Präsenz aus und werden oft als ein „digitaler cybertronischer Zirkus“ beschrieben.

Mit über einer Milliarde Streams und Views hat sich die Band eine starke globale Präsenz aufgebaut. 2022 begleiteten sie Evanescence und Within Temptation auf der „Worlds Collide Tour“, was ihre Reichweite weiter steigerte. 2023 erreichten Smash Into Pieces einen neuen Meilenstein, als „Six Feet Under“ den 3. Platz beim schwedischen Eurovision-Wettbewerb belegte. Es folgte ein intensiver Tourneeplan durch Europa und die USA mit insgesamt über 150 Live-Shows im Jahr.

Das Jahr 2024 begann mit einem weiteren Höhepunkt: Die Band nahm erneut am schwedischen Eurovision-Wettbewerb teil und erreichte den 3. Platz im großen Finale. Ihre Single führte zudem vier Wochen lang die schwedischen Radiocharts an. Ihre aktuelle Headliner-Tour durch Skandinavien gewinnt weiterhin an Fahrt, mit zusätzlichen Shows, da die Termine ausverkauft sind. Danach absolvierte die Band eine erfolgreiche Nordamerika-Tourund steht nun vor einem vollen Herbst und Winter mit geplanten Europa- und Schweden-Touren.

„Alles, was zwischen uns und unseren Träumen steht, zerschmettern wir – Smash Into Pieces.“

https://youtu.be/9v5SJoDin_4
Musik

LAIBACH – ALAMUT

Das slowenische Kollektiv veröffentlicht in Kooperation mit A/POLITICAL ein neues Original-Symphoniewerk.

Aufgenommen mit RTV Slovenia Symphonic Orchestra, Human-Voice Ensemble, Gallina Vocal Group und AccordiOna

Komponiert in Zusammenarbeit mit den iranischen Komponisten Idin Samimi Mofakham und Nima A. Rowshan auf Grundlage einer persischen Erzählung aus dem 11. Jahrhundert.

Laibach und A/POLITICAL haben Details zu „Alamut“ bekannt gegeben, einem symphonischen Originalwerk des slowenischen Kollektivs, das in Zusammenarbeit mit den iranischen Komponisten Idin Samimi Mofakham und Nima A. Rowshan entstanden ist. „Alamut“ wird am 9. Mai 2025 auf Doppel-Vinyl, als Doppel-CD-Box-Set (beide mit ausführlichen Begleitinformationen) und digital über Mute veröffentlicht.

„Alamut“ basiert auf einer Geschichte aus dem Persien des 11. Jahrhunderts, die der slowenische Schriftsteller Vladimir Bartol (1903 – 1967) in seinem gleichnamigen Roman neu erzählte (und später die Videospielserie „Assassin’s Creed“ inspirierte). Die Hauptfigur ist Hassan-i Sabbäh, der charismatische religiöse und politische Führer der Nizari-Ismailiten und Gründer einer geheimnisvollen militärischen Formation, die als die Assassinen bekannt ist und deren Name noch heute gefürchtet wird. Hassan-i Sabbäh ist aber auch ein selbsternannter Prophet, der von seinem Hort aus  – der Burg von Alamut – einen heiligen Krieg gegen das Seldschukenreich führt.

Der Roman von Bartol untersucht hinter dem vordergründig historischen Stoff zugleich die Mechanismen der Propaganda der Gegenwart, den Aufstieg des Faschismus in Italien, den er als Angehöriger der slowenischen Minderheit in Triest miterlebte. Das wiederkehrende Motiv „Nichts ist wahr, alles ist erlaubt“ ist sowohl das oberste Prinzip der Ismaeliten als auch zentrale Leitidee des Romans, der 1938 veröffentlicht und sarkastisch Benito Mussolini gewidmet wurde.

Vor dem Hintergrund der scheinbaren Umwertung aller Werte in der Gegenwart, der Flut widersprüchlicher Informationen, die die Welt beschäftigen, und der zerstörerischen Angriffskriege, die uns im 21. Jahrhundert beherrschen, muss man womöglich konstatieren, dass dieses „Nothing Is True, Everything Is Permitted“ vielleicht aktueller ist denn je.

In Laibachs neunteiliger Nacherzählung von „Alamut“ werden nun die Ideen des radikalen Nihilismus mit der klassischen persischen Poesie von Omar Khayyam (1048 – 1131)verwoben, während die sinnlichen Verse von Mahsati Ganjavi (1089 – 1159) mit minimalistischen Orchesterfarben aus der iranischen Tradition verschmelzen. Hassan-i Sabbähs Propaganda-Methoden widerhallen wiederum im Industrial-Sound des Orchesters und im Klang von Laibach. Die erste Auskopplung aus dem Werk, “Fedayeen”, ist hier zu sehen:

https://youtu.be/wtti-J6yS4o

 

Aufgenommen wurde das Video – wie das gesamte Album – im Rahmen eines von Navid Gohari dirigierten Konzertes im Freilichttheater Križanke im Kloster des Heiligen Kreuzes, Ljubljana, am 6. September 2022. Eigentlich hätte die Produktion, Laibachs fester Überzeugung folgend, dass „kulturelle und politische Unterschiede in diesen komplexen Zeiten durch eine zutiefst offene Zusammenarbeit überwunden werden müssen, allen Widrigkeiten zum Trotz“, in Teheran uraufgeführt und aufgenommen werden sollen, was jedoch aufgrund der politischen Situation unmöglich war. Stattdessen wurde die Gesangsgruppe Human-Voice Ensemble aus Teheran eingeladen, die mit zwei slowenischen Ensembles zusammenarbeitete: der Gallina Vocal Group und AccordiOna, einem 60-köpfigen Akkordeonorchester, sowie dem RTV Slovenia Symphonic Orchestra.

Komponiert wurde “Alamut” von Luka Jamnik (Laibach), Idin Samimi Mofakham und Nima A. Rowshan.

VÖ: 09.05.2025
2LP/2CD-Box/Digital
(Mute/[PIAS])

https://www.youtube.com/watch?v=wtti-J6yS4o

Tracklisting
01 – Overture
02 – Secret Gardens
03 – Fedayeen
04 – Transition
05 – Meditation I
06 – War
07 – Doors of Perception
08 – Metaverse
09 – Meditation II & Epilogue

Aktuell sind Laibach auch weiterhin auf “Opus Dei Revisited-Tour“. Auch ihre jüngste Single, eine Version von Foreigners ‘I Want To Know What Love Is’ wird dort in einer Liveversion zu hören sein.

Tourdaten :
27.02.2025 CH-Lausanne, Les Docks
28.02.2025 IT-Bologna, Link
01.03.2025 SI-Nova Gorica, SNG Nova Gorica
04.03.2025 MK-Skopje, Macedonian Philharmonic
05.03.2025 GR-Athen, Gazarte
06.03.2025 BG-Sofia, Pirotska 5
07.03.2025 RO-Bukarest, Quantic Club
08.03.2025 RS-Belgrad, Dom Omladine
14.03.2025 SI-Celje, SLG Celje
21.03.2025 SI-Maribor, Narodni dom
05.04.2025 BA-Sarajevo, Dom mladih

Laibach:
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Musik

Pariser Alternative-Rocker Storm Orchestra veröffentlichen Album ‚Get Better‘

Pariser Alternative-Rocker Storm Orchestra veröffentlichen neues Album ‚Get Better‘ am 11. April. Mit „Superplayer“ veröffentlichen sie den mittlerweile 4. Song aus dem Album. Vom 31.01. bis 16.02. sind Storm Orchestra mit Royal Republic auf ihrer ‚The LoveCop Tour‘

Die Pariser Alternative Rocker Storm Orchestra kommen 2025 mit ihrem brandneuen Album „Get Better“ auf den Markt, das am 11. April über Mascot Records veröffentlicht wird. Außerdem haben sie das Video zur neuen Single „Superplayer“ veröffentlicht, hier zu sehen:

https://youtu.be/Du6vFG7t9gs

Weitere Videos: Crush the Mirrors ft. Chunk! No, Captain Chunk! – Drummer – Bright Soul

Pre-Save Album „Get Better“: https://lnk.to/stormorchestra

Ab Ende Januar werden sie die Schweden Royal Republic auf ihrer „LoveCop“-Europatour bis zum 16. Februar begleiten.

Storm Orchestra bewegt sich paradoxerweise in einem Raum, der mit Gegensätzen ringt, um sie in einem glorreichen Juwel zu vereinen. Licht und Dunkelheit, Euphorie und Schwere, Glamour und Aggression werden mit einer verlockenden Aura verschmolzen. Es ist eine Musik, die für Stadien gemacht ist, aber die Menschen direkt anspricht. Sie verbindet die Ansteckungskraft von Nothing But Thieves, die fesselnde treibende Kraft von Royal Blood und die melodische Ambition von Muse.

Die drei Pariser haben sich in den letzten Jahren durch den Untergrund der Stadt geschlängelt und ihn erleuchtet. Das Trio aus Maxime Goudard (Gesang, Gitarre), Adrien Richard (Bass) und Loïc Fouquet (Schlagzeug) gilt seit der Veröffentlichung ihrer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2020 als eine Perle in der französischen Alternativszene.

Die neue Single „Superplayer“ zieht eine ironische Parallele zwischen Beziehungen und dem Thema Sport. Zu den Klängen einer entschlossenen, energiegeladenen Melodie wird ein Paar manchmal als ein unzertrennliches, unbesiegbares Team gesehen, manchmal als ein Wettbewerb, bei dem es darum geht, der anderen Hälfte die beste Version von sich selbst zu liefern, um diesen Paar-Teamgeist zu erhalten.

„Ich habe die zweite Strophe dieses Songs geschrieben, und die lustige Geschichte ist, dass ich Fußballfan bin“, sagt Fouquet. „Bei der Bridge haben wir etwas anderes ausprobiert, weil wir das Gefühl hatten, dass wir eine Stadionatmosphäre zum Mitsingen gebrauchen könnten. Ich bin ein großer Fan von Newcastle United. Ich war schon in Newcastle und habe Spiele in Paris und London gesehen. Also haben wir auf der Bridge einen berühmten Gesang angestimmt. Wenn man genau hinhört, erkennt man ihn vielleicht wieder.“

Diesen Monat wurde die Band als Teil von Amazons „Ones to Watch“ für die Serie 2025 ausgewählt. Die Band lieferte eine Version von Nelly Furtados „Maneater“ mit ihrer eigenen Grandiosität, die sie in den Track einstreute.

2024 war das Jahr des Durchbruchs für die Band. Ihre Single „Drummer“ war ihr größter Hit und erhielt enorme Unterstützung in den Jahresendlisten der Streaming-Welt, darunter Deezer 2024 Rock, Amazon Best of 2024: Rock, Spotify Top of The Rock: Best of 2024, und Spotify 2024 Rock Songs You May Have Missed.

Sie haben bereits drei Singles veröffentlicht, die auf „Get Better“ enthalten sind. „Crush the Mirrors“ zeigt die härtere und dunklere Seite ihres Arsenals und wird von Bertrand Poncet – der auch das Album produziert hat – von den französischen Hardcore-Pop-Punk-Crossover-Helden Chunk! No, Captain Chunk! unterstützt, der dem hymnischen Stück seine gutturalen Vocals leiht. „Der Ton, das Thema und die allgemeine Stimmung sind düsterer; ich würde sogar sagen, dass es eine innere Gewalt gibt“, sinniert Fouquet.

„Drummer“ beschäftigt sich mit dem Klischee des Rock-Schlagzeugers, der als wildes, partyfreudiges, unaufhaltsames Wesen dargestellt wird. Goudards Sichtweise als Sänger, dessen zerbrechliche, sensible Persönlichkeit im Gegensatz zu der seines Schlagzeugers steht. Es drückt seinen Wunsch aus, das Leben wie ein Schlagzeuger zu leben, mit all dem Drama, das damit verbunden ist. Liest man zwischen den Zeilen, so beschreibt der Song ein verherrlichtes wildes Leben, das tiefe emotionale Wunden verbirgt. In dem schimmernden „Bright Soul“ spricht Goudard über seine Angst, seine dunkle Seite über die Person, die er sein möchte, zu stellen.

Angetrieben von ihren hochintensiven Liveshows verkaufen sie nun die Clubs in ganz Frankreich aus. Goudard meint: „Wir kommen immer mit dem größten Lächeln und einer verrückten Ladung Energie zu einer Show. Wir wollen, dass die Leute Energie tanken, Dampf ablassen und Lust auf mehr bekommen. Wir sind immer direkt nach dem Set erschöpft; wenn nicht, ist etwas schief gelaufen!“

„Get Better“ berührt gesellschaftliche Themen, Beziehungen und die inneren Kämpfe, die wir alle haben, zusammen mit der dunklen Seite der eigenen Persönlichkeit. „Für mich hängt das alles zusammen“, erklärt der Sänger. „Die Gesellschaft macht uns verletzlich, also brauchen wir Liebe, um uns bei Verstand zu halten. Alles ist also nur ein Teil eines großen Puzzles.“

Storm Orchestra befindet sich an diesem Ort zwischen unserer „Maske“ und den komplexen Emotionen, die durch unser Gehirn kaskadieren. „Das Album repräsentiert den inneren Kampf“, sinniert Goudard. Er fügt hinzu: „Morgens bist du wütend auf die Gesellschaft, aber du sagst dir: ‚Ich muss einen guten Tag haben, also höre ich mir einen Partysong an, um mich zum Lächeln zu bringen‘, und es ist dieser Kampf in uns. Es ist ein innerer Kampf.“

Sie haben auf Festivals brilliert, auf einer Deutschlandtournee im September mit Lonely Spring die Massen in ihren Bann gezogen und im vergangenen November im Vorprogramm von Black Stone Cherry die große Bühne des Pariser L’Olympia gespielt.

Selten wurde die Komplexität unserer Kämpfe, die sie in „Bright Soul“, „Drummer“, „Crush the Mirrors“, „Tear Myself Down“ und „Get Back in Time“ ansprechen, zusammen mit dem gesellschaftlichen Gewicht von Titeln wie „We Will Be The Last“, „Our Victory“ und „Cut Loose, Somehow“, mit einer derartigen viszeralen und üppigen Wirkung verpackt – Storm Orchestra ist hier, um eure neue Lieblingsband zu werden.

Storm Orchestra Live Dates:

31 Jan – Poznan, Tama – POLAND (Sold Out)
01 Feb – Warsaw, Prxima – POLAND
02 Feb – Krakow, Kwadrat – POLAND
04 Feb – Prague, Sasazu – CZECH REPUBLIC
05 Feb – Graz, Oepheum – AUSTRIA
07 Feb – Salzburg, Rockhouse – AUSTRIA (Sold Out)
08 Feb – Vienna, Arena – AUSTRIA (Sold Out)
09 Feb – Vienna, Arena – AUSTRIA
11 Feb – Budapest, Barba Negra – HUNGARY
12 Feb – Linz, Posthof – AUSTRIA
13 Feb – Milan, Santeria Toscana 31 – ITALY
15 Feb – Bern, Bierhübeli – SWITZERLAND
16 Feb – Eindhoven, Effenaar – THE NETHERLANDS

Storm Orchestra Online:
stormorchestra.com/
tiktok.com/@storm.orchestra
facebook.com/stormorchestra
instagram.com/storm_orchestra
youtube.com/c/StormOrchestra
twitter.com/storm_orchestra

Musik

ZUM 40. JAHRESTAG VERÖFFENTLICHT HEUTE JEAN-MICHEL JARRE EINE NEU GEMASTERTE AUFLAGE VON „ZOOLOOK“

Zur Feier seines 40-jährigen Jubiläums kehrt Jean-Michel Jarres genreübergreifendes Album „Zoolook“ in einer neu gemasterten Jubiläumsausgabe zurück.

Das 1984 veröffentlichte Album verband elektronische Musik mit bahnbrechenden Vokal-Samples und ist eines der ersten Alben, das Sampling-Technologie umfassend nutzte.

Die neu remasterte Jubiläumsausgabe, die digital, auf Vinyl und auf CD erhältlich ist, enthält den Bonustrack „Moon Machine“.

Der Klang von „Zoolook“ ist geprägt durch die Verwendung des Fairlight CMI, eines der ersten digitalen Sampling-Synthesizer, mit dem Jarre Vokallaute aus 25 verschiedenen Sprachen manipulieren konnte.

Dieser breite, multikulturelle Ansatz schuf ein Album in der Tradition von Jarres früherem Mentor, dem Musique-concrète-Pionier Pierre Schaeffer, dessen Techniken die Einbeziehung von Klängen aus der realen Welt in musikalische Kompositionen förderten.

Mit „Zoolook“ schuf Jarre eine „phonetische Symphonie“, indem er Stimmproben aus aller Welt zusammenfügte, ohne die Absicht, einen bestimmten kulturellen oder geografischen Klang zu reproduzieren.

Stattdessen wurden die Stimmen zu integralen Bestandteilen von Jarres einzigartigem musikalischen Gesamtwerk.

Auf den Titeln „Ethnicolor“ und „Diva“ ist die Avantgarde-Sängerin in einer imaginären Sprache Laurie Anderson zu hören.

Einige der Gesangsaufnahmen entstanden auf Jarres Reisen, andere verwenden Tonbandaufnahmen der französischen Ethnologen Xavier Bellanger.

Original Video zu „Ethnicolor“:

https://www.youtube.com/watch?v=k-DzKDbSyWk

Jarre über die „40th Anniversary Edition“:

„‚Zoolook` sollte den Klang menschlicher Stimmen und die Verbindungen von Kultur und Technologie erkunden. Ich wollte die verschiedenen Klänge der Menschheit zusammenführen und eine musikalische Sprache ohne Worte schaffen, die universell verständlich ist. Ich freue mich, dieses Projekt anlässlich seines 40-jährigen Jubiläums wieder aufzugreifen und damit sowohl sein Vermächtnis als auch die Hörer zu ehren, die es im Laufe der Jahre angenommen haben.“

Dass „Zoolook“ auch heute noch Relevanz besitzt, zeigen die zahlreichen Shorts auf Social Media zum Track „Ethnicolor“.

Armin van Buuren äußerte sich in einem Interview zu „Ethnicolor“, das Lied sei sein „All-Time-Favorite Track“ und der Grund „für seine Intros bei Live Shows“.

Tracklisting:
Ethnicolor
Diva
Zoolook
Wooloomooloo
Blah Blah Cafe
Ethnicolor II
Zoolookologie
Moon Machine (Bonus Track)

Erstmalig seit 2016 wird Jean-Michel Jarre im Sommer 2025 in Deutschland spielen.
11. Juli 2025 – Stuttgart, Schlossplatz

ÜBER JEAN-MICHEL JARRE

Jean-Michel Jarre war in seinem Bereich schon immer ein Futurist. Im Laufe seiner glanzvollen Karriere hat der Komponist, Künstler, Produzent und Kulturbotschafter mit seiner Musik und seiner Beherrschung kreativer Innovation immer wieder neue Wege beschritten. Von seiner frühen Pionierrolle in der elektronischen Musik über den Einsatz von Mehrkanal-Audiotechnologie und -produktion bis hin zu seinen jüngsten Erkundungen in den Bereichen VR-Performance und Metaverse steht die Technologie bei allem, was er tut, im Vordergrund.

Er wird mit den Worten zitiert: „Heute ist die aufregendste Zeit, um etwas zu erschaffen, Musik zu machen und sie über so viele Medien zu teilen.“

Jarre ist UNESCO-Botschafter für Bildung, Wissenschaft und Kultur, ein bedingungsloser Verteidiger des Planeten und der Umwelt und Träger der Stephen-Hawking-Medaille für wissenschaftliche Kommunikation.

Jarres Katalog, der mittlerweile 22 Studioalben umfasst, hat bis heute weltweit mehr als 85 Millionen Mal verkauft und ihm unzählige Auszeichnungen und Nominierungen eingebracht.

Im Laufe seiner Karriere hat Jarre einige der bekanntesten Wahrzeichen und UNESCO-Welterbestätten auf der ganzen Welt als Leinwand für seine kreative, kulturelle und umweltbezogene Botschaft genutzt.

Er war der erste westliche Musiker, der zu einem Auftritt in China eingeladen wurde, und hat außerdem Konzertveranstaltungen an den Großen Pyramiden in Ägypten, in der Sahara, in der Verbotenen Stadt und auf dem Tiananmen-Platz,

vor dem Eiffelturm, am Toten Meer, in Al Ula und an weiteren Orten konzipiert und durchgeführt. Er hat auf allen Kontinenten regelmäßig ausverkaufte Arena- und Stadiontourneen gespielt und ist bei Festivals wie dem Coachella aufgetreten.

Im Jahr 2021 läutete er das neue Jahr mit „Welcome To The Other Side“ ein, einer bahnbrechenden Livestream-Übertragung, die weltweit aus einer virtuellen Notre-Dame in Paris ausgestrahlt wurde.

Die Fachzeitschrift für die Unterhaltungsbranche US Pollstar gibt an, dass der Livestream ein rekordverdächtiges Publikum von über 75 Millionen Zuschauern weltweit über verschiedene Plattformen, Fernsehkanäle und VR anzog.

Am 25. Dezember 2023 führte Jarre zur Feier des 400. Jahrestags des Château de Versailles „Versailles 400“ auf, speziell für den Anlass konzipiert wurde und live aus dem Spiegelsaal und in der virtuellen Realität übertragen.

Im Mai 2024 spielte er zur Eröffnung der siebten Ausgabe des Starmus Festivals in Bratislava, Slowakei, das einmalige Konzert „Bridge From The Future“ mit dem Ehrengast Sir Brian May vor über 100.000 Menschen.

Im September 2024 war er der Hauptact bei der Abschlussfeier der Olympischen Spiele in Paris. In 2025 wird Jarre ausgewählte Live-Shows in Europa spielen.

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New Red Order, "Cover the Earth (detail)" (2021), painted mural with cut vinyl, dibond prints, kiddie pool, sod, in atable alligator, turtle sandbox, beach towels, towel racks, beach balls, beach chairs, beach umbrella, real estate lawn sign, cooler, and pool noodles; dimensions variable (all images courtesy Artists Space, New York; photo: Filip Wolak)
Musik

EMAF 2025 – Artists in Focus

Mit der Sektion Artists in Focus würdigt das EMAF Künstler*innen, deren Praxis sich zwischen Kunst und Kino verortet und gängige Vorstellungen von filmischen Erzähl- und Arbeitsformen erweitert.

Wir freuen uns sehr, in diesem Jahr New Red Order (NRO) als Artists in Focus begrüßen zu können – genauer: NRO and Company, denn neben Filmen der Hauptmitwirkenden Adam Khalil (Ojibway), Zack Khalil (Ojibway) und Jackson Polys (Tlingit) werden auch Arbeiten zu sehen sein, die in Zusammenarbeit mit Bayley Sweitzer, Maria Meinild, Anton Vidokle und anderen Konstellationen entstanden sind.

NRO ist eine öffentliche Geheimgesellschaft, die in Netzwerken von Mitwirkenden, Kompliz*innen und Informant*innen arbeitet. In Filmen, Installationen und Performances, in kollektiven Projekten wie Give It Back und mit Partnerorganisationen wie Creative Time setzt sich NRO mit einer kolonialen Siedlergesellschaft auseinander, die gleichermaßen von der Sehnsucht nach dem Indigenen wie der gewaltsamen Vernichtung und Vertreibung von indigenem Land und Leben geprägt ist. NRO stellt die Frage, wie diese Sehnsucht auf produktive und nachhaltige Weise kanalisiert werden kann: „Unser Ziel ist es, Schuld und Scham zu überwinden, nicht um sie zu beseitigen und hinter uns zu lassen, sondern um durch sie und jenseits von ihr etwas zu imaginieren, das Indigene Zukünfte im Blick hat und befördert.“ (NRO)

New Red Order, "Cover the Earth (detail)" (2021), painted mural with cut vinyl, dibond prints, kiddie pool, sod, in atable alligator, turtle sandbox, beach towels, towel racks, beach balls, beach chairs, beach umbrella, real estate lawn sign, cooler, and pool noodles; dimensions variable (all images courtesy Artists Space, New York; photo: Filip Wolak)
New Red Order, „Cover the Earth (detail)“ (2021), painted mural with cut vinyl, dibond prints, kiddie pool, sod, in atable alligator, turtle sandbox, beach towels, towel racks, beach balls, beach chairs, beach umbrella, real estate lawn sign, cooler, and pool noodles; dimensions variable (all images courtesy Artists Space, New York; photo: Filip Wolak)

NRO verwenden in ihren Arbeiten eine Vielzahl von Formen und Strategien, die vom Genrekino und Experimentalfilm bis hin zu Werbefilm und Manifest reichen, immer verbunden mit Humor, Aufrichtigkeit und gewissenhafter Recherche. Ihr Ziel ist es, unsere politische Vorstellungskraft zu erweitern und Wege hin zu einer für alle lebenswerten Zukunft zu weisen.

„In unserer gemeinsamen Arbeit versuchen wir, geschickte und ungewöhnliche konzeptuelle Rahmungen zu entwickeln, die uns erlauben, die Widersprüche, Fehler und Traumata, die die Geschichte des kolonialen Projekts seit 1492 auszeichnen, zu untersuchen, neu zu arrangieren und sogar zu parodieren. Wir stellen die Sicherheit und Stagnation normativer Einstellungen im Hinblick auf diese schwierigen Themen in Frage und versuchen stattdessen, die Strukturen für konzeptuell fruchtbarere Vorstellungen davon zu schaffen, wie ‚Identität‘ und ‚Geschichte‘ in unserem gegenwärtigen Verständnis von Dekolonisierung, Versöhnung und Siedlerkolonialismus vermittelt und konfiguriert werden.“ (Adam Khalil)

Eine zentrale Arbeit im Programm ist der erste gemeinsam von Adam Khalil und Zack Khalil realisierte Langfilm INAATE/SE/ [it shines a certain way. to a certain place/it flies. falls./] (2016), der die Prophezeiung der Sieben Feuer, eine Erzählung der Anishinaabe, aufgreift. Sie sagt den Erstkontakt mit den Europäern vorher, lange bevor dieser sich ereignete. In INAATE/SE/ gehen Adam und Zack den intergenerationalen Spuren dieser Erzählung in ihrer eigenen indigenen Gemeinschaft nach.

In Never Settle: The Program (2018) wechseln sich Bilder eines von Siedlerhand zerstörten Planeten ab mit gruppentherapeutischen Aktionen, in denen willige Siedler*innen ihren eigenen Wunsch indigen zu werden erforschen und überwinden können. Als Video zur Anwerbung neuer Mitglieder angelegt, befragt NRO die Dynamiken von Kompliz*innenschaft, den Wunsch nach Wiedergutmachung und die Kooptierung indigener Anliegen durch Nicht-Indigene.

Nosferasta: First Bite (2021) von Adam Khalil, Bayley Sweitzer und Oba, einem in Brooklyn lebenden Künstler und Musiker aus Trinidad, übersetzt 500 Jahre kolonialer Zerstörung in die Sprache des Vampirfilms. Er folgt Oba, der als afrikanischer Sklave an einer Küste strandet, und Christoph Columbus, durch dessen Biss er zum Vampir wird, auf ihrem Weg durch die „Neue Welt“, die sie nach und nach kolonial infizieren. In einem unkonventionellen Stil- und Genremix erzählt Nosferasta von der Schwierigkeit Jahrhunderte vampirischer Konditionierung zu überwinden. Wie kann man dekolonisieren, was man selbst im Blut hat?

https://www.youtube.com/watch?v=WD59WaNxnM0

Die Filme von NRO und ihren oft langjährigen Mitstreiter*innen werden ergänzt durch zwei von Adam Khalil zusammengestellte Kurzfilmprogramme. In Anti Ethnography sind Filme aus mehreren Jahrzehnten zu sehen, die sich aus indigener Perspektive mit dem ethnografischen Blick auseinandersetzen. Ein zweites Programm wird den europäischen Booklaunch von Temporal Territories. An Anthology of Indigenous Experimental Cinema begleiten, einer jüngst vom COUSIN Collective (Sky Hopinka, Adam Khalil, Alexandra Lazarowich und Adam Piron) herausgegebenen Publikation. In diesem Rahmen werden die Filme einiger der im Buch vorgestellten Künstler*innen zu sehen sein, unter anderen Walter Scotts neuer Kurzfilm Organza’s Revenge.

Das 38. European Media Art Festival findet vom 23. bis zum 27. April 2025 in Osnabrück statt.

Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird bis zum 25. Mai 2025 zu sehen sein.

www.nativeartsandcultures.org/new-red-order

www.emaf.de/

Musik

38. European Media Art Festival

Das EMAF gibt mit seinem Programm nicht nur einen jährlichen Überblick über das medienkünstlerische Schaffen der Gegenwart, sondern greift auch Entwicklungen und Diskurse auf, die unser gesellschaftliches Zusammenleben prägen – seien sie künstlerischer, technologischer oder politischer Art.

Diese Auseinandersetzung findet insbesondere im Rahmen des Festivalthemas statt, dessen Ausarbeitung in den Händen eines jährlich wechselnden kuratorischen Teams liegt.

Mit dem kommenden Themenschwerpunkt Witnessing Witnessing (Das Bezeugen bezeugen) möchte sich die Veranstaltung der Frage widmen, welche Rolle Zeug*innen gegenwärtig zukommt, wie Zeugnisse – Aussagen, Dokumente, einzelne Dinge oder ganze Archive – unseren Blick auf die Welt prägen und wie sie in politische Wirklichkeit hineinwirken können.

Das 38. European Media Art Festival findet vom 23. bis zum 27. April 2025 in Osnabrück statt.

Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird bis zum 25. Mai 2025 zu sehen sein.

www.emaf.de/

Musik

20 JAHRE LE FLY TOUR mit 13 Konzerten bundesweit ist angekündigt und im Vorverkauf

LE FLY ist eine Hamburger Band die mit ihrer ätzend fröhlichen Gute-Laune jedes Festival und jeden Club in Bewegung versetzt und dabei Rock, Rap, Ska und Reggae so souverän verlötet, als seien es eineiige Vierlinge.

Oldschooler würden sagen Crossover. LE FLY sagen St.Pauli Tanzmusik und feiern 2025 ganzjährig ihr 20 jähriges Bestehen als Live-Band mit circa 50 Konzerten und einem Live-Album.

Begonnen hat das Geburtstagsjahr 2025 Jahr mit einer Veröffentlichung – der längst überfälligen Live-LP! Überfällig, da LE FLY eine der stärksten Livebands Deutschland ist. Die Band kommentiert diese Unterstellung: „Live spielen ist das was uns ausmacht und was wir am liebsten machen: Live auf einer Bühne, laut, um die Ohren und in die Beine.“

Ein neues Live-Video vom Song „No Tan Solo“ jetzt auf YouTube, hier zu sehen:

https://youtu.be/m5vHoTfA7BE

Im Februar und März 2025 spiel(t)en LE FLY eine 14 Städte Tour als support für die Rogers.

Im Sommer diesen Jahres sind LE FLY auf mindestens 15 Festivals zu sehen. Unter anderem das Deichbrand ist bereits bestätigt.

Im Herbst folgt die bundesweite 13 Städte Headline-Tour unter dem Motto 20 JAHRE LE FLY. Hier die Übersicht aller Termine: https://www.reservix.de/tickets-le-fly/t13358

LE FLY trümmerten in ihrer bisherigen Bandgeschichte schon über 500 Konzerte. Los ging es 2005 mit ersten Gigs auf WG-Partys. Erstmals öffentlich in Erscheinung getreten sind die St. Paulianer mit Hang zum hyperaktiven Unterhaltungsextrem auf einer Veranstaltung namens „Rock meets Rap“ im legendären Hamburger Kiez Club Molotow. 2008 folgten erste Festival-Shows, und ab 2009 bis einschließlich 2025 sind LE FLY die weltweit einzige Band, die seitdem und durchgängig jedes einzelne Jahr auf das Deichbrand eigeladen wurde. Neben den jährlichen ausschweifend zelebrierten Festival-Sommern sind LE FLY seit 2010 auch regelmäßig auf den Club-Bühnen in ganz Deutschland und darüber hinaus zu erleben. Vereinzelt spielten LE FLY auch Konzerte im Ausland, bisher in Russland, Dänemark, der Schweiz und Luxemburg. Geträumt wird bandseitig von einer baldigen Konzertreise nach Südamerika. Signale verdichten sich nach der 2024 mit der kolumbianischen Band Doctor Krápula veröffentlichen Video-Single AI.

Als support durften LE FLY bisher u.a. für ZSK, Panteon Rococo, The Offspring, die Rogers oder die 257ers eröffnen. Auf ihren bislang vier Studio-Alben und zahllosen weiteren Singles, allesamt größtenteils im DIY-Verfahren aufgenommen, produziert und über das bandeigene Label St. Pauli Tanzmusik veröffentlicht, reihte sich eine Song gewordene Hüpfburg an die nächste. Die Band hat sich jedoch seit La Vie, Oder Was? (VÖ 2022) in Sachen Genre-Durcheinander ein wenig verdichtet. Den Fokus bilden die drei großen „R’s“: Rock, Reggae und Rap in der LE FLY typischen Radikalverdichtung mit sofort ins Ohr gehenden Hooks wie in der Single-Auskopplung „L’amour“, dem aktuell am meisten gestreamten LE FLY Titel. Gefolgt von „St.Pauli Tanzmusik„, einem 9 Minuten Posse-Song mit zahlreichen Feature-Acts, u.a. Liedfett, Sondaschule, Jaya The Cat, 257ers, Flo Mega und Captain Gips von Neonschwarz.

LE FLY Weblinks & Socials:
https://www.instagram.com/lefly.stpaulitanzmusik
http://spoti.fi/2vKc9SF
https://www.youtube.com//LEFLYStPauliTanzmusik
http://www.facebook.com/tanzmusik
https://www.lefly.de/

20 JAHRE LE FLY – TOUR: präsentiert von kingstar & kulturnews

06.11.25 Nürnberg, Club Stereo
07.11.25 München, Backstage
08.11.25 Stuttgart, Club Cann
13.11.25 Köln, Helios
14.11.25 Leipzig, Naumanns
15.11.25 Bremen, Schlachthof
20.11.25 Düsseldorf, Ratinger Hof
21.11.25 Hannover, Faust
22.11.25 Kiel, Pumpe
27.11.25 Berlin, Badehaus
28.11.25 Frankfurt, Nachtleben
29.11.25 Münster, Sputnikhalle
06.12.25 Lübeck, Treibsand

 

 

Musik

P.O.D. veröffentlichen in Kooperation mit Andrés Giménez von A.N.I.M.A.L. die gemeinsame Version ihres Hits “I WON’T BOW DOWN”

Die mit Platin ausgezeichneten Superstars P.O.D. haben eine neue Version ihrer Hitsingle „I WON’T BOW DOWN“ in Zusammenarbeit mit Sänger/Gitarrist Andrés Giménez von der argentinischen Metal Band A.N.I.M.A.L. veröffentlicht.

Das Original stammt aus ihrem letzten Studioalbum VERITAS von 2024. „Ich bin sehr glücklich, dass ich diese wunderbare Einladung erhalten habe, eine neue englisch/spanische Version zu machen. Das ist wirklich fantastisch“, sagt Andrés. „P.O.D. und A.N.I.M.A.L. sind so etwas wie eine Bruderschaft. Ich habe aufrichtigen Respekt, Bewunderung und Wertschätzung für P.O.D.“

Giménez war Mitbegründer von A.N.I.M.A.L., die in den 1990er Jahren mit ihrer Mischung aus Groove und Thrash Metal aus der Szene von Buenos Aires heraus explodierten. Sie feierten große Erfolge, indem sie in Argentinien ausverkaufte Shows spielten und durch Latein- und Nordamerika sowie Europa tourten. Sie spielten mit Bands wie Pantera, Bad Religion, Megadeth, Sepultera und Slipknot und nahmen im Jahr 2000 an der legendären Warped Tour neben Green Day, No Doubt, NOFX und Papa Roach teil. Sie haben 8 Studioalben veröffentlicht, darunter 1998 das Album Poder Latino, das von Max Cavelera produziert wurde und an dem Robert Trujillo, Christian Olde Wolbers (Fear Factory) und Jimmy DeGrasso (Megadeth/Suicidal Tendencies/Ozzy Osbourne) mitwirkten.

https://youtu.be/cEmsG6M8kJU?si=CVj9aM86ANu4-eAF

P.O.D.-Gitarrist Marcos Curiel fügt hinzu: „Auf unserer Reise durch das Leben tauchen bestimmte Songs auf, die bei unserer Generation und denen, die noch kommen, einen tiefen Eindruck hinterlassen. „I Won’t Bow Down“ ist eines dieser Juwelen. Er ist in jedem Sinne des Wortes von Herzen kommend und durch und durch hymnisch.“

P.O.D. werden die US-Hardrocker Godsmack als Gäste auf ihrer Godsmack World Tour 2025 von März bis April begleiten.

Die Tour beginnt am 22. März mit einer ausverkauften Show in der Sofia Arena in Bulgarien und führt dann durch Rumänien (Bukarest), Ungarn (Budapest), Polen (Gliwice), Österreich (Wien), Kroatien (Zagreb), Tschechien (Prag), Deutschland (München, Berlin, Offenbach), Großbritannien (London), Belgien (Brüssel) und endet mit zwei Shows in Deutschland, Hamburg und schließlich am 12. April in der Turbinenhalle in Oberhausen.

Darüber hinaus hat die Band eine Reihe von europäischen Headline-Terminen angekündigt: am 13. April im 013 in Tilburg, Niederlande, am 16. April im Roxy in Prag, Tschechische Republik und am 18. April im Progresja in Warschau, Polen.

Sonny Sandoval über die Tour: „Wir freuen uns so sehr darauf, nach Europa zurückzukehren und unser neues Album VERITAS mit unseren Freunden Godsmack und Drowning Pool zu feiern. Wir wissen, dass dies die Rock’n’Roll-Show sein wird, an die man sich erinnern wird.“

Im Mai letzten Jahres veröffentlichten P.O.D. ihr 11. Album VERITAS über Mascot Records. Das Album war ein Top-10-Hit in den U.S. Billboard Current Hard Rock-, Current Rock- und Current Alternative-Albumcharts und hat bereits 48 Millionen Streams übertroffen.

Die Band hat mehrere Singles aus dem Album veröffentlicht, darunter DROP, AFRAID TO DIE, I GOT THAT, und I WON’T BOW DOWN. DROP feat. Lamb of God-Sänger Randy Blythe, die Single AFRAID TO DIE wird von Jinjer-Sängerin Tatiana Shmayluk gesungen.

Die Band steht auch 2024 noch nicht still! Sie haben nicht nur VERITAS veröffentlicht, sondern waren auch mit Skindred in Großbritanien auf Tour. Sie sind mit euphorischen Festival-Sets auf dem Graspop, Summerside und Rock For People inEuropa aufgefallen. Sie waren Support für Mudvayne, gingen auf ihre I Got That“-Headline-Tour durch die USA mit den Special Guests Bad Wolves und Norma Jean, spielten auf Festivals wie Louder Than Life, Aftershock, Sonic Temple und Welcome to Rockville und schlugen Wellen auf der Shiprocked-Kreuzfahrt. Im Oktober tourten sie durch Lateinamerika und spielten das Knotfest und Headline-Shows in Brasilien sowie Shows in Chile, Kolumbien und Mexiko.

Godsmack beendeten kürzlich ihre fulminante US-Tournee. Sowohl Godsmack als auch P.O.D. verfügen über jahrzehntelange Tournee-Erfahrung und wissen genau, was die Massen wollen!

Tour Dates
29-Mar-2025 Austria – Vienna, Gasometer
01-Apr-2025 Germany – Leipzig, Haus Auensee
02-Apr-2025 Germany – Munich, Zenith
04-Apr-2025 Germany – Berlin, Columbiahalle
05-Apr-2025 Germany – Offenbach, Stadthalle
11-Apr-2025 Germany – Hamburg, Inselpark Arena
12-Apr-2025 Germany – Oberhausen, Turbinenhalle

P.O.D. sind Sonny Sandoval [vocals], Marcos Curiel [guitar], and Traa Daniels [bass].

P.O.D. Online:
payableondeath.com/
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instagram.com/pod/
https://www.tiktok.com/@officialpod
twitter.com/pod

Musik

SONO „Lost Lovers Motel“

Mit ihrem neuen Album Lost Lovers Motel entführen SONO ihre Fans auf eine emotionale Reise durch die Klangwelten der Achtziger.

Es ist ein musikalisches Konzeptalbum, das mit seinen 13 Tracks tief in die Atmosphäre von Retro-Sounds und Synthwave eintaucht. Getragene Melodien, pulsierende Retro-Beats und dichte Arrangements zeichnen das bisher homogenste Werk der Hamburger Band aus.

Lost Lovers Motel erzählt Geschichten von Liebe, Verlust und Angst – Gefühle, die zeitlos und universell sind. Das Album beleuchtet die Schattenseiten der Romantik ebenso wie ihre leuchtenden Momente. Schon die vorab veröffentlichten Singles Like Glass und 1984 geben einen vielversprechenden Vorgeschmack auf die neue Klangästhetik, die mit melancholischen Synthesizern und eindringlichem Songwriting überzeugt.

Passend zum Valentinstag erscheint das Album am 14. Februar 2025 und wird von einer ausgedehnten Deutschlandtour begleitet. SONO laden ihre Hörerinnen und Hörer ein, ins Lost Lovers Motel einzuchecken – ein Ort, der Nostalgie, Emotion und musikalische Tiefe miteinander verbindet.

Dieses Album ist nicht nur ein Schritt in eine neue künstlerische Richtung, sondern auch ein Statement der Band, sich neu zu definieren, ohne ihre Wurzeln zu verlieren.

https://youtu.be/Zs0ULbFJ5H8

Pre-Listening-Link:

SONO ON TOUR 2025:
28.03.2025 Rostock – M.A.U. Club
04.04.2025 München – Backstage
05.04.2025 Stuttgart – Club CANN
11.04.2025 Berlin – Lido
12.04.2025 HH – Markthalle
19.04.2025 Oberhausen – Kulttempel
20.04.2025 Rüsselsheim – Das Rind
25.04.2025 Leipzig – Werk2 (Halle D)
26.04.2025 Dresden – Groove Station

Musik

Laut feiern, leise schlafen: Tipps für dein Festival

Festivals sind der Inbegriff von Sommer, Musik und unvergesslichen Erlebnissen.

Doch zwischen lauten Konzerten, feiernden Menschen und durchfeierten Nächten kann die Belastung für Körper und Ohren enorm sein. Schlafmangel und anhaltender Lärm sind typische Begleiter solcher Events – und genau hier setzt die Frage an: Wie lässt sich das Festivalerlebnis genießen, ohne die Gesundheit zu gefährden?

Gehörschutz in unterscheidlichsten Ausführungen
Gehörschutz in unterscheidlichsten Ausführungen

In diesem Ratgeber zeigen wir dir, wie du auf einem Festival schlafen kannst, ohne dich von dem Trubel gestört zu fühlen, und wie du gleichzeitig dein Gehör vor schädlichem Lärm schützt. Mit den richtigen Tipps und Tools wird dein Festivalbesuch zum entspannten und sicheren Erlebnis.

Warum Schlaf und Gehörschutz auf Festivals wichtig sind

Schlaf: Auch wenn Festivals für lange Nächte bekannt sind, ist ausreichender Schlaf entscheidend, um die Energie für mehrere Tage voller Musik und Spaß zu bewahren. Schlafmangel kann die Laune drücken, die Konzentration beeinträchtigen und das Immunsystem schwächen.

Gehörschutz: Laute Musik und ständiger Lärmpegel können das Gehör nachhaltig schädigen. Wer sich ohne Schutz in der Nähe von Lautsprechern oder in großen Menschenmengen aufhält, riskiert Tinnitus oder gar einen dauerhaften Hörverlust.

Schlafen auf einem Festival – So klappt’s trotz Lärm

  1. Die richtige Zeltwahl:
    • Wähle ein Zelt aus dickerem Material, das Geräusche besser dämpft.
    • Suche dir einen Schlafplatz abseits der Bühnen und Hauptwege, idealerweise in einem ruhigeren Bereich des Festivalgeländes.
  2. Nutze Schlafgehörschutz:
    • Speziell entwickelte Ohrstöpsel für den Schlaf helfen, störende Geräusche wie Gespräche oder Musik zu reduzieren, während du trotzdem wichtige Geräusche wie einen Wecker oder Notrufe wahrnehmen kannst.
    • Die Schlafgehörschutz-Ohrstöpsel von Berlin Ear Guard sind perfekt für diese Situationen geeignet. Sie sind bequem für Seitenschläfer und blockieren den Großteil des Lärms – weitere Infos hier.
  3. Plane deine Ruhezeiten:
    • Versuche, tagsüber einige Stunden Schlaf nachzuholen, falls die Nächte kurz sind.
    • Powernaps sind eine großartige Möglichkeit, zwischendurch Energie zu tanken.
  4. Vermeide Alkohol vor dem Schlafen:
    • Auch wenn ein Bier oder ein Cocktail entspannend wirken kann, beeinträchtigt Alkohol die Schlafqualität und verstärkt das Gefühl von Erschöpfung am nächsten Tag.
Gehoerschutz
Gehörschutz

Feiern ohne das Gehör zu gefährden

Festivals stehen für laute Musik und eine energiegeladene Atmosphäre – doch diese Geräuschkulisse kann das Gehör belasten. So schützt du dich effektiv:

  1. Trage Konzertgehörschutz:
    • Hochwertige Konzertgehörschutz-Ohrstöpsel filtern schädliche Frequenzen, während du die Musik in ihrer vollen Qualität genießen kannst.
    • Die Konzert-Ohrstöpsel von Berlin Ear Guard sind speziell für Festivals entwickelt. Sie schützen dein Gehör vor schädlichen Lautstärken, ohne das Musikerlebnis zu beeinträchtigen – hier nachlesen.
  2. Halte Abstand zu den Lautsprechern:
    • Der Bereich direkt vor den Boxen ist am lautesten und kann schnell Gehörschäden verursachen. Ein paar Meter Abstand reichen oft schon aus, um die Lautstärke auf ein sicheres Maß zu reduzieren.
  3. Gönne deinen Ohren Pausen:
    • Verlasse zwischen den Konzerten kurz die lauten Bereiche und gönne deinem Gehör einige Minuten Ruhe.
    • Nutze diese Zeit, um dich zu entspannen und auf das nächste Konzert vorzubereiten.
Ohrstöpsel in allen Farben und Größen
Ohrstöpsel in allen Farben und Größen

Was tun, wenn die Ohren klingeln?

Tritt nach einem Konzert ein vorübergehendes Klingeln oder ein dumpfes Gefühl in den Ohren auf, solltest du Folgendes beachten:

  • Ruhe bewahren: In den meisten Fällen verschwinden diese Symptome innerhalb weniger Stunden.
  • Vermeide weitere Lärmbelastung: Halte dich in ruhigen Bereichen auf und verzichte auf laute Musik.
  • Arzt aufsuchen: Hält das Ohrgeräusch länger als 24 Stunden an oder wird schlimmer, ist ein Besuch beim HNO-Arzt dringend empfohlen.

Fazit: Festivals genießen und trotzdem gesund bleiben

Ein Festival muss nicht auf Kosten von Schlaf oder Gehörschutz gehen. Mit der richtigen Vorbereitung kannst du die Nächte durchfeiern, deinen Lieblingsbands lauschen und trotzdem deine Gesundheit bewahren.

Egal, ob du dir mit Schlafgehörschutz eine wohlverdiente Pause gönnen möchtest (weitere Infos hier) oder dein Gehör während der Konzerte mit Konzert-Ohrstöpseln schützt (hier nachlesen): Kleine Maßnahmen können einen großen Unterschied machen.

Mach dich bereit für unvergessliche Momente – ohne Kompromisse bei deiner Gesundheit!

Musik

SAXON veröffentlichen Video zur neuen Single „1066“

Zur Feier ihrer bevorstehenden Hell, Fire And Steel-Tour veröffentlichen SAXON das dramatische Video zur neuen Single „1066“ von ihrem von der Kritik gefeierten 24. Studioalbum Hell, Fire And Damnation, das jetzt über Silver Lining Music erhältlich ist.

Biff Byford von Saxon sagt: „Ein durch und durch britischer Song, die massive Invasion… Tatsächlich war es das Ende der Sachsen, also singe ich über den Untergang der Sachsen. Ich habe vor einiger Zeit ein Lied mit Amon Amarth gemacht, das heißt „Saxons and Vikings“, das vom Ende der Wikinger in England und dem Aufstieg der Sachsen handelt, also dachte ich, ich könnte genauso gut ein Lied machen, etwa sechs- oder siebenhundert Jahre später, als Wilhelm der Eroberer herüberkommt und die Sachsen. Wir werden den Song nächsten Monat auf der Hell, Fire And Steel-Tour spielen, was fantastisch wird.“

Schaut euch das Video zur Single „1066“ hier an – sächsische und normannische Kämpfer, gespielt von Stronghold Reenactment; Regie, Produktion und Schnitt des Videos übernahm Paul M Green.

In der Zwischenzeit sind die Tickets für die Hell, Fire and Steel Tour schnell ausverkauft, viele der Shows der Band sind bereits ausverkauft, darunter die allererste Show in Bremen und weitere Shows gehen ebenfalls zur Neige. Saxon wird von ihren großartigen Freundinnen, Girlschool, als Hauptunterstützung unterstützt, während Grand Slam als Special Guests auftritt. Ein ganz besonderer Gast, Doro, begleitet Saxon bei der letzten Show in der Mitsubishi Electric Halle in Düsseldorf.

Auf der Hell, Fire and Steel-Europatour werden Saxon  nicht nur Songs aus Hell, Fire and Damnation spielen, sondern auch ihr gesamtes klassisches zweites Album „Wheels of Steel“ (das dieses Jahr vor 45 Jahren veröffentlicht wurde) sowie andere Fan-Favoriten und Hits aus der gesamten Karriere der Band spielen.

HELL, FIRE AND STEEL EUROPA-TOURNEE

FEB 04 – Aladin Music Hall, Bremen (DE)* [AUSVERKAUFT]
17. FEB – Docks, Hamburg (DE)*
21. FEBRUAR – GASOMETER, WIEN (AT)*
25. FEB – Muffathalle, München (DE) [AUSVERKAUFT]*
28. FEB – Volkshaus, Zürich (CH)*
MÄR 01 – Mitte, Erfurt (DE)*
ERA 04 – Huxleys, Berlin (DE)*
ERA 05- Haus Auensee, Leipzig (DE)*
ERA 06- Mitsubishi Electric Halle, Düsseldorf (DE)**

*Mit Special Guests, Grand Slam
**Mit Very Special Guest, Doro

Tickets und weitere Informationen finden Sie unter: www.saxon747.com

 

Musik

GRAND SLAM VERÖFFENTLICHT NEUES VIDEO ZU ‚PIRATE SONG‘ – EUROPA-TOURNEE MIT SAXON UND GIRLSCHOOL

Grand Slam veröffentlichen neues Video “Pirate Song” aus dem aktuellen Studio Album Wheel Of Fortune, hier zu sehen:

https://youtu.be/5k9jRumMWNs?si=qZRFDwyX4iXJgqW

(Regie, Produktion und Schnitt von Paul M Green)

„Pirate Song“ ist eine epische, vielschichtige und dampfende Hymne, die von einem Video begleitet wird, das die Band dabei zeigt, wie sie als Piraten auf hoher See unterwegs ist.

„Ich habe 28 Wochen lang in Griechenland gefilmt, und die Produktion hat uns jeden Abend zum Essen eingeladen, wo einige traditionelle griechische Musiker aufstanden und alte Musik spielten“, erzählt Gründungsmitglied und Gitarrist Laurence Archer auf „Pirate Song“.

„Ich kam mit einem der Jungs ins Gespräch und fragte, was es mit diesen traditionellen Liedern auf sich hat. Er sagte, dass es fast nur um Piraterie und Schmuggel ginge. Ich hatte eine akustische Gitarre dabei, auf der ich immer geübt habe und das nächste, was ich weiß, war, dass ich mir den Song ausgedacht habe.“

„Das war übrigens mein allererstes One-Take“, so Sänger Mike Dyer weiter. „Ich habe eine Live-Stimme auf dem Demo gesungen. Ich hätte nie in meinen kühnsten Träumen gedacht, dass ich so reden würde, aber ich wollte schon immer einen ersten Take wie Daryl Hall machen. Der Gesang auf „Pirate Song“ ist der erste Song, den ich je gesungen habe, und er ist auf dem Album geblieben.  Der Song wurde dann auf einer Insel in der französischen Karibik fertiggestellt, in Guadeloupe, als ich Laurence zum ersten Mal traf, als er Death in Paradise drehte…

GRAND SLAM:
Mike Dyer – Gesang
Laurence Archer – Gitarre
Benjy Reid – Schlagzeug
Rocky Newton – Bass

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Musik

Led Zeppelin by Physical Graffiti (UK/NL/D) – „Greatest Hits” Tour 2025

PHYSICAL GRAFFITI sind zurück, um einer der größten Rockbands der Welt Tribut zu zollen; LED ZEPPELIN.  Mit einem GREATEST HITS LIVE Set und einer unvergesslichen Lichtshow und fantastischen Visuals zelebrieren PHYSICAL GRAFFITI die ultimative Hommage an die ` Ikonen des Rock´n´Roll`.

Led Zeppelin anno 2025. “It’s been a long time since we Rock and Rolled….”

PHYSICAL GRAFFITI spielen sowohl die unvergesslichen Klassiker der Band, wie Stairway To Heaven, Rock ’n Roll, Heartbreaker, Since I’ve been Loving You, Whole Lotta Love, Dazed and Confused und Black Dog als auch die anspruchsvolleren Liebhaberstücke wie Immigrant Song, No Quarter, Moby Dick, Nobody’s Fault But Mine und, natürlich, Kashmir. Ein mehr als zweistündiges Sound-Erlebnis, das keine Wünsche offen lässt.

Tour Promo Video Physical Graffiti:

https://youtu.be/9RZNWJ6kWeg

Der niederländische Gitarrist Daniel Verberk, in dessen Spiel – durch den Einsatz der originalen Verstärker, Gitarren und Effekte – die Essenz von Jimmy Pages Gitarre widerhallt, strahlt nicht nur
die Coolness von Page aus; Er reproduziert dessen nonchalanten Spielstil so überzeugend, dass man meinen könnte, man werde soeben Zeuge, wie der Geist von Page durch seine Gitarre gechannelt wird.

Der gebürtige Ire Dave Harrold ist so gelassen überzeugend wie John Paul Jones selbst. Seine schweren Grooves und dämonischen Basslines entführen in eine andere Dimension, unterbrochen nur von den gelegentlichen Momenten, in denen sie den sphärischen Klängen der Mandoline Raum machen.

Zu sagen, dass der gebürtige Deutsche Jan Gabriel fast eine Reinkarnation von John Bonham ist, mag in den Ohren mancher vielleicht anmaßend klingen… doch ehe man gehört hat, wie er während Moby Dick seine Ludwig Vista Lite und seine Timpanis attackiert, sollte man besser keine voreiligen Schlüsse ziehen.

Am Mikrophon hallt durch die Stimme des gebürtigen Engländers Andrew Elt der charakteristische Plant-Gesang wider. In den dynamischen und kraftvollen, bisweilen sirenenartigen Gesangslinien, fängt Elt auf beeindruckende Art und Weise, genau den majestätischen Sound ein, den Plant einst in den Studioaufnahmen auf Vinyl gebannt hat.

Komplementiert durch den Tastenvirtuosen Remco van Zandvoort, der mit Hammond-Orgel und Melotron, das alte Handwerkszeug ebenfalls mit Perfektion beherrscht, vermag es die Band noch tiefer in das legendäre Werk von Led Zeppelin einzutauchen.

Mit einem mehr als zweistündigen Set aus den größten Songs von Led Zeppelin, haben Physical Graffiti bereits Hunderte von Shows in ganz Europa gespielt. Mit Auftritten in großen Städten wie Berlin, Hamburg, Kopenhagen, Göteborg, Amsterdam und auch vielen Orten dazwischen!

PHYSICAL GRAFFITI (UK, NL, DE)  „Led Zeppelin – Greatest Hits“ Tour 2025

28.02. DE – Leer, Zollhaus
07.03. DE – Freiburg, Jazzhaus
08.03. DE – Leverkusen, Scala
14.03. DE – Hamburg, Markthalle
15.03. DE – Hannover, Bluesgarage
21.03. DE – Dortmund, Musiktheater Piano
22.03. DE  -Leipzig, Anker
28.03. DE – Potsdam, Lindenpark
29.03. DE – Neustadt (Orla), Wotufa

Tickets unter: https://www.reservix.de/veranstaltungskalender?q=Physical+Graffiti

Mehr Infos unter:
www.physicalgraffiti.eu

Musik

Smash Into Pieces – Heroes

Heroes – ein neues Studio-Projekt von Spotify Singles, jetzt interpretiert von der Rockband Smash Into Pieces.

Seit der Song Heroes von Måns Zelmerlöw 2015 den Eurovision Song Contest gewann, hat er in mehreren Ländern außerhalb Schwedens die Charts angeführt und einen bedeutenden Einfluss auf den schwedischen Musikexport gehabt.

„Wir haben Heroes geliebt, als es veröffentlicht wurde, und es ist eine Ehre, unsere eigene Interpretation des Songs zu schaffen! Unser Sound unterscheidet sich stark von dem von Måns, aber Heroes ist ein Wolf im Schafspelz, und wir haben den Wolf hervorgeholt“, sagt Per Bergquist von Smash Into Pieces.

Die schwedische Rockband Smash Into Pieces baut weiterhin auf den Erfolgen ihrer bisherigen Hits auf, darunter die Chartstürmer „Six Feet Under“ und „Heroes Are Calling“. Beide Songs erzielten beeindruckende Streaming-Zahlen: „Six Feet Under“ wurde mit Doppel-Platin ausgezeichnet, während „Heroes Are Calling“ innerhalb weniger Wochen Goldstatus erreichte.

https://www.youtube.com/watch?v=YqBWwR__B3I&t=1s

Bekannt für ihre markante futuristische und apokalyptische Ästhetik, hat die Band auch mit ihrer filmischen Miniserie ‚ARCADIA WORLD‘ Aufmerksamkeit erregt, die eine parallele virtuelle Realität erforscht. Ihre Live-Auftritte zeichnen sich durch kraftvolle Refrains und eine energetische Bühnenpräsenz aus und werden oft als „digitaler, cybertronischer Zirkus“ beschrieben.

Mit über einer Milliarde Streams und Views hat die Band eine starke globale Präsenz aufgebaut. Im Jahr 2022 unterstützten sie Evanescence und Within Temptation auf der „Worlds Collide Tour“, wodurch ihre Reichweite weiter wuchs. 2023 erreichten Smash Into Pieces einen neuen Meilenstein, als „Six Feet Under“ den dritten Platz im schwedischen Eurovision-Wettbewerb belegte. Es folgte ein voller Tourplan durch Europa und die USA mit insgesamt über 150 Live-Auftritten im Jahr.

Das Jahr 2024 begann vielversprechend, als die Band erneut am schwedischen Eurovision-Wettbewerb teilnahm, wo sie im großen Finale den dritten Platz erreichten und ihre Single vier Wochen lang die schwedischen Radiocharts anführte. Ihre aktuelle Headliner-Tournee in Skandinavien gewinnt weiterhin an Fahrt, mit zusätzlichen Shows, die aufgrund ausverkaufter Termine hinzugefügt wurden. Anschließend absolvierte die Band eine erfolgreiche Nordamerika-Tour und plant für Herbst und Winter eine Europa- und Schweden-Tour.

„Anything standing between us and our dreams, we Smash into Pieces.”

Kaufseite: https://orcd.co/smashintopiecesheroes

Smash Into Pieces – Heroes
Veröffentlichungsdatum: 10. Januar 2025

 

Musik

Hauk veröffentlichen ihre neue Single „I geh viere“ – Neues Album „Alles Liebe“

Voller Leidenschaft und Motivation setzt die Band Hauk einen Fuß vor den Anderen.

Hauk veröffentlichen ihre neue Single „I geh viere“ - Neues Album "Alles Liebe" am 21.02.2025
Hauk veröffentlichen ihre neue Single „I geh viere“ – Neues Album „Alles Liebe“ am 21.02.2025

Mit „I geh viere“ schufen die vier Herren einen „Gassenhauer“, welcher vermeintliche Grenzen sprengt. Selbstsicher und mit viel positiver Energie stampft dieses Lied dahin. Geprägt durch einen eindringlichen Rhythmus wird textlich auf die scheinbar mühelose Überwindbarkeit von Hindernissen eingegangen. Ergänzt mit einem ohrwurmverdächtigen Refrain ist Hauk ein kraftvoller und mitreißender Song gelungen.

Offizielles Video „I geh viere“:

https://youtu.be/uBQao7Gh3pY

Hier erhältlich: https://save-it.cc/artistms/i-geh-viere

Hauk meldet sich zurück mit ihrem neuen Album „Alles Liebe“, welches am 21.02.2025 erscheint. Die Ohren können sich auf 12 Nummern freuen, die von einfühlsam bis stürmisch, verträumt bis entschlossen alles bieten. Aber was überwiegt? Natürlich die Liebe! Denn Hauk sagt ja – ja zur Lust am Lachen, Scheitern, Hinschauen und am Leben.

Mit ihrem mittlerweile fünften Studioalbum zeigen die vier Jungs aus Wien, Niederösterreich und dem Burgenland einmal mehr, dass Austropop am besten mit Offenheit und Vielfalt funktioniert. Die Zutaten für „Alles Liebe“ sind eingängige Melodien, ehrliche Texte und musikalische Leichtfüßigkeit, die Hand in Hand verliebt am Waldrand der Sonne entgegen spazieren.

Liedermacher Christoph Hauk liefert, umgarnt von seinen Freunden Axel Manfredini am Schlagzeug, Tino Klissenbauer am Akkordeon und Martin Schmid am Bass, ein abwechslungsreiches und detailreiches Ausrufezeichen zeitgenössischer Dialektmusik.

Weiter aktuell…

Single „Schee koid“:

https://youtu.be/GxVDnsAeqL0?si=Ic3IlBoKwM8JYFk

Single/ Video „Papa“:

https://youtu.be/aoh2Sxl-68Y

Mehr Infos unter:
www.haukmusik.at
www.facebook.com/haukmusik
www.youtube.com/haukmusik
https://open.spotify.com/intl-de/artist/4qG4FMJ8IujVNkwgPoDctQ

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