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Johannes Lorenz

Johannes Lorenz „Steig ei“

Johannes Lorenz veröffentlicht mit „Steig ei“ die 2. Single aus seiner neuen EP „Gschichtn schreim“ (VÖ 21. April 2023)

Johannes Lorenz „Steig ei“
Johannes Lorenz „Steig ei“

Wenn sich das Hamsterrad irgendwann ganz allein um Dich dreht und Du nur noch damit beschäftigt bist hinterher zu kommen, dann „Steig ei“ bei Johannes Lorenz. Immer auf der Suche nach neuen Wegen bietet die aktuelle Single des Münchner Singer-Songwriters eine kurze Auszeit vom Alltag und nimmt den Hörer mit in die kleinen großen Alltagsträume.

Mit ungewöhnlicher Leichtigkeit kommt dieser nachdenkliche Song daher. Tiefgang ohne drückende Schwere anzubieten, bleibt die besondere Gabe des Künstlers.

Video Premiere „Steig ei“:

Wenn Musik entstehen darf und Texte etwas sagen dürfen, dann passieren Songs, wie die von Johannes Lorenz. Lieder wachsen lassen, ohne sich einzumischen, warten, bis Dinge sich finden und ineinandergreifen, das ist die Kunst des Musikers aus München. Entsprechend stimmig kommt der eigenständige Mix aus elektronischer Musik bei überwiegend akustischem Instrumentarium daher. Irgendwie neu und doch irgendwie vertraut, gepaart mit überzeugender klanglicher Tiefe.

Johannes Lorenz
Johannes Lorenz

In bayerischer Mundart beschäftigt sich Johannes Lorenz auf seiner neuen EP „Gschichtn schreim“ (VÖ 21.04.2023) mit Liebe, Freundschaft, Einsamkeit und – über allem – dem Finden des eigenen Weges. Die gefühlvollen poppigen Stücke vermitteln eine angenehme inhaltliche Tiefe, die den Hörer einlädt zu reflektieren und mitzuträumen.

Weiter aktuell…

Offizielles Video „Immer wieda gäht de Sunn auf“:

Mehr Infos unter:
https://www.youtube.com/watch?v=MtS3VXvY2ZI
https://www.instagram.com/jolo.super.sound
https://www.facebook.com/profile.php?id=100063439909975

Yusuf / Cat Stevens – neues Studioalbum “King of a Land“

Yusuf / Cat Stevens – neues Studioalbum “King of a Land“ erscheint am 16. Juni 2023 bei BMG / Dark Horse Records – erste Single „Take The World Apart“ feiert Premiere

Yusuf / Cat Stevens hat in dieser Woche sein 17. Studioalbum angekündigt! “King of a Land“ wird am 16. Juni 2023 bei BMG / Dark Horse Records erscheinen.

Vorbestellungen des neuen Albums sind ab sofort hier möglich: https://yusufcatstevens.lnk.to/KingOfALandPR

Die erste Single „Take The World Apart“ feiert jetzt Premiere: https://yusufcatstevens.lnk.to/TakeTheWorldApartPR

Lyric Video:

Die Ankündigung des neuen Longplayers ist genau genommen schon die zweite Sensationsmeldung in Folge, nachdem Yusuf / Cat Stevens erst Anfang des Monats sein Livedebüt beim diesjährigen Glastonbury Festival angekündigt hatte. Am 25. Juni wird er den renommierten „Tea-Time Legends“-Slot auf der Pyramid Stage spielen – ein veritabler Festival-Ritterschlag, nachdem vor ihm u.a. Diana Ross, Kylie Minogue, Dolly Parton, Paul Simon und Brian Wilson diesen speziellen Sonntags-Slot gespielt hatten. Die mit Spannung erwartete Performance beim legendären UK-Festival findet nur wenige Tage nach der Veröffentlichung von King of a Land statt – und nur knapp einen Monat vor seinem 75. Geburtstag (den Yusuf am 21. Juli feiern kann).

“King of a Land“ ist ein episches und facettenreiches Werk: Gut ein Jahrzehnt hat die Arbeit daran gedauert – und die 12 brandneuen Stücke, die auf dem Longplayer versammelt sind, stecken voller Überraschungen. Unverkennbar und mitreißend wie eh und je, entwirft Yusuf mit diesen neuen Songs, mit diesen Harmonien, Melodien und Texten ein lebendiges Bild von einer Welt, in der auch verlorengegangene Wahrheiten (oder was man dafür hielt) und unbeschwert-makellose Jugend (wieder) ihren Platz bekommen: Er zeichnet sie nach, rückt sie in ein Licht, in dem sie wieder greifbar scheinen. Die Geschichten seiner poetischen Kompositionen funktionieren wie eine Einladung, wie klangliche Tore zu einem Universum, in dem sich die Dinge anders entwickelt haben als im unsrigen – und wo Happy Ends immer noch möglich scheinen.

„Wenn ich den Zickzackkurs meiner musikalischen Reise betrachte, angefangen in den Sechzigern, dann würde ich sagen: Dieses neue Album ist ein Mosaik. Es definiert und beschreibt ganz klar, wo ich gewesen bin – und wer ich heute bin.“ –  Yusuf / Cat Stevens

Einen wunderschönen Einstieg in die kindliche und unbedarfte Welt des neuen Albums bietet der Abschlusstitel „Take The World Apart“, der schon heute zusammen mit einem animierten Lyric-Video von Peter Reynolds als erster Singlevorbote erscheint. Die Animationen, deren Charme man sich unmöglich entziehen kann, spiegeln dabei dieselbe Lebensfreude und dieselbe Zuversicht wider, die auch Yusufs Musik seit Jahrzehnten auszeichnen. Hier anschauen / reinhören.

„Manchmal muss man etwas zerlegen, um den Frieden zu entdecken, den man gesucht hat.“ – Yusuf / Cat Stevens

Auch für das Artwork des neuen Albums zeichnet der preisgekrönte Kinderbuchillustrator Reynolds verantwortlich. King of a Land markiert somit das nächste Kapitel der Zusammenarbeit von Yusuf und dem Kanadier, nachdem sie schon im Jahr 2021 mit dem gemeinsamen Bilderbuch Peace Train einen großen Erfolg gefeiert hatten (New York Times-Bestseller). Zusätzlich zum Cover-Artwork von King of a Land hat Peter auch zu sämtlichen Songs weitere Illustrationen fürs Booklet angefertigt, die den Inhalt der Songtexte aufgreifen und die Stücke wunderbar visuell flankieren.

„Kann mich bitte mal jemand kneifen? Schon die Illustration unseres Peace Train-Bilderbuchs war eine Riesenehre für mich, doch als Yusuf mich dann bat, das Artwork und die Animationen für King of a Land zu entwerfen – nun, das fühlte sich an, als ob ich träumen würde! Die Musik und seine Texte sind genau das, was die Welt momentan mehr denn je braucht.“ – Peter H. Reynolds

“King of a Land“ entfaltet sich jenseits von Genregrenzen; es ist ein zutiefst aufrichtiges, bedeutungsvolles und bewegendes Selbstporträt eines Ausnahmesongwriters, der längst zu den größten und wichtigsten Ikonen der Popgeschichte zählt: Angefangen beim grandios überraschenden Hardrock-Nachdruck von „Pagan Run“ bis zur an Tschaikowski angelehnten Orchestrierung von „How Good It Feels“, von einer ganz zarten Akustikballade wie „He Is True“ bis hin zu jener treibenden „Highness“, die klingt, als wäre Phil Spector in Richtung Gospel aufgebrochen; wieder ganz anders klingen der rollende Americana-Sound von „All Nights, All Days“ à la Traveling Wilburys oder auch das atmosphärische und kunstvoll ausgeschmückte „Son Of Mary“.

Die ersten Aufnahmen für King of a Land fanden tatsächlich schon im Jahr 2011 statt – und zwar in den legendären Berliner Hansa-Studios, wo einst zentrale Meilensteine von David Bowie (Low, „Heroes“) und U2 (Achtung Baby) entstanden sind. Weitere Stationen in den Jahren danach waren etwa die ICP Studios in Brüssel und La Fabrique in der Provence. Zusätzliche Overdubs und die Passagen eines 60-köpfigen Orchesters wurden schließlich in den Air and Angel Studios in London aufgenommen, wobei einige Kernpassagen zwischendurch in Yusufs Homestudio in Dubai, das er selbst liebevoll „Dubville“ nennt, aufgezeichnet worden sind. „Ausgangspunkt für die meisten Songs war tatsächlich meine Garage, wo ich alles eingespielt und aufgenommen habe“, so Yusuf, der die Unmittelbarkeit dieser Arbeitsweise schätzt: „Das ist wirklich ganz, ganz nah dran an dem, was in meinem Kopf passiert.“

Für die eigentlichen Aufnahmen zeichnete Yusufs angestammter Produzent (bzw. später dann Co-Produzent) Paul Samwell-Smith verantwortlich. Tatsächlich setzt Yusuf schon seit Mona Bone Jakon von 1970 auf die Zusammenarbeit mit dem einstigen Bassisten der Yardbirds. Gemeinsam wählten sie auch die hochkarätigen Session-Musiker für die Aufnahmen aus – unter anderem den Bassisten Bruce Lynch (ebenfalls ein angestammter Gast: seit Buddha and the Chocolate Box von 1974), den Keyboarder Peter Vettese (Jethro Tull, Bee Gees, Simple Minds) und den Schlagzeuger Russ Kunkel (Joni Mitchell, Carol King, James Taylor, CSN&Y). Darüber hinaus war auch seine zweiköpfige Bandbegleitung – Kwame Yeboah und Eric Appapoulay – an den neuen Aufnahmen beteiligt.

Abgemischt wurde King of a Land schließlich in Henley-on-Thames, und zwar in George Harrisons Privatstudio, das sich in seinem ehemaligen Anwesen Friar Park befindet. „Das war ein echtes Privileg, in Friar Park arbeiten zu können“, weiß Yusuf. „Zu den allerersten Menschen von außerhalb zu gehören, die einen Fuß in diesen Kontrollraum setzen und dort ein Album abmischen dürfen… George Harrison war immer schon ein extrem wichtiger Einfluss für mich, besonders spirituell. Mit einigen seiner Ansätze und Gedanken, die sich sehr stark an Fernöstlichem orientierten, war er ein absoluter Wegbereiter – und für mich war das extrem wichtig. Wenn man sich einige der Songs dieses Albums anhört, dann kann man da gewissermaßen auch den Geist von George im Hintergrund heraushören.“ Passend dazu erscheint das Album über Dark Horse Records, dem Label von Harrison, das heute von dessen Sohn Dhani geführt wird.

Sein jahrzehntelanger Erfolg und die einzigartige Bedeutung von Yusufs Werk basieren auf einer Vielzahl von Faktoren – entscheidend ist jedoch ganz sicher seine fast schon unheimliche Fähigkeit, die Resultate der eigenen Vorstellungskraft in Songs zu übersetzen, sie in eine musikalische Form zu überführen. Dieselbe Leidenschaftlichkeit und dieser Drang, Neues zu schreiben, aufzunehmen, Menschen damit zu unterhalten, hört man immer wieder ganz deutlich raus, wenn man in die kreativen Welten von King of a Land eintaucht. Es ist derselbe Durst wie damals. Obwohl es inzwischen fast 60 Jahre her ist, seit der 17-jährige „Cat“ die Popwelt mit frühen Hits wie „Matthew and Son“ und „I’m Gonna Get Me A Gun“ erobern sollte, um wenig später zeitlose Klassiker wie „The First Cut Is The Deepest“ oder auch „Here Comes My Baby“ nachzulegen. Diese Songs waren jedoch nur der Auftakt zu einem musikalischen Abenteuer, das dieser Tage ins nächste Kapitel mündet.

“King of a Land“ kann ab sofort als Vinyl-Gatefold-Edition vorbestellt werden – auf grünem Vinyl inklusive 36-seitigem Booklet mit Illustrationen von Peter Reynolds. Der CD-Variante liegt ebenfalls ein von Reynolds illustriertes Booklet bei – hier vorbestellen. Eine weitere LP-Edition des Albums auf weißem Vinyl wird exklusiv über den offiziellen Webstore von Yusuf / Cat Stevens erhältlich sein, wo es außerdem auch Album-Merchandise geben wird – hier geht’s zum offiziellen Store.

King of a Land – Tracklist:

  1. Train on a Hill
    2. King of a Land
    3. Pagan Run
    4. He is True
    5. All Nights, All Days
    6. Another Night in the Rain
    7. Things.
    8. Son of Mary
    9. Highness
    10. The Boy Who Knew How to Climb Walls
    11. How Good it Feels
    12. Take the World Apart

Mehr Infos unter:
https://catstevens.com
https://www.instagram.com/yusufcatstevens/
https://www.facebook.com/YusufCatStevens/
https://www.youtube.com/user/YusufCatStevens

Katrin Rosenzopf veröffentlicht die neue Single „DAS RIESENSPIELZEUG“ (Text Erich Kästner)

Katrin Rosenzopf „DAS RIESENSPIELZEUG“

Katrin Rosenzopf veröffentlicht die neue Single „DAS RIESENSPIELZEUG“ (Text: Erich Kästner)

 

Katrin Rosenzopf veröffentlicht die neue Single „DAS RIESENSPIELZEUG“ (Text Erich Kästner)
Katrin Rosenzopf veröffentlicht die neue Single „DAS RIESENSPIELZEUG“ (Text Erich Kästner)

Katrin Rosenzopf hat ein weiteres Lied aus ihrem im Sommer 2023 erscheinendem Live-Album veröffentlichen. Auch hier handelt es sich um die Vertonung eines Gedichtes von Erich Kästner – „Das Riesenspielzeug“.

Video Premiere „Das Riesenspielzeug“ hier zu sehen:

Ein Text, den der Autor 1932 aufgrund der damals herrschenden Arbeitslosigkeit, unter der natürlich vor allem die Jugend sehr stark zu leiden hatte, verfasste. Es ist ein sehr emotionales, wütend-anklagendes und verzweifeltes Lied aus der Perspektive der betroffenen jungen Menschen. Heute, fast 100 Jahre später ist dieser Text allerdings alles andere als eine Erinnerung an eine schwere Zeit sondern im Gegenteil – wenn auch sicher auf anderen Ebenen – nach wie vor hochaktuell. Es ist ein Lied, das den Blick auf unsere heutige junge Generation lenken möchte. Eine Aufforderung „tiefer unter die Oberfläche“ zu blicken, sich diesen heranwachsenden Menschen wirklich zu widmen und darüber nachzudenken ob ihnen etwas bzw. was ihnen in unserer heutigen Zeit wohl fehlt um einmal wirklich eigenständige, selbstbewusste, verantwortungsvolle und mitfühlende Menschen unserer Gesellschaft zu werden. Braucht es dazu mehr als eine gesicherte Betreuung und Ausbildung? Darüber nachzudenken versucht Katrin Rosenzopf mit diesem Lied anzuregen. Denn wenn es unseren Kindern hierzulande auch scheinbar an nichts fehlt sprechen die Daten an zunehmenden psychischen Problemen und Krankheiten (wie z.B. Depressionen, aggressives und asoziales Verhalten und ADHS – welche wiederum eine zunehmende Arbeitsunfähigkeit und Abhängigkeit bedingen) eine andere Sprache. Denken wir darüber nach. Denn: es geht um das Sein unserer Kinder.


Mehr zu Katrin Rosenzopf:

https://www.facebook.com/katrinrosenzopf
https://www.instagram.com/katrinrosenzopf
https://www.youtube.com/channel/UCQ-3ujj3WjnN4Cyfj6UPVTA
www.unerhoertelieder.com

Arjon Capel und Simon Stadler veröffentlichen „Wie lange noch“

Arjon Capel und Simon Stadler veröffentlichen ihr Single und das Video zu „Wie lange noch“

Arjon Capel und Simon Stadler veröffentlichen ihr Single und das Video zu „Wie lange noch“
Arjon Capel und Simon Stadler veröffentlichen ihr Single und das Video zu „Wie lange noch“

Wie lange noch… Der Song erstmalig in einer Akustikversion bei einem Gastauftritt von Konstantin Weckers Konzert am 04.08.2022 in der Burgarena Finkenstein vorgetragen war ein voller Erfolg.

Was für Applaus bekamen Arjon und Simon für Ihren Weck-Ruf! Es war klar, dass die beiden, auf Empfehlung von Konstantin Wecker, ins Ton-Studio gingen. Natürlich trägt der gewählte Termin für die Veröffentlichung am 24. Februar 2023 eine starke Symbolkraft.

Arjon Capel und Simon Stadler
Arjon Capel und Simon Stadler

Konstantin Wecker – Label Sturm & Klang – präsentiert und coacht Künstler. Sowohl Arjon Capel als auch Simon Stadler sind bei Sturm & Klang aktiv. Die beiden auf den ersten Blick so unterschiedlichen Künstler fanden sofort spannende musikalische Gemeinsamkeiten und wagen nun eine gemeinsame Reise.

Offizielles Video „Wie lange noch“:

Warum ein gemeinsames Projekt „Wie lange noch“?

Der erste Entwurf des Textes entstand Anfang März 2022 aus einem Gespräch zwischen Arjon und dem befreundeten Texter Ralf Beisner über die schrecklichen Ereignisse in der Ukraine und den nicht absehbaren Folgen des russischen Überfalls. Ralf Beisner schrieb die ersten Zeilen „Wie lange noch“ und daraus wurde zeitversetzt dann im Juli eine Version und ein Text, in dem sich Arjon und Simon gemeinsam wiederfanden: wir beide fühlen und spüren tiefe Betroffenheit, Verunsicherung, haben unbeantwortete Fragen, aber auch der Hoffnung wollen wir Ausdruck verleihen. Daraus entstand unser Lied „Frieden und Freiheit – „Wie lange noch“.

Was bewegt Arjon Capel?

Alles begann mit einer Reihe von Gedichten, die ihm seine mittlerweile verstorbene Mutter hinterließ. Arjon Capel vertonte die emotionalen Poesie-Fragmente und nutze sie für sein erstes Album „InneHalten“. Neben seinen deutschsprachigen Eigenkompositionen, entstand auch ein irreversibler, ja kathartischer Prozess, der den niederländischen Liedermacher zum Entschluss führte, sich nach 33 Jahren im „normalen“ Berufsleben ganz und gar seiner Passion, der Musik, zu widmen. Und er verrät seinen Zuhörern ein wichtiges Geheimnis, mit dem man die Geschenke des Lebens erfahren kann: Mutig nach vorne zu sehen und „Neue Wege“ zu wagen. Damit sind wir genau beim Thema, der Liedermacher Arjon Capel lässt sich nicht in eine „Schublade“ packen und seine neuen Singles treffen das Thema „mal ganz anders“ wunderbar auf den Punkt.

Was bewegt Simon Stadler?

Gleichberechtigung, Empathie und Revolution — das sind drei der vielen Themen, die Simon Stadler mit seiner Musik und seinen Texten behandelt. Der junge österreichische Liedermacher bekundet in seinen Liedern offen und ehrlich, was ihm am Herzen liegt. Geprägt durch den musikalischen Charme von Udo Jürgens und durch das textliche Charisma von Konstantin Wecker, vermittelt Simon Stadler eine vertraute Offenheit heiklen und einfühlsamen Gedanken gegenüber. Es sind lebensbejahende Songs, die den Menschen so manche Sehnsüchte entlocken sollen und dazu anregen, den eigenen Weg zu gehen.

Mehr erfahren über die beiden Künstler und das Label:

https://www.simonstadler.at
https://www.arjoncapel.com
https://sturm-und-klang.de

Cosmic Single ‘Cosmic Lover’

Cosmic veröffentlichen Video zu ihrer Single ‘Cosmic Lover’

Cosmic lebt von einem einzigartigen Sound, der die Vibes dessen einfängt, was jeder heute „Vintage“ oder „Retro“ nennt. Der eigene Stil erinnert an die extravaganten Jahre von Queen wie auf Steroiden, durchdrungen von der frischen Energie eines Kraftpakets, das nicht unbemerkt bleiben kann. Alle richtigen Elemente sind vorhanden: die Riffs, die Hooks, die Soli und vor allem diese natürliche Liebe zur Unterhaltung, die sich Cosmic selbst als Live-Band betrachtet. Die Musik spricht für sich, es bedarf keine Erklärungen.

Michael ist ein überlebensgroßer Entertainer und Sänger. Wie kann man ein Zitat von Adam Lambert toppen, der sagt: „Klingt genau wie Freddie!“ … Besser geht’s nicht… Wenn überhaupt, werden wir alle ernsthaft anfangen, unser Konzept der Reinkarnation zu überdenken!

Ihre Debütsingle ‚Cosmic Lover‘ wurde am 6. Januar dieses Jahres veröffentlicht und hat seit etwas mehr als 2 Wochen bereits über 58.000 Streams allein auf Spotify, was eine Leistung für sich ist, da sie eine neue Band in der Musikszene sind.

Video ‚Cosmic Lover‘:

‚Cosmic Lover‘ gibt es hier: https://kasurl.com/ITPir

Cosmic ist:
Michael Spence – Sänger
Nash Boykovich – Gitarre
Serge Simic – Gitarre
Ian Jeffry – Bassgitarre
Rad Chapin – Schlagzeug

Social-Media-Links:
Instagram : https://www.instagram.com/cosmicofficialband/
Facebook : https://www.facebook.com/CosmicSlap
YouTube : https://www.youtube.com/@cosmicbandofficial
Tik Tok : https://www.tiktok.com/@officialcosmicband

Laibach – Eurovision. Live in Kiew am 31.03.

LAIBACH haben für den 31. März 2023 in der Bel Etage Music Hall in Kiew, Ukraine, ein ganz besonderes Konzert angekündigt, bei dem sie als erste ausländische Band seit Kriegsbeginn im Februar 2022 eine komplette Show in der Hauptstadt geben werden.

Während sich der Rest Europas darauf vorbereitet, seine Idee von Freiheit und Solidarität am 9. Mai in Liverpool zu feiern, bringt Laibach den Eurovision Song Contest zurück in die Ukraine – dorthin, wo er hingehört und wo derzeit die einzig wahre Vision von Europa stattfindet.

„Eurovision“ heißt das spezielle Konzertprogramm der renommierten slowenischen Band, und sie werden neben „The Engine of Survival“, einem brandneuen Track, der 2023 erscheinen soll, einige ihrer hymnischsten Songs präsentieren.

Mit Hymnen und Märschen im Mittelpunkt vieler ihrer Kompositionen haben sich Laibach lange mit militärischen Blaskapellen verglichen, die geschaffen wurden, um die Moral auf dem Schlachtfeld aufrechtzuerhalten, und mit diesem Konzert in Kiew unterstützt Laibach die Ukraine und die Ukrainer in ihrem Kampf gegen die Russen alles andere, Aggression.

Alle Erlöse aus dem Konzert in Kiew werden an Wohltätigkeitsorganisationen und Tierschutzorganisationen in der Ukraine gespendet, weitere Einzelheiten folgen.

LAIBACH – EUROVISION
31. März – Kiew, Musiksaal Bel Etage – https://concert.ua/en/event/laibach-kyiv-2023

LAIBACH entstand in der damals jugoslawischen Industriestadt Trbovlje. Die Band wurde im Jahr des Todes des Gründervaters des Landes, Tito, gegründet und wurde zu einer der international anerkanntesten Bands, die aus den ehemaligen kommunistischen Ländern Ost- und Mitteleuropas hervorgegangen ist.  Darüber hinuas ist Laibach eine der ersten Bands, die in Nordkorea auftrat.

2019 veröffentlichten sie eine Laibachsche Interpretation von The Sound of Music, die sie während ihrer Reise nach Nordkorea konzipierten und 2020 mit Laibach Revisited vier Jahrzehnte feierten. 2022 folgte ein Album mit Musik aus der gefeierten Theaterproduktion Wir sind das Volk (ein Musical aus Deutschland) nach den Texten von Heiner Müller (1929–1995), und die Band gab kürzlich bekannt, dass diplomatische Verhandlungen für eine Aufführung in Teheran laufen für Alamut, ein originelles symphonisches Werk, das in Zusammenarbeit mit iranischen Komponisten und Interpreten komponiert wurde.

LAIBACH zollte kürzlich Leonard Cohen mit einer Neuinterpretation seines vorapokalyptischen Tracks „The Future“ Tribut. Von MOJO als „Leonard Cohens beißende 92er Alarmglocke, neu interpretiert in Eisgewölbe-Techno-Rock“ beschrieben, macht diese Laibach-Version von „The Future“, ursprünglich auf Cohens gleichnamigem Studioalbum von 1992, überdeutlich, dass die Zukunft die Cohen vorhersagte unsere Gegenwart ist.

LAIBACH – EUROVISION
SLOVENIAN COLLECTIVE ANNOUNCE A LIVE CONCERT IN KYIV, UKRAINE – 31 MARCH 2023

War – huh yeah – what is it good for? Absolutely nothing! (Edwin Starr, War)

The horror… the horror… (Colonel Kurtz, Apocalypse Now)

Love is the only engine of survival. (Leonard Cohen, The Future)

LAIBACH – LOVE IS STILL ALIVE TOUR – 2023
14 April – Zagreb, Tvornica Kulture, HR
21 April – Ljubljana, Kino Šiška SI
20 May – Klagenfurt, Burghof, Klagenfurt Festival, AT
14 July – Bolków, Castle Party Festival 2023, PL

Tickets and further information: https://www.laibach.org/future-events/

RECENT PRAISE FOR LAIBACH

“Perfectly, predictably unpredictable” – Electronic Sound (review of Love is Still Alive EP)

„Laibach has a truly unique way of keeping love, understanding, and acceptance alive.“ – Cryptic Rock (Love is Still Alive EP)

„A project that seemed almost too easy, but unsurprisingly, the result is a gem that is delicious.“ – Le Temps (Love is Still Alive EP)

“Leonard Cohen’s mordant ’92 alarm bell, reframed in ice-vault techno rock” – MOJO (on The Future)

“A version of The Sound of Music that you can march to” – New Internationalist (The Sound of Music)

„… stirring, funny and thought provoking“ – The Guardian (The Sound of Music)

„Playful, poignant, sublime and ridiculous… Laibach continue to hold up a mirror to a divided world.“ – The Quietus (The Sound of Music)

… a perfect vehicle for the themes which possess the group” – MOJO (Wir sind das Volk)

“Stirring sturm und drang” – Uncut (Wir sind das Volk)

“… blending spoken and sung texts with reverb-drenched piano, strings, and electronics” – The Wire (Wir sind das Volk)

“This is not easy listening but it is arguably Laibach’s most sonically rich, least ironic, most mature work to date” – Classic Rock (Wir sind das Volk)

www.laibach.org
www.mute.com

TEEN ICON „MONA MUR“

TEEN ICON – neue 2-Track Single von MONA MUR ab jetzt veröffentlicht – aktuelles Album SNAKE ISLAND ab dem 10.03.2023

MONA MUR & Friends Millenium Concert (Special Guest: Valerie Renay) im arkaoda in Berlin am 18.05.2023

In den Gewässern des aktuellen Albums SNAKE ISLAND (VÖ 10.03.2023) ist eine neue Flut eingetroffen. Die Punk- und Industrial-Koryphäe MONA MUR ist mit der 2-Track Single TEEN ICON zurück mit Interpretationen ikonischer Songs von zwei der Größten der Musikgeschichte: „Smells Like Teen Spirit“ von Nirvana und „Icon“ von Siouxsie and the Banshees.

2-Track Single TEEN ICON:
https://open.spotify.com/album/1a10jui0ZUDNSB0q5mMeUv?si=w5FrmDJwTBOBKzguqXPkqQ

„Smells Like Teen Spirit“:

„Icon“:

Beide Songs kombinieren die für die Künstlerin charakteristische rasende Gitarre mit brillanten elektronischen Texturen. Dabei trifft Mona wieder auf ihre Kollaborateure von SNAKE ISLANDCo-Produzent Goldkind und Mastering-Ingenieur Jon Caffery, der die Covers als „noch krasser als die Originale“ bezeichnet.

Die renommierte deutsche Arthouse-Filmregisseurin Elfi Mikesch schlug Mona ursprünglich vor, den Nirvana-Song in Angriff zu nehmen. Mona wurde von der monströsen Kraft von Kurts Text überwältigt und schuf eine viel schwerere, düsterere Version. Mona hatte nie daran gedacht, Siouxsie zu covern, bis sie eingeladen wurde, einen Beitrag zu einem kürzlich erschienenen Tribute-Album zu leisten. Das Album wurde nur in begrenzter Auflage veröffentlicht, so dass es nur Sinn machte, Monas Interpretation als zweite Hälfte von Teen Icon zu veröffentlichen.

„Ich habe das Gefühl, dass diese Lieder universelle Kunstwerke sind, genau wie bestimmte Opernarien“, sagt Mona, „und wenn mir ein Vorschlag gemacht wird, werde ich mich gerne als bescheidene Interpretin zur Verfügung stellen, um sie wieder auferstehen und erstrahlen zu lassen.“
Ab dem 17.02. gibt es also jetzt mit TEEN ICON eine weitere MONA MUR 2-Track Single die über GIVE/TAKE veröffentlicht wird.

Zudem wird es am 18.05.2023 das MONA MUR & Friends Millenium Concert (Special Guest: Valerie Renay) im arkaoda in Berlin geben!

SNAKE ISLAND ist Mona Mur’s erstes Album, bei sie nicht nur Sängerin ist, sondern neben den großen Talenten von Gary Schmalzl, En Esch und Goldkind auch Gitarre spielt. „Wir haben vor, das auch auf die Bühne zu bringen – man kann ja nicht genug Gitarren haben, oder?“ – MONA MUR

Ab dem 10.03.2023 wird das SNAKE ISLAND Album nicht nur über GIVE/TAKE und die Bandcampseite https://monamur.bandcamp.com/album/snake-island zu beziehen sein, sondern dann auch über Mona Murs Berliner Label „Playloud!“, das seit 2021 überdies den imposanten Backkatalog der seit den 80ern international tätigen Künstlerin auf Vinyl wieder veröffentlicht. Darunter auch der aktuellste Re-Release MONA MUR: The Original Band (1984 – 86), der erst am 02. Dezember diesen Jahres veröffentlich wurde.

Die Songs aus dieser Ära avancierten über die Jahre zu wichtigen Bestandteilen ihrer Karriere und erschienen in neuen Versionen auf späteren Veröffentlichungen, in der Mehrheit auf dem 2009 zusammen mit En Esch aufgenommenen Album “120 Tage – The Fine Art of Beauty & Violence” (Pale Music).

Die ursprünglichen Fassungen jedoch wurden, trotz einiger Angebote, beinahe vier Jahrzehnte lang nicht veröffentlicht – ein Desiderat, dem Play Loud! Productions nun entgegenwirken.

Mehr Infos und ein Video Interview zu MONA MUR: The Original Band (1984 – 86) und allen anderen aktuellen Re-Releases gibt es unter: http://www.playloud.org/archiveandstore/en/vinyl-12/810-mona-mur-the-original-band-1984-86.html

Weiter aktuell… offizielles Video zur 1. Single “SCHIELDWALL“:

Zurück zum neuen Album… „Ich stieß auf die Geschichte einer kleinen Insel vor der brasilianischen Küste, auf der tausende von hochgiftigen Vipern hausen, die sich gegenseitig kannibalisieren. Sie ließen nicht mal den Leuchtturm-Wärter am Leben. Die Schlangen waren überall – bis die Population implodierte. Ich stellte mir vor, dort zu leben … vielleicht sogar als eine der Schlangen. Ich weiß nicht, ob die Story wahr ist. Aber dieses Bild hat mich inspiriert, ein weiteres Album mit meinem Freund Goldkind in Angriff zu nehmen. Goldkind ist ein exzentrischer Klangschamane. Wir haben eine tiefe musikalische Verbindung. Die Bedingung war – ich spiele die meisten E-Gitarren selbst. Goldkind stimmte zu. So konnte ich mich richtig ausleben, nicht nur als Sängerin, sondern auch an der verstärkten Gitarre, auf der ich in den letzten drei Jahren einen eigenen Style aus verzerrten, monströsen, schleppenden Riffs entwickelt habe.“

So bilden die 10 Songs von SNAKE ISLAND ein dunkles Gemälde aus Melancholie, Doom, Schönheit, Romantik und Apokalypse. SNAKE ISLAND zelebriert das Ende des Spätkapitalismus in exquisiten Elektronik – Layern, harschen Gitarren und herzzerreissend schönen Melodien. “SNAKE ISLAND enthält meinen ganzen bodenlosen Schmerz über die sinnlose und dumpfe Zerstörungswut hasserfüllter Menschen, die dem schönsten aller Planeten in Kürze den Garaus machen, wenn nicht ein Wunder geschieht.“

Den Einstieg auf die „Schlangeninsel“ befördern zwei Coverversionen: Motörhead – Knaller „Ace of Spades“ mit furiosem Gitarrensolo von Gary Schmalzl – und “Rake“, die Schwerenöter-Ballade des todessehnsüchtigen US-Barden Townes Van Zandt, mit feinem Solo von En Esch. „Die Story meiner Jugend“, lacht Mona Mur. Man kauft es ihr ab.

Veredelt wurde SNAKE ISLAND durch extensive Nachbearbeitung und Mastering von Produzentenlegende Jon Caffery (Joy Division, Kraftwerk, Einstürzende Neubauten, Linton Kwesi Johnson), dem beide Künstler langjährig verbunden sind.

„Mona Mur ist nach vier Jahrzehnten ihres Musikschaffens genau so vital, intensiv und boshaft wie eh und je. Ihr artistisches Alter Ego verströmt Klasse, Stil und pures Gift zu gleichen Teilen.“ ReGen Mag 10 /2022

MONA MURSängerin, Komponistin, Produzentin, ist seit den 80ern bekannt für ihre einzigartige dunkle Stimme und ihre manisch–intensiven Live-Auftritte in Gitarrengewittern und morbidem Slowbeat-Chic. Ihre Musik bildet eine eigene Kategorie aus Punk und Chanson, Electronic Rock ’n’ Roll und orchestralen Klangwänden. Mona hat mit Musikern wie „Einstürzende Neubauten“ –Schlagwerker FM Einheit, den „Stranglers“ J.J. Burnel und Dave Greenfield, Yello’s Dieter Meier oder auch Operndiva Simone Kermes kollaboriert. Mit En Esch (KMFDM, Pigface) tourte sie weltweit.

Ihre Alben sowie ihre preisgekrönten Soundtracks für Games („Kane & Lynch 2: Dog Days“) und Filme („Gegen die Wand“, von Fatih Akin, „Genderation“ von Monika Treut, ‘Letzte Ausfahrt: Weltall“ von Rudolph und Werner Herzog) produziert sie in ihrem Berliner Studio KATANA.

Zudem hat der Filmemacher und Grimme-Preis-Träger Dietmar Post (u.a. Monks: The Transatlantic Feedback, Deutsche Pop Zustände)in einem Studio ein 4-stündiges Gespräch mit der Künstlerin Mona Mur geführt. Daraus sind zunächst zwei kürzere Filme zu den Alben ‚Mona Mur: Mona Mur (1988)‘ und ‚Mona Mur: The Original Band (1984-86)‘ entstanden. Nun soll für den Herbst 2023 aus dem Material, welches die komplette Karriere von Mona Mur abdeckt, ein längerer Dokumentarfilm entstehen.

Mehr Infos unter:
https://monamur.com/
http://www.playloud.org/archiveandstore/en/vinyl-12/747-mona-mur-mona-mur.html
https://www.facebook.com/monamur.official
https://www.youtube.com/@Monamurofficial

Ulrich Zehfuß „Du wirst mich nicht los“

Eine Hymne gegen Mikroplastik – Ulrich Zehfuß veröffentlicht mit „Du wirst mich nicht los“ zweite Single aus dem kommenden Album „Liebe“ (VÖ 21.04.2023)

Mit der neuen Single „Du wirst mich nicht los“ schlägt Ulrich Zehfuß einen großen Bogen. Er verknüpft seine Lebenserfahrung als Sohn eines Landwirts und der Arbeit auf Gemüsefeldern mit einem brandaktuellen Thema: Der Verseuchung der Umwelt und der Nahrungskette mit Mikroplastik„Du wirst mich nicht los“ ist ein astreiner Stalker-Song aus der aus der Perspektive einer Plastikfolie, die wie ein verlassener Liebhaber die Menschen daran erinnert, dass sie die Geister nicht mehr loswerden, die sie gerufen haben.

Geschrieben hat Zehfuß den Song mit dem Kölner Songwriter und Co-Produzenten Luis Schwamm aus der Sago Songwriter-Familie, zu der Zehfuß selbst gehört, sowie dem Stockholmer Pianisten und Produzenten Anders Wihk. Mit beiden hat Zehfuß sein aktuelles Album „Liebe“ für das Münchner Label Sturm & Klang von Konstantin Wecker produziert, das am 21. April erscheinen wird.
Zur Single gibt es ein Musikvideo, das vom Mannheimer Videoclip-Spezialisten Camelot Films produziert worden ist, hier zu sehen:

Weiter aktuell… Ulrich Zehfuß „Soldat“ hier anhören:

Die Musikerinnen und Musiker:
Stimme – Ulrich Zehfuß | Piano – Anders Wihk | Bandoneon – Belèn Romano | Bass – Svante Henryson | Strings – Stockholm Studio Orchestra (the individual string players names are registered under this name)

Portrait: Als Ulrich Zehfuß 2016 nach zehn Jahren Bühnenpause mit einem neuen Album in die Singer-Songwriter Szene zurückkehrte, zu der er bereits mit 17 als Sänger der Band BUNT gehört hatte, empfing man den eleganten Musiker in seinen Vierzigern mit offenen Armen: die Jury der deutschen Liederbestenliste kürte „Dünnes Eis“ zum Album des Monats, das Fernsehen des SWR klopfte die Kissen der Promi-Couch für ihn auf, widmete ihm ein Portrait, während man ihn im Deutschlandfunk begeistert als »einen der interessantesten deutschen Liedermacher« betitelte. Zehfuß hatte ein Album produziert, das berührt: »Popmusik im besten Sinne (…) voller wunderbarer kleiner Alltagbeobachtungen« (SR).

Ende der Neunziger war Zehfuß mit seiner Band BUNT bereits eine feste Größe im Südwesten gewesen. Drei Mal hintereinander wurden sie ab 1991 von der Jury des Bundeswettbewerbs Treffen Junge Musik-Szene in Berlin ausgezeichnet. Kaum bessere Voraussetzungen, um 1994 selbst Mitglied dieser Jury zu werden. Heute gibt er selbst Songwriting-Seminare, u.a. in der Popakademie Mannheim. 1991 wurde Zehfuß Schüler von SAGO, der Poetenschule von Christof Stählin, der er auch nach dem Tod des Lehrers verbunden bleibt. Das Lied „Selber groß“, bei dem ihn Dota Kehr stimmlich begleitet, erinnerte auf dem seinem letzten Album „Erntezeit“ an jenen großen Liedermacher.

Mehr Infos unter: https://www.28if.net/zehfuss.html

Isa Jansen „Du hast mich kaputt gemacht“

Singer/Songwriterin Isa Jansen veröffentlicht zweite Single „Du hast mich kaputt gemacht“ – neues Album „Bitter & Süß“ erschein am 24.03.2023

Isa Jansen veröffentlicht brandneu ihre zweite Single „Du hast mich kaputt gemacht“ unter dem Label „Sturm & Klang“ von Konstantin Wecker.
Während der erste Song „In den Wolken“ im Folk- Singer/Songwriter-Stil mit luftig leichten Percussions und einer verspielten Gitarre daherkommt, wird mit der zweiten Single auf musikalische Weise der Facettenreichtum des Daseins sowie die Bandbreite des neuen Albums „Bitter & Süß“ gezeigt.

„Du stehst im Licht, verstehst du‘s nicht, ich brauch dich nicht“ – eine Abrechnung und eine hoffnungsvolle Befreiung aus der Tiefe und aus der Krise sowie der philosophische Beweis dafür, dass es ohne Schatten kein Licht gibt.

Video Premiere „Du hast mich kaputt gemacht“:

Weiter aktuell… Video „In den Wolken“:

Synthesizer, Orgeln und Bläser – alles was man braucht, um Verletzungen Luft zu machen, sich zu befreien und nach den tiefen Momenten des Lebens wieder nach vorne zu schauen. „Du hast mich kaputt gemacht“ ist der rockigste Song des Albums „Bitter & Süß“, welches am 24.03.2023 erscheint. Abgemischt wurde das gesamte Album von Johann Seifert, der u. a. auch für Lena Meyer-Landrut, Kraftklub und Cro tätig ist.
Live begeistert sie bereits bei jeder Gelegenheit sowohl Solo an Gitarre und Piano als auch in voller Bandbesetzung. Hochcharmant und locker leicht nimmt sie das Publikum mit in ihre Welt.

Johannes Engelhardt – Bass, Synthesizerbass
Hiromu Seifert – Schlagzeug, Klavier, Keyboard
Julian Maier-Hauff – Bläserarrangements
Anne Altenburg – Backgroundgesang
Isa Jansen – Text, Musik, Gesang, Gitarre

Mehr Infos unter:
https://www.instagram.com/isajansen.de/
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Connor Selby veröffentlicht sein Tribut an Ray Charles “My Baby Don’t Dig Me”

Der junge britische Troubadour Connor Selby stellt seine Coverversion von Ray Charles‘ Song „My Baby Don’t Dig Me“ aus dem Jahr 1964 vor. Der Song stammt aus seinem kommenden Album ‚Connor Selby‘ (Deluxe Edition), das bei Provogue/Mascot Label Group erscheint.

“My Baby Don’t Dig Me” kann man sich hier anhören:

Pre-Sale Connor Selby Deluxe-Album hier: https://lnk.to/ConnorSelby

Außerdem wird er die Soul-Legende P.P. Arnold bei zwei speziellen Londoner Shows im Jazz Café am 25. und 26. Februar sowie Beth Hart bei ihrer kompletten Tournee durch Großbritannien und Irland vom 03. bis 21. März begleiten. Außerdem wird er am 27. April auf dem Cheltenham Jazz Festival auftreten.

Über den neuen Song sagt Selby: „Ich habe diesen Song ausgewählt, weil ich, wie jeder, der mich kennt, sagen wird, ein großer Ray Charles-Fan bin und ich ihm eine Hommage erweisen wollte. Allerdings wollte ich einen weniger bekannten Song wählen, den nicht viele Leute kennen, und nicht einen seiner Hits, damit er den Leuten noch frisch im Gedächtnis ist und sie ihn nicht automatisch mit dem Original vergleichen. Es war mir wichtig, dass ich mich selbst in den Song hineinversetzen konnte, ohne dem Original zu nahe zu treten. Ich habe mich für diesen Song entschieden, im Gegensatz zu vielen seiner anderen, weil es ein lustiger Song mit einem tollen Groove und einem ziemlich humorvollen Text ist, der mich immer angesprochen hat.“

Selby wird „Connor Selby (Deluxe Edition)“ am 03. März über Provogue veröffentlichen. Das Album enthält vier Bonustracks, darunter die neuen Videos zu „I Shouldn’t Care“ und „The Deep End (Lyric Video)“.  Seine Musik hat eine zeitlose, melancholische Qualität. In ihrer Ehrlichkeit und Offenheit schöpft sie aus der Angst und der Verletzlichkeit, aber sie vermittelt sie mit einer weltgewandten Eleganz. Das Album wurde ursprünglich 2021 im Eigenverlag veröffentlicht und wird nun mit viel Liebe und vier neuen Bonussongs von Provogue wiederveröffentlicht.

Connor Selby ist eines der größten Talente in der britischen Bluesszene. Bei den diesjährigen UK Blues Awards ist er nominiert für „Acoustic Act of the Year“„Instrumentalist of the Year“, „Blues Vocalist of the Year“ und „Blues Artist of the Year“. Er wurde bei den UK Blues Awards in den letzten drei aufeinanderfolgenden Jahren (2020, 2021, 2022) zum „Young Artist of the Year“ gewählt und hat eine beeindruckende Liste von Auftrittsorten, darunter das Wembley-Stadion, wo er im Juli 2019 für The Who eröffnete und im Sommer 2022 im Londoner Hyde Park zusammen mit Pearl Jam, Stereophonics und Johnny Marr spielte.

Aufgewachsen in einem Dorf in Essex, hat er einen weniger ausgetretenen Pfad beschritten. Von den frühen Jahren in Connecticut, USA, als kleines Kind bis nach Dubai, VAE, im Alter von zehn bis vierzehn Jahren, und Essex auf beiden Seiten, mit diesen jungen Augen saugte er die Reisen und die Veränderungen auf, die an ihm vorbeizogen. Eine Sache, die ihn nicht losließ, war seine aufkeimende Liebe zur amerikanischen Roots-Musik„Ich interessierte mich nicht nur für die Musik selbst, sondern auch für die Geschichte und alles, was damit zu tun hatte“, sagt er. „Ich wollte so viel lernen und hören, wie ich konnte. Ich denke, es ist wichtig, dass jemand, der nicht aus diesem Kulturkreis stammt, der Musik den Respekt entgegenbringt, den sie verdient. Man kann die Musik nicht von ihrem historischen Kontext trennen.“

„Ich liebe die Direktheit, die Einfachheit und Erdverbundenheit der Musik“, fügt er hinzu. „Ich liebe es, wie bodenständig er ist, sowohl textlich als auch musikalisch. Ich denke, beim Blues geht es im Grunde um sehr grundlegende menschliche Gefühle. Dinge wie Kummer und Stolz und die Art und Weise, wie wir mit alltäglichen Situationen und Problemen umgehen. Außerdem hat mich schon immer die verbindliche Qualität der Musik angezogen. Als Kind und Teenager war ich ziemlich schüchtern und nicht sehr selbstbewusst, also denke ich, dass ich in der Musik ein Gefühl von Macht finden konnte.“

Für Selby, der neben Auszeichnungen auch zahlreiche Auftritte bei BBC Radio 2 hat, ist der Himmel die Grenze. Mit seiner gefühlvollen Bluesmischung und seinem emotionalen, introspektiven Songwriting, das sich mit seinem beeindruckenden Gitarrenspiel paart, ist es leicht zu verstehen, warum. Die Songs auf „Connor Selby“ sind kleine Vignetten der verschiedenen Musikstile, die ihn inspirieren.
Weiter aktuell…

Official Video „I Shouldn’t Care“:

Lyric Video „The Deep End“:

Mehr Infos unter:
https://www.connorselby.com/
https://www.facebook.com/ConnorSelbyMusic
https://www.instagram.com/connorjamesselby/

Touré+Oumou - Photo: Henriette Kuypers

ALI FARKA TOURÉ – NEUER TRACK ‚CHERIE‘ MIT OUMOU SANGARÉ

ALI FARKA TOURÉ – NEUER TRACK ‚CHERIE‘ MIT OUMOU SANGARÉ – ALBUM ‚VOYAGEUR‘ ERSCHEINT AM 10. MÄRZ AUF WORLD CIRCUIT

Heute präsentiert World Circuit mit einen neuen, bisher ungehörten Track des großen malischen Gitarristen und Königs des „Desert Blues“Ali Farka Touré. Auf „Cherie“ ist die malische Superstar-Diva Oumou Sangaré zu hören, eine enge und langjährige Freundin von Ali. Sangaré ist an insgesamt 3 Tracks des Albums „Voyageur“ beteiligt, das am 10. März über World Circuit auf CD, LP und in digitalen Formaten erscheinen wird.

Track Premiere „Cherie“:

Das Album „Voyageur“ kann man hier vorbestellen: https://worldcircuit.lnk.to/AFTVoyageur

Oumou kommentiert die Zusammenarbeit, die 1995 in London aufgenommen und bisher noch nicht veröffentlicht wurde: „Ali Farka Touré war nicht nur ein bedeutender Künstler, sondern auch ein Menschenfreund. Er unterstützte mich sehr, als ich mit meiner Musik anfing, wie ein beschützender großer Bruder, und er war stolz auf meine Leistungen für die afrikanische Entwicklung. Ali und ich haben oft gemeinsam vor malischem Publikum gesungen, und diese Session ist das einzige Zeugnis unserer musikalischen Harmonie. Leider ist Ali nicht mehr unter uns… aber ich weiß, dass er sich sehr darüber gefreut hätte. Ich bin sehr stolz darauf, an diesem Album mitgewirkt zu haben.“

„Voyageur“ wurde von Nick Gold von World Circuit zusammen mit Alis Sohn Vieux Farka Touré produziert und ist die erste Veröffentlichung von ungehörtem Material von Ali Farka Touré seit dem posthumen Grammy-Gewinner „Ali & Toumani“ von 2010. Es enthält eine Sammlung von Juwelen, die zu verschiedenen Zeitpunkten in Alis glanzvoller Karriere aufgenommen wurden und Alis Status als weltweit verehrte Legende der afrikanischen Musik bestätigen. Die Songs auf „Voyageur“, die im Laufe von 15 Jahren spontan auf der Straße und im Studio zwischen den Sessions für andere Alben aufgezeichnet wurden, waren alle von immenser persönlicher Bedeutung für Ali. Sie spiegeln sein leidenschaftliches Engagement für die Kreativität und die kulturelle Vielfalt seiner Heimat wider sowie ein Leben, das er als Reisender – als Voyageur – zwischen den Wüstenbühnen von Timbuktu, den Studios von West Hollywood, den Konzertsälen von London und Tokio und den winzigen Dörfern am malischen Flussufer verbracht hat, wo Ali natürlich jedem bekannt war.

„Safari“, der erste Track des Albums, ist ebenfalls schon erhältlich; https://youtu.be/McCkxYr-1R0

Touré+Oumou - Photo: Henriette Kuypers
Touré+Oumou – Photo: Henriette Kuypers

Kein afrikanischer Musiker hat in seiner Heimat und in der internationalen Öffentlichkeit mehr Eindruck hinterlassen, als der große malische Gitarrist, Sänger und Begründer des Desert Blues, Ali Farka Touré. Von der Grammy-prämierten Zusammenarbeit mit Ry Cooder und dem Kora-Maestro Toumani Diabaté bis hin zu den düsteren Lo-Fi-Aufnahmen aus seinem abgelegenen Heimatdorf kommuniziert Alis unnachahmliche Stimme und sein hypnotisches Gitarrenspiel mit den Zuhörenden durch eine Autorität, die über die Grenzen von Märkten, Moden und Genres hinausgeht. Ali wurde seiner Musik mehr als gerecht: eine imposante, sogar königliche Erscheinung, mit einem herrlichen Lächeln, einem unangreifbaren Selbstvertrauen und einem verschmitzten Sinn für Humor. Sechzehn Jahre nach seinem Tod bleibt Ali eine überragende Persönlichkeit, eines der wenigen großen Talente – neben Jimi Hendrix und Fela Kuti -, deren Musik ewig lebendig und relevant bleibt und deren Charisma auch nach ihrem Tod so hell brennt wie zu Lebzeiten.

Alis Mystik ist ungebrochen und inspiriert Zuhörende auf der ganzen Welt und eine Vielzahl berühmter Bewunderer, darunter Robert Plant, der Schauspieler Matthew McConaughey, der seinen berühmten Summgesang in „The Wolf of Wall Street“ einem von Alis Rhythmen nachempfunden hat, und die texanische Indie-Rockband Khruangbin, die kürzlich zusammen mit seinem Sohn Vieux eine Sammlung von Alis Liedern aufgenommen hat.

Von reduzierten, hypnotischen Grooves in Alis unverkennbarem Sonrhaï-Stil bis hin zu hymnischen Fischer-Refrains, pulsierenden Jäger-Rhythmen und einer afrikanischen „Noise-Band“ aus hallbeladenen Gitarren und Lauten („Kombo Galia“) zeigt „Voyageur“ einen geheimen Schatz an Songs, den Ali im Laufe seiner langen und abwechslungsreichen Karriere aufgebaut hat, und wirft ein neues Licht auf ein außergewöhnliches und mysteriöses Talent.

„Safari“ („Medizin“) ist ein klassisches Ali-Stück in seiner typischen Sonrhaï-Manier. Seine aufgeladene Stimme wird von einem treibenden Kalebassen-Rhythmus und dem geisterhaften Surren einer Fula-Flöte unterstrichen, während Ali damit prahlt, dass er die „Medizin“ und die nötige Anleitung besitzt, um „schlechtes Verhalten“ zu heilen. In „Cherie“ („Liebling“), einem von drei Stücken, bei denen Ali von der großen Wassoulou-Diva Oumou Sangaré begleitet wird, verleiht die Kamelngoni – die „Harfe des Jägers“ – Alis smoothen Gitarrenriff einen wunderbaren elastischen Swing, während die beiden Stimmen in perfekter Harmonie zueinander erklingen. Das einsaitige Riffing der Djerkel-Gitarre, die bei Zeremonien zur Geisterbesessenheit verwendet wird, wird auf eine läutende, offen gestimmte E-Gitarre übertragen. „Sambadio“, ein Fula-Lied zum Lob der Bauern, ist in zwei Versionen zu hören: akustisch mit einer wunderbar lockeren Lagerfeuerstimmung, angetrieben durch das eindringliche Ngoni-Zupfen der Maestros Bassekou Kouyate und Mama Sissoko; elektrisch mit einem wunderbaren jazzigen Saxophon-Arrangement von James Brown-Sideman Pee Wee Ellis. „Sadjona“ (The Weight of Fate) ist ein traditionelles Lied für Wassoulou-Jäger, das von Oumou Sangaré während eines Mikrofonchecks spontan zu einem Loblied für Ali umgedichtet wurde. Die schiere beschwörende Dringlichkeit ihres Gesangs wird durch den hüpfenden Kamelngoni-Groove fantastisch in Schwung gebracht, bevor ein packender Saxophonpart in den Mix einfließt – einer dieser inspirierenden, zufälligen musikalischen Momente, die zu hören ein Privileg ist.

Diese Lieder, die zu dem gehören, was der Produzent Nick Gold als „kostbares, privates Archiv“ bezeichnet, wurden von Ali über einen Zeitraum von 25 Jahren sparsam und manchmal scheinbar widerwillig an Gold weitergegeben. Und Ali wusste genau, was er tat: Indem er diese Lieder nach und nach an Gold weitergab, würden sie eines Tages, so Gott will, ein weltweites Publikum erreichen; doch selbst dann hielt Ali die Dinge gerne auf Messers Schneide. Einige dieser Songs wurden ganz spontan zwischen den Aufnahmen anderer Lieder eingespielt. Glücklicherweise liefen die Bänder, sonst wäre ein Großteil der Musik auf diesem wunderbaren Album vielleicht nie zu hören gewesen.

„Voyager“ Album Tracklisting:

  1. Safari
  2. Malahani
  3. Sambadio (Acoustic)
  4. Banolobourou (feat. Oumou Sangaré)
  5. Chèrie (feat. Oumou Sangaré)
  6. Kenouna
  7. Sadjona (feat. Oumou Sangaré)
  8. Sambadio (Electric)
  9. Kombo Galia

Das Album „Voyageur“ kann man hier vorbestellen: https://worldcircuit.lnk.to/AFTVoyageur

www.worldcircuit.co.uk  / www.alifarkatoure.com

ALI FARKA TOURÉ: Voyageur
CD, LP, Digitale Formate
VÖ: 10.03.2023

Alcatrazz “TAKE NO PRISONERS”

Alcatrazz veröffentlichen ihr neues Album “TAKE NO PRISONERS” am 19. Mai 2023 via Silver Lining Music/ADA

Alcatrazz “TAKE NO PRISONERS”
Alcatrazz “TAKE NO PRISONERS”

Die Heavy Metal Ikonen Alcatrazz aus LA veröffentlichen ihre erste Single ‘Don’t Get Mad…Get Even‘ (feat. Girlschool) aus dem neuen Album “Take No Prisoners”VÖ am 19. Mai 2023 über Silver Lining Music.

Video ‘DON’T GET MAD…GET EVEN (FEAT. GIRLSCHOOL):


(Video von Natalia Jonderko Śmiechowicz)

PRE-ORDER: https://lnk.to/TakeNoPrisoners

Der Track ist eine Zusammenarbeit mit der legendären Band Girlschool, voll auf die Zwölf und in typischer Headbanging Manier. Don’t Get Mad…Get Even ist ein an Thin Lizzy, AC/DC erinnerndes Stück”, sagt Jimmy WaldoKeyboarder und Gründungsmitglied von Alcatrazz “und das i-Tüpfelchen ist, dass unsere Freunde von Girlschool den Chor singen. Das haben wir auf unserer letzten gemeinsamen Europa-Tour aufgenommen und es klingt fantastisch.”

“An einem Off-Tag, in einem Hotel in Frankreich, kamen die Jungs von Alcatrazz und fragten, ob wir nicht mitsingen wollten”, bestätigt Girlschool’s Drummer, Denise Dufort“Jimmy Waldo hatte seine Aufnahmeutensilien mit auf Tour, wir stellten uns um das Mikrofon und los ging es. Wir hatten dabei viel Spaß und es ist ein richtiger cooler Song geworden, ein großartiger Hard Rock Track!”

Alcatrazz liefern Songs im Warp Faktor 10 auf ihrem sechsten Studioalbum, das dritte in drei Jahren. Das Album umfasst 10 mitreißende, charismatische Tracks und in jedem ist die einzigartige Fusion von amerikanischem Classic Rock mit der harten Rock-Attitüde des britischen Metal zu erkennen. “Take No Prisoners”kommt mit der Energie von Alcatrazz, im Gepäck umfassende Melodien mit „Road Warrior Riffs”.  ‘Little Viper’ hat eine Gitarre, die alles abmäht und dann in einem Gewitter endet, ein Angriff, den man von Dio kennt; aber es gibt auch ruhigere, umfangreiche Songs wie das epische ‘Strangers’ und das Album endet mit dem Brennpunkt  ‘Bring On The Rawk’. Ohne Frage: Alcatrazz is kicking ass!

Mit Doogie White (Gesang), Joe Stump (Gitarre), Jimmy Waldo (Keyboards), Gary Shea (Bass) und Larry Paterson (Drums) ist das Werk ein lautes und stolzes Classic Rock Albumproduziert von Giles Lavery und Waldo“Take No Prisoners” ist ganz in der Tradition wie man Alcatrazz kennt, exzellente Gitarren, donnernde Rhythmen und mit einem Gesang, der an die Dio /Rainbow Ära erinnert.

Zum 40th Anniversary gehen Alcatrazz zusammen mit  Girlschool auf eine Co- Headline Tour im Februar in England.

Tickets für die UK Daten: www.alcatrazzofficial.com

“Take No Prisoners”wird als CD Digipak, 12” Black Vinyl, Digital Download, Streaming und spezielle D2C Bundles veröffentlicht. Pre-order ab sofort:  at this location.

“Take No Prisoners” Track Listing:
Little Viper
Don’t Get Mad…Get Even (feat. Girlschool)
Battlelines
Strangers
Gates of Destiny
Alcatrazz
Holy Roller (Love’s Temple)
Power in Numbers
Salute the Colours
Bring on the Rawk

Alcatrazz sind:
Jimmy Waldo – Keyboards
Gary Shea – Bass
Doogie White – Gesang
Joe Stump – Gitarre
Larry Paterson – Drums

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Steve Vai mit persönlicher Massage zu VAI/ GASH – Live Dates 2023

Steve Vai und Favored Nations / Mascot Label Group veröffentlichen VAI/GASH heute digital und auf CD. Das Vinyl-Album wird am 24. Februar folgen.

Er erzählt: „Vai/Gash wurde 1991 in einer Art Bewusstseinsstrom innerhalb von vielleicht zwei Wochen geschrieben und aufgenommen, als Antwort auf meinen Wunsch, eine bestimmte Art von Musik zu hören, wenn ich mit meinen Freunden auf meiner Harley Davison Motorrad unterwegs war. Einer dieser Freunde war John ‚Gash‘ Sombrotto, der der kraftvolle Sänger auf dieser Platte ist. Es erinnert mich an eine bestimmte Art von Rockmusik, die ich als Teenager in den 1970er Jahren genossen habe. Diese Aufnahmen lagen über 30 Jahre lang im Regal und werden nun im Jahr 2023 veröffentlicht.“

Steve Vai Shares Personal Message:

Bislang wurden drei Songs vorab veröffentlicht:

„She Saved My Life Tonight“:

„In The Wind“:

„Busted“:

Das Album kann man hier bestellen: https://lnk.to/VaiGash

John wurde in Queens, New York, geboren und war in seiner Jugend ein begeisterter Motorradfahrer. Im Jahr 1977, im Alter von 21 Jahren, erlitt er einen schweren Unfall, bei dem sein Körper Feuer fing, als er 30 Fuß tief in einen Stacheldrahtzaun stürzte. Vai schreibt in den Liner Notes: „Die Ärzte sagten seiner Familie, dass er Verbrennungen dritten Grades auf 60% seines Körpers hatte und dass er, falls er überhaupt überlebte, mit großer Wahrscheinlichkeit seinen rechten Arm und sein linkes Bein verlieren würde. Während der Behandlung auf der Spezialstation für Verbrennungen ertrug er unerträgliche Schmerzen, vor allem, wenn er täglich heiße Bäder gegen seine Verbrennungen nehmen musste. Er hielt tapfer durch und wurde nach einem Monat endlich aus dem Krankenhaus entlassen. Glücklicherweise mit allen Gliedmaßen.

Ein Teil des linken Ohrs fehlt seither und er hatte mehrere Hauttransplantationen an Hals, Armen, Beinen und der gesamten Brust. Die Geschichten, die er über seine Genesung und die damit verbundenen unerträglichen Schmerzen erzählte, waren hart. Aber er überlebte und schließlich blühte er wieder auf. 1982 machte er sich auf den Weg nach Los Angeles und stieg sofort wieder auf sein Motorrad.“

Vai lernte John durch einen gemeinsamen Freund, Mark Cimino, kennen. Die beiden verband die Biker-Kultur und er wählte den Namen „Gash“ als Spitznamen. Vai schrieb: „…ich habe viele Leute beobachtet, die ihn auf unseren zahlreichen Motorrad Roadtrips und anderen Abenteuern trafen. Auf den ersten Blick waren konnten viele Leute von seiner Glatze, seinem vernarbten Hals und seinem abgebrannten Ohr sehr beeindruckt. Da er so aussah und eine Harley fuhr, konnte man leicht annehmen, dass er vielleicht ein harter, bedrohlicher Biker war, aber nachdem man sich auch nur eine Minute mit ihm unterhalten hatte, brachten sein Charme und seine magnetische Ausstrahlung die Leute zum Lachen und sie genossen seine erfrischende Präsenz und er zog sie in seinen Bann. John verstand sich auf Anhieb mit den ungewöhnlichsten Menschen jeden Alters, jeder Hautfarbe, Größe, politischen oder sexuellen Überzeugung. Er war nicht oberflächlich und urteilte nie über Menschen. Unter all den Narben verbarg sich ein kühnes und warmes Herz, das in seinen entwaffnenden, großen und sanften blauen Augen zu sehen ist.“

Er fährt fort: „… etwas in mir wollte ihn ins Studio holen und sehen, wie er diese Biker-Songs, die ich als Demo hatte, singen würde. aber nichts hätte mich auf die Stimme vorbereiten können, die aus seinem Körper kam. Und natürlich klingt er so selbstbewusst, furchtlos und unbeschwert. So wie er nunmal ist. Das war die Stimme, die ich über diese knallharten Rocksongs hören wollte. Ich war verblüfft. Zu dieser Zeit begann ich auch mit der Arbeit an „Sex and Religion“ und hoffte, endlich mehr als die 8 Songs aufnehmen zu können, die ich mit John für ein alternatives Projekt geschrieben hatte, aber das erwies sich als unmöglich. Am 7. September 1998, zwei Tage nach dem Tod meines Vaters, klingelte das Telefon, und es war Johns Freundin Nancy. Ihre Stimme zitterte und ich wusste irgendwie, was sie mir sagen wollte. John hatte einen Motorradunfall und kam dabei furchtbarerweise ums Leben“.

Nach drei Jahrzehnten teilt Steve Vai diese Aufnahmen endlich mit der Welt. Seiner Meinung nach, „wäre Gash der größte Rock-Leadsänger gewesen, den man je kennenlernen wollte. Alle Grundlagen waren vorhanden, aber er war weg. Entmutigt stellte ich das gesamte Projekt ins Regal und hörte es mir in den letzten 30 Jahren mindestens einmal im Jahr an, vor allem an den Jahrestagen seines Todes. Dann hat mich kürzlich etwas dazu gebracht, es jetzt zu veröffentlichen. Ich wünschte, ihr hättet die Gelegenheit gehabt, John kennenzulernen. Ich glaube, ihr hättet ihn genauso geliebt wie wir alle. Fürs Erste ist er ‚In the Wind‘.“
Steve Vai hat eine Rückkehr nach Europa für geplante Auftritte zwischen März und Mai angekündigt. Der zweite Teil der Europa-Termine der Inviolate World Tour beginnt am 24. März in Lissabon, Portugal.

Tickets und eine Reihe von EVO Experience VIP-Paketen sind erhältlich unter: https://www.vai.com

INVIOLATE WORLD TOUR:
24 March Lisbon, Portugal   CCB
26 March Porto, Portugal Casa da Musica
27 March Malaga, Spain Teatro Cervantes
29 March Huelva, Spain Gran Teatro de Huelva
31 March Madrid, Spain  La Riviera
01 April Bilbao, Spain Santana 27 – Sala Gold
02 April Barcelona, Spain Sala Parallel 62
04 April Vigo, Spain Auditorio Mar de Vigo
05 April Gijón, Spain Audiotorio de La Universidad
07 April Milan, Italy   Teatro Dal Verme
08 April Jesolo (Venezia), Italy   PalaInvent
11 April Munich, Germany Technikum
12 April Budapest, Hungary  Akvárium Klub
13 April Zagreb, Croatia Culture Factory
14 April Bratislava, Slovakia  Refinery Gallery
18 April Ankara, Turkey Congresium Ankara
19 April Istanbul, Turkey   VW Arena
21 April Thessaloniki, Greece Principal Club
22 April Athens, Greece Fuzz Live Music Club
24 April Bucharest, Romania  Sala Mare (The Great Hall)
25 April Sofia, Bulgaria NDK Hall 3
26 April Skopje, N. Macedonia DRS Kale
27 April Belgrade, Serbia  MTS dvorana
28 April Brno, Czech Republic Semilasso
29 April Prague, Czech Republic  Lucerna Music Bar
01 May Wroclaw, Poland Majowka Festival at Hala Stulecia
02 May Krakow, Poland ICE
03 May Lublin, CSK
05 May Riga, Latvia Palladium
06 May Tallinn, Estonia Noblessner Foundry
07 May Helsinki, Finland   House of Culture

Eine vollständige Diskographie und mehr Informationen findet man hier: www.vai.com

Destination Anywhere „Zombie“

Destination Anywhere veröffentlichen ihre neue Single und das Video „Zombie“ – neues Album „Mehr davon“ am 19.05.2023

‚Destination Anywhere fressen jetzt Menschenfleisch & Gehirne! Die neue Single „Zombie“ erscheint am 20. Januar 2023 Wer kennt es nicht? Bei Liebeskummer kann auch die Blumenwiese und der Sonnenschein nichts mehr ändern – man fühlt sich wie ein Untoter, dem alles Schöne nichts anhaben kann.

So geschehen bei Destination Anywhere, die ab sofort blutrünstig im Reich der Untoten verkehren und dazu verdammt sind mit leerem Blick auf Hirnsuche zu gehen. Egal ob beim Festival oder im Inselurlaub. Dass sie es ernst meinen mit der Transformation zu seelenlosen Wiedergängern, lässt sich ab sofort auch auf den Social Media Kanälen der Band beobachten…

Video Premiere „Zombie“:

„Zombie“ ist ab jetzt hier erhältlich: https://save-it.cc/artistms/zombie

Musikalisch wirkt sich das glücklicherweise nicht aus: Offbeat, Bratgitarren, Reggae, Halftime – in knapp 2 Minuten wird ein komplettes Best-Of des großen Festival-Einmaleins abgefeuert! Fett produziert von Lars Rettkowitz und bereit, den kalten Winter zumindest für kurze Zeit schon mal vergessen zu lassen.

Das neue Album „Mehr davon“ erscheint übrigens am 19.05.2023!

Weiter aktuell…

“Loser-Hymne (Halb so gut wie du)”:

„Erkennst du mich denn wieder?“:

Destination Anywhere live:
18.05.23 Siegen // ausverkauft
19.05.23 Siegen // ausverkauft
20.05.23 Siegen // ausverkauft
27.05.23 // Festung Rockt Festival

More to be announced!

Mehr Infos unter:
www.destinationanywhere.de
https://www.facebook.com/OfficialDA/
https://twitter.com/OfficialDA/
https://www.youtube.com/user/OfficialDeAnTV/

Connor Selby veröffentlicht „The Deep End“

Connor Selby veröffentlicht mit „The Deep End“ einen weiteren Song aus seinem selbstbetitelten Album (Deluxe Edition)/ VÖ 03. März 2023

Der junge britische Troubadour Connor Selby hat das Lyric-Video zu seinem neuen Song „The Deep End“ veröffentlicht. Der Song stammt aus seinem kommenden selbstbetitelten Deluxe-Edition-Album, das am 03. März über Provogue/Mascot Label Group erscheinen wird.

Über den neuen Song sagt er: „The Deep End wurde geschrieben, um mir selbst zu sagen, dass man im Leben manchmal mutig sein und Risiken eingehen muss und dass man sich manchmal selbst aufs Spiel setzen muss, um zu bekommen, was man will. Wenn ich mir eine Aufgabe vornehme, kann ich ziemlich besessen davon sein, und ich schätze, dieser Song war einfach eine Möglichkeit, diese Gefühle zu kanalisieren. Der Protagonist ist in ein Mädchen verliebt, das gerade eine Beziehung hinter sich hat, und er will nichts mehr, als mit ihr zusammen zu sein. Er sagt sich, dass viele Leute vor ihm den Fehler gemacht haben, kein Risiko einzugehen, und dass dies der einzige Weg ist, um das zu bekommen, was er will. Ich würde nicht sagen, dass dieser Song autobiografisch ist, aber er ist sicherlich von Ereignissen in meinem Leben inspiriert.“

Lyric Video „The Deep End“:


Pre-Sale Connor Selby Deluxe-Album hier: https://lnk.to/ConnorSelby

Connor Selby ist eines der größten Talente in der britischen Bluesszene. Er wurde bei den UK Blues Awards in den letzten drei aufeinanderfolgenden Jahren (2020, 2021, 2022) zum „Young Artist of the Year“ gewählt. Er hat eine beeindruckende Liste von Auftrittsorten, darunter das Wembley-Stadion, wo er im Juli 2019 für The Who eröffnete und im Sommer 2022 im Londoner Hyde Park zusammen mit Pearl Jam, Stereophonics und Johnny Marr spielen wird.

Aufgewachsen in einem Dorf in Essex, hat er einen weniger ausgetretenen Pfad beschritten. Von den frühen Jahren in Connecticut, USA, als kleines Kind bis nach Dubai, VAE, im Alter von zehn bis vierzehn Jahren, und Essex auf beiden Seiten, mit diesen jungen Augen saugte er die Reisen und die Veränderungen auf, die an ihm vorbeizogen. Eine Sache, die ihn nicht losließ, war seine aufkeimende Liebe zur amerikanischen Roots-Musik„Ich interessierte mich nicht nur für die Musik selbst, sondern auch für die Geschichte und alles, was damit zu tun hatte“, sagt er. „Ich wollte so viel lernen und hören, wie ich konnte. Ich denke, es ist wichtig, dass jemand, der nicht aus diesem Kulturkreis stammt, der Musik den Respekt entgegenbringt, den sie verdient. Man kann die Musik nicht von ihrem historischen Kontext trennen.“

„Ich liebe die Direktheit, die Einfachheit und Erdverbundenheit der Musik“, fügt er hinzu. „Ich liebe es, wie bodenständig er ist, sowohl textlich als auch musikalisch. Ich denke, beim Blues geht es im Grunde um sehr grundlegende menschliche Gefühle. Dinge wie Kummer und Stolz und die Art und Weise, wie wir mit alltäglichen Situationen und Problemen umgehen. Außerdem hat mich schon immer die verbindliche Qualität der Musik angezogen. Als Kind und Teenager war ich ziemlich schüchtern und nicht sehr selbstbewusst, also denke ich, dass ich in der Musik ein Gefühl von Macht finden konnte.“

Kürzlich veröffentlichte er das offizielle Video zu „I Shouldn’t Care“, einem Song über Beziehungen mittels Bedauern und Wut, der ebenfalls aus dem kommenden Album stammt. Das Album wurde ursprünglich 2021 im Eigenverlag veröffentlicht und wird nun mit vier neuen Bonussongs von Provogue wiederveröffentlicht. Seine Musik hat eine zeitlose, melancholische Qualität. Sie ist ehrlich und offen, schöpft aus Ängsten und Verletzlichkeit, vermittelt diese aber mit einer weltgewandten Eleganz.

Für Selby, der neben Auszeichnungen auch zahlreiche Auftritte bei BBC Radio 2 hat, ist der Himmel die Grenze. Mit seiner gefühlvollen Bluesmischung und seinem emotionalen, introspektiven Songwriting, das sich mit seinem beeindruckenden Gitarrenspiel paart, ist es leicht zu verstehen, warum. Die Songs auf „Connor Selby“ sind kleine Vignetten der verschiedenen Musikstile, die ihn inspirieren.

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Official Video „I Shouldn’t Care“:



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https://www.connorselby.com/
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https://www.instagram.com/connorjamesselby/

Black Stone Cherry veröffentlichen neuen Song “Out of Pocket”

Black Stone Cherry haben einen brandneuen Song „Out of Pocket“ veröffentlicht, der die Tür ins Jahr 2023 aufstößt. Der Song ist ab sofort über Mascot Records/Mascot Label Group erhältlich und steht auf allen Streaming-Plattformen zur Verfügung.„Out of Pocket“ gibt es hier:

Der Song erscheint rechtzeitig, damit sich die Fans auf ihre bevorstehende Co-Headline-UK-Arena-Tour mit den britischen Rockern The Darkness einstimmen können, die am 28. Januar in der Motorpoint Arena in Cardiff beginnt. Die Tour wird dann durch das ganze Land führen und in der M&S Bank Arena in Liverpool, der OVO Arena in Glasgow, der Resorts World Arena in Birmingham, der AO Arena in Manchester und der First Direct Arena in Leeds stattfinden, bevor sie am 4. Februar eine große Headline-Show in der Wembley OVO Arena in London spielen.

„Out of Pocket“ ist der erste neue Song der Band seit der Veröffentlichung ihres 2020er Albums The Human Condition. Ein emotionaler, mitreißender Song, mit einem Refrain, der die Decke zum Beben bringt, zeigt die Band von ihrer hymnischen Seite. Die lebenslangen Freunde Chris Robertson (Gesang/Gitarre), Ben Wells (Gitarre/Gesang) und John Fred Young (Schlagzeug) präsentieren ihren neuen Bassisten Steve Jewell, der in den letzten zwei Jahren mit ihnen die Bühnen unsicher gemacht hat, auf seiner ersten Studioaufnahme mit der Band.

Chris Robertson sagt über den Song: „Out of Pocket“ ist ein Song, der aus genau diesem Gefühl geboren wurde. Der Song war das, was ich persönlich, und ich denke viele von uns, in diesen sehr schwierigen letzten Jahren gefühlt haben. Sich seinen Dämonen zu stellen und zu wissen, dass man auf der anderen Seite stärker als zuvor herauskommen muss.

In den letzten zwei Jahrzehnten haben die Südstaaten-Rocker aus Kentucky die Bühnen von Arenen bis hin zu Festivals in ganz Europa erschüttert und jedes Mal für gute Laune gesorgt. Im Jahr 2021 erfüllten sie sich mit einem unglaublich emotionalen und kraftvollen Auftritt in der kultigen Royal Albert Hall in London einen Lebenstraum. Jetzt ist es an der Zeit, bei den Arena Gigs erneut den Fans einzuheizen.

Black Stone Cherry haben das Jahr 2023 fest im Visier und werden uns mit viel neuer Musik überraschen.

Black Stone Cherry Online:
www.blackstonecherry.com
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DeWolff veröffentlichen mit "Night Train" einen weiteren Track vom neuen Album "Love, Death & In Between"/ VÖ 03. Februar 2023

DeWolff “Night Train”

DeWolff veröffentlichen mit “Night Train” einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023

Die niederländische Rockband DeWolff hat die nächste Single und den Eröffnungstrack ihres neuen Albums „Love, Death & In Between“ veröffentlicht, das am 3. Februar über Mascot Records / Mascot Label Group erscheint.

“Night Train“ erinnert an klassische Hits wie „Love Train“ von The O’Jays und ist ein fröhlicher Kracher, der geschickt psychedelischen Southern Rock mit klassischem Soul und R&B mischt.

Offizielle Musikvideo zu „Night Train“:

„Night Train“ ist hier erhältlich: https://lnk.to/DeWolff
„Night Train“ folgt auf die vorherigen Singles “Counterfeit Love“, das die Band als das Zeppelin-eskeste Ding, das wir je aufgenommen haben“ bezeichnete, und “Heart Stopping Kinda Show“, das veröffentlicht wurde, kurz nachdem die Band eine 13-tägige Tour mit The Black Crowes auf dem europäischen Festland beendet hatte.

Die Band wird ab 2023 mit Shows in den Niederlanden, Deutschland, Spanien, Frankreich und Großbritannien starten.

DeWolff sind keine Band, die stillsitzt. Sie gedeihen durch ständige Bewegung. Von psychedelischen Southern-Rock-Kriegern zu Abgesandten des Soul. In den letzten vier Jahren haben sie fünf Alben veröffentlicht, wobei 2021s Wolffpack ihr bestes Album wurde, das in ihrer Heimat auf Platz 2 der Charts landete und nur durch die Foo Fighters wurde ihnen der Spitzenplatz streitig gemacht.

‚Love, Death & In Between‘ ist eine Reaktion auf ihre beiden vorherigen Studioalben. ‚Tascam Tapes‘ wurde unterwegs mit einem Vierspur-Kassettenrekorder aus den 1980er Jahren aufgenommen. ‚Wolffpack‘ wurde im Pandemie Jahr mit Social Distance in ihrem Utrechter Electrosaurus Southern Sound Studio aufgenommen.

DeWolff veröffentlichen mit "Night Train" einen weiteren Track vom neuen Album "Love, Death & In Between"/ VÖ 03. Februar 2023
DeWolff veröffentlichen mit „Night Train“ einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023

„Ich liebe die kontrollierte Umgebung des Studios“, sagt Pablo. „Aber normalerweise verbringen wir einen Monat oder ein paar Wochen im Studio, dann gehen wir auf Tour, und dann herrscht Chaos. Das sind verrückte Sachen, Improvisation, Leute, die auf deine Musik reagieren, und du reagierst auf sie. Das ist es, was wir vermisst haben. Wir haben uns am Ende der Corona-Zeit so sehr danach gesehnt. So entstand die Idee zu dieser neuen Platte. Wir wollten etwas mit Menschen machen, mit so vielen Menschen wie möglich.“

Bei einem Besuch in Memphis wurde Pablo buchstäblich vom Blitz getroffen. „2019 besuchte ich eine Predigt von Al Green in seiner eigenen Kirche, und das war eine lebensverändernde Erfahrung, musikalisch gesehen“, erinnert sich Pablo.

„Ich war buchstäblich eine Minute da drin und habe geweint. Ich habe die ganze Predigt über geweint, weil sie so schön war. Er sprach über jemanden, der seine Rechnungen nicht bezahlen kann, und er sagte: ‚Ich rufe den allmächtigen Retter an, um ihr zu helfen, und das wurde mit einer Runde von ‚Yeaaah! Yeaaah’s!‘ und die Band spielte nur zwei Akkorde, und es war so schön. Das hat mich zutiefst berührt. Es hat einen tiefen Eindruck bei mir hinterlassen. Ich wollte so etwas unbedingt bei einer Live-Show machen, aber wir hatten keine Songs, in die es gepasst hätte. Als wir dann anfingen, neue Songs zu schreiben, dachte ich mir: Ja, lass uns so etwas machen. Eine sehr einfache Akkordfolge, aber mit dieser fast religiösen Erfahrung. Denn schließlich ist Musik für uns wie eine Religion. Sie ist etwas, das wir ständig im Kopf haben. Es ist etwas, dem wir unser ganzes Leben widmen.“

Im Mai 2022 fuhren sie nach Loguivy-Plougras in der Bretagne, welches das analoge Studio Kerwax (https://www.kerwax.com/museum/) beheimatet. „Wir dachten, wir sollten uns auf ein Abenteuer einlassen“, sagt er. Im Nordwesten Frankreichs gelegen und von Wäldern umgeben, zogen sie sich in das atemberaubende Wohnstudio zurück, das von Vintage-Aufnahmegeräten aus den 1940er bis 1970er Jahren umgeben ist.

Die Brüder Pablo (Gitarre/Gesang) und Luka van de Poel (Schlagzeug/Gesang) sowie Robin Piso  (Hammond/Wurlitzer) nahmen die Aufnahmen live und ohne Overdubs auf und wurden dabei von zahlreichen Freunden unterstützt. „Wir haben zusätzliche Leute mit nach Frankreich gebracht. Mit zehn Leuten in einem Raum zu spielen ist chaotisch. Bei jedem Take, den man macht, ist jemand nicht damit zufrieden, wie er spielt. Aber man erkennt, worauf es bei einem Take ankommt“.

Alles wurde komplett analog und direkt auf Band aufgenommen, bei der Herstellung des Albums wurden keine Computer verwendet. Die Bänder wurden dann zu einem Mastering-Ingenieur geschickt, der den Lackschnitt für die Vinylpressung herstellte – auch dieses Mastering und der Schnitt erfolgten vollständig analog (https://www.vinylherstellung.de/vinyl-pressung/).

Die Themen wurden teilweise von Romanen amerikanischer Autoren des 20. Jahrhunderts inspiriert, die Pablo während der Pandemie gelesen hatte. Besonders John Steinbecks ‚Tortilla Flat‘, ein Schelmenroman von 1935. „Es gibt ein Zitat von ihm: ‚Die gute Geschichte liegt in halb erzählten Dingen, die aus der eigenen Erfahrung des Hörers ausgefüllt werden müssen‘, und das war etwas, was ich mit den Texten auf dieser Platte wirklich tun wollte.“

Zur gleichen Zeit tauchte die Band tief in alte Soul- und R&B-Platten ein – Sam Cooke, The Impressions, The Coasters, The Clovers, Ray Charles und Little Richard – sowie in eine kräftige Dosis Gospel – The Soul Stirrers, Al Green und frühe Platten von The Staple Singers.

Einige Songs auf dem Album tragen ihr Herz auf der Zunge, wie z.B. „Counterfeit Love“, während das 16-minütige Epos „Rosita“ ihre Entwicklung zeigt. „Wie ich jetzt schreiben möchte, spiegelt sich in Songs wie diesem wider“, sagt er. „Ich wollte, dass sich diese Texte wie eine Geschichte anfühlen, aber auch wie eine Reise in sich selbst“, erklärt er. Was als kleine Geschichte über eine Highschool-Liebe beginnt, explodiert zu einer Geschichte über die Göttin der Liebe und des Todes, die in „The Queen of Space and Time“ mündet. „Es ist dieselbe Person. Es geht um diese gottähnliche weibliche Figur, die alle Arten von verrückten, dunklen Dingen kontrolliert. Bei Rosita kann man nur mit ihr zusammen sein, wenn man schläft oder tot ist, es ist also eine Kombination aus Liebe und Tod. Daher kommt auch der Name des Albums.“

‚Heart Stopping Kinda Show‘ ist ein weiterer vielseitig interpretierbarer Song: „Es geht darum, wie ich das Leben sehe“, sagt er. „Das Leben ist eine herzzerreißende Art von Show. Ich habe mit ‚Tortilla Flat‘ (John Steinbeck Roman von 1935) im Hinterkopf geschrieben. Diese Charaktere denken nicht ständig über alles nach; sie leben, trinken Wein und haben diese schönen Momente. Sie führen das ultimative Leben. In dem Song wollte ich die Dinge im Leben beschreiben, die schön sind.“

‚Will o‘ the Wisp‘ hat eine verführerische Düsternis, während Songs wie ‚Night Train‘, ‚Message for my Baby‘ und ‚Wontcha Wontcha‘ fröhliche Gassenhauer sind.

DeWolff verließ die ländliche Umgebung der Bretagne mit zwölf Songs, die auf vier Bändern aufgenommen wurden, mit Freunden, die Spaß hatten und sich an das erinnerten, was ihnen am wichtigsten ist. Mit einer Mischung aus Al Green, Sam Cooke und John Steinbeck haben sie einige ihrer gefühlvollsten und mitreißendsten Songs geschaffen. Wenn sie singen: „Hey there baby won’t you come on in, I got plenty old records that we can play, some rhythm & blues some old rock ’n roll, yes the type of stuff that can save a soul“, sollte man sich fallen lassen und sich von DeWolff zurück in die Zeit versetzen lassen.

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Video zu „Heart Stopping Kinda Show“:

Track Pre-Listening “Counterfeit Love”:



Tour Dates 2023:
03 Feb – Effenaar Eindhoven, NETHERLANDS
04 Feb – Muziekgieterij, Maastricht, NETHERLANDS
09 Feb – Annabel, Rotterdam, NETHERLANDS
11 Feb – Tivoli Vredenburg, Utrecht, NETHERLANDS
13 Feb – Fraanz Club, Berlin, GERMANY
14 Feb – Bahnhof Pauli, Hamburg, GERMANY
16 Feb – De Oosterpoort, Groningen, NETHERLANDS
17 Feb – Doornroosje, Nijmegen, NETHERLANDS
22 Feb – Factoria Cultural, Avilés, SPAIN
23 Feb – Sala Mon, Madrid, SPAIN
24 Feb – Rock & Blues Café, Zaragoza, SPAIN
25 Feb – Upload, Barcelona, SPAIN
26 Feb – Kafe Antzokia, Bilbao, SPAIN
28 Feb – La Maroquinerie, Paris, FRANCE
02 Mar – 100 Club, London, UK

Mehr Infos:
www.dewolff.nu
www.facebook.com/dewolfficial
https://twitter.com/dewolffmusic
www.instagram.com/dewolfficial/

Connor Selby (Deluxe Edition)

Connor Selby verkündet die Veröffentlichung seines Albums: Connor Selby (Deluxe Edition)/ VÖ 03. März 2023 – 1. Bonustrack „I Shouldn’t Care“ jetzt online!

Der britische Troubadour Connor Selby hat Details zur „Connor Selby (Deluxe Edition)“ bekannt gegeben, die am 03. März über Provogue/Mascot Label Group erscheinen wird. Sie wird vier Bonustracks enthalten, darunter „I Shouldn’t Care“, hier zu sehen…

Official Video „I Shouldn’t Care“:

Pre-Sale Connor Selby Deluxe-Album hier: https://lnk.to/ConnorSelby

Er ist eines der größten Talente in der britischen Bluesszene. Er wurde bei den UK Blues Awards in den letzten drei aufeinanderfolgenden Jahren (2020, 2021, 2022) zum „Young Artist of the Year“ gewählt. Er hat eine beeindruckende Liste von Auftrittsorten, darunter das Wembley-Stadion, wo er im Juli 2019 für The Who eröffnete und im Sommer 2022 im Londoner Hyde Park zusammen mit Pearl Jam, Stereophonics und Johnny Marr spielen wird.

Aufgewachsen in einem Dorf in Essex, hat er einen weniger ausgetretenen Pfad beschritten. Von den frühen Jahren in Connecticut, USA, als kleines Kind bis nach Dubai, VAE, im Alter von zehn bis vierzehn Jahren, und Essex auf beiden Seiten, mit diesen jungen Augen saugte er die Reisen und die Veränderungen auf, die an ihm vorbeizogen. Eine Sache, die ihn nicht losließ, war seine aufkeimende Liebe zur amerikanischen Roots-Musik. „Ich interessierte mich nicht nur für die Musik selbst, sondern auch für die Geschichte und alles, was damit zu tun hatte“, sagt er. „Ich wollte so viel lernen und hören, wie ich konnte. Ich denke, es ist wichtig, dass jemand, der nicht aus diesem Kulturkreis stammt, der Musik den Respekt entgegenbringt, den sie verdient. Man kann die Musik nicht von ihrem historischen Kontext trennen.“

„Ich liebe die Direktheit, die Einfachheit und Erdverbundenheit der Musik“, fügt er hinzu. „Ich liebe es, wie bodenständig er ist, sowohl textlich als auch musikalisch. Ich denke, beim Blues geht es im Grunde um sehr grundlegende menschliche Gefühle. Dinge wie Kummer und Stolz und die Art und Weise, wie wir mit alltäglichen Situationen und Problemen umgehen. Außerdem hat mich schon immer die verbindliche Qualität der Musik angezogen. Als Kind und Teenager war ich ziemlich schüchtern und nicht sehr selbstbewusst, also denke ich, dass ich in der Musik ein Gefühl von Macht finden konnte.“

Beziehungsprobleme finden über Bedauern und Wut ihren Weg in „I Shouldn’t Care“. „Love Letter to the Blues“ ist eine Hommage an das, was er am meisten liebt. „Als ich aufwuchs, hatte ich bis heute nie das Gefühl, dass ich so bin wie meine Altersgenossen. Aber trotz der Höhen und Tiefen in meinem Leben, war der Blues immer da. Er war für mich eine ständige Quelle des Trostes und eine Möglichkeit, mich auszudrücken“, sagt er. Er setzt seinen Fußabdruck auf das Cover von „My Baby Don’t Dig Me“ von Ray Charles, und auf dem Schlussstück des Albums, „The Deep End“, schließt sich der emotionale Kreis.

Als Teenager verschlang er die Musik von Eric Clapton und Ray Charles„Ray hat mich als Person und die Art und Weise, wie ich über Musik dachte, völlig umgeformt.“ Von alten Delta-Platten über Soul-Künstler wie Sam Cooke, Bill Withers und den Stax-Sound bis hin zu Jazz-Sängern wie Billie Holiday und Frank Sinatra sowie Singer-Songwritern wie Van Morrison, Townes van Zandt, Bob Dylan, Nick Drake und zeitgenössischen Künstlern wie Ray LaMontagne, Norah Jones und Foy Vance.

Seine Musik hat eine zeitlose, melancholische Qualität. In ihrer Ehrlichkeit und Offenheit schöpft sie aus der Angst und der Verletzlichkeit, aber sie vermittelt sie mit einer weltgewandten Eleganz. Er singt über Verantwortlichkeit auf „The Man I Out To Be“, unerwiderte Liebe auf „Hear My Prayer“ und dem Staxy/Gospel von „Show Me A Sign“, dauerhafte Liebe auf „Waitin‘ On The Day“ und entdeckt die Wiedergeburt auf „Starting Again“.

Der Himmel ist die Grenze für Selby, der neben Auszeichnungen auch zahlreiche Auftritte bei BBC Radio 2 erhalten hat. Mit seiner gefühlvollen Mischung aus Blues und seinem emotionalen, introspektiven Songwriting, das sich mit seinem beeindruckenden Gitarrenspiel verbindet, ist es leicht zu verstehen, warum. Die Songs auf „Connor Selby“ sind kleine Vignetten der verschiedenen Musikstile, die ihn inspirieren.

Seine Bühnenpräsenz ist von einer lässigen Gelassenheit geprägt. Ruhig und gefasst, bewegt er sich ohne Eile, strahlt aber eine leidenschaftliche Herzlichkeit aus. „Für mich ist es die einzige Zeit in meinem Leben, in der ich in einen anderen Kopfbereich gehen kann“, sagt er. „Zwei Stunden lang kann ich mich völlig verlieren und aus meinem eigenen Kopf herauskommen. Es ist fast wie Meditation.“
Er fügt hinzu: „Jeder hat den ganzen Tag über Gedanken, aber nicht jeder handelt danach. In diesen untätigen Momenten, in denen man einfach nur träumt, geht es darum, zu erkennen, wann das passiert und etwas daraus zu machen.“

Selbys Lyrik und sein Vortrag sind von großer Intimität, und die Emotionen sind das Instrument, das er geschickt einsetzt, um die Wunden, die wir alle im Laufe unseres Lebens spüren, zu entblößen.

Mehr Infos unter:
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VALID BLU “The Missing Link“

Modern Progressive Rock Band VALID BLU veröffentlicht neues Studioalbum “The Missing Link“ am 14. April 2023 – erste Single VÖ und Video Premiere zu “Bucket List“ jetzt online!

“Bucket List“ ist die erste Single mit Video der Modern Progressive Rock Band VALID BLU, die am 14. April 2023 ihr neues Studioalbum „The Missing Link“ veröffentlichen werden!

Video Premiere “Bucket List“:

Pre-Save link: https://save-it.cc/hofa/bucket-list

In „Bucket List“ geht es um die Vorstellungen und auch Begierden, die man hat und die man sich erfüllen und auch verwirklichen möchte. Nicht immer werden sie ausgesprochen, da sie teilweise nicht dem allgemeinen gesellschaftlichen Weltbild entsprechen und sicherlich bei einigen anecken.

VALID BLU wagt es, diese geheimen Wünsche auszusprechen: „I’m desperate and looking for the sense of life: fame, fancy drugs, private plane, endless sex… let me have it all “, ist ein Auszug aus dieser Bucket List und Sängerin Suzen Berlin fügt hinzu: „eine Bucket List hat  jeder im Kopf, denn wir alle haben unsere Träume und Wünsche, um ein richtig geiles Leben ohne Sorgen zu führen; aber es geht auch darum, was man unbedingt noch erreichen möchte. Nicht immer erfüllen sich diese Wünsche oder die Lebensumstände lassen es nicht zu, aber versuchen sollte es jeder – ohne sich dabei von den gesellschaftlichen Normen einengen zu lassen“.

Ein Song mit Tiefgang, innovativ und dem Zeitgeist entsprechend! Verpackt im zweistimmig-weiblichen Gesang, unterstützt von progressivem Gitarrenspiel bleiben bei Bucket List keine musikalischen Wünsche offen!

Im Frühjahr 2023 ist es endlich so weit: VALID BLU veröffentlicht ihr zweites Studioalbum „The Missing Link“. Sphärische Sounds treffen auf dynamische Prog- Elemente; Musik, die den einen oder anderen an den 80er-Jahre-Rock erinnert und genau damit trifft VALID BLU – nicht nur durch den doppelt weiblich belegten Gesang – den Nerv der Zeit.

„The Missing Link“ ist eine Fortführung des von der Musikpresse gefeierten Konzeptalbums „WFYB.TV“ (erschienen im April 2021), jedoch als eigenständiges Album zu betrachten.

https://validblu.com/shop/Music-c79950847

VALID BLU ist Modern- Progressive -Rock: eine fünfköpfige Band, entstanden aus einem Rock-Pop Projekt, mit Bandmitgliedern, die unterschiedlicher nicht sein können. Durch ihre gemeinsame Liebe zur Musik und der starken menschlichen Verbindung untereinander, ist vor 4 Jahren ihr Projekt VALID BLU entstanden. Eine perfekte Inklusion und von dieser Partizipation profitieren alle.

Ausgestattet mit einem eigenen Tonstudio auf dem ehemaligen Todestreifen zwischen Ost- und Westdeutschland entsteht hier die Energie für ihren Musikstil. Provokante Texte nicht ausgeschlossen und VALID BLU scheut sich nicht auch kontrovers diskutierte Themen zu behandeln.

Das neue Album „The Missing Link“ ist die Fortführung des gesellschaftskritischen Blicks auf unsere mediengesteuerte Welt – erzählt in einer fiktiven Geschichte von der Protagonistin/Sängerin Suzen Berlin – es liefert gleichzeitig Hinweise auf ein nächstes Album – eine Brücke zwischen Ersterscheinung und zukünftigem Projekt. Man darf jetzt schon gespannt sein, aber erst einmal eines nach dem Anderen!

VALID BLU “The Missing Link“ Tracklisting:

Bucket List  (5:58)
The Technical Manual For A Successful Life (6:40)
Poison (in my veins) (7:18)
Breathe (6:10)
First Woman on Mars (7:13)
All I Want (7:32)

Das Album wird Digital, als CD und als Vinyl veröffentlicht und als Instant Grat gibt es einen digitalen Bonustrack. Aufgenommen und produziert  im Music²Records Tonstudio  von Valid Blu.

VALID BLU:
Suzen Berlin (Gesang)
Anni Riemer (Gesang)
Lena Uhde (Bass)
Dennis Wetzler (Schlagzeug)
Peter Schmidt (Gitarre)

Mehr Infos unter:
Website: https://www.validblu.com
Instagram: https://www.instagram.com/valid_blu
Facebook: https://www.facebook.com/validblu
Youtube: https://www.youtube.com/validblu

Die Schlange DVD

Packendes True-Crime-Drama über den berüchtigtsten Serienmörder Südostasiens der 1970er-Jahre:

Die Schlange DVD
Die Schlange DVD

Travelling in a fried-out Kombi, on a hippie trail, head full of zombie, I met a strange lady, she made me nervous, she took me in and gave me breakfast…“ – Glück gehabt, dass Colin Hay davon tatsächlich noch ein Lied singen kann, denn genau auf diesem Hippie Trail trieb in den 1970er-Jahren ein skrupelloses Verbrecherpaar, dem der Men at Work-Sänger erfreulicher-weise nicht begegnet ist, ihr schreckliches Unwesen… Als die weltbekannten Zeilen 1978 geschrieben wurden, war der legendäre Hippie Trail jedoch schon fast Geschichte.

Nach der Islamischen Revolution im Iran und dem Einmarsch sowjetischer Truppen in Afghanistan galt die Strecke ab 1979 als unpassierbar. Mehr als zehn Jahre war die Route entlang der alten Seidenstraße für viele sinnsuchende Blumenkinder ein wahres Paradies, hofften sie doch hier auf Bewusstseinserweiterung, Freiheit und Austausch mit anderen Kulturen.

Nicht nur der schier unbegrenzte, einfache Zugang zu halluzinogenen Drogen machten das Reisen für die zumeist jungen Rucksacktouristen auf dem Hippie Trail zunehmend gefährlich. Mitte der 1970er-Jahre kommt es vermehrt zu mysteriösen Todesfällen in der Region: Frauen werden tot angeschwemmt, verbrannte Leichen aufgefunden, und darüber hinaus sind zahlreiche Reisende einfach wie vom Erdboden verschwunden.

Zunächst bleiben die Behörden der Länder entlang des Hippie Trails erstaunlich untätig, denn ungeklärte Todesfälle werden oft ignoriert oder auf allzu exzessiven Drogen- und Alkoholkonsum zurückgeführt und sind überdies dem Tourismus gar nicht zuträglich. Erst Monate später kommt heraus, dass es sich nicht um Unfälle handelt, sondern um eine grauenvolle Mordserie.

Das fesselnde, von Kritikern und Zuschauern hochgelobte TV-Drama Die Schlange (Digital-VÖ: 30.12.2022/DVD-VÖ: 13.01.2023; Edel Motion) beruht auf den schrecklichen Begebenheiten jener Zeit und handelt von den unglaublichen Verbrechen des französischen Hochstaplers, Entführers und Serienmörders, dem 1944 in Saigon als Sohn einer vietnamesischen Mutter und eines indischen Vaters geborenen Charles Sobhraj und seinen willfährigen Helfershelfern.

Die auf unterschiedlichen Zeitebenen und aus der Sicht verschiedener Protagonisten erzählte Geschichte beginnt 1975 in Südostasien: Der charismatische Alain Gautier (einer der vielen falschen Decknamen Sobhrajs), ein smarter, dunkelhaariger Edelsteinhändler mit Fliegerbrille, beobachtet auf einer Party des Kanit House, in dem er ein Appartement bewohnt, die westlichen Hippie-Bohèmiens, die sich am Pool vergnügen. Er hält Ausschau nach den Schwachen, Leichtsinnigen, Vertrauens-vollen – und nach deren Reisekasse. Er studiert sie so, wie er Juwelen durch seine Lupe betrachtet.

Der Modus Operandi des manipulativen Sobhraj ist schnell klar: Er freundet sich mit arglosen Hippies an, lädt sie zum Essen oder auf einen Drink ein, verabreicht ihnen Drogen, raubt sie aus und ermordet sie nach Gutdünken. Für den scheinbaren Wohltäter sind diese Menschen lediglich Mittel zum Zweck, um sich andere Identitäten mit Hilfe ihrer Reisepässe zu verschaffen.

An Sobhrajs Seite: seine ihm treu ergebene Geliebte und Komplizin, die bildhübsche Franko-Kanadierin Marie-Andrée Leclerc, genannt Monique, und der ebenfalls stets loyale Ajay Chowdhury, Sobhrajs zuverlässiger Handlanger, der für ihn Opfer anlockt und die verbrecherische Drecksarbeit erledigt.

Obwohl die jungen Leute oftmals nicht vermisst werden, nimmt sich nach dem grausamen Mord an einem niederländischen Paar der junge Botschafts-Attaché Herman Knippenberg des Falles an, und somit wird der gnadenlose Jäger schließlich zum Gejagten. Gemeinsam mit Interpol versucht der geradezu besessene Knippenberg alles Erdenkliche, um den Mörder endlich dingfest zu machen.

Es entwickelt sich ein zunehmend spannendes Katz-und-Maus-Spiel, während gelegentliche Rückblenden das wahre Grauen von Sobhrajs Leben und Taten enthüllen, die ihm schließlich die unrühmlichen Beinamen „Bikini-Killer“ oder später „Die Schlange“ einbrachten, windet er sich doch „schlangengleich“ immer wieder aus den Fängen der Polizei.

Ihre explosive Dramatik verdankt die Serie Die Schlange den wahnwitzigen Kontrahenten: dem eiskalten Manipulator Sobhraij und dem hitzköpfigen Niederländer Kippenberg, der gegen eine Mauer aus Ignoranz und Gleichgültigkeit anrennt.

Gedreht wurde in Thailand und in England; zu den Drehorten gehören neben Bangkok die Stadt Ayutthaya und der Khao Sam Roi Yot National Park, die Pariser Szenen wurden im britischen Landhaus „Wrest Park“ in Silsoe, Bedforshire aufgenommen. Die Serie ist ein optischer Hochgenuss; ob die Geschichte nun in Thailand, Kathmandu, Hongkong, Delhi oder Paris spielt, das Bildmaterial und die zeitgerechte Ausstattung versetzen die Zuschauer direkt in die 70er-Jahre.

Die Regisseure Hans Herbots und Tom Shankland sowie die Autoren Richard Wardlow und Toby Finlay vermieden es, Sobhraj zu glorifizieren, jedoch ist es ihnen famos gelungen, aufzuzeigen, wie er seine dunkle Magie nicht nur auf seine bedauernswerten Opfer ausüben konnte, sondern auch auf Monique, die ihn weiterhin liebt, obwohl sie weiß, dass er sie in die Abgründe der Hölle führt.

Beeindruckend ist neben Ausstattung und Settings aber vor allem der großartige Cast von Die Schlange. Die Rollen des empathielosen Verbrecherpaars Sobhraj und Leclerc werden glaubhaft verkörpert vom brillanten, mehrfach ausgezeichneten französischen Schauspieler Tahir Rahim (Der Mauretanier) und der 36-jährigen Engländerin Jenna Coleman (Victoria, Doctor Who, Captain America – The first Avenger).

Aber auch die restliche Darstellerriege weiß 100%ig zu überzeugen, allen voran Billy Howle (Outlaw King, Dunkirk) und Ellie Bamber (Nocturnal Animals, Die skandalösen Affären der Christine Keeler) als niederländisch/deutsches Ehepaar Knippenberg, Mathilde Warnier als couragierte französische Nachbarin im Kanit House, Amesh Edireweera als psychopathischer Scherge Ajay Chowdhury und last but not least Charaktermime Tim McInnerny (Game of Thrones, Blackadder, Die Kinder von Windermere) in der Rolle des ambivalenten Belgiers Paul Siemons.

Trotz jahrelanger Fahndung weiß man bis heute nicht genau, wie viele Menschen dem echten Sobhraj zum Opfer gefallen sind. Mit welchen Hoffnungen haben sich die Hippies auf den Weg in eine bessere Zukunft gemacht. Wie alle jungen Leute fühlten sie sich unbesiegbar. Sie träumten von der weiten Welt, die sie erkunden wollten, von der Liebe, die sie zu finden hofften und wurden brutal aus dem Leben gerissen. – Die Serie Die Schlange ist all diesen jungen Menschen gewidmet.

Etliche Künstler schrieben über Kathmandu und den Hippie Trail seinerzeit ihre musikalischen Hommagen, wie zum Beispiel Cat Stevens (Katmandu, 1970), Bob Seger (Katmandu, 1975), Rush (A Passage to Bangkok, 1976), Tantra (The Hills of Katmandu, frühe 1980er Jahre), Godiego (Coming Together in Kathmandu, 1980) und selbst 2016 schwärmte Singer/ Songwriter Richard Gregory noch von seinem Trip im Jahr 1974 von London nach Kathmandu (Along the Hippie Trail).

Die Schlange (OT: The Serpent) (Digital-VÖ: 30.12.2022/DVD-VÖ: 13.01.2023; acht Folgen à 60 Minuten; Sprachen: Deutsch/Englisch m. dt. UT; Edel Motion)