BLACK STONE CHERRY veröffentlichen ihr 8. Studioalbum ‘Screamin’ At The Sky’ und eine neues Video zu ‘When The Pain Comes’
Heute veröffentlichen BLACK STONE CHERRY – Chris Robertson (lead vox/guitar), Ben Wells (guitar/bkg vox), Drummer John-Fred Young (drums/bkg vox) und der ’neue‘ Bassist Steve Jewell Jr. (ex-Otis) – ihr mit Spannung erwartetes achtes Studioalbum ‚Screamin‘ At The Sky‘ über Mascot Records. Passend zum Erscheinen des Albums hat die vierköpfige Band aus Kentucky ein Video zum Song ‚When The Pain Comes‘ veröffentlicht.
Die Band über den Song: „When The Pain Comes‘ ist ein Song, in dem es darum geht, sich mit seinem inneren Schmerz auseinanderzusetzen und sich nicht von ihm kontrollieren oder vereinnahmen zu lassen. Manchmal müssen wir uns selbst unter Druck setzen, um herauszufinden, wer wir sind, und immer bereit sein, uns allen Hindernissen zu stellen, die uns in den Weg gelegt werden. Unser Teil des Videos wurde in Nashville, TN, vor einem Greenscreen gedreht, und es war großartig, wieder mit Kyle Loftus zu arbeiten, der auch unser Video für ‚Nervous‘ gedreht hat. Das Video ist großartig geworden, dank seiner unglaublichen Arbeit und einer tollen Performance von Audrey Kremer.“
“Screamin‘ At The Sky“ ist auf weißem Vinyl, als limitiertes Deluxe-Vinyl-Box-Set (bereits ausverkauft), als Standard-CD und in digitalen Formaten erhältlich.
“Screamin‘ At The Sky“ enthält komplett neues Material, das während der Tournee gemeinsam geschrieben wurde. Als es an der Zeit war, das Album aufzunehmen, haben BSC etwas ausprobiert, wovon sie schon immer geträumt haben: ein Album im Plaza Theater in Glasgow, Kentucky aufzunehmen – einem legendären Veranstaltungsort mit 1020 Plätzen, der 1934 erbaut wurde und über eine hervorragende Akustik verfügt. Im Juni 2022 mietete die Band das gesamte Gebäude, brachte ihr gesamtes Aufnahmeequipment und ihren Tontechniker Jordan Westfall mit. Sie richteten den Keller als Regieraum und die Bühne als Live-Schlagzeugraum ein.
Das letzte Album von BLACK STONE CHERRY, „The Human Condition“, das im Oktober 2020 veröffentlicht wurde, war ihr sechstes Nummer-1-Debüt in den UK Rock Albums Charts in Folge.
Die Leadsingle des Albums, „Again“, war in Amerika die erfolgreichste Single der Band seit über 10 Jahren und erreichte Platz 15, während sie in Kanada die Top 15 der Charts erreichte. Das Album wurde weltweit über 50 Millionen Mal gestreamt.
Im Laufe der Jahre waren BSC Headliner bei 12.000 Zuschauer fassenden Arenashows und teilten die Bühne mit einer Reihe von Superstars, darunter Alter Bridge, Def Leppard, Gov’t Mule, Nickelback, Lynyrd Skynyrd, Bad Company, Mötorhead, Halestorm, Stone Temple Pilots, The Darkness und ZZ Top.
2018 traten BSC vor 100.000 Menschen beim Download Festival als Hauptsupport von Guns N‘ Roses auf und 2021 spielte die Band in der ehrwürdigen Royal Albert Hall, was auf der Live-DVD von 2022 verewigt wurde. ‘Live From The Royal Albert Hall…Y’All’.
THE ALMIGHTY feiert inzwischen auch schon ihr 35. Jubiläum und daher werden die Alben „BLOOD, FIRE & LOVE“ und „SOUL DESTRUCTION“ auf limitiertem Vinyl wieder veröffentlicht. PRE-ORDER BLOOD, FIRE & LOVE andSOUL DESTRUCTION: https://lnk.to/TheAlmightyBFLSDVinyl „Danke an all unsere Fans für die Unterstützung und den Wunsch der Wiederveröffentlichung von Blood Fire & Love und Soul Destruction auf limitiertem Vinyl!“ – THE ALMIGHTY
Erstmalig wurde „BLOOD, FIRE & LOVE“ 1989 veröffentlicht – jugendlicher, rauer Biker Klassik Rock, den es jetzt zum ersten Mal auf Vinyl 180 g geben wird. Und das Nachfolgealbum Album der Schotten aus Glasgow, „SOUL DESTRUCTION“ von 1991 kommt im gleichen Paket und ebenfalls auf 180 g Vinyl.
Beide Albem wurden noch nie auf 180 g Vinyl veröffentlicht und gibt Vinyl-Liebhabern, alten Fans und auch vielleicht neuen Interessierten die Chance, The Almighty, bestehend aus Sänger/Gitarrist Ricky Warwick, Drummer Stumpy Monroe, Bassist Floyd London und Leadgitarre Andy “Tantrum” McCafferty kennenzulernen.
„SOUL DESTRUCTION“ in einer limitierten 35th Anniversary Edition, Gatefold Vinyl mit neuem Artwork des Kunst Gurus KOOT. Beide auf 180 g „splattered Galaxy“ (rot & grün) Vinyl. Das D2C Produkt ist auf 500 Einheiten limitiert und die ersten 200 Kopien mit Autogrammen der Original Band.
THE ALMIGHTY – VINYL RE-RELEASE “BLOOD, FIRE & LOVE” und “SOUL DESTRUCTION” VIA SILVER LINING MUSIC VÖ: 24. NOVEMBER 2023
King Falcon veröffentlichen selbstbetiteltes Debütalbum am 27. Oktober bei Mascot Records
King Falcon… das sind Michael Rubin, James Terranova und Tom Diognardi. King Falcon stehen für modernen Rock Sound mit einem Hauch von Vintage-Gitarre. Singer-Songwriter und Gitarrist Michael Rubin sagt, dass die Songs auf diesem Album davon handeln, wie kleine, seltsame Außenseiter ihren Weg finden. Kraftvolle Geschichte über Freundschaft, Selbstverwirklichung und den Mut, einer Rock’n’Roll-Fantasie nachzugehen.
King Falcons frisches, extrem eingängiges Songwriting verbindet kantigen Rock mit Indie-Rock und erinnert an Künstler wie die Black Keys, Jack White, Cage the Elephant, The Strokes, Royal Blood und The Killers. Das Album strotzt nur so vor Garagen-Gitarrenriffs, Power-Pop-Refrains, gefühlvoll-melodischem Lead-Gesang und lebendiger Indie-Rock-Atmosphäre. King Falcon wurde von Marshall Altman (Tom Morello, Frank Ballard, Matt Nathanson) produziert und von dem 12-fach Grammy-nominierten Toningenieur und Produzenten Mark Needham (The Killers, Imagine Dragons, Fleetwood Mac) abgemischt.
Aktuelle Videos und Singles…
“Rabbit Gets The Gun”:
“Ready Set Go”:
“Cadillac”:
Michaels Faszination für Musik, insbesondere für die Gitarre, begann durch Guitar Hero. Sein Vater machte sich über seine stählerne Entschlossenheit lustig, das Spiel zu meistern. „Mein Vater sagte: ‚Du verbringst so viel Zeit vor dem Fernseher mit diesem Ding, warum lernst du nicht eine richtige Gitarre zu spielen?'“, erinnert sich Michael und lacht: „Ich nahm mir die Worte meines Vaters zu Herzen, besorgte mir eine Gitarre und meine Reise begann“.
Als Teenager begannen Michael und James ihre Reise in ihrer Band The Inoculated Canaries. Auf der Suche nach einem neuen Sound gründeten die beiden dann später King Falcon, zu dem ihr langjähriger Freund Tom am Schlagzeug hinzukam. Im Jahr 2020 veröffentlichten sie die funkige und ansteckend eingängige Single „Shake! Shake! Shake!“. Doch die Pandemie machte King Falcon noch vor ihrem ersten Auftritt einen Strich durch die Rechnung. Die Jungs machten das Beste aus der Situation und schickten ihre Single „When The Party Is Over“ an Labels raus. „Der Song stellte den Versuch dar, meine Eltern und mich selbst davon zu überzeugen, dass ich es als Gitarrist zu etwas bringen könnte“, sagt Michael. Der Song erwies sich als Ass im Ärmel der Band und landete im Posteingang von Ron Burman (Mascot Label Group), der King Falcon einen Plattenvertrag verschaffte.
„When The Party Is Over“ ist ein unwiderstehlicher, stimmungsvoller Mid-Tempo-Rocker, der vor Ohrwurm-Melodien nur so wimmelt. Der Song erkundet das einsame New Yorker Nachtleben mit düsterer Offenheit und wird durch ein düster-verführerisches Video lebendig. „Wir wurden von einem verrückten Mann mit einem Messer durch den Park gejagt, als wir das Video zu dem Song drehten“, erinnert sich Michael.
Das 11-Song-Album King Falcon beginnt mit „Everybody’s Down“, einer Mischung aus Punk-Pop-Hymnen und rifflastigem Indie-Rock. Die eingängigen Wohlfühl-Vibes des Songs sprechen für seine ermutigenden Text. Eine hervorstechende Passage ist: Ich war ein Ausgestoßener, solange ich mich erinnern kann / In jeder Kette, ja, das schwächste Glied / Du bekommst einen Tritt in den Arsch und lernst, nicht aufzugeben / Es ist mir egal, was die Leute denken. „Die Botschaft dieses Songs ist sozusagen die Grundlage des Albums: ein Außenseiter zu sein, der immer auf der Suche nach einem Ort ist, an dem er sich wohlfühlt“, sagt Michael.
Das überdrehte Indie-Blues-Rock-Stück „Ready Set Go“ könnte von den Black-Keys stammen, und fängt das hektische urbane Feeling von New York City ein. „Cadillac“ ist eine Momentaufnahme einer Ferris-Bueller-artigen Spritztour mit dem roten, seltenen 1957er Eldorado Cadillac eines Kumpels. „Um es kurz zu machen: Ich durfte dieses Prachtstück ohne Bremsen, ohne Nummernschilder und mit einem platten Reifen fahren – alle, auch die Polizisten, winkten mir zu, als ich mit diesem Raumschiff durch die Nachbarschaft fuhr“, sagt Michael. Die fesselnde Erzählung des Songs wird durch ein lebhaftes Animationsvideo zum Leben erweckt. Das kraftvolle „Rabbit Gets The Gun“ besticht durch einen wahnsinnig lustigen Refrain zum Mitsingen, farbenfrohe Elektropop-Texturen und treibende, von Bass und Schlagzeug dominierte Strophenpassagen. „In diesem Song geht es um die Umkehrung der Macht – Ausgestoßene und Spinner, die sich erheben“, sagt Michael.
Jetzt wird King Falcon seine Pläne aus der Zeit vor der Pandemie wieder aufnehmen und seine ersten Live-Shows und Tourneen spielen. „Es hat zweieinhalb Jahre gedauert, um hierher zu kommen“, sagt Michael und hält nachdenklich inne. „Wenn du mich gefragt hättest, als ich meine erste Gitarre bekam, ob wir ein Label bekommen und dort sein würden, wo wir heute sind, hätte ich gesagt, ‚oh ja, kein Problem‘, aber ich habe gelernt, dass die Realität nicht so einfach ist. Die herausfordernde Reise geht weiter.“
Loreena McKennitt – UNDER A WINTER’S MOON – Eine Sammlung von Musik und Spoken Words – erstmalig erhältlich auf Vinyl am 20. Oktober 2023 via Quinlan Road
Loreena McKennitt – UNDER A WINTER’S MOON
Zuerst auf CD und digital 2022 veröffentlicht, kommt dieses Album für alle Vinyl-Liebhaber nun als dreifaches LP- Set in einem Deluxe Gatefold Sleeve, auf 180 g gepresst.
Im Dezember 2021 spielte Loreena McKennitt eine Reihe von Konzerten in einem historischen Venue in Stratford, Kanada, die live aufgenommen wurden. Das Album beinhaltet 15 weihnachtliche Songs, durchzogen mit entsprechend weihnachtlichen Geschichten von den kanadischen Schauspielern /Sängern Tom Jackson und Cedric Smith und dem indigenen Ojibway Künstler und Flötist Jeffrey Red George.
Gespickt mit saisonalen Favoriten wie “Coventry Carol”, “Good King Wenceslas” und dem “Huron Carol”. Das erste Set beginnt mit der Lesung von Jackson The Sky Woman Story, einer indigenen Geschichte und die zweite Lesung beinhaltet, aufgeteilt in sechs Abschnitte,A Child’s Christmas in Wales, eine bewegende und nostalgische Prosa des walisischen Poeten Dylan Thomas.
“An einigen Winter Abenden um den 21. Dezember herum, haben meine musikalischen Freunde und ich diese besonderen Konzerte mit der Mischung aus Liedern und Spoken Words gewebt“ schreibt McKennitt in ihren Liner Notes. “…Ich habe versucht, wörtliche Elemente der verschiedenen Kulturen mit Traditionen zu verbinden, um uns inspirieren zu lassen, aber auch die Vergangenheit aufleben zu lassen. Speziell um an die alten Zeiten zu erinnern und die Art der Kommunikation und was es in im Leben bedeutete und noch immer bedeutet.”
Neben ihrem Gesang spielt Loreena McKennitt die Harfe, Keyboard und Akkordeon. Begleitet wurde sie von Caroline Lavelle am Cello, Graham Hargrove/ Percussion, Errol Fischer/Geige, Pete Watson/ Gitarre und 12-Saiten Bouzouki, und Cait Watson/ Irische Pfeife. Alle Musiker sind als Backup Vocals ebenfalls zu hören.
Under A Winter’s Moon wurde in der Knox Church in Stratford, Ontario, Kanada aufgenommen, und von dem Multi-Award-Gewinner, Jeff Wolpertgemixt und gemastert im Desert Fish in Toronto.
Side One:
01 Tom Jackson Reads The Sky Woman Story (3:08)
02 Bululalow (3:04)
03 Let Us The Infant Greet (2:58)
04 The Wexford Carol (4:22)
Side Two:
01 Banquet Hall (3:10)
02 Dickens Dublin (5:16)
03 Un Flambeau Jeanette, Isabelle / I Saw Three Ships Medley (3:07)
Side Three:
01 Jeffrey George Recites Winter Diamonds (4:19)
02 Huron Carol (7:01)
03 Let All That Are To Mirth Inclined (3:31) CD Four
01 Snow (4:09)
02 A Child’s Christmas In Wales, Part One (5:00)
03 The Holly and the Ivy (2:22) Side Five:
01 A Child’s Christmas In Wales, Part Two (7:36)
02 God Rest Ye Merry, Gentlemen (4:04)
03 A Child’s Christmas In Wales, Part Three (4:04)
04 Gloucestershire Wassail (1:20)
Side Six:
01 A Child’s Christmas In Wales, Part Four (4:05)
02 Good King Wenceslas (2:30)
03 A Child’s Christmas In Wales, Part Five (2:49)
04 Coventry Carol (2:18)
05 A Child’s Christmas In Wales, Part Six (1:46)
06 In The Bleak Midwinter (2:40)
Loreena McKennitt – The Visit Revisited Tour 2024:
06-März Eindhoven, NL Muziekgebouw 07-März Hannover, DE Kuppelsaal 08-März Erfurt, DE Messehalle 09-März Bremen, DE Metropol Theatre 11-März Stuttgart, DE Beethovensaal 12-März Nürnberg, DE Meistersingerhalle 13-März Frankfurt, DE Alte Oper
14-März Genf, CH Theatre Lemen
15-März Zürich, CH The Hall
17-März Paris, FR Salle Pleyel
18-März Paris, FR Salle Pleyel
20-März Brescia, IT Gran Teatro Morato
21-März Padova, IT Gran Teatro Geox
23-März Vienna, AT Stadthalle F
24-März Budapest, HU MVM Dome
25-März Katowice, PL NOSPR 27-März Leipzig, DE Quarterback Immobilien Arena 28-März Hamburg, DE Laeiszhalle 29-März Berlin, DE Tempodrom
30-März Utrecht, NL TivoliVredenburg
31-März Brüssel, BE Cirque Royal
02-April Amsterdam, NL Carre Theatre 05-April Düsseldorf, DE Mitsubishi Electric Halle
06-April Antwerpen, BE Stadsschouwburg
08-April London, UK The Palladium
Earthside – mit Spannung erwartetes neues Album ‚Let The Truth Speak‘ erscheint am 17. November über Music Theories Recordings / Mascot Label Group
Das Album enthält Kollaborationen mit Daniel Tompkins [Tesseract], AJ Channer [Fire From The Gods], Baard Kolstad [Leprous] und anderen
Die Cinematic Rocker Earthside haben die Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten zweiten Albums „Let the Truth Speak“ angekündigt. Es wird am 17. November über Music Theories Recordings / Mascot Label Group weltweit veröffentlicht. Gleichzeitig mit der Ankündigung haben sie das offizielle Video zum epischen Titeltrack enthüllt, in dem Daniel Tompkins & Gennady Tkachenko-Papizh von TesseracT mitwirken.
Earthside werden im September und Oktober auf dem Euroblast (Deutschland) und ProgPower (Niederlande) spielen.
Wenn die Wahrheit so wichtig ist – so heilig, dass wir sie vielleicht als unseren heiligsten Grundsatz betrachten – warum geben wir uns dann so viel Mühe, sie zu verleugnen, sobald sie uns unangenehm ist oder unserem Narrativ widerspricht?
Der explosive Titeltrack des Albums vermittelt das Gefühl eines Höhepunkts – ein völlig unerwarteter, aber passenderweise aufsehenerregender Ankunftspunkt in der turbulenten Suche nach der Wahrheit des Albums. Ein kompletter Streichersatz – ein übergreifendes Element im Sound des Albums – trifft auf heftige Rhythmen, unheimliche Skalen und die beispiellose Kombination von Earthside und TesseracT-Frontmann Daniel Tompkins‘ unbezwingbarem stimmlichen Geschick und dem Weltmusik-Ass Gennady Tkachenko Papizh’s atemberaubendem Gesang und kinematischem Gejammer. All diese Elemente gipfeln in einem abschließenden Höhepunkt, der für die Band einhellig zu den Lieblingsmomenten des Albums gehört.
Nachdem Earthside und Daniel Tompkins schon einmal zusammen an einem Stück gearbeitet hatten, das zu einem der beliebtesten Songs der Gruppe wurde, hatten sie den Wunsch, gemeinsam an einem abenteuerlicheren Stück zu arbeiten, das die Grenzen ihrer Kreativität erweitern würde.
Gennady Tkachenko-Papizh ist in ganz Europa als einzigartiger Künstler bekannt, der in der „Got Talent“-Runde auftrat und durch seine unvergessliche Performance bei Georgia’s Got Talent bekannt wurde. Er verwandelt seine Stimme in alles, von himmlischen Klanglandschaften bis hin zu eindringlichen mediterranen Schreien und schamanischem Geflüster.
Als Earthside Gennady durch die Empfehlung eines besonders erleuchteten Fans entdeckten, wollten sie die erste Band im Rock oder Metal sein, die sein monumentales Geschenk mit der Welt teilt.
Acht lange Jahre nach ihrem von der Kritik gefeierten Debüt – A Dream in Static [2015] – fanden sich die idealistischen Denker und Fühler von Earthside in einer völlig anderen Welt wieder … oder vielleicht in einer Welt, die ehrlicher und ungelenker war, als sie und viele andere es erwartet hatten.
„Dieses Album hat fast unser Leben und unsere Freundschaften zerstört“, erzählt Keyboarder und Co-Orchestrator Frank Sacramone. „Es ist Wahnsinn, aber es ist wunderschön.“
„A Dream In Static war eher ein *Ich*-Album“, reflektiert Gitarrist und Orchestrator Jamie van Dyck. „Jeder von uns beschäftigte sich auf seine Weise mit Themen wie Selbstverwirklichung und der Angst, nie ganz zu werden. Let The Truth Speak hingegen richtet seinen Fokus auf das *Wir*. Innerhalb weniger Monate nach der Veröffentlichung von ADIS hatte sich die globale Landschaft dahingehend verändert, dass Themen von weitaus größerer Tragweite als die Verwirklichung unserer eigenen individuellen Träume an uns zerrten. Wir beschäftigten uns viel mehr mit der Entwicklung der Menschheit als Ganzes als mit unserem eigenen Vermächtnis darin.“
Sie haben bereits einige Songs aus dem Album vorgestellt, darunter „All We Ever Knew And Ever Loved“ mit Baard Kolstad [Leprous]. Das Video gewann den Preis für das beste Musikvideo auf dem United Artist International Film Festival und wurde ausgewählt, um auf einer Reihe von Filmfestivals gezeigt zu werden – Horrorcon UK, UAIFF, Dam Short Film Festival, Animiest, Rhode Island International Film Festival und mehr.
„We Who Lament“ wurde Ende 2022 veröffentlicht und wird von Keturah gesungen. Es ist zweifellos einer der ansteckendsten und unmittelbarsten Songs des Albums, aber selbst als solcher bietet er immer noch den fesselnden Sound und das ereignisreiche Songwriting, das man von der immer ehrgeizigen Band erwartet.
“Let The Truth Speak“ ist wirklich eine internationale Angelegenheit, mit Sängern und Geschichtenerzählern aus allen Lebensbereichen und Ecken der Welt.
Earthside sind Jamie van Dyck [Gitarren, Hintergrundgesang, Programmierung, Keyboards], Ben Shanbrom [Schlagzeug, Hintergrundgesang], Frank Sacramone [Keyboards, Synthesizer, Programmierung, Percussion, Gitarre] und Ryan Griffin [Bass, Hintergrundgesang].
BRIAN SETZER veröffentlicht die 2. Single „Black Leather Jacket“von seinem neuen Solo Album “THE DEVIL ALWAYS COLLECTS“/ VÖ 15.09.2023 über Surfdog Records
Der kultige Gitarrist, Songwriter, Sänger und 3-fach Grammy Preisträger startet am 27. September mit seiner “Rockabilly Riot“ Herbst Tournee, seine ersten Live Shows seit über 4 Jahren
Auf dem neuen Album“THE DEVIL ALWAYS COLLECTS“ von BRIAN SETZER, das am 15. September über Surfdog Records digital, auf CD und Vinyl erscheint, sprühen kreative Funken und Killer-Riffs nur so. Brandneu hat der kultige dreifache Grammy-Preisträger nun mit „Black Leather Jacket“ den 2. Track vom neuen Album veröffentlicht. Die Single folgt auf „Girl On The Billboard“, das von Guitar World (28.7.2023) als „pure Roadside-Bar-Sleaze auf die beste Art und Weise gelobt wurde – mit stolzen Chuck Berry-Riffs und sogar einem Route 66-Namenscheck. Wenn das aus den Lautsprechern ertönt, wirst du das Gaspedal voll durchtreten wollen.“
Der kultige dreifache Grammy-Preisträger sagt folgendes über den neuen Song:„‚Black Leather Jacket‘ ist die Geschichte meiner schwarzen Lederjacke, die ich mit 18 Jahren gekauft habe. Sie hat den Mann sein ganzes Leben lang begleitet. Er trug eine schwarze Lederjacke, als er sein Mädchen kennenlernte und dann in einen Unfall verwickelt wurde. Bis zum Schluss hatte er eine schwarze Lederjacke. Mir gefällt die Idee. Schwarze Lederjacken sind etwas sehr Persönliches. Sie sind etwas, das man behält. Die wirft man nicht weg. Eine der ersten, die ich gekauft habe, war wahrscheinlich unten am St. Mark’s Place [in NYC]… Aber ich habe immer noch eine aus England aus den 80er Jahren. Überraschenderweise ist sie ein bisschen klein“, fügt er scherzhaft hinzu. „Sie muss geschrumpft sein. Aber ich fahre immer noch damit herum.“
Hört euch den Song an, bestellt das Album vor und schaut euch das Video an…
Listening„Black Leather Jacket“ here:
Brian kommentiert den Song hier: https://youtu.be/mHG0p7Tzl78
Album Pre-Order“THE DEVIL ALWAYS COLLECTS“ und Single „Girl On The Billboard“:https://lnk.to/BrianSetzer
Offizielles Videozur 1. Single„Girl On The Billboard“:
BRIAN wird das Album, sein erstes seit „Gotta Have The Rumble“ von 2021, diesen Herbst auf seiner „ROCKABILLY RIOT“-Tour in den USA begleiten, die am 27. September beginnt (die Daten stehen unten).
SETZERs virtuose Gitarrenarbeit zeigt sich auf 11 Tracks des neuen Albums, sein Gesang liefert dabei die cleveren Storylines von eingängigen Songs wie „The Devil Always Collects“, „Girl On The Billboard“, „Black Leather Jacket“ und „Rock Boys Rock“. Dazu kommen die non-stop freight train rhythms und es ergibt sich ein Album – produziert von BRIAN SETZER und Julian Raymond und abgemischt von Chris Lord-Alge -, das zu SETZERs Besten gehört. Es war schon immer BRIANs besonderes Talent, die Wurzeln des Rock mit einer zeitgemäßen Frische zu versehen, die Fans von Rock, Americana, Rockabilly und Punk vereint.
Die „ROCKABILLY RIOT“-Tour, die seine ersten Live-Shows seit über vier Jahren markiert, beginnt am 27. September im Count Basie Theatre in Red Bank, NJ, und führt ihn u.a. nach Nashville, TN (im historischen Ryman Auditorium), ins Foxwoods Casino, nach Cincinnati und Chicago (Waukegan), bevor sie in seiner Wahlheimat Minneapolis endet. Bei diesen Terminen wird SETZER von einer, wie er sagt, „internationalen Rockabilly-Band, Chris D’Rozario aus Melbourne, Australien und Juan Laurios aus Mexico City, Mexiko“ begleitet. Obwohl BRIAN auf eine 40-jährige Karriere als Solokünstler, Leiter des Brian Setzer Orchestra und als Stray Cat zurückblicken kann, spielt er immer noch mit einer atemberaubenden Kraft. Tickets sind erhältlich unter: www.briansetzer.com
„Ich hatte eine ziemlich lange Pause, und die habe ich gebraucht“, sagt BRIAN. „Ich bin erholt und möchte wieder live spielen. Ich möchte einfach mit dieser tollen kleinen dreiköpfigen Band auf Tour gehen und anfangen zu spielen.“ Er fügt hinzu: „Ich denke, die Fans können immer erwarten, dass ich die Hits spielen werde. Ich möchte auch ein paar Sologitarren und kleine Dinge spielen, die ich mir selbst ausgedacht habe. Ich bin noch nie dazu gekommen, also wird es etwas Neues sein.“
Seine Setliste wird „einige meiner Lieblingscover enthalten, die ich jetzt spiele. Ich habe es nicht aufgenommen, aber ich spiele sehr gerne meine Version von ‚Georgia On My Mind‘. Und dann möchte ich mit der Band einen neuen Song spielen, ‚Girl On The Billboard‘, weil er eine lustige Geschichte erzählt.“
ÜBER BRIAN SETZER:
Der ikonische Gitarrist, Songwriter, Sänger und dreifache Grammy-Preisträger BRIAN SETZER hat einen Karrieremeilenstein nach dem anderen erreicht. Er hat Millionen von Alben verkauft und gilt als „Musician’s Musician“, der mit innovativen und gewagten Musikstilen immer wieder Neues wagt. Setzer gilt als derjenige, der zwei in Vergessenheit geratene Genres – Rockabilly und Swing – mit seiner eigenen Mischung aus Schießpulver und rockigem Stil völlig neu erfunden und im Alleingang wiederbelebt hat. Im Laufe seiner Karriere als Gründer und Leiter der Stray Cats, seines 19-köpfigen Brian Setzer Orchestra und als Solokünstler hat er Chart-Hits gelandet, 13 Millionen Platten verkauft und den Orville H. Gibson Lifetime Achievement Award erhalten. Er wird immer wieder als einer der größten lebenden Gitarristen der Welt bezeichnet und hat eine meistverkaufte, umfangreiche Serie von Gretsch-Signaturgitarren, die seinen Namen tragen. SETZER ist auch in der Rockabilly Hall of Fame vertreten. Bei seinen Live-Auftritten stand Setzer weltweit im Mittelpunkt von Veranstaltungen und Festivals, darunter 1983 als Headliner auf dem kultigen US-Festival in Kalifornien, dem Playboy Jazz Festival, ein dreitägiger, ausverkaufter Headliner-Auftritt in der Hollywood Bowl mit dem 98-köpfigen Philharmonic Orchestra, Woodstock ’99 und ein Auftritt vor mehr als 150.000 Menschen als Headliner des Montreal Jazz Festivals.
Er ist auch in Film und Fernsehen zu sehen, wo er u. a. den Rockabilly-Pionier Eddie Cochran in dem Film La Bamba von 1987 und in der Fox-Serie Beverly Hills 90210″ verkörperte. 2002 war er einer der wenigen Musiker, die in einer Folge der Simpsons“ animiert wurden. Im selben Jahr wurde SETZER persönlich gebeten, Chet Atkins in die 17. jährliche Rock and Roll Hall of Fame aufzunehmen. SETZER wurde 2006 die Ehre zuteil, im Weißen Haus für den Präsidenten der Vereinigten Staaten aufzutreten. Ebenfalls im Jahr 2006 wurde er mit den Stray Cats in die Long Island Music Hall of Fame aufgenommen. Im Jahr 2014 wurde SETZER die besondere Ehre zuteil, von der Smithsonian Institution in Washington, D.C., gebeten zu werden, eine Replik seiner originalen Gretsch 6120 „Stray Cat“-Gitarre aus dem Jahr 1959 zu spenden, die in eine Elite-Sammlung ikonischer Schätze des Museums aufgenommen wird.
Über Surfdog/DKM:
Surfdog/DKM ist ein 1985 gegründetes Unterhaltungsunternehmen mit Sitz in Encinitas, CA, zu dem DKM Management, Surfdog Records, Surfdog & Surfmutt Music Publishing und Surfdog’s Java Hut Cafe gehören. Surfdog/DKM verfügt über ein vielfältiges und anerkanntes Portfolio und hat seit seiner Gründung mit einer Reihe legendärer und ikonischer Künstler zusammengearbeitet, darunter Brian Setzer, Eric Clapton, UB40, Sublime, Dave Stewart (von den Eurythmics), Glen Campbell, Joss Stone, Stray Cats, Butthole Surfers, Dan Hicks, Slightly Stoopid und viele andere. Surfdog/DKM engagiert sich für verschiedene Umweltorganisationen wie Oceana, Surfrider Foundation, Sea Shepherd und viele andere. Wir sind stolz darauf, dass unsere Büros in Encinitas mit dem GreenPoint-Siegel ausgezeichnet sind und als zertifiziertes „California Green Business“ agieren und Mitglied bei 1% For The Planet sind.
Es wurdet das YEAR OF THE DEVIL eingeleitet – eine Multi-Konfiguration des 40. Jubiläum Albums des Mötley Crüe Meilensteins “SHOUT AT THE DEVIL”
Das Prunkstück von YEAR OF THE DEVIL ist die limitierte Edition des Super Deluxe Box Sets mit dem Inhalt: neu remastertes Album auf LP, CD und Kassette inklusive der Reproduktion der original 7” Singles “Too Young To Fall In Love” und “Looks That Kill”. Dazu gibt es ein Pentagram Séance Board, Devil Board, Metal 7”Adapter, Lithographien, Tarot Karten, einen Devil Kerzenhalter und mehr. Sieben seltene Demo Tracks wurden wiederbelebt und als „SHOUT AT THE DEVIL DEMOS & RARITIES“zugefügt.
Pre-order/ listen to “Black Widow (Demo)”:
“SHOUT AT THE DEVIL” – das Anniversary Set zum 40ten Geburtstag gibt es als Limited Edition Super Deluxe Box Set, Limited Edition Picture Disc, farbiges Vinyl, Limited Edition LP Replica CD, Limited Edition Lenticular CD und als Streaming/Download Deluxe Edition.
1983, auf dem Gipfel der ‚Satanic Panic‘, wurde „SHOUT AT THE DEVIL“ veröffentlicht und katapultierte Mötley Crüe in die Liga der Superstars. Auf der Höhe des Hypes und nach ihrem Platin-Debut Album „Too Fast For Love“ erreichte ihr zweites Album „SHOUT AT THE DEVIL“ die Top 20 in den USA und wurde mit 4-fach Platin ausgezeichnet. Für viele Musikfans war es das erste Mal, dass sie ein Album mit Metaphorik und lyrischem Inhalt in den Regalen der Mainstream Abteilung sahen.
„SHOUT AT THE DEVIL“ ist nach wie vor der Eckpfeiler von Mötley Crüe’s Live Set – noch immer spielt die Band vier Songs aus diesem ikonischen Album auf ihrer andauernden Welttour.
Die Musik Videos “Looks That Kill” und “Too Young To Fall In Love” setzen seinerzeit den Standard für unzählige MTV Momente. Diese beiden Songs zusammen mit dem rauen Titeltrack, den rücksichtlosen “Knock ‘Em Dead, Kid”, “Bastard” und “Red Hot”, das wahnsinnige “Helter Skelter” und das bewegende, fast nur instrumentale “God Bless The Children Of The Beast” haben diese Ära definiert.
Und mehr als 40 Jahre später sind Mötley Crüe größer als jemals zuvor und sind die Headliner in Stadien überall auf der Welt.
Verfügbar als: Boxset
1CD Lenticular
1CD
1LP Picture Disc
Colour 1LP
SD DIGITAL ALBUM // DOLBY ATMOS DIGITAL ALBUM
Deluxe Limited Box Set:
Original Album Remastered Orange/Gelb Splatter LP
Shout At The Demos & Rarities Rot/Weiss Splatter LP
Shout At The Devil CD
Shout At The Devil Kassette
“Looks That Kill” White 7” Vinyl
“Too Young To Fall In Love” Orange 7” Vinyl
Devil Board mit Metall- Planchette
Metal Pentagram 7” Adapter
Pentagram Fell Tasche
Devil Kerzenhalter (ohne Kerze)
Tarot Karten von allen Bandmitgliedern
12” x 12” Pentagram Séance Board
Zwei 12” x 12” Shout At The Devil Blood Album Cover Litho Kunstdrucke
Album Tracklist:
In The Beginning
Shout At The Devil
Looks That Kill
Bastard
God Bless The Children Of The Beast
Helter Skelter
Red Hot
Too Young To Fall In Love
Knock ‘Em Dead, Kid
Ten Seconds To Love
Danger
Shout At The Demos & RaritiesTracklist:
Shout At The Devil (Demo)
Looks That Kill (Demo)
Knock ‘Em Dead, Kid (Demo)
Too Young To Fall In Love (Demo)
Hotter Than Hell (Demo for “Louder Than Hell”)
I Will Survive (Demo)
Black Widow (Demo)
MÖTLEY CRÜE
Direkt aus Los Angeles haben sich Mötley Crüe seit 41 Jahren die Ruhmeshalle des Rock gesichert: Vince Neil (Gesang), Nikki Sixx (Bass), Tommy Lee (Drums) und Mick Mars (Gitarre). Die Band hat über 100 Millionen Alben weltweit verkauft, sammelte 7 Platin und Multi Platin Awards in den USA, kann 22 Top 40 Mainstream Rock Hits aufweisen, 6 Top 20 Pop Singles, 3 Grammy Nominierungen, 5 New York Times Bestseller, ihren Stern auf dem Hollywood Walk of Fame und einen Netflix Hit.
Das Quartett hat über 5 Milliarden Streams auf den digitalen Plattformen angehäuft und hat 8 Millionen Follower auf ihren Social Media Kanälen. Bekannt für ihre legendären Live-Auftritte hat die Band ihren Millionen Fans unzählige Touren mit unglaublichen Shows geboten und sie wurden und werden energetisch gefeiert – nicht zuletzt wegen der einzigartigen Highlights von Tommy Lee’s rotierender Schlagzeug–Achterbahn und Nikki Sixx‘ flammenwerfendem Bass. Sie waren eine der ersten Bands mit einer Las Vegas Rock Residenz, die 2012 komplett ausverkauft war.
Die Biografie der Band “The Dirt: Confessions of the World’s Most Notorious Rock Band” wurde 2001 ein New York Times Bestseller und verkaufte über 1 Million Kopien. Verschiedene Mitglieder der Band brachten es zusätzlich zusammen auf die Liste der New York Times mit 4 bestverkauften Büchern. 2019 war das Jahr in dem “The Dirt” auf Netflix premierte, basierend auf ihrer Biografie “The Dirt: Confessions of the World’s Most Notorious Rock Band”. Es wurde ein weltweiter Hit.
Daraus resultierend konnten Mötley Crüe eine ganz neue Generation von Fans dazu gewinnen, festigten ihren Ikonen-Status, ihre Bedeutung und die Zeitlosigkeit ihres Songwritings.
MÖTLEY CRÜE feiern das 40. Anniversary des Albums “SHOUT AT THE DEVIL” mit ‘YEAR OF THE DEVIL’/ VÖ: 27. Oktober 2023
Vandenberg und Music Theories Recordings präsentieren mit dem Lyric Video zu „Light It Up“ die 3. Vorabveröffentlichung aus dem neuen Studioalbum “SIN“.
Das Lyric Video zu „Light It Up“ ist hier zu sehen:
Adrian Vandenberg sagt:„Ich bin mir nicht 100%ig sicher, aber ich glaube, es war Shakespeare, der schrieb, dass es IMMER eine gute Zeit ist, sich den Arsch abzurocken und LIGHT IT UP!“
Das neue Studioalbum der Band mit dem Titel SIN wird am 25. August weltweit veröffentlicht. Vor „Light It Up“ präsentierte Music Theories Recordings mit „Sin“ den zweiten Vorgeschmack auf das kommende Album. Adrian Vandenberg teilte mit: „Sünde. Nur ein kleines Wort mit drei Buchstaben, aber eines mit einer sehr umfassenden Bedeutung. Alles, was zwischen einer kleinen Notlüge und einem Mord liegt. Also verdient es einen kraftvollen, schweren, epischen Song, der ihm gerecht wird.“
Lyric-Video zum Titeltrack „Sin“:
Erste Singleauskopplung „House On Fire“:
Adrian Vandenberg erzählt: „Wie jede andere Band oder Künstler waren wir gezwungen, uns zurückzuhalten, als wir uns in einem dieser Hollywood-Filme im Stil von ‚Outbreak‘ in den letzten Covid-Jahren wiederfanden. Ohne für eine Rolle vorgesprochen zu haben. Du wirst verstehen, dass wir unbedingt mit einem lauten Knall aus den Ställen ausbrechen wollten, also dachten wir, es wäre mehr als angemessen, die Welt mit dem neuen Track House On Fire“ in Brand zu setzen!“
Jedes Album malt ein Bild. Statt mit Pinsel und Leinwand malt Vandenberg mit gewaltigem Gesang, erdbebenartigen Rhythmen und den ikonischen und sofort erkennbaren Laubsägearbeiten von Gitarrist und Namensgeber Adrian Vandenberg. Zusammen mit Sänger Mats Levén, Schlagzeuger Koen Herfst und Bassist Randy van der Elsen liefert der einflussreiche Axtschwinger auf dem fünften Album der Gruppe, SIN [Mascot Label Group], eine lebendige und vitale Vision, die in breiten Strichen von hymnischem Hard Rock zum Leben erweckt und von Bob Marlette [Ozzy Osbourne, Alice Cooper, Rob Zombie] produziert wurde.
„Für mich ist Musik wie ein Gemälde“, bekräftigt Adrian. „Man hat seine Höhen, Tiefen, Lichter und Schattierungen. Bei einem Song möchte man vielleicht auf den Tisch springen und ausgelassen feiern. Ein anderer Song wird dich zum Nachdenken anregen. So oder so wird man in eine Landschaft hineingeworfen, was meine Lieblingsalben für mich immer noch tun. Du könntest im Auto sitzen oder zu Hause mit deinen Kopfhörern an ein Soundsystem angeschlossen sein, und du wärst in einer anderen Welt.“
Das niederländische Phänomen, das 1982 mit dem selbstbetitelten Album Vandenberg aus den Niederlanden auf die Weltbühne trat, landete mit „Burning Heart“ einen internationalen Hit und ebnete den Weg für bahnbrechende Veröffentlichungen wie Heading For A Storm [1983] und Alibi [1985]. Die Band trat in den Vereinigten Staaten, Europa und Japan an der Seite von Ozzy Osbourne, Kiss, Rush, Scorpions, Michael Schenker und vielen anderen auf. Adrian wurde Mitglied von Whitesnake und übernahm 1987 die legendäre Gitarrenarbeit bei der Aufnahme des Nr.-1-Hits „Here I Go Again“, der das mit 8-fachem Platin ausgezeichnete Whitesnake-Album zierte. Er war Co-Autor des 1989er Platin-Albums Slip of the Tongue und teilte sich auf der darauffolgenden Tournee die Gitarrenparts mit keinem Geringeren als Steve Vai. Er spielte nicht nur Gitarre bei Restless Heart von David Coverdale & Whitesnake und war auch als Co-Autor tätig, sondern absolvierte als Teil der Band zwölf Jahre lang Hunderte von Konzerten. Ein Beleg für die Bandbreite seines Schaffens ist der Song „A Number One“, den er als Titelmelodie für den niederländischen Fußballverein FC Twente geschrieben und aufgenommen hat. 2013 gründete er die Band Vandenberg’s MoonKings und veröffentlichte MoonKings [2014], MK II [2017] und Rugged and Unplugged [2018].
Ein Beleg für die Bandbreite seines Schaffens ist das Lied „A Number One“, das er als Titelmelodie für seine niederländische Heimatmannschaft FC Twente geschrieben und aufgenommen hat. 2013 gründete er die Band Vandenberg’s MoonKings und veröffentlichte mit ihnen die drei Alben MoonKings [2014], MK II [2017] und Rugged and Unplugged [2018].
Mit dem Comeback-Album 2020 erwachte die Band Vandenberg zu neuem Leben. Neben vielen anderen Highlights erreichte „Freight Train“ 1,6 Millionen Spotify-Streams, und die Platte wurde hochgelobt. Sonic Perspectives schwärmte: „Das Endergebnis klingt wie das fehlende Bindeglied zwischen Whitesnake und Rainbow und aktualisiert den Sound der Gruppe für eine neue Generation von Hardrock-Fans.“
Zum Eintritt von Mats [Trans-Siberian Orchestra, Yngwie Malmsteen] in der Band: „Er ist ein fantastischer Sänger“, bemerkt Adrian. „Ich hatte ihn online gehört und wir kamen in Kontakt. Es ist lustig, denn seine Mutter brachte die ersten beiden Vandenberg-Platten aus England mit nach Skandinavien, als er Anfang zwanzig war – und er war ein Fan. Er ist ein Workaholic wie ich. Wir haben nach COVID weitergemacht und das neue Album zusammengebaut. Der Funke ist definitiv da. Dazu kommt, dass Koen und Randy das solideste, groovende Fundament legen, das ich mir nur wünschen kann. Ich würde sagen, es ist noch eine Stufe härter als 2020“, lächelt er.
Sin wurde in Holland und Los Angeles mit Marlette aufgenommen und stellt eine natürliche Entwicklung für Vandenberg dar. Die erste Single „House On Fire“ wird von brennenden Pinch-Harmonien erhellt, während der Groove einen singbaren Refrain von Mats unterstreicht.
„In gewisser Weise ist es ein Partysong, denn er lässt dich mit dem Fuß wippen“, sagt Adrian. „Mats hat mit seinem Text eine andere, dunklere Richtung eingeschlagen. Es geht auch um eine Person, die frustriert ist über die Dinge, die andere Menschen haben. Diese Person kann ihre Wut nicht kontrollieren und setzt das Haus in Brand.“
Die komplette Trackliste umfasst „Thunder And Lightning“, „House On Fire“, „Sin“, „Light It Up“, „Walking On Water“, „Burning Skies“, „Hit The Ground Running“, „Baby You’ve Changed“ und „Out Of The Shadows“. Erhältlich in den Formaten Green LP, CD und Digital.
BMG veröffentlicht HEADCAT Vinyl und CD von ‘WALK THE WALK…TALK THE TALK‘ – ‘LIVE IN BERLIN’ – ‘DREAMCATCHER’ am 15. September 2023
HeadCat ist die amerikanische Rockabilly Superband, gegründet von Sänger & Bassist LemmyKilmister (Motörhead), Drummer Slim Jim Phantom (The Stray Cats) und Gitarrist Danny B. Harvey (Lonesome Spurs /The Rockats).
Am 15. September wird das 2011-er Album ‘Walk The Walk…Talk The Talk’ zusammen auf CD und Vinyl mit dem bisher unveröffentlichten ‘Live In Berlin’ Album (aufgenommen im Huxley’s in Berlin am 18. Oktober 2011) und ‘Dreamcatcher’ live aus dem Vegas Casino wiederveröffentlicht. Pre-order:https://headcat.lnk.to/libwtwdcID
Als erstes Rockabilly- Schmankerl gibt es die neue digitale Single‘American Beat‘ (Live at Huxley’s, Berlin) aus dem ‘Live In Berlin’ Album.
Als die drei Rockabilly Fans 1999 zusammen trafen um ihren Teil des Elvis Presley Tribute Album by Swing Cats A Special Tribute zu liefern, spielten sie danach noch aus Spaß im Studio – Lemmy nahm eine Akustik Gitarre und gab einige seiner Lieblings- Songs von Johnny Cash, Buddy Holly und Eddie Cochran zum besten. Danny und Slim Jim kannten alle Songs und stimmten sofort ein. Und HeadCat war geboren. Der Name der Band ist eine Kombination aus Motörhead, The Stray Cats und 13 Cats.
2006 veröffentlichte die Band ihr erstes Studio Album ‘Fool’s Paradise’. Bestehend aus Cover Songs von Buddy Holly, Carl Perkins, Jimmy Reed, T-Bone Walker, Lloyd Price, Elvis Presley und Johnny Cash. Auf den Aufnahmen spielte Lemmy die Akustik Gitarre, wechselte jedoch bei allen Live Auftritten zu seinem Signature Rickenbacker Bass.
‘Walk The Walk… Talk the Talk’, das zweite Album der Band wurde erstmalig 2011 veröffentlicht mit Covern von Chuck Berry, The Eagles und The Beatles und mit ihrem eigenen Songs ‘American Beat’ und ‘The Eagle Flies on Friday’. Bei dem Album gibt es eine neue Kolorierung: Half/Half Black/White. Die CD kommt mit ausführlichen Sleevenotes basierend auf den Interviews mit Danny B. Harvey und Slim Jim Phantom.
‘Live In Berlin’ wird erstmalig veröffentlicht. Aufgenommen wurde es im Huxley’s in Berlin am 18. Oktober 2011. Produziert und gemastert von Danny B Harvey gibt eine rote Doppel-LP, die CD hat die ausführlichen Sleevenotes.
‘Dreamcatcher’ wurde im Dreamcatcher Theater im Viejas Casino, Alpine CA am 1. Februar 2008 recorded und ebenfalls von Danny B. Harvey produziert und gemastert. Diese CD hat ebenfalls ausführliche Sleevenootes Danny B. Harvey und Slim Jim Phantom.
HeadCat hat den Rock ‘n’ Roll auf ihre Weise neu definiert da sie alle Elemente dieses Genres mit einem eklektischen, ganz eigenen Twist versehen haben.
Superstar Joe Bonamassa veröffentlicht auf seinem neuen Studioalbum „Blues Deluxe Vol. 2“ (VÖ 06. Oktober) eine ausgelassene Interpretation von Guitar Slims „Well, I Done Got Over It“
Dieses Jahr markiert den 20. Jahrestag seiner meistverkauften Independent-Veröffentlichung Blues Deluxe. Zur Feier des Tages haucht Bonamassa den Klassikern, die ihn zum Blues brachten, neues Leben ein.
Zusätzlich wird Joe Bonamassa eine remasterte Version von Blues Deluxe veröffentlichen, die zusammen mit seinem Vorgänger am 6. Oktober über J&R Adventures erscheinen wird
Auf seinem kommenden Album „Blues Deluxe Vol. 2“ kehrt Superstar Joe Bonamassa zu seinen Wurzeln zurück und zieht Bilanz darüber, wie weit er und das Genre gekommen sind, indem er den Klassikern, die ihn zum Blues gebracht haben, neues Leben einhaucht. Heute gibt Bonamassa den neuesten Vorgeschmack auf das Album: eine ausgelassene Interpretation von „Well, I Done Got Over It“, das ursprünglich 1953 von Guitar Slim veröffentlicht wurde.
„Blues Deluxe Vol. 2″ erscheint zwanzig Jahre nach der Veröffentlichung von Bonamassas Bestseller-Album „Blues Deluxe“, das das von der US-Regierung ausgerufene „Jahr des Blues“ feierte. Das Album, das am 6. Oktober über J&R Adventures erscheint, enthält zwei neue Originale und acht neue Cover, die einige der wichtigsten Namen des Blues umfassen – von Bobby „Blue“ Bland und Peter Greens Fleetwood Mac bis hin zu Albert King. Ebenfalls vorbestellbar ist das auf 500 Exemplare weltweit limitierte Platinum Edition Box Set, das die CD- und Vinyl-Versionen von Vol.
„Mein Vater hat mich vor langer Zeit mit Guitar Slim bekannt gemacht, als ich noch ein Kind war. Es gab ein Compilation-Album mit dem Titel ‚Best of Guitar Slim‘ und er war auf dem Cover zu sehen, wie er eine dieser Gold Top Les Pauls in der Hand hielt, und seitdem war ich ein Fan. Er hat so eine samtweiche Stimme, und er hatte so eine Art, einen Song zu präsentieren. Wir haben diesen Guitar Slim-Song sehr britisch interpretiert, es ist eine Mischung aus den Blues Breakers, Guitar Slim, Joe Bonamassa, Josh Smith und Co“, sagt Bonamassa.
„Wenn man mir vor 20 Jahren gesagt hätte, dass meine Karriere lange genug dauern würde, um das 20-jährige Jubiläum dieser kleinen Platte namens ‚Blues Deluxe‘ zu erleben, hätte ich sicher gelacht“, erklärt Bonamassa. „Blues Deluxe“ war meine letzte Chance, nachdem ich von zwei großen Plattenfirmen und meinem Booking-Agenten fallen gelassen wurde. Damals hatte mein Manager, Roy Weisman, seinen ersten ‚All-In‘-Moment. Wir würden zurück ins Studio gehen und eine Platte aufnehmen. Eine Platte, die hoffentlich die Richtung meiner zukünftigen Karriere vorgeben würde.“
„Ein Teil meiner Herangehensweise an diese neuen Aufnahmen war, dass ich sehen wollte, ob ich über die Jahre musikalisch gereift bin und ob ich als Spieler besser geworden bin“, sagt Bonamassa. „Ich bin froh, sagen zu können, dass ich ein viel besserer Sänger bin als vor 20 Jahren – auch wenn ich mich immer noch nicht wirklich als „Sänger“ bezeichne, kann ich jetzt eine Melodie ein bisschen besser tragen als damals.“
Die Veröffentlichung von „Well, I Done Got Over It“ folgt auf die vorherige Single „Twenty-Four Hour Blues“, eine fulminante Neuinterpretation des Klassikers von Bobby „Blue“ Bland, der auf einem von Bonamassas Lieblingsalben aller Zeiten, Dreamer, zu finden ist. Die neue Version enthält eine von Bonamassas besten Gesangs- und Gitarrensolos aller Zeiten. „Das Outro-Gitarrensolo ist unglaublich“, kommentiert Smith. „Es ist live auf dem Boden passiert und hat einige tiefe Linien, die man Joe wahrscheinlich noch nie zuvor hat spielen hören. Die Band ist absolut klasse, und Calvin Turner hat ein unglaubliches Streicher- und Bläserarrangement gemacht. Ich bin sehr stolz auf dieses Stück.“
„Ein Teil meiner Herangehensweise an diese neuen Aufnahmen war, dass ich sehen wollte, ob ich über die Jahre musikalisch gereift bin und ob ich als Spieler besser geworden bin“, sagt Bonamassa. „Ich bin froh, sagen zu können, dass ich ein viel besserer Sänger bin als vor 20 Jahren – obwohl ich mich immer noch nicht wirklich als „Sänger“ betrachte, kann ich jetzt eine Melodie ein bisschen besser tragen als damals.“
Mit Reese Wynans (Keyboards), Calvin Turner (Bass), Lamar Carter (Schlagzeug), Kirk Fletcher (Gitarre) und Smith (Gitarre) sind weitere Highlights vonBlues Deluxe Vol. 2 Guitar Slims „Well, I Done Got Over It“, Bobby Parkers „It’s Hard But It’s Fair“ und „Is It Safe To Go Home“, ein neuer Song, den Josh Smith für Joe geschrieben hat. „Ich wusste, dass ich ihn stimmlich richtig fordern wollte“, fügt Smith hinzu. „Ich hatte ihn Dinge singen hören, die ich nie auf einem Album gehört hatte, wenn wir nur herumspielten oder für andere Künstler produzierten. Die Songs wurden also mit diesem Gedanken im Hinterkopf ausgewählt und geschrieben. Wenn man sich den Gesang bei „Twenty-Four Hour Blues“ und „Is It Safe To Go Home“ anhört, wird man erkennen, dass Joe sich wirklich ins Zeug legt.“
Nachdem Bonamassa mit seinem ausgedehnten und umfangreichen Live-Konzertfilm und seinem Album „Tales Of Time“ gerade die bemerkenswerte 26. Nummer 1 der Billboard Blues Chart erreicht hat, reist er für drei Wochen zu Festivalauftritten nach Europa, bevor er für eine Reihe von Sommerdaten in die USA zurückkehrt. Am Mittwoch, den 9. August, wird Bonamassa zum ersten Mal in der Hollywood Bowl auftreten und ein exklusives Konzert mit einem Orchester geben, das für seinen nächsten Konzertfilm aufgenommen wird. Dann beginnt der am härtesten arbeitende Bluesman im Showgeschäft am 23. Oktober im Cannon Center in Memphis, TN, seine US-Herbsttournee, die ihn von Küste zu Küste führen und im gitarrenförmigen Hard Rock Live in Hollywood, FL, enden wird.
Bonamassa, der von Guitar World als „der wohl größte Blues-Gitarrist der Welt“ bezeichnet wird, ist dafür bekannt, dass er Risiken eingeht und sich in seiner weitreichenden Karriere auf unbekanntes Terrain wagt. Sein letztes Album „Time Clocks“ ist sein bisher rohestes und rockigstes Studioalbum. Der American Songwriterschreibt dazu: „Bonamassa stößt in neues Terrain vor, bleibt dabei aber innerhalb eines bluesbasierten Rahmens“, und „es gibt mehr als genug Beweise in diesem ausgedehnten Set, dass Bonamassa nicht vorhat, sich auf seinen Lorbeeren auszuruhen oder seinen Starstatus im Blues-Rock-Genre als selbstverständlich anzusehen“.
Bonamassas jüngstes Live-Konzert Tales Of Time, das vom Classic Rock Magazine als „eine fast spirituelle Erfahrung“ bezeichnet wurde und Songs aus seinem letzten Nummer-1-Studioalbum Time Clocks enthält, fängt eine stratosphärische Performance des Blues-Rock-Titans im Red Rocks Amphitheatre ein, bei der sein virtuoser Gitarrenstil und seine einzigartige Technik und sein Flair den Abend zu einem fast himmlischen Höhepunkt machten. Das Projekt wurde von seinem langjährigen Mitarbeiter und Produzenten Kevin Shirley (Led Zeppelin, Iron Maiden, Journey) produziert.
„Diese Live-Show stellt unsere bisher progressivste und größte Produktion dar, die sich auf mein bisher ehrgeizigstes Studioalbum konzentriert“, kommentierte Bonamassa.„Meine Band war eine Naturgewalt bei dieser Show, und es war wirklich ein besonderer Abend.“
1) Twenty-Four Hour Blues (originally performed by Bobby “Blue” Bland)
2) It’s Hard But It’s Fair (originally performed by Bobby Parker)
3) Well, I Done Got Over It (originally performed by Guitar Slim)
4) I Want to Shout About It (originally performed by Ronnie Earle & The Broadcasters)
5) Win-O (originally performed by Pee Wee Crayton)
6) Hope You Realize It (Goodbye Again) *original song written by Joe Bonamassa & Tom Hambridge
7) Lazy Poker Blues (originally performed by Fleetwood Mac)
8) You Sure Drive a Hard Bargain (originally performed by Albert King)
9) The Truth Hurts Feat Kirk Fletcher and Josh Smith (originally performed by Kenny Neal)
10) Is It Safe To Go Home *original song written by Josh Smith
Superstar Joe Bonamassa kehrt mit seinem neuen Studioalbum „Blues Deluxe, Vol. 2“ zu seinen Wurzeln zurück und feiert damit das 20-jährige Jubiläum seiner meistverkauften Independent-Veröffentlichung
Zusätzlich wird Joe Bonamassa eine remasterte Version von Blues Deluxe veröffentlichen, die zusammen mit seinem Vorgänger am 6. Oktober über J&R Adventures erscheinen wird
(Los Angeles, CA – 16. Juni 2023) Zwanzig Jahre nach der Veröffentlichung seines Bestseller-Albums„Blues Deluxe“, das mit einer Mischung aus Originalen und Neuinterpretationen klassischer Songs das von der US-Regierung ausgerufene „Jahr des Blues“ feierte, zieht Superstar Joe Bonamassa mit „Blues Deluxe Vol. 2“, das am 6. Oktober über J&R Adventures erscheint, Bilanz darüber, wie weit er und das Genre gekommen sind. Mit zwei neuen Originalen und acht neuen Covers, die einige der wichtigsten Namen des Blues umfassen – von Bobby „Blue“ Bland und Peter Green’s Fleetwood Mac bis hin zu Albert King – kehrt Bonamassa auf Blues Deluxe 2 zu seinen Wurzeln zurück und haucht den Klassikern, die seine eigene Kunst geprägt haben, neues Leben ein.
Album Vorbestellung hier:https://lnk.to/joebonamassa „Hätte man mir vor 20 Jahren gesagt, dass meine Karriere lange genug andauern würde, um das 20-jährige Jubiläum dieser kleinen Platte namens ‚Blues Deluxe‘ zu erleben, hätte ich sicher gelacht“, meint Bonamassa. „Blues Deluxe“ war meine letzte Chance, nachdem ich von zwei großen Plattenfirmen und meinem Booking-Agenten fallen gelassen wurde. Damals hatte mein Manager, Roy Weisman, seinen ersten „All-In“-Moment. Wir würden zurück ins Studio gehen und eine Platte aufnehmen. Eine Platte, die hoffentlich die Richtung meiner zukünftigen Karriere bestimmen würde.“
„Bei Blues Deluxe Vol. 2 habe ich meinen großartigen Freund Josh Smith gebeten, eine Platte zu produzieren, die die Jubiläumsausgabe des ersten Albums begleitet und hoffentlich ein wenig zeigt, wie ich mich in den letzten 20 Jahren entwickelt habe“, fügt Bonamassa hinzu. „Der Kontrast zwischen einem übermütigen 26-Jährigen und einem etablierten 46-Jährigen ist beträchtlich. Brennt das Feuer noch so wie damals? Bin ich immer noch hungrig zu spielen? Bin ich überhaupt noch gut genug, um meinen Helden noch einmal Tribut zu zollen? Die Antwort liegt irgendwo in diesem Album.“
„Als Joe mich bat, Blues Deluxe Vol. 2 zu produzieren, wusste ich sofort, was ich erreichen wollte“, fügt Smith hinzu. „Ich wollte, dass die Fans den völlig natürlichen, entspannten Joe hören, den ich höre, wenn wir einfach nur herumalbern und Gitarren spielen. Er war wirklich in dem Moment und fühlte sich vollkommen unterstützt, und ich weiß, dass er bei allem wirklich ‚aufs Ganze ging‘.“
Zur Ankündigung des Albums hat Bonamassa die neueste Single „Twenty-Four Hour Blues“ veröffentlicht, eine mitreißende Neuinterpretation des Klassikers von Bobby „Blue“ Bland, der auf einem von Bonamassas Lieblingsalben aller Zeiten, „Dreamer“, enthalten ist. Die neue Version enthält eine von Bonamassas besten Gesangs- und Gitarrensolos aller Zeiten. „Das Outro-Gitarrensolo ist unglaublich“, kommentiert Smith. „Es ist live gespielt und hat einige tiefe Lines, die man wahrscheinlich noch nie zuvor von Joe gehört hat. Die Band ist absolut klasse, und Calvin Turner hat ein unglaubliches Streicher- und Bläserarrangement gemacht. Ich bin sehr stolz auf dieses Stück.“
Das offizielle Video zur neuesten Single, eine fulminante Neuinterpretation von Bobby „Blue“ Blands „Twenty-Four Hour Blues“, gibt es hier:
„Ein Teil meiner Herangehensweise an diese neuen Aufnahmen war, dass ich sehen wollte, ob ich über die Jahre musikalisch gereift bin und ob ich als Spieler besser geworden bin“, sagt Bonamassa. „Ich bin froh, sagen zu können, dass ich ein viel besserer Sänger bin als vor 20 Jahren – auch wenn ich mich immer noch nicht wirklich als „Sänger“ bezeichne, kann ich jetzt eine Melodie ein bisschen besser tragen als damals.“
Die Ankündigung von Blues Deluxe, Vol. 2 folgt auf die Veröffentlichung der Leadsingle „I Want To Shout About It“, die ursprünglich von Ronnie Earl and the Broadcasters gesungen wurde. Bonamassas fröhliche Version enthält Soli von Reese Wynans an der Orgel und Paulie Cerra am Saxophon sowie einige tolle Adlibs von den Sängern Dannielle DeAndrea und Charles Jones, wenn sich der Track dem Ende zuneigt. „Shout About It ist ein Song, der ursprünglich von den großartigen Ronnie Earl and the Broadcasters mit Darrel Nullisch am Gesang stammt“, fügt Smith hinzu. „Es ist ein schwer zu singender Song, und Joe hat sich wirklich ins Zeug gelegt und ihn perfekt gesungen. Es ist ein echter Rave-Up, ein Party-Song. Joe hat ihn in letzter Zeit live gespielt und das Publikum ist begeistert!“
Mit Reese Wynans (Keyboards), Calvin Turner (Bass), Lamar Carter (Schlagzeug), Kirk Fletcher (Gitarre) und Smith (Gitarre) sind weitere Highlights vonBlues Deluxe Vol. 2 Guitar Slims „Well, I Done Got Over It“, Bobby Parkers „It’s Hard But It’s Fair“ und „Is It Safe To Go Home“, ein neuer Song, den Josh Smith für Joe geschrieben hat. „Ich wusste, dass ich ihn stimmlich richtig fordern wollte“, fügt Smith hinzu. „Ich hatte ihn Dinge singen hören, die ich nie auf einem Album gehört hatte, wenn wir nur herumspielten oder für andere Künstler produzierten. Die Songs wurden also mit diesem Gedanken im Hinterkopf ausgewählt und geschrieben. Wenn man sich den Gesang bei „Twenty-Four Hour Blues“ und „Is It Safe To Go Home“ anhört, wird man erkennen, dass Joe sich wirklich ins Zeug legt.“
Nachdem Bonamassa mit seinem ausgedehnten und umfangreichen Live-Konzertfilm und seinem Album „Tales Of Time“ gerade die bemerkenswerte 26. Nummer 1 der Billboard Blues Chart erreicht hat, reist er für drei Wochen zu Festivalauftritten nach Europa, bevor er für eine Reihe von Sommerdaten in die USA zurückkehrt. Am Mittwoch, den 9. August, wird Bonamassa zum ersten Mal in der Hollywood Bowl auftreten und ein exklusives Konzert mit einem Orchester geben, das für seinen nächsten Konzertfilm aufgenommen wird. Dann beginnt der am härtesten arbeitende Bluesman im Showgeschäft am 23. Oktober im Cannon Center in Memphis, TN, seine US-Herbsttournee, die ihn von Küste zu Küste führen und im gitarrenförmigen Hard Rock Live in Hollywood, FL, enden wird.
Bonamassa, der von Guitar World als „der wohl größte Blues-Gitarrist der Welt“ bezeichnet wird, ist dafür bekannt, dass er Risiken eingeht und sich in seiner weitreichenden Karriere auf unbekanntes Terrain wagt. Sein letztes Album „Time Clocks“ ist sein bisher rohestes und rockigstes Studioalbum. Der American Songwriterschreibt dazu: „Bonamassa stößt in neues Terrain vor, bleibt dabei aber innerhalb eines bluesbasierten Rahmens“, und „es gibt mehr als genug Beweise in diesem ausgedehnten Set, dass Bonamassa nicht vorhat, sich auf seinen Lorbeeren auszuruhen oder seinen Starstatus im Blues-Rock-Genre als selbstverständlich anzusehen“.
Bonamassas jüngstes Live-Konzert Tales Of Time, das vom Classic Rock Magazine als „eine fast spirituelle Erfahrung“ bezeichnet wurde und Songs aus seinem letzten Nummer-1-Studioalbum Time Clocks enthält, fängt eine stratosphärische Performance des Blues-Rock-Titans im Red Rocks Amphitheatre ein, bei der sein virtuoser Gitarrenstil und seine einzigartige Technik und sein Flair den Abend zu einem fast himmlischen Höhepunkt machten. Das Projekt wurde von seinem langjährigen Mitarbeiter und Produzenten Kevin Shirley (Led Zeppelin, Iron Maiden, Journey) produziert.
„Diese Live-Show stellt unsere bisher progressivste und größte Produktion dar, die sich auf mein bisher ehrgeizigstes Studioalbum konzentriert“, kommentierte Bonamassa.„Meine Band war eine Naturgewalt bei dieser Show, und es war wirklich ein besonderer Abend.“
1) Twenty-Four Hour Blues (originally performed by Bobby “Blue” Bland)
2) It’s Hard But It’s Fair (originally performed by Bobby Parker)
3) Well, I Done Got Over It (originally performed by Guitar Slim)
4) I Want to Shout About It (originally performed by Ronnie Earle & The Broadcasters)
5) Win-O (originally performed by Pee Wee Crayton)
6) Hope You Realize It (Goodbye Again) *original song written by Joe Bonamassa & Tom Hambridge
7) Lazy Poker Blues (originally performed by Fleetwood Mac)
8) You Sure Drive a Hard Bargain (originally performed by Albert King)
9) The Truth Hurts Feat Kirk Fletcher and Josh Smith (originally performed by Kenny Neal)
10) Is It Safe To Go Home *original song written by Josh Smith
FORTY-FIVE = fünfundvierzig Jahre jung kommen Girlschool mit ihrer stampfenden neuen Power-Single ‘It Is What It Is’ aus ihrem am 28. Juli 2023 erscheinenden 14.ten Album: WTFortyfive?
‘It Is What It Is’, ein Klassiker von Girlschool: spaßmachend, real und kompromisslos – ein abhängig machender ‘motörcharged’ Hammer mit einem Chorus, der in deinem Kopf bleibt. Kein Schnickschnack, einfach ein guter Song, der klar macht, dass man die Vergangenheit und die Gegenwart akzeptiert und das Beste aus allem macht: “It is what it is, so what ya’ gonna do about it?”
Mitbegründerin der Band und Frontfrau/Gitarristin KimMcAuliffe erklärt: “Es geht darum, dass man nichts bedauern sollte. Du kannst die Vergangenheit nicht ändern und kannst nur Vorangehen und das Beste aus allem machen. Es macht keinen Sinn, über verpasste Gelegenheiten zu lamentieren – mach einfach jetzt das Beste aus allem.“
Der erste Song ‘Are You Ready? (feat. Joe Stump)’ ist zu sehen:
(Video by Natalia Jonderko Śmiechowicz).
“Das erste neue Girlschool Album nach fast einer Dekade!
Kraftvoller Hardrock mit einem großartigen Groove!
Auf WTFortyfive? bieten Kim McAuliffe (Gitarre/Gesang), Denise Dufort (Drums), Jackie Chambers (Gitarre/Backing Vocals) und Tracey Lamb (Bass)12 rasante Statement Songs mit großartigen Melodien, crunchy Gitarrenriffs und das Ganze gepaart mit der typischen Girlschool Attitude.
WTFortyfive? wird es als 12” Vinyl, CD Digipak, Digital Download und Streaming geben und eine spezielle D2C Edition. Pre-order at this location
Und bei girlschool.tmstor.es kann man eine Girlschool WTFortyfive? handgearbeitete Lederjacke gewinnen.
Tracking Listing:
It Is What It Is
Cold Dark Heart
Bump In The Night
Barmy Army
Invisible Killer
Believing In You
It’s A Mess
Into The Night
Are You Ready? (feat. Joe Stump)
Up To No Good
Party
Born To Raise Hell (feat. Biff Byford, Phil Campbell & Duff McKagan)
Adrian Vandenberg über den Song:„Sünde / Sin. Nur ein kleines Wort mit drei Buchstaben, aber eines mit einer sehr umfassenden Bedeutung. Alles, was zwischen einer kleinen Notlüge und einem Mord liegt. Also verdient es einen kraftvollen, schweren, epischen Song, um ihm gerecht zu werden.“
Die erste Singleauskopplung „House On Fire“ kann hier angehört werden:
Adrian Vandenberg erzählt: „Wie jede andere Band oder Künstler waren wir gezwungen, uns zurückzuhalten, als wir uns in einem dieser Hollywood-Filme im Stil von ‚Outbreak‘ in den letzten Covid-Jahren wiederfanden. Ohne für eine Rolle vorgesprochen zu haben. Du wirst verstehen, dass wir unbedingt mit einem lauten Knall aus den Ställen ausbrechen wollten, also dachten wir, es wäre mehr als angemessen, die Welt mit dem neuen Track House On Fire“ in Brand zu setzen!
Jedes Album malt ein Bild. Statt mit Pinsel und Leinwand malt Vandenberg mit gewaltigem Gesang, erdbebenartigen Rhythmen und den ikonischen und sofort erkennbaren Laubsägearbeiten von Gitarrist und Namensgeber Adrian Vandenberg.
Zusammen mit Sänger Mats Levén, Schlagzeuger Koen Herfst und Bassist Randy van der Elsen liefert der einflussreiche Axtschwinger auf dem fünften Album der Gruppe, SIN [Mascot Label Group], eine lebendige und vitale Vision, die in breiten Strichen von hymnischem Hard Rock zum Leben erweckt und von Bob Marlette [Ozzy Osbourne, Alice Cooper, Rob Zombie] produziert wurde.
„Für mich ist Musik wie ein Gemälde“, bekräftigt Adrian. „Man hat seine Höhen, Tiefen, Lichter und Schattierungen. Bei einem Song möchte man vielleicht auf den Tisch springen und ausgelassen feiern. Ein anderer Song wird dich zum Nachdenken anregen.
So oder so wird man in eine Landschaft hineingeworfen, was meine Lieblingsalben für mich immer noch tun. Du könntest im Auto sitzen oder zu Hause mit deinen Kopfhörern an ein Soundsystem angeschlossen sein, und du wärst in einer anderen Welt.“
Das niederländische Phänomen, das 1982 mit dem selbstbetitelten Album Vandenberg aus den Niederlanden auf die Weltbühne trat, landete mit „Burning Heart“ einen internationalen Hit und ebnete den Weg für bahnbrechende Veröffentlichungen wie Heading For A Storm [1983] und Alibi [1985].
Die Band trat in den Vereinigten Staaten, Europa und Japan an der Seite von Ozzy Osbourne, Kiss, Rush, Scorpions, Michael Schenker und vielen anderen auf. Adrian wurde Mitglied von Whitesnake und übernahm 1987 die legendäre Gitarrenarbeit bei der Aufnahme des Nr.-1-Hits „Here I Go Again“, der das mit 8-fachem Platin ausgezeichnete Whitesnake-Album zierte.
Er war Co-Autor des 1989er Platin-Albums Slip of the Tongue und teilte sich auf der darauffolgenden Tournee die Gitarrenparts mit keinem Geringeren als Steve Vai.
Er spielte nicht nur Gitarre bei Restless Heart von David Coverdale & Whitesnake und war auch als Co-Autor tätig, sondern absolvierte als Teil der Band zwölf Jahre lang Hunderte von Konzerten.
Ein Beleg für die Bandbreite seines Schaffens ist der Song „A Number One“, den er als Titelmelodie für den niederländischen Fußballverein FC Twente geschrieben und aufgenommen hat. 2013 gründete er die Band Vandenberg’s MoonKings und veröffentlichte MoonKings [2014], MK II [2017] und Rugged and Unplugged [2018].
Ein Beleg für die Bandbreite seines Schaffens ist das Lied „A Number One“, das er als Titelmelodie für seine niederländische Heimatmannschaft FC Twente geschrieben und aufgenommen hat.
2013 gründete er die Band Vandenberg’s MoonKings und veröffentlichte mit ihnen die drei Alben MoonKings [2014], MK II [2017] und Rugged and Unplugged [2018].
Mit dem Comeback-Album 2020 erwachte die Band Vandenberg zu neuem Leben. Neben vielen anderen Highlights erreichte „Freight Train“ 1,6 Millionen Spotify-Streams, und die Platte wurde hochgelobt. Sonic Perspectives schwärmte: „Das Endergebnis klingt wie das fehlende Bindeglied zwischen Whitesnake und Rainbow und aktualisiert den Sound der Gruppe für eine neue Generation von Hardrock-Fans.“
Zum Eintritt von Mats [Trans-Siberian Orchestra, Yngwie Malmsteen] in der Band: „Er ist ein fantastischer Sänger“, bemerkt Adrian. „Ich hatte ihn online gehört und wir kamen in Kontakt. Es ist lustig, denn seine Mutter brachte die ersten beiden Vandenberg-Platten aus England mit nach Skandinavien, als er Anfang zwanzig war – und er war ein Fan. Er ist ein Workaholic wie ich. Wir haben nach COVID weitergemacht und das neue Album zusammengebaut. Der Funke ist definitiv da. Dazu kommt, dass Koen und Randy das solideste, groovende Fundament legen, das ich mir nur wünschen kann. Ich würde sagen, es ist noch eine Stufe härter als 2020“, lächelt er.
Sin wurde in Holland und Los Angeles mit Marlette aufgenommen und stellt eine natürliche Entwicklung für Vandenberg dar. Die erste Single „House On Fire“ wird von brennenden Pinch-Harmonien erhellt, während der Groove einen singbaren Refrain von Mats unterstreicht.
„In gewisser Weise ist es ein Partysong, denn er lässt dich mit dem Fuß wippen“, sagt Adrian. „Mats hat mit seinem Text eine andere, dunklere Richtung eingeschlagen. Es geht auch um eine Person, die frustriert ist über die Dinge, die andere Menschen haben. Diese Person kann ihre Wut nicht kontrollieren und setzt das Haus in Brand.“
Die komplette Trackliste umfasst „Thunder And Lightning“, „House On Fire“, „Sin“, „Light It Up“, „Walking On Water“, „Burning Skies“, „Hit The Ground Running“, „Baby You’ve Changed“ und „Out Of The Shadows“. Erhältlich in den Formaten Green LP, CD und Digital.
MOTÖRHEAD ‘LIVE AT THE MONTREUX JAZZ FESTIVAL 2007’ – ein einzigartiges, bisher unveröffentlichtes Motörhead Konzert (VÖ 16. Juni 2023/BMG)
Wie allen bekannt ist, liebte Motörhead es, live für ihre Fans zu spielen. Jeder war willkommen und natürlich auch die Leute, die eigentlich Jazz lieben. Und als das Montreux Festival Motörhead anfragte, hat es irgendwie totalen Sinn gemacht: anders, einzigartig, eine ganz andere Location, ehrend und aufregend dabei zu sein.
Auch das Festival überschritt mit dieser Einladung Grenzen hinsichtlich der Musik, die dem Festival den Namen gab. Es mag wagemutig erscheinen, wenn man die Liste der Künstler betrachtet: neben Dexter Gordon gab es auch Deep Purple oder ZZ Top und dann donnernd, laut Motörhead. Wahrscheinlich ist es genau das, was dem Festival seine Attraktivität gab und damit in die Geschichte einging und es für die Wertschöpfung der Künste 2013 mit dem ‚UNESCO Heritage Status‘ belohnt wurde.
Aufgenommen wurde dies Montreux Show am 7. Juli 2007 während der ‘Kiss Of Death’ Tour im legendären Auditorium Stravinski und überzeugt mit der Leistung des perfekten und potenten Trios: Lemmy Kilmister, Phil Campbell und Mikkey Dee. Und das nicht nur mit der etwas anderen Setlist, sondern auch mit der Kraft und dem Besonderen, was Motörhead legendär machte und sie es live immer wieder beweisen konnten.
Dieses Konzert beinhaltet den ersten offiziellen Release ihres Covers Thin Lizzy’s ‘Rosalie’, ein lautes, kraftvolles Bonbon im Motörhead Stil!
Hier der Link zum Video des sensationellen Motörhead Covers…
Motörhead „Live At The Montreux Jazz Festival ’07“ wird in Doppel- Vinyl, als Doppel-CD und digital veröffentlicht.
LP und CD Tracklisting:
1. Snaggletooth
2. Stay Clean
3. Be My Baby
4. Killers
5. Metropolis
6. Over The Top
7. One Night Stand
8. I Got Mine
9. In The Name Of Tragedy
10. Sword Of Glory
11. Rosalie
12. Sacrifice
13. Just ‘Cos You Got The Power
14. Going To Brazil
15. Killed By Death
16. Iron Fist
17. Whorehouse Blues
18. Ace Of Spades
19. Overkill
BMG und das Montreux Jazz Festival haben heute mit der Ankündigung der Veröffentlichung von „Dr. John: The Montreux Years“ am 02. Juni 2023 die Fortsetzung der beliebten Montreux Years-Reihe besiegelt.
Die neue Veröffentlichung ist eine handverlesene Sammlung von Dr. Johns besten und schönsten Auftritten beim Montreux Jazz Festival zwischen den Jahren 1986 und 2012. Wunderschön restauriert und vollständig gemastert, wird „Dr. John: The Montreux Years“ in verschiedenen Formaten erhältlich sein – darunter hochwertiges audiophiles schwergewichtiges Vinyl, CD in MQA-Qualität und HD-Digital.
Dr. John wird in erster Linie mit den reichhaltigen musikalischen Wurzeln seiner Heimatstadt New Orleans in Verbindung gebracht. Sein ungemein bemerkenswertes musikalisches Vermächtnis umfasst die Genres Funk, Blues, Jazz, Boogie-Woogie, Rock und Pop. Bereits mit der Veröffentlichung seines ersten Major-Label-Albums „Gris-Gris“ im Jahr 1968 schaffte es der selbsternannte Night Tripper, eine beinahe kultische Anhängerschaft für sich zu begeistern. Sein musikalisches Gebräu aus Voodoo-Beschwörungen hinterließ auf unumgängliche Weise auch unter den Musikern einen bleibenden Eindruck. Mit seiner ganz besonderen Art, New-Orleans-Musik mit Rock- und Psychedelia-Elementen zu mischen und nicht zuletzt auch dank seiner aufwendigen Kopfbedeckungen begeisterte Dr. John seine Fans auf der ganzen Welt.
So kann man mit Fug und Recht behaupten, dass der mit sechs Grammys® ausgezeichnete Dr. John ein musikalisches Genie und eine überlebensgroße Persönlichkeit war, die es verstand, seinen Recordings stets etwas Einzigartiges zu verleihen. Im Laufe seiner Karriere nahm der amerikanische Singer-/ Songwriter 30 Studioalben sowie neun Live-Alben auf und wirkte an Tausenden von Aufnahmen anderer Musiker mit, darunter Aretha Franklins Album „Young, Gifted and Black“ aus dem Jahr 1972 und das Album „Exile on Main St“ der Rolling Stones aus dem Jahr 1972. Des Weiteren war die Musik-Ikone 1997 auf der All-Star-Charity-Version von Lou Reeds „Perfect Day“ vertreten. Zu den unvergesslichen Cover-Versionen seiner eigenen Songs gehören „I Walk On Guilded Splinters“ gesungen von Cher oder auch „Right Place, Wrong Time“ von Tom Jones. Im Jahr 2011 wurde Dr. John von John Legend in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.
„Dr. John: The Montreux Years“ ist ein musikalischer Trip für Fans, die in die einzigartigen Stile und spektakulären Aufnahmen einer der größten Ikonen der Musik eintauchen wollen. Den Auftakt der Platte machen zunächst „Professor Longhair Boogie“ und „You Ain’t Such a Much“, die starke Referenzen auf das Boogie-Piano von New Orleans aufweisen, bevor sie dann mit den beiden 1973er Top 10-Tracks „Right Place, Wrong Time“ und „Makin‘ Whoopee“ in die Tiefe von Dr. Johns ikonischem Repertoire eintaucht.
Neben den Songs enthält die Veröffentlichung exklusive Linernotes, verfasst vom dreifachen Grammy®-Preisträger Russ Titelman – Produzent und enger Freund von Dr. John. Die Wege der beiden kreuzten sich in den späten 60er Jahren in Russ Titelmans früherem Leben als Session-Musiker – es entstand sofort eine tiefe Verbundenheit und Freundschaft. In den folgenden Jahren bis zu Dr. Johns Tod im Jahr 2019 arbeiteten (und spielten) sie sehr häufig zusammen.
Die im Jahr 2021 eingeführte „The Montreux Years“-Serie fängt den Geist des Montreux Jazz Festivals ein und ist das Vermächtnis seines beliebten Gründers Claude Nobs. Nobs lehnte Kompromisse bei der Qualität konsequent ab und gab sich mit nichts anderem als dem Besten zufrieden – ein Ethos, der auch bei den im Rahmen der „The Montreux Years“-Reihe veröffentlichten Aufnahmen oberste Priorität hat. Das Mastering erfolgte in den legendären Metropolis Studios in London unter der Hand von Tony Cousins, wobei MQA verwendet wurde, um den Original-Sound der besonderen Live-Auftritte einzufangen.
„Dr. John: The Montreux Years“ ist ab sofort vorbestellbar und wird am Freitag, den 02. Juni erscheinen. Es ist der nunmehr zehnte Teil der Reihe „The Montreux Years“, die mit den musikalischen Superstars Nina Simone und Etta James begann und mit Marianne Faithfull, Muddy Waters, John McLaughlin, Chick Corea,Monty Alexander, Paco de Lucía und erst kürzlich mit Michel Petrucciani fortgesetzt wurde. Insbesondere fanden die beiden Alben „Nina Simone: The Montreux Years“ und „John McLaughlin: The Montreux Years“ großes Lob von der Kritik, wie beispielsweise von der New York Times und JazzFM, und konnten sich 2021 auf Platz 1 der offiziellen UK Jazz & Blues-Charts positionieren.
VINYL TRACKLISTING
Seite A
Professor Longhair Boogie (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
You Ain’t Such a Much (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
Sick and Tired (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
Stack-a-Lee (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
Accentuate the Positive (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
Seite B
Right Place, Wrong Time (Live – Montreux Jazz Festival 2004)
Rain (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
Going Back to New Orleans (Live – Montreux Jazz Festival 1993)
Seite C
Makin’ Whoopee (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
Big Chief (Live – Montreux Jazz Festival 2011)
In a Sentimental Mood / Mississippi Mud / Happy Hard Times (Medley) (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
Seite D
Love for Sale (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
Let the Good Times Roll (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
Good Night Irene (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
CD TRACKLISTING
Professor Longhair Boogie (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
You Ain’t Such a Much (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
Sick and Tired (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
Stack-a-Lee (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
Accentuate the Positive (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
Right Place, Wrong Times (Live – Montreux Jazz Festival 2004)
Rain (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
Going Back to New Orleans (Live – Montreux Jazz Festival 1993)
Makin’ Whoopee (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
Big Chief (Live – Montreux Jazz Festival 2011)
In a Sentimental Mood / Mississippi Mud / Happy Hard Times (Medley) (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
Love for Sale (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
Let the Good Times Roll (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
Good Night Irene (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
ÜBER DAS MONTREUX JAZZ FESTIVAL
Das Montreux Jazz Festival ist ein weltbekanntes Musikfestival, das von Claude Nobs ins Leben gerufen und bis 2013 geleitet wurde und jährlich im Juli zwei Wochen lang im malerischen Montreux in der Schweiz stattfindet. Das mittlerweile zum 55. Mal stattfindende Festival zieht Jahr für Jahr 250.000 Musikliebhaber aus der ganzen Welt an die Ufer des Genfer Sees. Das Festival will zum einen die großen Musiklegenden ehren, aber gleichermaßen auch die aufstrebenden und zeitgenössischen Künstler der Musikindustrie feiern. Ursprünglich im Jahr 1967 als reines Jazzfestival ins Leben gerufen, hat Montreux seine Tore im Laufe der Jahrzehnte auch anderen Musikstilrichtungen geöffnet und präsentiert heute Künstler aus allen erdenklichen Genres. Zu den Künstlern, die auf der Bühne von Montreux standen, gehören Etta James, Bob Dylan, Elton John, Prince, Ms Lauryn Hill, Aretha Franklin, David Bowie, James Brown, Kendrick Lamar, Leonard Cohen, Marvin Gaye, Miles Davis, Nina Simone und viele mehr. Mathieu Jaton ist seit 2013 CEO des Montreux Jazz Festivals.
ÜBER DIE CLAUDE NOBS-STIFTUNG UND IHR ARCHIV
Die von Thierry Amsallem gegründete Stiftung kümmert sich um die Bewahrung und Aufwertung des Vermächtnisses von Claude Nobs – einschließlich des Ton- und Bildarchivs einer der weltweit größten Privatsammlungen an Live-Musikaufnahmen, die allesamt seit 1967 beim Montreux Jazz Festival (Schweiz) aufgezeichnet wurden und 2013 in das UNESCO-Register „Memory of the World“ aufgenommen wurden. Im Jahr 2007 schlossen sich Thierry Amsallem, der auch den Vorsitz der Stiftung führt, und Claude Nobs mit der Eidgenössischen Technischen Hochschule Lausanne (EPFL) zusammen, um dieses hochauflösende digitale Archiv für die Zukunft zu schaffen, das es in seiner Art das erste und einzigartig ist. Das audiovisuelle Erbe, das sowohl Lehrmittel als auch gleichermaßen Forschungsinfrastruktur ist, dient Studierenden und Forschern als Plattform, um Innovationen in Bereichen wie Akustik, Datenwissenschaft, Archivierung, Musikwissenschaft, Museologie oder Neurowissenschaften zu entwickeln. Weitere Informationen finden Sie unter: www.claudenobsfoundation.com
ÜBER MONTREUX SOUNDS
Das im Jahr 1973 von Claude Nobs gegründete Unternehmen Montreux Sounds besitzt eine Sammlung von ca. 5.000 „Live at the Montreux“-Konzerten, die sowohl auf Audio als auch auf Video aufgezeichnet wurden (mehr als 2.000 Auftritte wurden seit 1991 in High Definition gefilmt), und hat bis dato Veröffentlichungen von mehr als 450 bedeutenden Künstlern hervorgebracht, die alle live auf der gleichen Bühne gestanden haben – darunter Auftritte, die bis in die späten 1960er Jahre zurückreichen.
Montreux Media Ventures (MMV) ist ein Medien-, Produktions- und Inhaltsproduktionsunternehmen sowie eine Tochtergesellschaft des Montreux Jazz Festivals. Die Aufgabe von MMV besteht darin, die Produktionskapazitäten des Festivals zu erweitern, um Musikinhalte unter der Marke MJF zu erstellen und zu vertreiben. MMV ist bestrebt, die wichtigsten Aktivitäten des Festivals weiterzuentwickeln und das ganze Jahr über durch gezielte digitale Inhalte, Markeninhalte und musikalische Erlebnisse mit dem Publikum, den Konsumenten und Partnern in Kontakt zu treten.
Black Sabbath‘s erstes offizielles Live Album “Live Evil” feiert das 40jährige Jubiläum mit einer Super Deluxe Edition, die neue Remixe und ebenfalls neue gemasterte Versionen des von Kritikern hoch gelobten Albums beinhaltet.
„LIVE EVIL” (40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION) wird am 02. Juni 2023 als 4 CD Set, 4 LP Set und digital erscheinen. Die Kollektion umfasst zwei Versionen des legendären Albums: eine neu remasterte Version von Andy Pearce zusammen mit einem Mix von Wyn Davis, der aus den analogen Multi-Tracks entstanden ist. Der physische Release kommt zusätzlich mit einem illustrierten Hardcover Buch mit Liner Notes und das Replikat des Konzertbuches zusammen mit einem Poster der Mob Rules Tour.
Eine neue Ära von Black Sabbath begann 1979 als Ronnie James Dio, als neuer Sänger, zusammen mit Tony Iommi, Geezer Butler und Bill Ward die Band komplettierte und somit eine Wiederauferstehung der ikonischen Heavy Metal Band lancierte.
Das neue Quartett gab ihr Debut 1980 mit Heaven and Hell, ein platin-dekorierter Riesenerfolg, der die Fans sofort vom aktuellen Line Up überzeugte. Während der Tour für das Album verließ Bill Ward die Band und wurde durch Vinny Appice ersetzt.
Sofort nach dem Ende der Tour 1981 ging die Band in LA ins Studio und nahm Sabbath’s 10. Studioalbum,Mob Rules, auf. Veröffentlicht im November 1981 erreichte es sofort den Gold Status. Die Band gab bekannt, dass sie während der Tour einige Shows aufnehmen würde und somit wurde dies das erst offizielle Live Album.
In den Liner Notes, die auf “LIVE EVIL” (40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION) enthalten sind, schreibt Hugh Gilmour: “Die zehn Monate dauernde Mob Rules Tour war unglaublich erfolgreich, die nicht nur die Reputation der Band wieder belebte, sondern auch klar machte, dass größte Venues gefüllt wurden und das Mengen von Vinyl und Kassetten verkauft wurden. Black Sabbath gab ihrem Plattenlabel nicht nur zwei Bestseller, sie waren auf dem direkten Weg, den Dritten zu liefern.”
Live Evil war ein kommerzieller Erfolg, schaffte es in den UK auf Chart No 13 und sogar in die US Billboard Charts auf No 37. In Deutschland erreichte die Platte No 43 und hielt sich 4 Wochen in den Charts. Das UK Magazin Kerrang! urteilte überschwänglich: “eines des größten Live Alben aller Zeiten”
Die Aufnahmen beweisen eine unglaubliche, fast wilde Chemie und auch ein bisschen dunkle Magie, denn diese Black Sabbath Inkarnation begeistert mit Live Songs wie “Neon Knights”, “The Sign Of The Southern Cross”, “Voodoo” und “Children Of The Sea”. Man ehrte live auch das Orignal Line Up geehrt mit den Klassikern: “Paranoid”, “War Pigs”, “Iron Man” und “N.I.B.”
Die Auflösung der neuen Formation kam bereits vor der Album Veröffentlichung: Iommi und Butler machten als Black Sabbath weiter, während Dio und Appice die erste Solo Platte von Dio „Holy Diver“ aufnahmen.
Das war jedoch nicht das Ende, da Dio und Appice sich noch einmal mit Iommi und Butler vereinigten um 1992 Dehumanizer aufzunehmen. Und wieder trennte man sich, kam erneut 2006 zusammen unter dem Bandnamen Heaven and Hell und nahm einige neue Songs auf. Nach einer unglaublich erfolgreichen Tour ging die Band 2009 ins Studio für die Aufnahmen des letzten Studioalbums The Devil You Know und trauriger Weise starb Ronnie James Dio nach dem Release 2010 an Krebs.
Der legendäre kubanische Sänger, Gitarrist und Songwriter Eliades Ochoa kündigt mit „Guajiro“ heute sein brandneues Album an, das am 26. Mai über World Circuit Records erscheinen wird.
Ochoa, der als eines der Gründungsmitglieder des Buena Vista Social Clubs gilt und damals dem Opener „Chan Chan“ des Albumdebüts seine Stimme geliehen und damit zu Weltruhm verholfen hat, geniesst weltweit große Popularität. Seit dem phänomenalen Erfolg von Buena Vista Social Club hat Ochoa neun Alben veröffentlicht, vier Latin Grammys® gewonnen und eine Grammy®-Nominierung (für „Afrocubism“ / 2010) erhalten. Produziert von Demetrio Muñiz und mit Gästen wie Rubén Blades, Joan As Police Woman und Charlie Musselwhite festigt „Guajiro“ seinen Ruf als einer der wichtigsten kubanischen Künstler des letzten Jahrhunderts.
Die erste Single-Auskopplung „Se Soltó Un León“, eine klassische puerto-ricanische Plena mit fulminanten Bläserarrangements, ist ab sofort überall erhältlich: https://worldcircuit.lnk.to/Guajiro oder direkt zum Video:
Wie ebenfalls seit heute bekannt ist, wird Ochoa in diesem Jahr mit „Guajiro“ auf Welttournee gehen – einschließlich einem Auftritt beim renommierten Rudolfstadt Festival am 6.Juli 2023.
Die schroffen Gesichtszüge, der charakteristische Hut, die Cowboystiefel und das kultige Image des „Man in Black“… Die Songs voller Country-angehauchter Weisheiten, die man sich in der Schule des Lebens hart erarbeiten muss und nicht einfach so irgendwo mit einem Haufen Geld kaufen kann. Man braucht nicht lang, um zu verstehen, warum Eliades Ochoa oft als der „Johnny Cash Kubas“ bezeichnet wird. Wenngleich es viele Parallelen gibt, so zeigt sein neues Album „Guajiro“, dass seine Stimme einzigartig ist und er einen ganz eigenen Stil und Sound hat, der tief in der kubanischen Tradition verwurzelt ist, aber eine ebenso zeitlose wie universelle Anziehungskraft besitzt.
Damals – es war das Jahr 1997 – als er als Mitglied des mit einem Grammy® ausgezeichneten Buena Vista Social Clubs zu internationaler Anerkennung gelangte, war Eliades ein junger Mann gewesen. Zwar schon 50 Jahre alt – aber im Vergleich zu den legendären Veteranen Compay Segundo und Ibrahim Ferrer, die schon lange vor seiner Geburt gespielt hatten und mit denen er bei Klassikern wie „Chan Chan“ und „Candela“ ein unvergessliches Gespann bildete, umgab ihn vergleichsweise immer noch ein Hauch von Jugendlichkeit.
Eliades Ochoa
Ein Vierteljahrhundert später ist nun Eliades der Veteran mit einer eigenen legendären Geschichte, und „Guajiro“ präsentiert Kubas ureigensten „Man in Black“ auf eine Weise, wie wir ihn noch nie zuvor gehört haben. Die Songs auf „Guajiro“ – die meisten davon sind Eigenkompositionen – repräsentieren das Intimste und Persönlichste, was Eliades je aufgenommen hat. „Das Album erzählt eine Menge über mich und meine Geschichte“, sagt er. „Es ist tatsächlich die Geschichte meines Lebens, und jeder Song hat eine große Bedeutung für mich.“
Bei der Produktion von „Guajiro“ hat er auf eine Reihe von gleichgesinnten Kollaborateuren zurückgegriffen. Wie beispielsweise der Produzent Demetrio Muñiz, der viele Jahre lang als musikalischer Leiter der Tourneeband fungierte und deshalb eine direkte Verbindung zu Buena Vista darstellt. Aber es gibt auch solche, die vollkommen jenseits der kubanischen Musik wirken, wie der Mississippi-Blues-Mundharmonikaspieler Charlie Musselwhite, die Fania All-Stars-Legende Rubén Blades und die Indie-Rock-Autorin Joan Wasser, die unter dem Namen Joan As Police Woman bekannt ist. „‚Guajiro‘ unterscheidet sich von den Alben, die ich bisher gemacht habe, und führt mich aus meiner Komfortzone heraus“, erklärt Eliades. „Seit vielen Jahren spiele ich traditionellen Son Cubano und wollte an diesem Punkt in meinem Leben etwas anderes machen. Ich habe Kollaborationen schon immer geliebt, wollte offen für andere Rhythmen sein und mit verschiedenen Künstlern zusammenarbeiten.“
Was genau der Auslöser für das späte Erblühen seiner Ambitionen als Songwriter war, weiß er selber nicht genau – außer, dass es da so ein Gefühl gab, dass die Zeit einfach reif, die Inspiration stark war und das Leben ihm Einsichten beschert hatte, die sprichwörtlich danach schrien, der Welt mitgeteilt werden zu wollen. „Es ist eine andere Phase in meinem Leben als zu der Zeit, als wir Buena Vista machten“, wagt er den Versuch einer Erklärung. „Compay und Ibrahim kamen mit einem immensen Background daher und vielen Geschichten – das Album mit ihnen zu machen, öffnete mit einem Mal Türen zur ganzen Welt. Und jetzt fühlt es sich für mich nach dem richtigen Zeitpunkt an, um meine eigenen Geschichten zu erzählen. Diese Lieder liegen mir wirklich sehr am Herzen. Man könnte sagen, es ist mein Manifest.“
Mit der Veröffentlichung des Albums „Guajiro“ wird seiner außergewöhnlichen Karriere nun ein neues, faszinierendes Kapitel hinzugefügt, das alle Fäden und Stränge seines geschichtsträchtigen Lebens und Schaffens zu einem fesselnden persönlichen Testament verwebt, das einerseits seine Vergangenheit feiert und aber gleichzeitig auch ambitioniert seine Musik in gänzlich neue Gefilde führt.
ALBUM „GUAJIRO“ TRACKLISTING Vamos a Alegrar el Mundo
Soy Guajiro
Creo en la Naturaleza (feat. Joan As Police Woman)
Pajarito Voló (feat. Rubén Blades)
Ando Buscando una Novia
Abrazo de Luz
Anita Tun Tun Tun
Canto Para Ti Guajira
Se Soltó Un León
West (feat. Charlie Musselwhite)
Los Ejes de Mi Carreta
BMG kündigt nächste Veröffentlichung aus der ‚MONTREUX YEARS’-Reihe an. Eine Auswahl der faszinierendsten Live-Auftritte von PACO DE LUCÍA beim MONTREUX JAZZ FESTIVAL aus den Jahren 1984 – 2012
PACO DE LUCÍA: THE MONTREUX YEARS
Inklusiv Linernotes von JOHN MCLAUGHLIN und seltene Fotos von PACO DE LUCÍA aus seiner Zeit in Montreux
Die BMG freut sich, mit „Paco De Lucía: The Montreux Years“ heute die nächste Veröffentlichung aus der The Montreux Years-Reihe anzukündigen, die am Freitag, den 24. Februar 2023 erscheinen wird und ab sofort vorbestellt werden kann. Das neue Album enthält eine Sammlung der besten Live-Auftritte von Paco De Lucía beim Montreux Jazz Festival zwischen 1984 und 2012. Wunderschön aufbereitet und neu gemastert, wird „Paco De Lucía: The Montreux Years“ in verschiedenen Formaten erhältlich sein – unter anderem als hochwertiges audiophiles schwergewichtiges-Vinyl, als CD in MQA-Qualität und HD-Digital.
Paco De Lucía ist einer der berühmtesten und meistgefeierten Flamenco-Gitarristen der Welt. Er trug wesentlich dazu bei, dass sich Flamenco-Musik heute in der ganzen Welt großer Beliebtheit erfreut und war einer der ersten Flamenco-Gitarristen, der sein Genre für andere Musikstile wie Klassik und Jazz öffnete und sie erfolgreich miteinander verschmolz. Charakteristisch für die Kompositionen von De Lucía, der von Eric Clapton als „ein wahrer Titan in der Welt der Flamenco-Musik“ beschrieben wurde, waren seine schnellen und fließenden Picados, die abstrakten Akkorde und Tonleitertöne und Einflüsse aus dem Jazz. Mit diesen Innovationen spielte er eine Schlüsselrolle in der Entwicklung des traditionellen Flamenco und der neuen Flamenco-Jazz-Fusion. Im Alter von gerade mal 18 Jahren nahm De Lucía in Madrid sein erstes Album „La Fabulosa Guitarra“ auf. Die Verbindung mit dem spanischen Sänger Cameron de la Isla brachte in den 1970er Jahren zehn Alben hervor, die eine neue Flamenco-Bewegung initiierte und gilt als einer der bedeutendsten und wichtigsten musikalischen Partnerschaften in Paco de Lucías Karriere.
Der dank seines großen musikalischen Einflusses zu den größten Musikexporten Spaniens zählende Ausnahmekünstler wurde 2004 mit dem renommierten Asturias-Preis für Kunst als „universellster Flamenco-Künstler“ ausgezeichnet. Nach seinem Tod im Jahr 2014 erhielt Paco De Lucía für sein letztes Album „Canción Andaluza“ einen Latin Grammy® Award für das beste Flamenco-Album und das Album des Jahres.
Im Laufe seiner illustren Karriere spielte Paco De Lucía viele Male beim Montreux Jazz Festival und gilt auch heute noch als einer der legendärsten Musiker, die auf dem weltweit populären Schweizer Festival aufgetreten sind. Die für das Album handverlesenen Performances wurden aus acht Konzerten zwischen den Jahren 1984 und 2012 ausgesucht. „Paco De Lucía – The Montreux Years“ fasst beginnend mit der Live-Performance von „Vámonos“ aus dem Jahr 2012 seine Zeit beim Festival auf spektakuläre Weise zusammen.
Fans des Flamenco-Pioniers haben mit dieser Veröffentlichung die einzigartige Möglichkeit, in eben jene Klänge eintauchen, die De Lucías Karriere immens geprägt haben – darunter eine seiner bekanntesten Aufnahmen „La Barrosa“ aus dem Album „Siroco“ (1987). Weitere Titel wie „Solo Quiero“, „El Tesorillo“ und „Buana Buana King Kong“ vertiefen das Repertoire des Meisters auf „Paco De Lucía: The Montreux Years“ weiter. Das Album enthält neben der Musik brandneue Linernotes von John McLaughlin, einem engen Freund und musikalischen Partner („Guitar Trio“), sowie eine Reihe rare Fotos von Paco De Lucías Montreux-Konzerten. Auch John McLaughlin hat bereits ein Album im Rahmen der ‚The Montreux Years‘-Reihe veröffentlicht.
John McLaughlin sagt:„Im Zusammenhang mit Paco de Lucía sind viele Superlative gefallen, und sie sind alle wahr. Ich bin weder Spanier noch spiele ich Flamenco-Musik, aber nach Hunderten von Konzerten mit Paco und Al Di Meola als ‚Guitar Trio‘ oder auf unseren gemeinsamen Tourneen fühle ich mich geehrt und qualifiziert, über einen der besten Freunde meines Lebens zu schreiben. Paco war nicht nur ein Genie auf der Gitarre, sondern auch ein außergewöhnlicher Mensch. Er konnte keine Noten lesen, aber ich habe noch nie einen Musiker mit einem so tadellosen Gehör getroffen. Vor allem seine Neugier und sein unstillbarer Durst nach tieferem musikalischen Wissen und Erfahrung ermöglichte es ihm, die Grenzen der musikalischen Traditionen der Flamenco-Musik zu erweitern. In fast jedem Flamenco-Gitarristen von heute ist Pacos Einfluss zu hören.“
Die im Jahr 2021 gelaunchte „The Montreux Years“-Serie fängt den Geist des Montreux Jazz Festivals ein und ist das Vermächtnis seines beliebten Gründers Claude Nobs. Nobs lehnte Kompromisse bei der Qualität konsequent ab und gab sich mit nichts anderem als dem Besten zufrieden – ein Ethos, der auch bei den im Rahmen der „The Montreux Years“-Reihe veröffentlichten Aufnahmen oberste Priorität hat. Das Mastering erfolgte in den legendären Metropolis Studios in London unter der Hand von Tony Cousins, wobei MQA verwendet wurde, um den Original-Sound der besonderen Live-Auftritte einzufangen.
„Paco De Lucía – The Montreux Years“ erscheint am Freitag, den 24. Februar und kann ab sofort vorbestellt werden. Es ist die achte Veröffentlichung der Reihe, die mit den musikalischen Superstars Nina Simone und Etta James begann und mit Marianne Faithfull, Muddy Waters, John McLaughlin, Chick Corea oder auch Monty Alexander fortgesetzt wurde. Insbesondere fanden die beiden Alben „Nina Simone: The Montreux Years“ und „John McLaughlin: The Montreux Years“ großes Lob von der Kritik, wie beispielsweise von der New York Times und JazzFM, und konnten sich 2021 auf Platz 1 der offiziellen UK Jazz & Blues-Charts positionieren.
LP TRACKLISTING PACO DE LUCÍA: THE MONTREUX YEARS
Side A
„Vámonos“ (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
„La Barrosa“ (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
Side B
„Solo Quiero“ (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
„Alta Mar“ (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
Side C
„El Tesorillo“ (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
„Buana Buana King King“ (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
Side D
„Variaciones de Minera“ (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
„Zyryab“ (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
CD TRACKLISTING PACO DE LUCÍA: THE MONTREUX YEARS
Vámonos (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
La Barrosa (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
Solo Quiero (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
Alta Mar (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
El Tesorillo (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
Buana Buana King King (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
Variaciones de Minera (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
Zyryab (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
PACO DE LUCIA: THE MONTREUX YEARS 1CD, 2LP, Digitale Formate VÖ: 24.2.2023
ALI FARKA TOURÉ – NEUES ALBUM „VOYAGEUR“ ERSCHEINT AUF WORLD CIRCUIT AM 10. MÄRZ 2023
ERSTER RELEASE SEIT DES 2010 MIT DEM GRAMMY® AUSGEZEICHNETEN „ALI & TOUMANI“ – VIDEO ZUM NEUEN TRACK ‚SAFARI’
Am 10. März veröffentlicht das Label World Circuit Records mit „Voyageur“ ein neues Album des legendären afrikanischen Gitarristen und Sängers Ali Farka Touré. Es ist die erste Veröffentlichung von bislang ungehörtem Touré-Material seit seines posthum mit einem Grammy® ausgezeichneten Albums „Ali & Toumani“ aus dem Jahr 2010. „Voyageur“ ist eine einzigartige Sammlung echter Perlen, die zu ganz unterschiedlichen Zeitpunkten innerhalb von Alis glanzvoller Karriere aufgezeichnet wurden. Das von Nick Gold (World Circuit) zusammen mit Alis Sohn Vieux Farka Touré produzierte Album enthält unter anderem drei Tracks, auf dem auch die Sängerin und malischer Superstar Oumou Sangaré zu hören ist. Das außergewöhnliche Werk unterstreicht einmal mal mehr Alis Status als weltweit verehrte Legende der afrikanischen Musik. „Voyageur“ wird auf 180 Gramm Vinyl, CD und digital erhältlich sein.
Der erste Song daraus, „Safari“ ist bereits ab sofort überall erhältlich und hier zu hören:
Die im Laufe von 15 Jahren zum Teil spontan auf der Straße und im Studio zwischen den Sessions für andere Alben aufgenommenen Songs auf „Voyageur“ hatten für Ali allesamt eine immens große persönliche Bedeutung. Sie spiegeln nicht nur sein leidenschaftliches Engagement für die Kreativität, sondern auch die kulturelle Vielfalt seiner Heimat wider. Sie sind Ausdruck für ein Leben, das er als Reisender – als ‚Voyageur‘ – zwischen den Bühnen in der Wüste von Timbuktu, den Studios von West Hollywood, den Konzertsälen von London und Tokio und den winzigen Dörfern am malischen Flussufer verbracht hat, wo natürlich jeder einzelne wusste, wer Ali war.
Kein afrikanischer Musiker hat in seiner Heimat und in der internationalen Öffentlichkeit einen so nachhaltigen Eindruck hinterlassen wie Ali Farka Touré – der große malische Gitarrist, Sänger und geistige Vater des Desert Blues. Angefangen von der mit einem Grammy® ausgezeichneten Kollaboration mit Ry Cooder und dem Kora-Meister Toumani Diabaté bis hin zu den düsteren Lo-Fi-Aufnahmen, die in seinem abgelegenen Heimatdorf entstanden – es ist vor allem Alis unnachahmliche Stimme und sein fast hypnotisch wirkendes Gitarrenspiel, die seinen Songs eine besondere Intensität und Autorität verleihen, die unabhängig von Märkten, Trends oder auch Genres wirken. Und auch als Person wurde Ali seiner Musik mehr als gerecht, war er doch eine imposante, ja beinahe königliche Erscheinung stets mit einem herrlichen Lächeln, einem schelmischen Sinn für Humor und einem unerschütterlichen Selbstvertrauen. Auch sechzehn Jahre nach seinem Tod bleibt Ali Farka Touré eine überragende Figur, neben Jimi Hendrix und Fela Kuti eines der wenigen wirklich großen Talente, deren Charisma auch nach ihrem Tod so hell brennt, wie zu Lebzeiten und deren Musik für alle Zeit lebendig und relevant sein wird.
Alis Zauber ist auch heute noch ungebrochen und inspiriert Zuhörer auf der ganzen Welt – darunter eine Vielzahl illustrer bekennender Bewunderer, wie beispielsweise Robert Plant, der Schauspieler Matthew McConaughey, der seinen berühmten Summgesang in dem Film „Wolf of Wall Street“ einem von Alis Rhythmen nachempfunden hat oder auch die texanische Indie-Rockband Khruangbin, die erst kürzlich gemeinsam mit seinem Sohn Vieux eine Sammlung von Alis Songs aufgenommen hat.
Mit den reduzierten, hypnotischen Grooves in dem für Ali charakteristischen und unverkennbarem Sonrhaï-Stil, den hymnischen von Fischerleuten inspirierten Refrains, den pulsierenden Rhythmen eines Jägers gleich, einer afrikanischen „Noise-Band“ aus Reverb-beladenen Gitarren und Lauten („Kombo Galia“) repräsentiert „Voyageur“ ein wahres Vermächtnis – einen geheimen Schatz an Songs, den Ali im Laufe seiner langen und abwechslungsreichen Karriere erschaffen hat und wirft ein neues Licht auf sein außergewöhnliches und zugleich rätselhaftes Talent.
Auch „Safari“ („Medizin“) ist einer von Alis Klassikern, der in der typischen Sonrhaï-Manier daherkommt. Seine aufgeladene Stimme wird von einem treibenden Kalebassen-Rhythmus und dem beinahe geisterhaften Surren einer Fula-Flöte unterstrichen, während sich Ali damit rühmt, dass er in Besitz der ‚Medizin‘ ist, um ‚schlechtes Verhalten‘ zu heilen und das Wissen darum, wie man sie anwendet. Das einsaitige Riffing der Djerkel-Gitarre, die auch vor allem bei Zeremonien zur Geisteraustreibung Verwendung findet, wird auf eine offen klingende E-Gitarre übertragen. In „Cherie“ („Darling“), einem der drei Stücke, bei denen Ali von der großen Diva Oumou Sangaré aus dem westafrikanischen Wassoulou begleitet wird, verleiht die Kamelngoni – die Harfe des Jägers – Alis schlüpfrigem Gitarrenriff einen wunderbar elastischen Schwung, während beide Stimmen in perfekter Harmonie zueinander erklingen. „Sambadio“, ein Fula-Loblied auf die Bauern, ist gleich in zwei Versionen zu hören: zum einen akustisch mit einem herrlich entspannten Lagerfeuer-Feeling, angetrieben durch das eindringliche Zupfen der Ngoni-Meisters Bassekou Kouyate und Mama Sissoko; und zum anderen als elektrische Variante mit einem fantastischen jazzigen Saxophon-Arrangement von Pee Wee Ellis, der unter anderem ein ehemaliges Bandmitglied von James Brown war. „Sadjona“ („Die Last des Schicksals“) ist ein traditionelles Lied für Wassoulou-Jäger, das Oumou Sangaré spontan während eines Mikrofonchecks zu einem Lobgesang auf Ali umfunktionierte. Die beschwörende Dringlichkeit ihres Gesangs durch einen fast hüpfend wirkenden Kamelngoni-Groove auf fantastische Weise in Schwung gebracht, fließt ein bewegender Saxophonpart in den Mix ein und verwandelt es in einen dieser inspirierenden, wie zufällig entstehenden musikalischen Momente, die zu hören ein absolutes Privileg ist.
All diese Songs wurden von Ali über einen Zeitraum von 25 Jahren sparsam und manchmal scheinbar sogar etwas widerwillig an den Produzenten Nick Gold herausgegeben, der sie als Teil eines ‚kostbaren Privatarchivs‘ beschreibt. Doch Ali Farka Touré wusste genau, was er tat: Indem er diese Songs nach und nach an Gold weitergab, würden sie eines Tages, so Gott es will, ein weltweites Publikum erreichen; doch Ali hielt die Dinge gerne auf Messers Schneide. Einige dieser Songs wurden ganz spontan und scheinbar willkürlich mal eben so zwischen den Aufnahmen anderer Lieder eingespielt. Zum Glück liefen die ganze Zeit die Aufnahmebänder, sonst wäre ein Großteil der Musik auf diesem wundervollen Album vielleicht nie zu hören gewesen.
DeWolff veröffentlichen mit “Night Train” einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023
Die niederländische Rockband DeWolff hat die nächste Single und den Eröffnungstrack ihres neuen Albums „Love, Death & In Between“ veröffentlicht, das am 3. Februar über Mascot Records / Mascot Label Group erscheint.
“Night Train“ erinnert an klassische Hits wie „Love Train“ von The O’Jays und ist ein fröhlicher Kracher, der geschickt psychedelischen Southern Rock mit klassischem Soul und R&B mischt.
Offizielle Musikvideo zu „Night Train“:
„Night Train“ ist hier erhältlich: https://lnk.to/DeWolff „Night Train“ folgt auf die vorherigen Singles “Counterfeit Love“, das die Band als das Zeppelin-eskeste Ding, das wir je aufgenommen haben“ bezeichnete, und “Heart Stopping Kinda Show“, das veröffentlicht wurde, kurz nachdem die Band eine 13-tägige Tour mit The Black Crowes auf dem europäischen Festland beendet hatte.
Die Band wird ab 2023 mit Shows in den Niederlanden, Deutschland, Spanien, Frankreich und Großbritannien starten.
DeWolff sind keine Band, die stillsitzt. Sie gedeihen durch ständige Bewegung. Von psychedelischen Southern-Rock-Kriegern zu Abgesandten des Soul. In den letzten vier Jahren haben sie fünf Alben veröffentlicht, wobei 2021s Wolffpack ihr bestes Album wurde, das in ihrer Heimat auf Platz 2 der Charts landete und nur durch die Foo Fighters wurde ihnen der Spitzenplatz streitig gemacht.
‚Love, Death & In Between‘ ist eine Reaktion auf ihre beiden vorherigen Studioalben. ‚Tascam Tapes‘ wurde unterwegs mit einem Vierspur-Kassettenrekorder aus den 1980er Jahren aufgenommen. ‚Wolffpack‘ wurde im Pandemie Jahr mit Social Distance in ihrem Utrechter Electrosaurus Southern Sound Studio aufgenommen.
DeWolff veröffentlichen mit „Night Train“ einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023
„Ich liebe die kontrollierte Umgebung des Studios“, sagt Pablo. „Aber normalerweise verbringen wir einen Monat oder ein paar Wochen im Studio, dann gehen wir auf Tour, und dann herrscht Chaos. Das sind verrückte Sachen, Improvisation, Leute, die auf deine Musik reagieren, und du reagierst auf sie. Das ist es, was wir vermisst haben. Wir haben uns am Ende der Corona-Zeit so sehr danach gesehnt. So entstand die Idee zu dieser neuen Platte. Wir wollten etwas mit Menschen machen, mit so vielen Menschen wie möglich.“
Bei einem Besuch in Memphis wurde Pablo buchstäblich vom Blitz getroffen. „2019 besuchte ich eine Predigt von Al Green in seiner eigenen Kirche, und das war eine lebensverändernde Erfahrung, musikalisch gesehen“, erinnert sich Pablo.
„Ich war buchstäblich eine Minute da drin und habe geweint. Ich habe die ganze Predigt über geweint, weil sie so schön war. Er sprach über jemanden, der seine Rechnungen nicht bezahlen kann, und er sagte: ‚Ich rufe den allmächtigen Retter an, um ihr zu helfen, und das wurde mit einer Runde von ‚Yeaaah! Yeaaah’s!‘ und die Band spielte nur zwei Akkorde, und es war so schön. Das hat mich zutiefst berührt. Es hat einen tiefen Eindruck bei mir hinterlassen. Ich wollte so etwas unbedingt bei einer Live-Show machen, aber wir hatten keine Songs, in die es gepasst hätte. Als wir dann anfingen, neue Songs zu schreiben, dachte ich mir: Ja, lass uns so etwas machen. Eine sehr einfache Akkordfolge, aber mit dieser fast religiösen Erfahrung. Denn schließlich ist Musik für uns wie eine Religion. Sie ist etwas, das wir ständig im Kopf haben. Es ist etwas, dem wir unser ganzes Leben widmen.“
Im Mai 2022 fuhren sie nach Loguivy-Plougras in der Bretagne, welches das analoge Studio Kerwax (https://www.kerwax.com/museum/) beheimatet. „Wir dachten, wir sollten uns auf ein Abenteuer einlassen“, sagt er. Im Nordwesten Frankreichs gelegen und von Wäldern umgeben, zogen sie sich in das atemberaubende Wohnstudio zurück, das von Vintage-Aufnahmegeräten aus den 1940er bis 1970er Jahren umgeben ist.
Die Brüder Pablo (Gitarre/Gesang) und Luka van de Poel (Schlagzeug/Gesang) sowie Robin Piso (Hammond/Wurlitzer) nahmen die Aufnahmen live und ohne Overdubs auf und wurden dabei von zahlreichen Freunden unterstützt. „Wir haben zusätzliche Leute mit nach Frankreich gebracht. Mit zehn Leuten in einem Raum zu spielen ist chaotisch. Bei jedem Take, den man macht, ist jemand nicht damit zufrieden, wie er spielt. Aber man erkennt, worauf es bei einem Take ankommt“.
Alles wurde komplett analog und direkt auf Band aufgenommen, bei der Herstellung des Albums wurden keine Computer verwendet. Die Bänder wurden dann zu einem Mastering-Ingenieur geschickt, der den Lackschnitt für die Vinylpressung herstellte – auch dieses Mastering und der Schnitt erfolgten vollständig analog (https://www.vinylherstellung.de/vinyl-pressung/).
Die Themen wurden teilweise von Romanen amerikanischer Autoren des 20. Jahrhunderts inspiriert, die Pablo während der Pandemie gelesen hatte. Besonders John Steinbecks ‚Tortilla Flat‘, ein Schelmenroman von 1935. „Es gibt ein Zitat von ihm: ‚Die gute Geschichte liegt in halb erzählten Dingen, die aus der eigenen Erfahrung des Hörers ausgefüllt werden müssen‘, und das war etwas, was ich mit den Texten auf dieser Platte wirklich tun wollte.“
Zur gleichen Zeit tauchte die Band tief in alte Soul- und R&B-Platten ein – Sam Cooke, The Impressions, The Coasters, The Clovers, Ray Charles und Little Richard – sowie in eine kräftige Dosis Gospel – The Soul Stirrers, Al Green und frühe Platten von The Staple Singers.
Einige Songs auf dem Album tragen ihr Herz auf der Zunge, wie z.B. „Counterfeit Love“, während das 16-minütige Epos „Rosita“ ihre Entwicklung zeigt. „Wie ich jetzt schreiben möchte, spiegelt sich in Songs wie diesem wider“, sagt er. „Ich wollte, dass sich diese Texte wie eine Geschichte anfühlen, aber auch wie eine Reise in sich selbst“, erklärt er. Was als kleine Geschichte über eine Highschool-Liebe beginnt, explodiert zu einer Geschichte über die Göttin der Liebe und des Todes, die in „The Queen of Space and Time“ mündet. „Es ist dieselbe Person. Es geht um diese gottähnliche weibliche Figur, die alle Arten von verrückten, dunklen Dingen kontrolliert. Bei Rosita kann man nur mit ihr zusammen sein, wenn man schläft oder tot ist, es ist also eine Kombination aus Liebe und Tod. Daher kommt auch der Name des Albums.“
‚Heart Stopping Kinda Show‘ ist ein weiterer vielseitig interpretierbarer Song: „Es geht darum, wie ich das Leben sehe“, sagt er. „Das Leben ist eine herzzerreißende Art von Show. Ich habe mit ‚Tortilla Flat‘ (John Steinbeck Roman von 1935) im Hinterkopf geschrieben. Diese Charaktere denken nicht ständig über alles nach; sie leben, trinken Wein und haben diese schönen Momente. Sie führen das ultimative Leben. In dem Song wollte ich die Dinge im Leben beschreiben, die schön sind.“
‚Will o‘ the Wisp‘ hat eine verführerische Düsternis, während Songs wie ‚Night Train‘, ‚Message for my Baby‘ und ‚Wontcha Wontcha‘ fröhliche Gassenhauer sind.
DeWolff verließ die ländliche Umgebung der Bretagne mit zwölf Songs, die auf vier Bändern aufgenommen wurden, mit Freunden, die Spaß hatten und sich an das erinnerten, was ihnen am wichtigsten ist. Mit einer Mischung aus Al Green, Sam Cooke und John Steinbeck haben sie einige ihrer gefühlvollsten und mitreißendsten Songs geschaffen. Wenn sie singen: „Hey there baby won’t you come on in, I got plenty old records that we can play, some rhythm & blues some old rock ’n roll, yes the type of stuff that can save a soul“, sollte man sich fallen lassen und sich von DeWolff zurück in die Zeit versetzen lassen.
Weiter aktuell…
Video zu„Heart Stopping Kinda Show“:
Track Pre-Listening“Counterfeit Love”:
Tour Dates 2023:
03 Feb – Effenaar Eindhoven, NETHERLANDS
04 Feb – Muziekgieterij, Maastricht, NETHERLANDS
09 Feb – Annabel, Rotterdam, NETHERLANDS
11 Feb – Tivoli Vredenburg, Utrecht, NETHERLANDS
13 Feb – Fraanz Club, Berlin, GERMANY
14 Feb – Bahnhof Pauli, Hamburg, GERMANY
16 Feb – De Oosterpoort, Groningen, NETHERLANDS
17 Feb – Doornroosje, Nijmegen, NETHERLANDS
22 Feb – Factoria Cultural, Avilés, SPAIN
23 Feb – Sala Mon, Madrid, SPAIN
24 Feb – Rock & Blues Café, Zaragoza, SPAIN
25 Feb – Upload, Barcelona, SPAIN
26 Feb – Kafe Antzokia, Bilbao, SPAIN
28 Feb – La Maroquinerie, Paris, FRANCE
02 Mar – 100 Club, London, UK
Heute veröffentlichen BLACK STONE CHERRY – Chris Robertson (lead vox/guitar), Ben Wells (guitar/bkg vox), Drummer John-Fred Young (drums/bkg vox) und der ’neue‘ Bassist Steve Jewell Jr. (ex-Otis) – ihr mit Spannung erwartetes achtes Studioalbum ‚Screamin‘ At The Sky‘ über Mascot Records. Passend zum Erscheinen des Albums hat die vierköpfige Band aus Kentucky ein Video zum Song ‚When The Pain Comes‘ veröffentlicht.
Die Band über den Song: „When The Pain Comes‘ ist ein Song, in dem es darum geht, sich mit seinem inneren Schmerz auseinanderzusetzen und sich nicht von ihm kontrollieren oder vereinnahmen zu lassen. Manchmal müssen wir uns selbst unter Druck setzen, um herauszufinden, wer wir sind, und immer bereit sein, uns allen Hindernissen zu stellen, die uns in den Weg gelegt werden. Unser Teil des Videos wurde in Nashville, TN, vor einem Greenscreen gedreht, und es war großartig, wieder mit Kyle Loftus zu arbeiten, der auch unser Video für ‚Nervous‘ gedreht hat. Das Video ist großartig geworden, dank seiner unglaublichen Arbeit und einer tollen Performance von Audrey Kremer.“
“Screamin‘ At The Sky“ ist auf weißem Vinyl, als limitiertes Deluxe-Vinyl-Box-Set (bereits ausverkauft), als Standard-CD und in digitalen Formaten erhältlich.
Das letzte Album von BLACK STONE CHERRY, „The Human Condition“, das im Oktober 2020 veröffentlicht wurde, war ihr sechstes Nummer-1-Debüt in den UK Rock Albums Charts in Folge.
