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Musik

VANDENBERG neues Album „SIN“

DIE BAND VANDENBERG KÜNDIGEN DIE VERÖFFENTLICHUNG DES NEUEN STUDIOALBUMS MIT DEM TITEL „SIN“ FÜR DEN 25. AUGUST 2023 AN

Aktuell präsentiert die Band um Gitarrist Adrian Vandenberg ein Lyric-Video zum Titeltrack „Sin“, das hier angeschaut werden kann:

Album-Vorbestellung können hier gemacht werden: https://lnk.to/vandenberg

Adrian Vandenberg über den Song: „Sünde / Sin. Nur ein kleines Wort mit drei Buchstaben, aber eines mit einer sehr umfassenden Bedeutung. Alles, was zwischen einer kleinen Notlüge und einem Mord liegt. Also verdient es einen kraftvollen, schweren, epischen Song, um ihm gerecht zu werden.“

Die erste Singleauskopplung „House On Fire“ kann hier angehört werden:

Adrian Vandenberg erzählt: „Wie jede andere Band oder Künstler waren wir gezwungen, uns zurückzuhalten, als wir uns in einem dieser Hollywood-Filme im Stil von ‚Outbreak‘ in den letzten Covid-Jahren wiederfanden. Ohne für eine Rolle vorgesprochen zu haben. Du wirst verstehen, dass wir unbedingt mit einem lauten Knall aus den Ställen ausbrechen wollten, also dachten wir, es wäre mehr als angemessen, die Welt mit dem neuen Track House On Fire“ in Brand zu setzen!

Jedes Album malt ein Bild. Statt mit Pinsel und Leinwand malt Vandenberg mit gewaltigem Gesang, erdbebenartigen Rhythmen und den ikonischen und sofort erkennbaren Laubsägearbeiten von Gitarrist und Namensgeber Adrian Vandenberg.

Zusammen mit Sänger Mats Levén, Schlagzeuger Koen Herfst und Bassist Randy van der Elsen liefert der einflussreiche Axtschwinger auf dem fünften Album der Gruppe, SIN [Mascot Label Group], eine lebendige und vitale Vision, die in breiten Strichen von hymnischem Hard Rock zum Leben erweckt und von Bob Marlette [Ozzy Osbourne, Alice Cooper, Rob Zombie] produziert wurde.

„Für mich ist Musik wie ein Gemälde“, bekräftigt Adrian. „Man hat seine Höhen, Tiefen, Lichter und Schattierungen. Bei einem Song möchte man vielleicht auf den Tisch springen und ausgelassen feiern. Ein anderer Song wird dich zum Nachdenken anregen.

So oder so wird man in eine Landschaft hineingeworfen, was meine Lieblingsalben für mich immer noch tun. Du könntest im Auto sitzen oder zu Hause mit deinen Kopfhörern an ein Soundsystem angeschlossen sein, und du wärst in einer anderen Welt.“

Das niederländische Phänomen, das 1982 mit dem selbstbetitelten Album Vandenberg aus den Niederlanden auf die Weltbühne trat, landete mit „Burning Heart“ einen internationalen Hit und ebnete den Weg für bahnbrechende Veröffentlichungen wie Heading For A Storm [1983] und Alibi [1985].

Die Band trat in den Vereinigten Staaten, Europa und Japan an der Seite von Ozzy Osbourne, Kiss, Rush, Scorpions, Michael Schenker und vielen anderen auf. Adrian wurde Mitglied von Whitesnake und übernahm 1987 die legendäre Gitarrenarbeit bei der Aufnahme des Nr.-1-Hits „Here I Go Again“, der das mit 8-fachem Platin ausgezeichnete Whitesnake-Album zierte.

Er war Co-Autor des 1989er Platin-Albums Slip of the Tongue und teilte sich auf der darauffolgenden Tournee die Gitarrenparts mit keinem Geringeren als Steve Vai.

Er spielte nicht nur Gitarre bei Restless Heart von David Coverdale & Whitesnake und war auch als Co-Autor tätig, sondern absolvierte als Teil der Band zwölf Jahre lang Hunderte von Konzerten.

Ein Beleg für die Bandbreite seines Schaffens ist der Song „A Number One“, den er als Titelmelodie für den niederländischen Fußballverein FC Twente geschrieben und aufgenommen hat. 2013 gründete er die Band Vandenberg’s MoonKings und veröffentlichte MoonKings [2014], MK II [2017] und Rugged and Unplugged [2018].

Ein Beleg für die Bandbreite seines Schaffens ist das Lied „A Number One“, das er als Titelmelodie für seine niederländische Heimatmannschaft FC Twente geschrieben und aufgenommen hat.

2013 gründete er die Band Vandenberg’s MoonKings und veröffentlichte mit ihnen die drei Alben MoonKings [2014], MK II [2017] und Rugged and Unplugged [2018].

Mit dem Comeback-Album 2020 erwachte die Band Vandenberg zu neuem Leben. Neben vielen anderen Highlights erreichte „Freight Train“ 1,6 Millionen Spotify-Streams, und die Platte wurde hochgelobt. Sonic Perspectives schwärmte: „Das Endergebnis klingt wie das fehlende Bindeglied zwischen Whitesnake und Rainbow und aktualisiert den Sound der Gruppe für eine neue Generation von Hardrock-Fans.“

Zum Eintritt von Mats [Trans-Siberian Orchestra, Yngwie Malmsteen] in der Band: „Er ist ein fantastischer Sänger“, bemerkt Adrian. „Ich hatte ihn online gehört und wir kamen in Kontakt. Es ist lustig, denn seine Mutter brachte die ersten beiden Vandenberg-Platten aus England mit nach Skandinavien, als er Anfang zwanzig war – und er war ein Fan. Er ist ein Workaholic wie ich. Wir haben nach COVID weitergemacht und das neue Album zusammengebaut. Der Funke ist definitiv da. Dazu kommt, dass Koen und Randy das solideste, groovende Fundament legen, das ich mir nur wünschen kann. Ich würde sagen, es ist noch eine Stufe härter als 2020“, lächelt er.

Sin wurde in Holland und Los Angeles mit Marlette aufgenommen und stellt eine natürliche Entwicklung für Vandenberg dar. Die erste Single „House On Fire“ wird von brennenden Pinch-Harmonien erhellt, während der Groove einen singbaren Refrain von Mats unterstreicht.

„In gewisser Weise ist es ein Partysong, denn er lässt dich mit dem Fuß wippen“, sagt Adrian. „Mats hat mit seinem Text eine andere, dunklere Richtung eingeschlagen. Es geht auch um eine Person, die frustriert ist über die Dinge, die andere Menschen haben. Diese Person kann ihre Wut nicht kontrollieren und setzt das Haus in Brand.“

Die komplette Trackliste umfasst „Thunder And Lightning“, „House On Fire“, „Sin“, „Light It Up“, „Walking On Water“, „Burning Skies“, „Hit The Ground Running“, „Baby You’ve Changed“ und „Out Of The Shadows“. Erhältlich in den Formaten Green LP, CD und Digital.

Mehr Infos:
www.vandenbergband.com
www.facebook.com/vandenbergbandofficial
www.instagram.com/vandenbergband/
www.twitter.com/vandenbergband/
www.youtube.com/@Vandenberg_Official

Musik

MOTÖRHEAD ‘LIVE AT THE MONTREUX JAZZ FESTIVAL 2007’

MOTÖRHEAD ‘LIVE AT THE MONTREUX JAZZ FESTIVAL 2007’ – ein einzigartiges, bisher unveröffentlichtes Motörhead Konzert (VÖ 16. Juni 2023/BMG)

Wie allen bekannt ist, liebte Motörhead es, live für ihre Fans zu spielen. Jeder war willkommen und natürlich auch die Leute, die eigentlich Jazz lieben. Und als das Montreux Festival Motörhead anfragte, hat es irgendwie totalen Sinn gemacht: anders, einzigartig, eine ganz andere Location, ehrend und aufregend dabei zu sein.

Auch das Festival überschritt mit dieser Einladung Grenzen hinsichtlich der Musik, die dem Festival den Namen gab.  Es mag wagemutig erscheinen, wenn man die Liste der Künstler betrachtet: neben Dexter Gordon gab es auch Deep Purple oder ZZ Top und dann donnernd, laut Motörhead. Wahrscheinlich ist es genau das, was dem Festival seine Attraktivität gab und damit in die Geschichte einging und es für die Wertschöpfung der Künste 2013 mit dem ‚UNESCO Heritage Status‘ belohnt wurde.

Aufgenommen wurde dies Montreux Show am 7. Juli 2007 während der ‘Kiss Of Death’ Tour im legendären Auditorium Stravinski und überzeugt mit der Leistung des perfekten und potenten Trios: Lemmy Kilmister, Phil Campbell und Mikkey Dee. Und das nicht nur mit der etwas anderen Setlist, sondern auch mit der Kraft und dem Besonderen, was Motörhead legendär machte und sie es live immer wieder beweisen konnten.

Dieses Konzert beinhaltet den ersten offiziellen Release ihres Covers Thin Lizzy’s ‘Rosalie’, ein lautes, kraftvolles Bonbon im Motörhead Stil!

Hier der Link zum Video des sensationellen Motörhead Covers…

Thin Lizzy’s ‘ROSALIE’:

Pre-Order und exklusiver Merch: https://motorhead.lnk.to/montreuxPR

Motörhead „Live At The Montreux Jazz Festival ’07“ wird in Doppel- Vinyl, als Doppel-CD und digital veröffentlicht.

LP und CD Tracklisting:

1. Snaggletooth
2. Stay Clean
3. Be My Baby
4. Killers
5. Metropolis
6. Over The Top
7. One Night Stand
8. I Got Mine
9. In The Name Of Tragedy
10. Sword Of Glory
11. Rosalie
12. Sacrifice
13. Just ‘Cos You Got The Power
14. Going To Brazil
15. Killed By Death
16. Iron Fist
17. Whorehouse Blues
18. Ace Of Spades
19. Overkill

www.imotorhead.com

Musik

DR JOHN: THE MONTREUX YEARS

BMG und das Montreux Jazz Festival haben heute mit der Ankündigung der Veröffentlichung von „Dr. John: The Montreux Years“ am 02. Juni 2023 die Fortsetzung der beliebten Montreux Years-Reihe besiegelt.

Die neue Veröffentlichung ist eine handverlesene Sammlung von Dr. Johns besten und schönsten Auftritten beim Montreux Jazz Festival zwischen den Jahren 1986 und 2012. Wunderschön restauriert und vollständig gemastert, wird „Dr. John: The Montreux Years“ in verschiedenen Formaten erhältlich sein – darunter hochwertiges audiophiles schwergewichtiges Vinyl, CD in MQA-Qualität und HD-Digital.

Pre-Order Link : https://montreuxyears.lnk.to/drjohnPR

Dr. John wird in erster Linie mit den reichhaltigen musikalischen Wurzeln seiner Heimatstadt New Orleans in Verbindung gebracht. Sein ungemein bemerkenswertes musikalisches Vermächtnis umfasst die Genres Funk, Blues, Jazz, Boogie-Woogie, Rock und Pop. Bereits mit der Veröffentlichung seines ersten Major-Label-Albums „Gris-Gris“ im Jahr 1968 schaffte es der selbsternannte Night Tripper, eine beinahe kultische Anhängerschaft für sich zu begeistern. Sein musikalisches Gebräu aus Voodoo-Beschwörungen hinterließ auf unumgängliche Weise auch unter den Musikern einen bleibenden Eindruck. Mit seiner ganz besonderen Art, New-Orleans-Musik mit Rock- und Psychedelia-Elementen zu mischen und nicht zuletzt auch dank seiner aufwendigen Kopfbedeckungen begeisterte Dr. John seine Fans auf der ganzen Welt.

So kann man mit Fug und Recht behaupten, dass der mit sechs Grammys® ausgezeichnete Dr. John ein musikalisches Genie und eine überlebensgroße Persönlichkeit war, die es verstand, seinen Recordings stets etwas Einzigartiges zu verleihen. Im Laufe seiner Karriere nahm der amerikanische Singer-/ Songwriter 30 Studioalben sowie neun Live-Alben auf und wirkte an Tausenden von Aufnahmen anderer Musiker mit, darunter Aretha Franklins Album „Young, Gifted and Black“ aus dem Jahr 1972 und das Album „Exile on Main St“ der Rolling Stones aus dem Jahr 1972. Des Weiteren war die Musik-Ikone 1997 auf der All-Star-Charity-Version von Lou Reeds „Perfect Day“ vertreten. Zu den unvergesslichen Cover-Versionen seiner eigenen Songs gehören „I Walk On Guilded Splinters“ gesungen von Cher oder auch „Right Place, Wrong Time“ von Tom Jones. Im Jahr 2011 wurde Dr. John von John Legend in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.

„Dr. John: The Montreux Years“ ist ein musikalischer Trip für Fans, die in die einzigartigen Stile und spektakulären Aufnahmen einer der größten Ikonen der Musik eintauchen wollen. Den Auftakt der Platte machen zunächst „Professor Longhair Boogie“ und „You Ain’t Such a Much“, die starke Referenzen auf das Boogie-Piano von New Orleans aufweisen, bevor sie dann mit den beiden 1973er Top 10-Tracks „Right Place, Wrong Time“ und „Makin‘ Whoopee“ in die Tiefe von Dr. Johns ikonischem Repertoire eintaucht.

Neben den Songs enthält die Veröffentlichung exklusive Linernotes, verfasst vom dreifachen Grammy®-Preisträger Russ Titelman – Produzent und enger Freund von Dr. John. Die Wege der beiden kreuzten sich in den späten 60er Jahren in Russ Titelmans früherem Leben als Session-Musiker – es entstand sofort eine tiefe Verbundenheit und Freundschaft. In den folgenden Jahren bis zu Dr. Johns Tod im Jahr 2019 arbeiteten (und spielten) sie sehr häufig zusammen.

Die im Jahr 2021 eingeführte „The Montreux Years“-Serie fängt den Geist des Montreux Jazz Festivals ein und ist das Vermächtnis seines beliebten Gründers Claude Nobs. Nobs lehnte Kompromisse bei der Qualität konsequent ab und gab sich mit nichts anderem als dem Besten zufrieden – ein Ethos, der auch bei den im Rahmen der „The Montreux Years“-Reihe veröffentlichten Aufnahmen oberste Priorität hat. Das Mastering erfolgte in den legendären Metropolis Studios in London unter der Hand von Tony Cousins, wobei MQA verwendet wurde, um den Original-Sound der besonderen Live-Auftritte einzufangen.

„Dr. John: The Montreux Years“ ist ab sofort vorbestellbar und wird am Freitag, den 02. Juni erscheinen. Es ist der nunmehr zehnte Teil der Reihe „The Montreux Years“, die mit den musikalischen Superstars Nina Simone und Etta James begann und mit Marianne Faithfull, Muddy Waters, John McLaughlin, Chick Corea, Monty Alexander, Paco de Lucía und erst kürzlich mit Michel Petrucciani fortgesetzt wurde. Insbesondere fanden die beiden Alben „Nina Simone: The Montreux Years“ und „John McLaughlin: The Montreux Years“ großes Lob von der Kritik, wie beispielsweise von der New York Times und JazzFM, und konnten sich 2021 auf Platz 1 der offiziellen UK Jazz & Blues-Charts positionieren.

VINYL TRACKLISTING 

Seite A

  1. Professor Longhair Boogie (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  2. You Ain’t Such a Much (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  3. Sick and Tired (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  4. Stack-a-Lee (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  5. Accentuate the Positive (Live – Montreux Jazz Festival 2007)

Seite B

  1. Right Place, Wrong Time (Live – Montreux Jazz Festival 2004)
  2. Rain (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
  3. Going Back to New Orleans (Live – Montreux Jazz Festival 1993)

Seite C

  1. Makin’ Whoopee (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
  2. Big Chief (Live – Montreux Jazz Festival 2011)
  3. In a Sentimental Mood / Mississippi Mud / Happy Hard Times (Medley) (Live – Montreux Jazz Festival 2012)

Seite D

  1. Love for Sale (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
  2. Let the Good Times Roll (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
  3. Good Night Irene (Live – Montreux Jazz Festival 1986)

CD TRACKLISTING

  1. Professor Longhair Boogie (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  2. You Ain’t Such a Much (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  3. Sick and Tired (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  4. Stack-a-Lee (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  5. Accentuate the Positive (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
  6. Right Place, Wrong Times (Live – Montreux Jazz Festival 2004)
  7. Rain (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
  8. Going Back to New Orleans (Live – Montreux Jazz Festival 1993)
  9. Makin’ Whoopee  (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
  10. Big Chief (Live – Montreux Jazz Festival 2011)
  11. In a Sentimental Mood / Mississippi Mud / Happy Hard Times (Medley) (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
  12. Love for Sale (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
  13. Let the Good Times Roll (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
  14. Good Night Irene (Live – Montreux Jazz Festival 1986)

ÜBER DAS MONTREUX JAZZ FESTIVAL

Das Montreux Jazz Festival ist ein weltbekanntes Musikfestival, das von Claude Nobs ins Leben gerufen und bis 2013 geleitet wurde und jährlich im Juli zwei Wochen lang im malerischen Montreux in der Schweiz stattfindet. Das mittlerweile zum 55. Mal stattfindende Festival zieht Jahr für Jahr 250.000 Musikliebhaber aus der ganzen Welt an die Ufer des Genfer Sees. Das Festival will zum einen die großen Musiklegenden ehren, aber gleichermaßen auch die aufstrebenden und zeitgenössischen Künstler der Musikindustrie feiern. Ursprünglich im Jahr 1967 als reines Jazzfestival ins Leben gerufen, hat Montreux seine Tore im Laufe der Jahrzehnte auch anderen Musikstilrichtungen geöffnet und präsentiert heute Künstler aus allen erdenklichen Genres. Zu den Künstlern, die auf der Bühne von Montreux standen, gehören Etta James, Bob Dylan, Elton John, Prince, Ms Lauryn Hill, Aretha Franklin, David Bowie, James Brown, Kendrick Lamar, Leonard Cohen, Marvin Gaye, Miles Davis, Nina Simone und viele mehr. Mathieu Jaton ist seit 2013 CEO des Montreux Jazz Festivals.

ÜBER DIE CLAUDE NOBS-STIFTUNG UND IHR ARCHIV

Die von Thierry Amsallem gegründete Stiftung kümmert sich um die Bewahrung und Aufwertung des Vermächtnisses von Claude Nobs – einschließlich des Ton- und Bildarchivs einer der weltweit größten Privatsammlungen an Live-Musikaufnahmen, die allesamt seit 1967 beim Montreux Jazz Festival (Schweiz) aufgezeichnet wurden und 2013 in das UNESCO-Register „Memory of the World“ aufgenommen wurden. Im Jahr 2007 schlossen sich Thierry Amsallem, der auch den Vorsitz der Stiftung führt, und Claude Nobs mit der Eidgenössischen Technischen Hochschule Lausanne (EPFL) zusammen, um dieses hochauflösende digitale Archiv für die Zukunft zu schaffen, das es in seiner Art das erste und einzigartig ist. Das audiovisuelle Erbe, das sowohl Lehrmittel als auch gleichermaßen Forschungsinfrastruktur ist, dient Studierenden und Forschern als Plattform, um Innovationen in Bereichen wie Akustik, Datenwissenschaft, Archivierung, Musikwissenschaft, Museologie oder Neurowissenschaften zu entwickeln. Weitere Informationen finden Sie unter: www.claudenobsfoundation.com

ÜBER MONTREUX SOUNDS

Das im Jahr 1973 von Claude Nobs gegründete Unternehmen Montreux Sounds besitzt eine Sammlung von ca. 5.000 „Live at the Montreux“-Konzerten, die sowohl auf Audio als auch auf Video aufgezeichnet wurden (mehr als 2.000 Auftritte wurden seit 1991 in High Definition gefilmt), und hat bis dato Veröffentlichungen von mehr als 450 bedeutenden Künstlern hervorgebracht, die alle live auf der gleichen Bühne gestanden haben – darunter Auftritte, die bis in die späten 1960er Jahre zurückreichen.

Für weitere Informationen besuchen Sie: www.montreuxsounds.com

 ÜBER MONTREUX MEDIA VENTURES

Montreux Media Ventures (MMV) ist ein Medien-, Produktions- und Inhaltsproduktionsunternehmen sowie eine Tochtergesellschaft des Montreux Jazz Festivals. Die Aufgabe von MMV besteht darin, die Produktionskapazitäten des Festivals zu erweitern, um Musikinhalte unter der Marke MJF zu erstellen und zu vertreiben. MMV ist bestrebt, die wichtigsten Aktivitäten des Festivals weiterzuentwickeln und das ganze Jahr über durch gezielte digitale Inhalte, Markeninhalte und musikalische Erlebnisse mit dem Publikum, den Konsumenten und Partnern in Kontakt zu treten.

DR.JOHN: THE MONTREUX YEARS

1CD, 2LP, Digitale Formate

VÖ: 2.6.2023

Musik

BLACK SABBATH “LIVE EVIL” 40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION

Black Sabbath‘s erstes offizielles Live Album “Live Evil” feiert das 40jährige Jubiläum mit einer Super Deluxe Edition, die neue Remixe und ebenfalls neue gemasterte Versionen des von Kritikern hoch gelobten Albums beinhaltet.

„LIVE EVIL” (40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION) wird am 02. Juni 2023 als 4 CD Set, 4 LP Set und digital erscheinen. Die Kollektion umfasst zwei Versionen des legendären Albums: eine neu remasterte Version von Andy Pearce zusammen mit einem Mix von Wyn Davis, der aus den analogen Multi-Tracks entstanden ist. Der physische Release kommt zusätzlich mit einem illustrierten Hardcover Buch mit Liner Notes und das Replikat des Konzertbuches zusammen mit einem Poster der Mob Rules Tour.

Der neue Mix “The Mob Rules” ist digital sofort verfügbar: https://blacksabbath.lnk.to/liveevil

PRE-ORDER LINK: https://blacksabbath.lnk.to/liveevil

Eine neue Ära von Black Sabbath begann 1979 als Ronnie James Dio,  als neuer Sänger, zusammen mit Tony Iommi, Geezer Butler und Bill Ward die Band komplettierte und somit eine Wiederauferstehung der ikonischen Heavy Metal Band lancierte.

Das neue Quartett gab ihr Debut 1980 mit Heaven and Hell, ein platin-dekorierter Riesenerfolg, der die Fans sofort vom aktuellen Line Up überzeugte. Während der Tour für das Album verließ Bill Ward die Band und wurde durch Vinny Appice ersetzt.

Sofort nach dem Ende der Tour 1981 ging die Band in LA ins Studio und nahm Sabbath’s 10. Studioalbum,Mob Rules, auf. Veröffentlicht im November 1981 erreichte es sofort den Gold Status. Die Band gab bekannt, dass sie während der Tour einige Shows aufnehmen würde und somit wurde dies das erst offizielle Live Album.

In den Liner Notes, die auf “LIVE EVIL” (40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION) enthalten sind, schreibt Hugh Gilmour: “Die zehn Monate  dauernde Mob Rules Tour war unglaublich  erfolgreich, die nicht nur die Reputation der Band wieder belebte, sondern auch klar machte, dass größte Venues gefüllt wurden und das Mengen von Vinyl und Kassetten verkauft wurden. Black Sabbath gab ihrem Plattenlabel nicht nur zwei Bestseller, sie waren auf dem direkten Weg, den Dritten zu liefern.”

Live Evil war ein kommerzieller Erfolg, schaffte es in den UK auf Chart No 13 und sogar in die US Billboard Charts auf No 37. In Deutschland erreichte die Platte No 43 und hielt sich 4 Wochen in den Charts. Das UK Magazin Kerrang! urteilte überschwänglich: “eines des größten Live Alben aller Zeiten”

Die Aufnahmen beweisen eine unglaubliche, fast wilde Chemie und auch ein bisschen dunkle Magie, denn diese Black Sabbath Inkarnation begeistert mit Live Songs wie “Neon Knights”, “The Sign Of The Southern Cross”, “Voodoo” und “Children Of The Sea”. Man ehrte live auch das Orignal Line Up geehrt mit den Klassikern: “Paranoid”, “War Pigs”, “Iron Man” und “N.I.B.”

Die Auflösung der neuen Formation kam bereits vor der Album Veröffentlichung: Iommi und Butler machten als Black Sabbath weiter, während Dio und Appice die erste Solo Platte von Dio „Holy Diver“ aufnahmen.

Das war jedoch nicht das Ende, da Dio und Appice sich noch einmal mit Iommi und Butler vereinigten um 1992 Dehumanizer aufzunehmen. Und wieder trennte man sich, kam erneut 2006 zusammen unter dem Bandnamen Heaven and Hell  und nahm einige neue Songs auf. Nach einer unglaublich erfolgreichen Tour ging die Band 2009 ins Studio für die Aufnahmen des letzten Studioalbums The Devil You Know  und trauriger Weise starb Ronnie James Dio nach dem Release 2010 an Krebs.

LIVE EVIL (40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION)

CD Track Listing

  1. “E5150”
  2. “Neon Knights”
  3. “N.I.B.”
  4. “Children of the Sea”
  5. “Voodoo”
  6. “Black Sabbath”
  7. “War Pigs”
  8. “Iron Man”
  1. “The Mob Rules”
  2. “Heaven and Hell”
  3. “The Sign of the Southern Cross”
  4. “Heaven and Hell” (Reprise)
  5. “Paranoid”
  6. “Children of the Grave”
  7. “Fluff”

40th Anniversary Remaster (CDs 1-2)
40th Anniversary New Mix (CDs 3-4)

 LIVE EVIL (40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION)

LP Track Listing

Side One

  1. “E5150”
  2. “Neon Knights”
  3. “N.I.B.”
  4. “Children of the Sea”
  5. “Voodoo”

Side Two

  1. “Black Sabbath”
  2. “War Pigs”
  3. “Iron Man”

Side Three

  1. “The Mob Rules”
  2. “Heaven and Hell”

Side Four

  1. “The Sign of the Southern Cross”
  2. “Heaven and Hell” (Reprise)
  3. “Paranoid”
  4. “Children of the Grave”
  5. “Fluff”

40th Anniversary Remaster (LPs 1-2)
40th Anniversary New Mix (LPs 3-4)

BLACK SABBATH “LIVE EVIL” 40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION (VÖ: 02. Juni 2023 BMG)

4-CD und 4-LP Set des Original Album remastered plus neuer Mix des kompletten Albums

Eliades Ochoa
Musik

ELIADES OCHOA „GUAJIRO“

Der legendäre kubanische Sänger, Gitarrist und Songwriter Eliades Ochoa kündigt mit „Guajiro“ heute sein brandneues Album an, das am 26. Mai über World Circuit Records erscheinen wird.

Ochoa, der als eines der Gründungsmitglieder des Buena Vista Social Clubs gilt und damals dem Opener „Chan Chan“ des Albumdebüts seine Stimme geliehen und damit zu Weltruhm verholfen hat,  geniesst weltweit große Popularität. Seit dem phänomenalen Erfolg von Buena Vista Social Club hat Ochoa neun Alben veröffentlicht, vier Latin Grammys® gewonnen und eine Grammy®-Nominierung (für „Afrocubism“ / 2010) erhalten. Produziert von Demetrio Muñiz und mit Gästen wie Rubén Blades, Joan As Police Woman und Charlie Musselwhite festigt „Guajiro“ seinen Ruf als einer der wichtigsten kubanischen Künstler des letzten Jahrhunderts.

Die erste Single-Auskopplung „Se Soltó Un León“, eine klassische puerto-ricanische Plena mit fulminanten Bläserarrangements, ist ab sofort überall erhältlich: https://worldcircuit.lnk.to/Guajiro oder direkt zum Video:

Wie ebenfalls seit heute bekannt ist, wird Ochoa in diesem Jahr mit „Guajiro“ auf Welttournee gehen – einschließlich einem Auftritt beim renommierten Rudolfstadt Festival am 6.Juli 2023.

Die schroffen Gesichtszüge, der charakteristische Hut, die Cowboystiefel und das kultige Image des „Man in Black“… Die Songs voller Country-angehauchter Weisheiten, die man sich in der Schule des Lebens hart erarbeiten muss und nicht einfach so irgendwo mit einem Haufen Geld kaufen kann. Man braucht nicht lang, um zu verstehen, warum Eliades Ochoa oft als der „Johnny Cash Kubas“ bezeichnet wird. Wenngleich es viele Parallelen gibt, so zeigt sein neues Album „Guajiro“, dass seine Stimme einzigartig ist und er einen ganz eigenen Stil und Sound hat, der tief in der kubanischen Tradition verwurzelt ist, aber eine ebenso zeitlose wie universelle Anziehungskraft besitzt.

Damals – es war das Jahr 1997 – als er als Mitglied des mit einem Grammy® ausgezeichneten Buena Vista Social Clubs zu internationaler Anerkennung gelangte, war Eliades ein junger Mann gewesen. Zwar schon 50 Jahre alt – aber im Vergleich zu den legendären Veteranen Compay Segundo und Ibrahim Ferrer, die schon lange vor seiner Geburt gespielt hatten und mit denen er bei Klassikern wie „Chan Chan“ und „Candela“ ein unvergessliches Gespann bildete, umgab ihn vergleichsweise immer noch ein Hauch von Jugendlichkeit.

Eliades Ochoa
Eliades Ochoa

Ein Vierteljahrhundert später ist nun Eliades der Veteran mit einer eigenen legendären Geschichte, und „Guajiro“ präsentiert Kubas ureigensten „Man in Black“ auf eine Weise, wie wir ihn noch nie zuvor gehört haben. Die Songs auf „Guajiro“ – die meisten davon sind Eigenkompositionen – repräsentieren das Intimste und Persönlichste, was Eliades je aufgenommen hat. „Das Album erzählt eine Menge über mich und meine Geschichte“, sagt er. „Es ist tatsächlich die Geschichte meines Lebens, und jeder Song hat eine große Bedeutung für mich.“

Bei der Produktion von „Guajiro“ hat er auf eine Reihe von gleichgesinnten Kollaborateuren zurückgegriffen. Wie beispielsweise der Produzent Demetrio Muñiz, der viele Jahre lang als musikalischer Leiter der Tourneeband fungierte und deshalb eine direkte Verbindung zu Buena Vista darstellt. Aber es gibt auch solche, die vollkommen jenseits der kubanischen Musik wirken, wie der Mississippi-Blues-Mundharmonikaspieler Charlie Musselwhite, die Fania All-Stars-Legende Rubén Blades und die Indie-Rock-Autorin Joan Wasser, die unter dem Namen Joan As Police Woman bekannt ist. „‚Guajiro‘ unterscheidet sich von den Alben, die ich bisher gemacht habe, und führt mich aus meiner Komfortzone heraus“, erklärt Eliades. „Seit vielen Jahren spiele ich traditionellen Son Cubano und wollte an diesem Punkt in meinem Leben etwas anderes machen. Ich habe Kollaborationen schon immer geliebt, wollte offen für andere Rhythmen sein und mit verschiedenen Künstlern zusammenarbeiten.“

Was genau der Auslöser für das späte Erblühen seiner Ambitionen als Songwriter war, weiß er selber nicht genau – außer, dass es da so ein Gefühl gab, dass die Zeit einfach reif, die Inspiration stark war und das Leben ihm Einsichten beschert hatte, die sprichwörtlich danach schrien, der Welt mitgeteilt werden zu wollen. „Es ist eine andere Phase in meinem Leben als zu der Zeit, als wir Buena Vista machten“, wagt er den Versuch einer Erklärung. „Compay und Ibrahim kamen mit einem immensen Background daher und vielen Geschichten – das Album mit ihnen zu machen, öffnete mit einem Mal Türen zur ganzen Welt. Und jetzt fühlt es sich für mich nach dem richtigen Zeitpunkt an, um meine eigenen Geschichten zu erzählen. Diese Lieder liegen mir wirklich sehr am Herzen. Man könnte sagen, es ist mein Manifest.“

Mit der Veröffentlichung des Albums „Guajiro“ wird seiner außergewöhnlichen Karriere nun ein neues, faszinierendes Kapitel hinzugefügt, das alle Fäden und Stränge seines geschichtsträchtigen Lebens und Schaffens zu einem fesselnden persönlichen Testament verwebt, das einerseits seine Vergangenheit feiert und aber gleichzeitig auch ambitioniert seine Musik in gänzlich neue Gefilde führt.

ALBUM „GUAJIRO“ TRACKLISTING
Vamos a Alegrar el Mundo
Soy Guajiro
Creo en la Naturaleza (feat. Joan As Police Woman)
Pajarito Voló (feat. Rubén Blades)
Ando Buscando una Novia
Abrazo de Luz
Anita Tun Tun Tun
Canto Para Ti Guajira
Se Soltó Un León
West (feat. Charlie Musselwhite)
Los Ejes de Mi Carreta

Mehr Infos unter:
https://worldcircuit.co.uk
www.eliadesochoaofficial.com

ELIADES OCHOA: GUAJIRO
CD, LP, Digitale Formate
VÖ: 10.3.2023

Musik

PACO DE LUCÍA: THE MONTREUX YEARS

BMG kündigt nächste Veröffentlichung aus der  ‚MONTREUX YEARS’-Reihe an.  Eine Auswahl der faszinierendsten Live-Auftritte von PACO DE LUCÍA beim MONTREUX JAZZ FESTIVAL aus den Jahren 1984 – 2012

PACO DE LUCÍA: THE MONTREUX YEARS
PACO DE LUCÍA: THE MONTREUX YEARS

Inklusiv Linernotes von JOHN MCLAUGHLIN und seltene Fotos von PACO DE LUCÍA aus seiner Zeit in Montreux

Die BMG freut sich, mit „Paco De Lucía: The Montreux Years“ heute die nächste Veröffentlichung aus der The Montreux Years-Reihe anzukündigen, die am Freitag, den 24. Februar 2023 erscheinen wird und ab sofort vorbestellt werden kann. Das neue Album enthält eine Sammlung der besten Live-Auftritte von Paco De Lucía beim Montreux Jazz Festival zwischen 1984 und 2012. Wunderschön aufbereitet und neu gemastert, wird „Paco De Lucía: The Montreux Years“ in verschiedenen Formaten erhältlich sein – unter anderem als hochwertiges audiophiles schwergewichtiges-Vinyl, als CD in MQA-Qualität und HD-Digital.

Paco De Lucía ist einer der berühmtesten und meistgefeierten Flamenco-Gitarristen der Welt. Er trug wesentlich dazu bei, dass sich Flamenco-Musik heute in der ganzen Welt großer Beliebtheit erfreut und war einer der ersten Flamenco-Gitarristen, der sein Genre für andere Musikstile wie Klassik und Jazz öffnete und sie erfolgreich miteinander verschmolz. Charakteristisch für die Kompositionen von De Lucía, der von Eric Clapton als „ein wahrer Titan in der Welt der Flamenco-Musik“ beschrieben wurde, waren seine schnellen und fließenden Picados, die abstrakten Akkorde und Tonleitertöne und Einflüsse aus dem Jazz. Mit diesen Innovationen spielte er eine Schlüsselrolle in der Entwicklung des traditionellen Flamenco und der neuen Flamenco-Jazz-Fusion. Im Alter von gerade mal 18 Jahren nahm De Lucía in Madrid sein erstes Album „La Fabulosa Guitarra“ auf. Die Verbindung mit dem spanischen Sänger Cameron de la Isla brachte in den 1970er Jahren zehn Alben hervor, die eine neue Flamenco-Bewegung initiierte und gilt als einer der bedeutendsten und wichtigsten musikalischen Partnerschaften in Paco de Lucías Karriere.

Der dank seines großen musikalischen Einflusses zu den größten Musikexporten Spaniens zählende Ausnahmekünstler wurde 2004 mit dem renommierten Asturias-Preis für Kunst als „universellster Flamenco-Künstler“ ausgezeichnet. Nach seinem Tod im Jahr 2014 erhielt Paco De Lucía für sein letztes Album „Canción Andaluza“ einen Latin Grammy® Award für das beste Flamenco-Album und das Album des Jahres.

Im Laufe seiner illustren Karriere spielte Paco De Lucía viele Male beim Montreux Jazz Festival und gilt auch heute noch als einer der legendärsten Musiker, die auf dem weltweit populären Schweizer Festival aufgetreten sind. Die für das Album handverlesenen Performances wurden aus acht Konzerten zwischen den Jahren 1984 und 2012 ausgesucht. „Paco De Lucía – The Montreux Years“ fasst beginnend mit der Live-Performance von „Vámonos“ aus dem Jahr 2012 seine Zeit beim Festival auf spektakuläre Weise zusammen.

Fans des Flamenco-Pioniers haben mit dieser Veröffentlichung die einzigartige Möglichkeit, in eben jene Klänge eintauchen, die De Lucías Karriere immens geprägt haben – darunter eine seiner bekanntesten Aufnahmen „La Barrosa“ aus dem Album „Siroco“ (1987). Weitere Titel wie „Solo Quiero“, „El Tesorillo“ und „Buana Buana King Kong“ vertiefen das Repertoire des Meisters auf „Paco De Lucía: The Montreux Years“ weiter. Das Album enthält neben der Musik brandneue Linernotes von John McLaughlin, einem engen Freund und musikalischen Partner („Guitar Trio“), sowie eine Reihe rare Fotos von Paco De Lucías Montreux-Konzerten. Auch John McLaughlin hat bereits ein Album im Rahmen der ‚The Montreux Years‘-Reihe veröffentlicht.

John McLaughlin sagt: „Im Zusammenhang mit Paco de Lucía sind viele Superlative gefallen, und sie sind alle wahr. Ich bin weder Spanier noch spiele ich Flamenco-Musik, aber nach Hunderten von Konzerten mit Paco und Al Di Meola als ‚Guitar Trio‘ oder auf unseren gemeinsamen Tourneen fühle ich mich geehrt und qualifiziert, über einen der besten Freunde meines Lebens zu schreiben. Paco war nicht nur ein Genie auf der Gitarre, sondern auch ein außergewöhnlicher Mensch. Er konnte keine Noten lesen, aber ich habe noch nie einen Musiker mit einem so tadellosen Gehör getroffen. Vor allem seine Neugier und sein unstillbarer Durst nach tieferem musikalischen Wissen und Erfahrung ermöglichte es ihm, die Grenzen der musikalischen Traditionen der Flamenco-Musik zu erweitern. In fast jedem Flamenco-Gitarristen von heute ist Pacos Einfluss zu hören.“

Die im Jahr 2021 gelaunchte „The Montreux Years“-Serie fängt den Geist des Montreux Jazz Festivals ein und ist das Vermächtnis seines beliebten Gründers Claude Nobs. Nobs lehnte Kompromisse bei der Qualität konsequent ab und gab sich mit nichts anderem als dem Besten zufrieden – ein Ethos, der auch bei den im Rahmen der „The Montreux Years“-Reihe veröffentlichten Aufnahmen oberste Priorität hat. Das Mastering erfolgte in den legendären Metropolis Studios in London unter der Hand von Tony Cousins, wobei MQA verwendet wurde, um den Original-Sound der besonderen Live-Auftritte einzufangen.

„Paco De Lucía – The Montreux Years“ erscheint am Freitag, den 24. Februar und kann ab sofort vorbestellt werden. Es ist die achte Veröffentlichung der Reihe, die mit den musikalischen Superstars Nina Simone und Etta James begann und mit Marianne Faithfull, Muddy Waters, John McLaughlin, Chick Corea oder auch Monty Alexander fortgesetzt wurde. Insbesondere fanden die beiden Alben „Nina Simone: The Montreux Years“ und „John McLaughlin: The Montreux Years“ großes Lob von der Kritik, wie beispielsweise von der New York Times und JazzFM, und konnten sich 2021 auf Platz 1 der offiziellen UK Jazz & Blues-Charts positionieren.

LP TRACKLISTING PACO DE LUCÍA: THE MONTREUX YEARS

Side A
„Vámonos“ (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
„La Barrosa“ (Live – Montreux Jazz Festival 2006)

Side B
„Solo Quiero“ (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
„Alta Mar“ (Live – Montreux Jazz Festival 1984)

Side C
„El Tesorillo“ (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
„Buana Buana King King“ (Live – Montreux Jazz Festival 1984)

Side D
„Variaciones de Minera“ (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
„Zyryab“ (Live – Montreux Jazz Festival 2006)

CD TRACKLISTING PACO DE LUCÍA: THE MONTREUX YEARS

  1. Vámonos (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
  2. La Barrosa (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
  3. Solo Quiero (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
  4. Alta Mar (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
  5. El Tesorillo (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
  6. Buana Buana King King (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
  7. Variaciones de Minera (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
  8. Zyryab (Live – Montreux Jazz Festival 2006)

PACO DE LUCIA: THE MONTREUX YEARS
1CD, 2LP, Digitale Formate
VÖ: 24.2.2023

Musik

ALI FARKA TOURÉ – NEUES ALBUM „VOYAGEUR“

ALI FARKA TOURÉ – NEUES ALBUM „VOYAGEUR“ ERSCHEINT AUF WORLD CIRCUIT AM 10. MÄRZ 2023

ERSTER RELEASE SEIT DES 2010 MIT DEM GRAMMY® AUSGEZEICHNETEN „ALI & TOUMANI“ – VIDEO ZUM NEUEN TRACK ‚SAFARI’

Am 10. März veröffentlicht das Label World Circuit Records mit „Voyageur“ ein neues Album des legendären afrikanischen Gitarristen und Sängers Ali Farka Touré. Es ist die erste Veröffentlichung von bislang ungehörtem Touré-Material seit seines posthum mit einem Grammy® ausgezeichneten Albums „Ali & Toumani“ aus dem Jahr 2010. „Voyageur“ ist eine einzigartige Sammlung echter Perlen, die zu ganz unterschiedlichen Zeitpunkten innerhalb von Alis glanzvoller Karriere aufgezeichnet wurden. Das von Nick Gold (World Circuit) zusammen mit Alis Sohn Vieux Farka Touré produzierte Album enthält unter anderem drei Tracks, auf dem auch die Sängerin und malischer Superstar Oumou Sangaré zu hören ist. Das außergewöhnliche Werk unterstreicht einmal mal mehr Alis Status als weltweit verehrte Legende der afrikanischen Musik. „Voyageur“ wird auf 180 Gramm Vinyl, CD und digital erhältlich sein.

Der erste Song daraus, „Safari“ ist bereits ab sofort überall erhältlich und hier zu hören:

Das Album „Voyageur“ kann man hier vorbestellen: https://worldcircuit.lnk.to/AFTVoyageur

Die im Laufe von 15 Jahren zum Teil spontan auf der Straße und im Studio zwischen den Sessions für andere Alben aufgenommenen Songs auf „Voyageur“ hatten für Ali allesamt eine immens große persönliche Bedeutung. Sie spiegeln nicht nur sein leidenschaftliches Engagement für die Kreativität, sondern auch die kulturelle Vielfalt seiner Heimat wider. Sie sind Ausdruck für ein Leben, das er als Reisender – als ‚Voyageur‘ – zwischen den Bühnen in der Wüste von Timbuktu, den Studios von West Hollywood, den Konzertsälen von London und Tokio und den winzigen Dörfern am malischen Flussufer verbracht hat, wo natürlich jeder einzelne wusste, wer Ali war.

Kein afrikanischer Musiker hat in seiner Heimat und in der internationalen Öffentlichkeit einen so nachhaltigen Eindruck hinterlassen wie Ali Farka Touré – der große malische Gitarrist, Sänger und geistige Vater des Desert Blues. Angefangen von der mit einem Grammy® ausgezeichneten Kollaboration mit Ry Cooder und dem Kora-Meister Toumani Diabaté bis hin zu den düsteren Lo-Fi-Aufnahmen, die in seinem abgelegenen Heimatdorf entstanden – es ist vor allem Alis unnachahmliche Stimme und sein fast hypnotisch wirkendes Gitarrenspiel, die seinen Songs eine besondere Intensität und Autorität verleihen, die unabhängig von Märkten, Trends oder auch Genres wirken. Und auch als Person wurde Ali seiner Musik mehr als gerecht, war er doch eine imposante, ja beinahe königliche Erscheinung stets mit einem herrlichen Lächeln, einem schelmischen Sinn für Humor und einem unerschütterlichen Selbstvertrauen. Auch sechzehn Jahre nach seinem Tod bleibt Ali Farka Touré eine überragende Figur, neben Jimi Hendrix und Fela Kuti eines der wenigen wirklich großen Talente, deren Charisma auch nach ihrem Tod so hell brennt, wie zu Lebzeiten und deren Musik für alle Zeit lebendig und relevant sein wird.

Alis Zauber ist auch heute noch ungebrochen und inspiriert Zuhörer auf der ganzen Welt – darunter eine Vielzahl illustrer bekennender Bewunderer, wie beispielsweise Robert Plant, der Schauspieler Matthew McConaughey, der seinen berühmten Summgesang in dem Film „Wolf of Wall Street“ einem von Alis Rhythmen nachempfunden hat oder auch die texanische Indie-Rockband Khruangbin, die erst kürzlich gemeinsam mit seinem Sohn Vieux eine Sammlung von Alis Songs aufgenommen hat.

Mit den reduzierten, hypnotischen Grooves in dem für Ali charakteristischen und unverkennbarem Sonrhaï-Stil, den hymnischen von Fischerleuten inspirierten Refrains, den pulsierenden Rhythmen eines Jägers gleich, einer afrikanischen „Noise-Band“ aus Reverb-beladenen Gitarren und Lauten („Kombo Galia“) repräsentiert „Voyageur“ ein wahres Vermächtnis – einen geheimen Schatz an Songs, den Ali im Laufe seiner langen und abwechslungsreichen Karriere erschaffen hat und wirft ein neues Licht auf sein außergewöhnliches und zugleich rätselhaftes Talent.

Auch „Safari“ („Medizin“) ist einer von Alis Klassikern, der in der typischen Sonrhaï-Manier daherkommt. Seine aufgeladene Stimme wird von einem treibenden Kalebassen-Rhythmus und dem beinahe geisterhaften Surren einer Fula-Flöte unterstrichen, während sich Ali damit rühmt, dass er in Besitz der ‚Medizin‘ ist, um ‚schlechtes Verhalten‘ zu heilen und das Wissen darum, wie man sie anwendet. Das einsaitige Riffing der Djerkel-Gitarre, die auch vor allem bei Zeremonien zur Geisteraustreibung Verwendung findet, wird auf eine offen klingende E-Gitarre übertragen. In „Cherie“ („Darling“), einem der drei Stücke, bei denen Ali von der großen Diva Oumou Sangaré aus dem westafrikanischen Wassoulou begleitet wird, verleiht die Kamelngoni – die Harfe des Jägers – Alis schlüpfrigem Gitarrenriff einen wunderbar elastischen Schwung, während beide Stimmen in perfekter Harmonie zueinander erklingen. „Sambadio“, ein Fula-Loblied auf die Bauern, ist gleich in zwei Versionen zu hören: zum einen akustisch mit einem herrlich entspannten Lagerfeuer-Feeling, angetrieben durch das eindringliche Zupfen der Ngoni-Meisters Bassekou Kouyate und Mama Sissoko; und zum anderen als elektrische Variante mit einem fantastischen jazzigen Saxophon-Arrangement von Pee Wee Ellis, der unter anderem ein ehemaliges Bandmitglied von James Brown war. „Sadjona“ („Die Last des Schicksals“) ist ein traditionelles Lied für Wassoulou-Jäger, das Oumou Sangaré spontan während eines Mikrofonchecks zu einem Lobgesang auf Ali umfunktionierte. Die beschwörende Dringlichkeit ihres Gesangs durch einen fast hüpfend wirkenden Kamelngoni-Groove auf fantastische Weise in Schwung gebracht, fließt ein bewegender Saxophonpart in den Mix ein und verwandelt es in einen dieser inspirierenden, wie zufällig entstehenden musikalischen Momente, die zu hören ein absolutes Privileg ist.

All diese Songs wurden von Ali über einen Zeitraum von 25 Jahren sparsam und manchmal scheinbar sogar etwas widerwillig an den Produzenten Nick Gold herausgegeben, der sie als Teil eines ‚kostbaren Privatarchivs‘ beschreibt. Doch Ali Farka Touré wusste genau, was er tat: Indem er diese Songs nach und nach an Gold weitergab, würden sie eines Tages, so Gott es will, ein weltweites Publikum erreichen; doch Ali hielt die Dinge gerne auf Messers Schneide. Einige dieser Songs wurden ganz spontan und scheinbar willkürlich mal eben so zwischen den Aufnahmen anderer Lieder eingespielt. Zum Glück liefen die ganze Zeit die Aufnahmebänder, sonst wäre ein Großteil der Musik auf diesem wundervollen Album vielleicht nie zu hören gewesen.

„Voyager“ Album Tracklisting:

  1. Safari
  2. Malahani
  3. Sambadio (Acoustic)
  4. Banolobourou (feat. Oumou Sangaré)
  5. Chèrie (feat. Oumou Sangaré)
  6. Kenouna
  7. Sadjona (feat. Oumou Sangaré)
  8. Sambadio (Electric)
  9. Kombo Galia

www.worldcircuit.co.uk  / www.alifarkatoure.com

ALI FARKA TOURÉ: Voyageur
CD, LP, Digitale Formate
VÖ: 10.03.2023

DeWolff veröffentlichen mit "Night Train" einen weiteren Track vom neuen Album "Love, Death & In Between"/ VÖ 03. Februar 2023
Musik

DeWolff “Night Train”

DeWolff veröffentlichen mit “Night Train” einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023

Die niederländische Rockband DeWolff hat die nächste Single und den Eröffnungstrack ihres neuen Albums „Love, Death & In Between“ veröffentlicht, das am 3. Februar über Mascot Records / Mascot Label Group erscheint.

“Night Train“ erinnert an klassische Hits wie „Love Train“ von The O’Jays und ist ein fröhlicher Kracher, der geschickt psychedelischen Southern Rock mit klassischem Soul und R&B mischt.

Offizielle Musikvideo zu „Night Train“:

„Night Train“ ist hier erhältlich: https://lnk.to/DeWolff
„Night Train“ folgt auf die vorherigen Singles “Counterfeit Love“, das die Band als das Zeppelin-eskeste Ding, das wir je aufgenommen haben“ bezeichnete, und “Heart Stopping Kinda Show“, das veröffentlicht wurde, kurz nachdem die Band eine 13-tägige Tour mit The Black Crowes auf dem europäischen Festland beendet hatte.

Die Band wird ab 2023 mit Shows in den Niederlanden, Deutschland, Spanien, Frankreich und Großbritannien starten.

DeWolff sind keine Band, die stillsitzt. Sie gedeihen durch ständige Bewegung. Von psychedelischen Southern-Rock-Kriegern zu Abgesandten des Soul. In den letzten vier Jahren haben sie fünf Alben veröffentlicht, wobei 2021s Wolffpack ihr bestes Album wurde, das in ihrer Heimat auf Platz 2 der Charts landete und nur durch die Foo Fighters wurde ihnen der Spitzenplatz streitig gemacht.

‚Love, Death & In Between‘ ist eine Reaktion auf ihre beiden vorherigen Studioalben. ‚Tascam Tapes‘ wurde unterwegs mit einem Vierspur-Kassettenrekorder aus den 1980er Jahren aufgenommen. ‚Wolffpack‘ wurde im Pandemie Jahr mit Social Distance in ihrem Utrechter Electrosaurus Southern Sound Studio aufgenommen.

DeWolff veröffentlichen mit "Night Train" einen weiteren Track vom neuen Album "Love, Death & In Between"/ VÖ 03. Februar 2023
DeWolff veröffentlichen mit „Night Train“ einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023

„Ich liebe die kontrollierte Umgebung des Studios“, sagt Pablo. „Aber normalerweise verbringen wir einen Monat oder ein paar Wochen im Studio, dann gehen wir auf Tour, und dann herrscht Chaos. Das sind verrückte Sachen, Improvisation, Leute, die auf deine Musik reagieren, und du reagierst auf sie. Das ist es, was wir vermisst haben. Wir haben uns am Ende der Corona-Zeit so sehr danach gesehnt. So entstand die Idee zu dieser neuen Platte. Wir wollten etwas mit Menschen machen, mit so vielen Menschen wie möglich.“

Bei einem Besuch in Memphis wurde Pablo buchstäblich vom Blitz getroffen. „2019 besuchte ich eine Predigt von Al Green in seiner eigenen Kirche, und das war eine lebensverändernde Erfahrung, musikalisch gesehen“, erinnert sich Pablo.

„Ich war buchstäblich eine Minute da drin und habe geweint. Ich habe die ganze Predigt über geweint, weil sie so schön war. Er sprach über jemanden, der seine Rechnungen nicht bezahlen kann, und er sagte: ‚Ich rufe den allmächtigen Retter an, um ihr zu helfen, und das wurde mit einer Runde von ‚Yeaaah! Yeaaah’s!‘ und die Band spielte nur zwei Akkorde, und es war so schön. Das hat mich zutiefst berührt. Es hat einen tiefen Eindruck bei mir hinterlassen. Ich wollte so etwas unbedingt bei einer Live-Show machen, aber wir hatten keine Songs, in die es gepasst hätte. Als wir dann anfingen, neue Songs zu schreiben, dachte ich mir: Ja, lass uns so etwas machen. Eine sehr einfache Akkordfolge, aber mit dieser fast religiösen Erfahrung. Denn schließlich ist Musik für uns wie eine Religion. Sie ist etwas, das wir ständig im Kopf haben. Es ist etwas, dem wir unser ganzes Leben widmen.“

Im Mai 2022 fuhren sie nach Loguivy-Plougras in der Bretagne, welches das analoge Studio Kerwax (https://www.kerwax.com/museum/) beheimatet. „Wir dachten, wir sollten uns auf ein Abenteuer einlassen“, sagt er. Im Nordwesten Frankreichs gelegen und von Wäldern umgeben, zogen sie sich in das atemberaubende Wohnstudio zurück, das von Vintage-Aufnahmegeräten aus den 1940er bis 1970er Jahren umgeben ist.

Die Brüder Pablo (Gitarre/Gesang) und Luka van de Poel (Schlagzeug/Gesang) sowie Robin Piso  (Hammond/Wurlitzer) nahmen die Aufnahmen live und ohne Overdubs auf und wurden dabei von zahlreichen Freunden unterstützt. „Wir haben zusätzliche Leute mit nach Frankreich gebracht. Mit zehn Leuten in einem Raum zu spielen ist chaotisch. Bei jedem Take, den man macht, ist jemand nicht damit zufrieden, wie er spielt. Aber man erkennt, worauf es bei einem Take ankommt“.

Alles wurde komplett analog und direkt auf Band aufgenommen, bei der Herstellung des Albums wurden keine Computer verwendet. Die Bänder wurden dann zu einem Mastering-Ingenieur geschickt, der den Lackschnitt für die Vinylpressung herstellte – auch dieses Mastering und der Schnitt erfolgten vollständig analog (https://www.vinylherstellung.de/vinyl-pressung/).

Die Themen wurden teilweise von Romanen amerikanischer Autoren des 20. Jahrhunderts inspiriert, die Pablo während der Pandemie gelesen hatte. Besonders John Steinbecks ‚Tortilla Flat‘, ein Schelmenroman von 1935. „Es gibt ein Zitat von ihm: ‚Die gute Geschichte liegt in halb erzählten Dingen, die aus der eigenen Erfahrung des Hörers ausgefüllt werden müssen‘, und das war etwas, was ich mit den Texten auf dieser Platte wirklich tun wollte.“

Zur gleichen Zeit tauchte die Band tief in alte Soul- und R&B-Platten ein – Sam Cooke, The Impressions, The Coasters, The Clovers, Ray Charles und Little Richard – sowie in eine kräftige Dosis Gospel – The Soul Stirrers, Al Green und frühe Platten von The Staple Singers.

Einige Songs auf dem Album tragen ihr Herz auf der Zunge, wie z.B. „Counterfeit Love“, während das 16-minütige Epos „Rosita“ ihre Entwicklung zeigt. „Wie ich jetzt schreiben möchte, spiegelt sich in Songs wie diesem wider“, sagt er. „Ich wollte, dass sich diese Texte wie eine Geschichte anfühlen, aber auch wie eine Reise in sich selbst“, erklärt er. Was als kleine Geschichte über eine Highschool-Liebe beginnt, explodiert zu einer Geschichte über die Göttin der Liebe und des Todes, die in „The Queen of Space and Time“ mündet. „Es ist dieselbe Person. Es geht um diese gottähnliche weibliche Figur, die alle Arten von verrückten, dunklen Dingen kontrolliert. Bei Rosita kann man nur mit ihr zusammen sein, wenn man schläft oder tot ist, es ist also eine Kombination aus Liebe und Tod. Daher kommt auch der Name des Albums.“

‚Heart Stopping Kinda Show‘ ist ein weiterer vielseitig interpretierbarer Song: „Es geht darum, wie ich das Leben sehe“, sagt er. „Das Leben ist eine herzzerreißende Art von Show. Ich habe mit ‚Tortilla Flat‘ (John Steinbeck Roman von 1935) im Hinterkopf geschrieben. Diese Charaktere denken nicht ständig über alles nach; sie leben, trinken Wein und haben diese schönen Momente. Sie führen das ultimative Leben. In dem Song wollte ich die Dinge im Leben beschreiben, die schön sind.“

‚Will o‘ the Wisp‘ hat eine verführerische Düsternis, während Songs wie ‚Night Train‘, ‚Message for my Baby‘ und ‚Wontcha Wontcha‘ fröhliche Gassenhauer sind.

DeWolff verließ die ländliche Umgebung der Bretagne mit zwölf Songs, die auf vier Bändern aufgenommen wurden, mit Freunden, die Spaß hatten und sich an das erinnerten, was ihnen am wichtigsten ist. Mit einer Mischung aus Al Green, Sam Cooke und John Steinbeck haben sie einige ihrer gefühlvollsten und mitreißendsten Songs geschaffen. Wenn sie singen: „Hey there baby won’t you come on in, I got plenty old records that we can play, some rhythm & blues some old rock ’n roll, yes the type of stuff that can save a soul“, sollte man sich fallen lassen und sich von DeWolff zurück in die Zeit versetzen lassen.

Weiter aktuell…

Video zu „Heart Stopping Kinda Show“:

Track Pre-Listening “Counterfeit Love”:



Tour Dates 2023:
03 Feb – Effenaar Eindhoven, NETHERLANDS
04 Feb – Muziekgieterij, Maastricht, NETHERLANDS
09 Feb – Annabel, Rotterdam, NETHERLANDS
11 Feb – Tivoli Vredenburg, Utrecht, NETHERLANDS
13 Feb – Fraanz Club, Berlin, GERMANY
14 Feb – Bahnhof Pauli, Hamburg, GERMANY
16 Feb – De Oosterpoort, Groningen, NETHERLANDS
17 Feb – Doornroosje, Nijmegen, NETHERLANDS
22 Feb – Factoria Cultural, Avilés, SPAIN
23 Feb – Sala Mon, Madrid, SPAIN
24 Feb – Rock & Blues Café, Zaragoza, SPAIN
25 Feb – Upload, Barcelona, SPAIN
26 Feb – Kafe Antzokia, Bilbao, SPAIN
28 Feb – La Maroquinerie, Paris, FRANCE
02 Mar – 100 Club, London, UK

Mehr Infos:
www.dewolff.nu
www.facebook.com/dewolfficial
https://twitter.com/dewolffmusic
www.instagram.com/dewolfficial/

Musik

MOTÖRHEAD “BAD MAGIC: SERIOUSLY BAD MAGIC”

Motörhead, die Ikonen, die “Godfathers of Heavy Metal“, veröffentlichen ihr 23. (und allerletztes Studioalbum) Bad Magic von 2015 noch einmal.

“Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC“ beinhaltet frisches Bonusmaterial und zwei bisher unveröffentlichte Tracks: “Bullet in Your Brain” und “Greedy Bastards”, sowie eine glanzvolle Live Performance von der Bad Magic Tour beim gigantischen Mt Fuji Festival in Japan 2015.

Album Pre-Order AT THIS LOCATION

Dazu bekommen die Fans ein Audio Interview “War, Love, Death and Injustice” natürlich mit Lemmy, geführt vom Motörhead -Experten, Robert Kiewik, auf der Tour 2015 und wer vielleicht mit Lemmy in Verbindung treten will, kann dies mit dem MURDER ONE Ouija Board, komplettiert mit einer  Ace of Spades Planchette um die Richtung der ‚Konversation‘ anzuzeigen. Dies wird in einem exklusiven Boxset angeboten.

Ein neues  Video für “Bullet In Your Brain” und unveröffentlichtes Footage aus dem Studio während der Bad Magic Aufnahmen. Eine Offenbarung für alle Fans, die sich nach neuen Motörhead Material gesehnt haben.

Watch/Listen to “Bullet In Your Brain”:

Als Bad Magic 2015 veröffentlicht wurde, tat es einen gewaltigen Schlag und alle, die meinten Motörhead wären zahmer geworden, wurden eines Besseren belehrt. Das Album erreichte in Deutschland auf Anhieb die Top 1 Chart Position mit Songs, wie dem Brechkegel “Thunder & Lightning” oder “Teach Them How To Bleed”. Das Album war tough, clean, mean und eines der kompromisslosesten Werke von Motörhead ever! Cameron Webb hatte seinen Anteil daran; er überzeugte die Band, das Album in den NRG North Hollywood, Maple Studios und Grandmaster in Kalifornien live aufzunehmen– zum allerersten Mal in der Ära Kilmister/Campbell/Dee. Von der gewaltigen Punk Energie bei  “Electricity” bis hin zu Queens Brian May, der einen sprühenden Gastauftritt bei “The Devil” hat, dazu gewaltige Aggression, Attitüde und exzellentes Songwriting.

Phil Campbell hat nicht nur seine besten Gitarrenstücke aufgenommen, er hat die besten Solos in einer Dekade abgeliefert und Mikkey Dees Schlagzeugspiel gab dem Motörhead Sound eine neue Resonanz. Dazu Lemmys raue lyrische Lebensreflektion wie bei “Till The End” und natürlich das unglaubliche Rolling Stones Cover  “Sympathy For The Devil”. Eine der versteckten Juwelen des Albums auf „Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC“, ist Motörheads berühmteste, international gefeierte Version des David Bowies Klassiker, “Heroes”. Ursprünglich sollte der Song auf Bad Magic (2015) erscheinen, wurde jedoch in der letzten Minute wieder heruntergenommen. Jetzt aber fand „Heroes“ seinen Platz auf “ SERIOUSLY BAD MAGIC“.

„Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC“ wird in den folgenden Formaten veröffentlicht : 2-fach 12” Vinyl, CD Digipak mit  Bonus Disc, Limited Edition Boxset, Digital Download und Streaming. Das  Limited Edition Boxset enthält das CD Digipak mit Bonus Disc, Doppel- 12” Vinyl, das exklusive Lemmy War, Love, Death and Injustice Audio Interview auf 12” Vinyl und die Edition Motörhead – MURDER ONE Ouija Board mit Planchette.

Pre-order aller Formate at this location

Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC Tracklist:

  1. Victory Or Die
  2. Thunder & Lightning
  3. Fire Storm Hotel
  4. Shoot Out All of Your Lights
  5. The Devil
  6. Electricity
  7. Evil Eye
  8. Teach Them How To Bleed
  9. Till The End
  10. Tell Me Who To Kill
  11. Choking On Your Screams
  12. When The Sky Comes Looking For You
  13. Sympathy For The Devil
  14. Heroes
  15. Bullet In Your Brain
  16. Greedy Bastards


Live at Mt Fuji Rock Festival 2015 – Sayonara Folks!

Tracklist:

  1. We Are Motörhead
  2. Damage Case
  3. Stay Clean
  4. Metropolis
  5. Over the Top
  6. String Theory
  7. The Chase is Better Than the Catch
  8. Rock It
  9. Lost Woman Blues
  10. Doctor Rock
  11. Just ‘Cos You Got the Power
  12. Going to Brazil
  13. Ace of Spades
  14. Overkill

Motörhead:
Lemmy Kilmister – Vocals/Bass
Phil Campbell – Guitars
Mikkey Dee – Drums

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Official Motörhead

LAIBACH - LOVE IS STILL ALIVE-EP VÖ: 20.01.2023 VIA MUTE/[PIAS]
Musik

LAIBACH – LOVE IS STILL ALIVE-EP

LAIBACH haben mit „Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)“ das erste Stück einer 8-Track-EP veröffentlicht, die am 20. Januar 2023 auf CD und digital erscheint (die Vinylversion folgt im März). Ab Ende Oktober ist das slowenische Kunst-Kollektiv bereits auf „The Coming Race-Tour“, darunter auch auf vielen Stationen in Deutschland. Details weiter unten.

„Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)“ auf YouTube:

„Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)“

Der Plot: Nahe Zukunft zu Beginn des dritten Jahrtausends. Der Planet Erde, den wir einst als unsere Heimat kannten, ist nur noch ein toter Felsen, der im All treibt, zerstört durch Kriege, Pandemien und all das Böse, das Menschen tun. Das Gleiche gilt für den Mond, der einst als Sprungbrett in die Weiten des Universums diente, später aber zu einem Zufluchtsort für die letzten Menschen wurde. Jetzt rasen die Überreste der Menschheit in einem einzigen Raumschiff durch das Universum, an Bord die wenigen Glücklichen, die vor der Vernichtung gerettet wurden. Sie sind auf dem Weg zum Mars, wo einst alles Leben seinen Ursprung hatte. Sie mögen ihre Geschichte und ihren Planeten verloren haben, aber solange sie einen Hoffnungsschimmer und ein rotes Licht haben, das in der Dunkelheit leuchtet, werden sie mutig dorthin gehen, wo noch nie jemand zuvor gewesen ist – solange die Liebe noch am Leben ist.

LAIBACH - LOVE IS STILL ALIVE-EP VÖ: 20.01.2023 VIA MUTE/[PIAS]
LAIBACH – LOVE IS STILL ALIVE-EP
VÖ: 20.01.2023 VIA MUTE/[PIAS]
Die „Love Is Still Alive“-EP verfolgt die Reise der Überlebenden durch unser Sonnensystem, und ist zugleich eine Reise durch einige der „Space“-Musikgenres der letzten Jahrzehnte. Die EP ist eine Fortführung jener Musik, die für den Film „Iron Sky – The Coming Race“ (Regie: Timo Vuorensola, 2019) entstanden ist, ein heimliches musikalisches Sequel sozusagen.
(Die Musik die Laibach für „Iron Sky – The Coming Race“ selbst eingespielt haben, soll 2023 zusammen mit einem eigens entwickelten Videospiel veröffentlicht werden. Schön, dass Sie fragen.)

Laibach wurden in der damaligen jugoslawischen Industriestadt Trbovlje gegründet. Gegründet in dem Jahr, in dem der Gründervater des Landes, Tito, starb, stieg die Band zu einer der international bekanntesten Bands auf, die aus den ehemaligen kommunistischen Ländern Ost- und Mitteleuropas hervorgingen, und wurde kürzlich zu einer der ersten Bands, die in Nordkorea auftraten. 2019 veröffentlichten sie eine laibach‘sche Interpretation von „The Sound of Music“, die während ihrer Reise nach Nordkorea entstand, 2020 feierten sie vier Jahrzehnte mit „Laibach Revisited“.
Ein Album mit Musik aus der gefeierten Theaterproduktion „Wir sind das Volk (ein Musical aus Deutschland)“, die auf den Schriften von Heiner Müller (1929-1995) basiert, folgte 2022. Kürzlich erst kündigten Laibach an, dass diplomatische Verhandlungen für eine Aufführung von „Alamut,“ einem symphonischen Originalwerk, das in Zusammenarbeit mit iranischen Komponisten und Interpreten komponiert wurde, in Teheran im Gange sind.

LAIBACH – THE COMING RACE TOUR – 2022 / 2023
26.10. Ludwigshafen, Pfalzbau
27.10. Schorndorf, Club Manufaktur
28.10. CZ-Prag, Palac Akropolis
29.10. Bochum, Christuskirche
30.10. NL-Arnhem, Luxor Live
02.11. PL-Danzig, B90
03.11. PL-Krakau, 3 Klub Kwadrat
04.11. Dresden, Kulturzentrum Strasse E
05.11. HU-Budapest, A 38
23.01. CH-Lausanne, Les Docks
24.01. Rostock, Nikolaikirche
25 01. DK-Kopenhagen, Bremen Teater
26.01. SE_Göteborg, Pustervik
28.01. FI-Helsinki, Savoy Theatre
29.01. EE-Tallinn, Vaba Lava
31.01. SE-Stockholm, Lilla Cirkus
01.02. NO-Oslo, Marmorsalen
02.02. DK-Aarhus, VoxHall
03.02. Berlin, Astra
04.02. Leipzig, Schauspiel
06.02. München, Muffathalle

Tickets unter:
https://www.laibach.org/future-events/

Tracklisting:
01 – Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)
02 – Love Is Still Alive II (Venus, Libidine)
03 – Love Is Still Alive III (Mercury, Dopamine)
04 – Love Is Still Alive IV (Neptune, Oxytocin)
05 – Love Is Still Alive V (Uranus, Prolactin)
06 – Love Is Still Alive VI (Saturn, Insomnia)
07 – Love Is Still Alive VII (Jupiter, Tristitia)
08 – Love Is Still Alive VIII (Mars, Dysphoria)

Vorbestellungen:
https://mute.ffm.to/lb-lisa

»Love Is Still Alive I (Moon, Euphoria)« auf YouTube:

Recent Praise:
“A version of The Sound of Music that you can march to” – New Internationalist (The Sound of Music)

„… stirring, funny and thought provoking“ – The Guardian (The Sound of Music)

„Playful, poignant, sublime and ridiculous… Laibach continue to hold up a mirror to a divided world.“ – The Quietus (The Sound of Music)

… a perfect vehicle for the themes which possess the group” – MOJO (Wir sind das Volk)

“Stirring sturm und drang” – Uncut (Wir sind das Volk)

“… blending spoken and sung texts with reverb-drenched piano, strings, and electronics” – The Wire (Wir sind das Volk)

“This is not easy listening but it is arguably Laibach’s most sonically rich, least ironic, most mature work to date” – Classic Rock (Wir sind das Volk)

Web:
www.laibach.org
www.mute.com

Musik

BLACK SABBATH veröffentlichen HEAVEN AND HELL und MOB RULES DELUXE EDITIONS

Ronnie James Dio wurde 1979 Mitglied von Black Sabbath und mit dem neuen Sänger entstanden die beiden unglaublichen Alben Heaven And Hell und Mob Rules. Auf beiden Klassikern sticht der formidable Gesang – Ronnies Tenor – und auch das Gothic-angehauchte Songwriting hervor – das Ganze gemischt mit messerscharfen Riffs und intensiven Grooves.

BMG ehrt dieses leider sehr kurzlebige Quartett mit Ronnie James Dio mit zwei neu-gemasterten Versionen beider Alben. HEAVEN AND HELL: DELUXE EDITION und MOB RULES: DELUXE EDITION werden separat am 4. und 18. November 2022 veröffentlicht. Beide Alben gibt es als 2-fach CD oder 2-fach Vinyl. Beide Vinyl Ausgaben beinhalten eine Auswahl von Bonus Material. Und natürlich sind beide Alben digital und via Streaming erhältlich.

PRE-ORDER HERE: https://blacksabbathband.lnk.to/HHMRPR

Als Dio 1979 ein Teil von Black Sabbath wurde, fand er in Tony Iommi (Gitarre), Geezer Butler (Bassist) und Drummer Bill Ward Gleichgesinnte.  Als Heaven And Hell im April 1980 auf den Markt kam, wurde es mit überschwänglichen Kritiken überschüttet. Das Album erreichte Platin in den USA.

Die HEAVEN AND HELL: DELUXE EDITION kommt mit verschiedenen Bonus Tracks, wie zum Beispiel “Children Of The Sea” und “Die Young”-  live aufgenommen 1980 in Hartford, CT. Das Set endet mit live Raritäten wie “E5150” und “Neon Knights”.

1981 marschierte die Band wieder ins Studio und begann mit den Aufnahmen zu Mob Rules, diesmal mit Vinny Appice am Schlagzeug. Veröffentlicht wurde das Album im Oktober 1981 und bekam nicht nur umgehend eine Goldene Schallplatte sondern entwickelte sich auch zu einem unvergesslichen Black Sabbath Klassiker mit Songs wie: “The Sign Of The Southern Cross”, “Turn Up The Night” und dem Titel Track Heaven and Hell.

MOB RULES: DELUXE EDITION kommt mit einer ausgedehnten Sammlung rarer und unveröffentlichter Aufnahmen. Mit zusätzlichen Tracks von der Veröffentlichung Live At Hammersmith Odeon beinhaltet die Kollektion eine neue Mixversion von “The Mob Rules.” Und das Sahnehäubchen ist die Aufnahme eines kompletten Konzertes von 1982 in Portland, OR. Die Highlights sind u.a. “Neon Knights”, “Heaven And Hell” und “Voodoo.”

BLACK SABBATH veröffentlichen HEAVEN AND HELL und MOB RULES DELUXE EDITIONS: 2-CD und 2-LP Versionen der Black Sabbath Alben mit Ronnie James Dio Remastered mit unveröffentlichten Songs

HEAVEN AND HELL: DELUXE EDITION

2-CD Track Listing

Disc One: Original Album (2021 Remaster)

  1. “Neon Knights”
  2. “Children Of The Sea”
  3. “Lady Evil”
  4. “Heaven And Hell”
  5. “Wishing Well”
  6. “Die Young”
  7. “Walk Away”
  8. “Lonely Is The Word”

Disc Two: Bonus Tracks

  1. “Children Of The Sea” – Live B-Side Of “Neon Knights”
  2. “Heaven And Hell” – Live B-Side Of “Die Young”
  3. “Lady Evil” – 7” Mono Edit (unreleased on CD)

Hartford Civic Center, Hartford, CT (August 10, 1980)

  1. “Neon Knights”
  2. “Children Of The Sea”
  3. “Heaven And Hell”
  4. “Die Young”

Hammersmith Odeon, London (Dec 31, 1981- Jan 2, 1982)

  1. “E5150”
  2. “Neon Knights”
  3. “Children Of The Sea”
  4. “Heaven And Hell”

2-LP Track Listing

Side One

  1. “Neon Knights”
  2. “Children Of The Sea”
  3. “Lady Evil”
  4. “Heaven And Hell”

Side Two

  1. “Wishing Well”
  2. “Die Young”
  3. “Walk Away”
  4. “Lonely Is The Word”

Side Three

  1. “Children Of The Sea” – Live B-Side Of “Neon Knights”
  2. “Heaven And Hell” – Live B-Side Of “Die Young”
  3. “Lady Evil” – 7” Mono Edit (unreleased on CD)
  4. “Neon Knights” – Live 1980

Side Four

  1. “Children Of The Sea” – Live 1980
  2. “Heaven And Hell” – Live 1980
  3. “Die Young” – Live 1980

MOB RULES: DELUXE EDITION

2-CD Track Listing

Disc One: Original Album (2021 Remaster)

  1. “Turn Up The Night”
  2. “Voodoo”
  3. “The Sign Of The Southern Cross”
  4. “E5150”
  5. “The Mob Rules”
  6. “Country Girl”
  7. “Slipping Away”
  8. “Falling Off The Edge Of The World”
  9. “Over And Over”

Bonus Tracks

  1. “The Mob Rules” – Heavy Metal Soundtrack Version
  2. “Die Young” – Live B-Side Of “Mob Rules” 7”
  3. “The Mob Rules” – New 2021 Mix *

Live At The Hammersmith Odeon London (31/12/81 – 2/1/82)

  1. “Country Girl”
  2. “Slipping Away”
  3. “The Mob Rules”
  4. “Voodoo”

Live At Portland Memorial Coliseum, Portland, OR, April 22, 1982

  1. Intro *
  2. “Neon Knights” *

Disc Two: Bonus Tracks

Live At Portland Memorial Coliseum, Portland, OR, April 22, 1982

  1. “N.I.B.” *
  2. “Children Of The Sea” *
  3. “Voodoo” *
  4. “Black Sabbath” *
  5. “War Pigs” *
  6. Drum Solo *
  7. “Iron Man” *
  8. “The Mob Rules” *
  9. “Heaven And Hell” *
  10. Guitar Solo *
  11. “Sign Of The Southern Cross/Heaven And Hell” – Reprise *
  12. “Paranoid” *
  13. “Children Of The Grave” *

2-LP Track Listing

Side One

  1. “Turn Up The Night”
  2. “Voodoo”
  3. “The Sign Of The Southern Cross”
  4. “E5150”
  5. “The Mob Rules”

Side Two

  1. “Country Girl”
  2. “Slipping Away”
  3. “Falling Off The Edge Of The World”
  4. “Over And Over”

Side Three

  1. “The Mob Rules” – Heavy Metal Soundtrack Version
  2. “Die Young” – Live B-Side Of “Mob Rules” 7”
  3. “The Mob Rules” – New 2021 Mix *
  4. “Sign Of The Southern Cross/Heaven And Hell” – Reprise *

Side Four

Live At The Hammersmith Odeon London (31/12/81 – 2/1/82)

  1. “Country Girl”
  2. “Slipping Away”
  3. “The Mob Rules”
  4. “Voodoo”

* previously unreleased

VÖ: HEAVEN AND HELL am 04. November 2022 /BMG – VÖ: MOB RULES am 18. November 2022/BMG

Musik

DeWolff veröffentlichen neues Album „Love, Death & In Between“

DeWolff werden ihr brandneues Album ‚Love, Death & In Between‘ am 3. Februar über Mascot Records / Mascot Label Group veröffentlichen. Außerdem veröffentlichten sie das Video zum neuen Song „Heart Stopping Kinda Show“.

Die Band startet außerdem eine 13-tägige Europatournee als Support von The Black Crowes.

Video Premiere „Heart Stopping Kinda Show“:

DeWolff sind keine Band, die stillsitzt. Sie gedeihen durch ständige Bewegung. Von psychedelischen Southern-Rock-Kriegern zu Abgesandten des Soul. In den letzten vier Jahren haben sie fünf Alben veröffentlicht, wobei 2021s Wolffpack ihr bestes Album wurde, das in ihrer Heimat auf Platz 2 der Charts landete und nur durch die Foo Fighters wurde ihnen der Spitzenplatz streitig gemacht.

‚Love, Death & In Between‘ ist eine Reaktion auf ihre beiden vorherigen Studioalben. ‚Tascam Tapes‘ wurde unterwegs mit einem Vierspur-Kassettenrekorder aus den 1980er Jahren aufgenommen. ‚Wolffpack‘ wurde im Pandemie Jahr mit Social Distance in ihrem Utrechter Electrosaurus Southern Sound Studio aufgenommen.

„Ich liebe die kontrollierte Umgebung des Studios“, sagt Pablo. „Aber normalerweise verbringen wir einen Monat oder ein paar Wochen im Studio, dann gehen wir auf Tour, und dann herrscht Chaos. Das sind verrückte Sachen, Improvisation, Leute, die auf deine Musik reagieren, und du reagierst auf sie. Das ist es, was wir vermisst haben. Wir haben uns am Ende der Corona-Zeit so sehr danach gesehnt. So entstand die Idee zu dieser neuen Platte. Wir wollten etwas mit Menschen machen, mit so vielen Menschen wie möglich.“

Bei einem Besuch in Memphis wurde Pablo buchstäblich vom Blitz getroffen. „2019 besuchte ich eine Predigt von Al Green in seiner eigenen Kirche, und das war eine lebensverändernde Erfahrung, musikalisch gesehen“, erinnert sich Pablo.

„Ich war buchstäblich eine Minute da drin und habe geweint. Ich habe die ganze Predigt über geweint, weil sie so schön war. Er sprach über jemanden, der seine Rechnungen nicht bezahlen kann, und er sagte: ‚Ich rufe den allmächtigen Retter an, um ihr zu helfen, und das wurde mit einer Runde von ‚Yeaaah! Yeaaah’s!‘ und die Band spielte nur zwei Akkorde, und es war so schön. Das hat mich zutiefst berührt. Es hat einen tiefen Eindruck bei mir hinterlassen. Ich wollte so etwas unbedingt bei einer Live-Show machen, aber wir hatten keine Songs, in die es gepasst hätte. Als wir dann anfingen, neue Songs zu schreiben, dachte ich mir: Ja, lass uns so etwas machen. Eine sehr einfache Akkordfolge, aber mit dieser fast religiösen Erfahrung. Denn schließlich ist Musik für uns wie eine Religion. Sie ist etwas, das wir ständig im Kopf haben. Es ist etwas, dem wir unser ganzes Leben widmen.“

Im Mai 2022 fuhren sie nach Loguivy-Plougras in der Bretagne, welches das analoge Studio Kerwax (https://www.kerwax.com/museum/) beheimatet. „Wir dachten, wir sollten uns auf ein Abenteuer einlassen“, sagt er. Im Nordwesten Frankreichs gelegen und von Wäldern umgeben, zogen sie sich in das atemberaubende Wohnstudio zurück, das von Vintage-Aufnahmegeräten aus den 1940er bis 1970er Jahren umgeben ist.

Die Brüder Pablo (Gitarre/Gesang) und Luka van de Poel (Schlagzeug/Gesang) sowie Robin Piso (Hammond/Wurlitzer) nahmen die Aufnahmen live und ohne Overdubs auf und wurden dabei von zahlreichen Freunden unterstützt. „Wir haben zusätzliche Leute mit nach Frankreich gebracht. Mit zehn Leuten in einem Raum zu spielen ist chaotisch. Bei jedem Take, den man macht, ist jemand nicht damit zufrieden, wie er spielt. Aber man erkennt, worauf es bei einem Take ankommt“.

Alles wurde komplett analog und direkt auf Band aufgenommen, bei der Herstellung des Albums wurden keine Computer verwendet. Die Bänder wurden dann zu einem Mastering-Ingenieur geschickt, der den Lackschnitt für die Vinylpressung herstellte – auch dieses Mastering und der Schnitt erfolgten vollständig analog (https://www.vinylherstellung.de/vinyl-pressung/).

Die Themen wurden teilweise von Romanen amerikanischer Autoren des 20. Jahrhunderts inspiriert, die Pablo während der Pandemie gelesen hatte. Besonders John Steinbecks ‚Tortilla Flat‘, ein Schelmenroman von 1935. „Es gibt ein Zitat von ihm: ‚Die gute Geschichte liegt in halb erzählten Dingen, die aus der eigenen Erfahrung des Hörers ausgefüllt werden müssen‘, und das war etwas, was ich mit den Texten auf dieser Platte wirklich tun wollte.“

Zur gleichen Zeit tauchte die Band tief in alte Soul- und R&B-Platten ein – Sam Cooke, The Impressions, The Coasters, The Clovers, Ray Charles und Little Richard – sowie in eine kräftige Dosis Gospel – The Soul Stirrers, Al Green und frühe Platten von The Staple Singers.

Einige Songs auf dem Album tragen ihr Herz auf der Zunge, wie z.B. „Counterfeit Love“, während das 16-minütige Epos „Rosita“ ihre Entwicklung zeigt. „Wie ich jetzt schreiben möchte, spiegelt sich in Songs wie diesem wider“, sagt er. „Ich wollte, dass sich diese Texte wie eine Geschichte anfühlen, aber auch wie eine Reise in sich selbst“, erklärt er. Was als kleine Geschichte über eine Highschool-Liebe beginnt, explodiert zu einer Geschichte über die Göttin der Liebe und des Todes, die in „The Queen of Space and Time“ mündet. „Es ist dieselbe Person. Es geht um diese gottähnliche weibliche Figur, die alle Arten von verrückten, dunklen Dingen kontrolliert. Bei Rosita kann man nur mit ihr zusammen sein, wenn man schläft oder tot ist, es ist also eine Kombination aus Liebe und Tod. Daher kommt auch der Name des Albums.“

‚Heart Stopping Kinda Show‘ ist ein weiterer vielseitig interpretierbarer Song: „Es geht darum, wie ich das Leben sehe“, sagt er. „Das Leben ist eine herzzerreißende Art von Show. Ich habe mit ‚Tortilla Flat‘ (John Steinbeck Roman von 1935) im Hinterkopf geschrieben. Diese Charaktere denken nicht ständig über alles nach; sie leben, trinken Wein und haben diese schönen Momente. Sie führen das ultimative Leben. In dem Song wollte ich die Dinge im Leben beschreiben, die schön sind.“

‚Will o‘ the Wisp‘ hat eine verführerische Düsternis, während Songs wie ‚Night Train‘, ‚Message for my Baby‘ und ‚Wontcha Wontcha‘ fröhliche Gassenhauer sind.

DeWolff verließ die ländliche Umgebung der Bretagne mit zwölf Songs, die auf vier Bändern aufgenommen wurden, mit Freunden, die Spaß hatten und sich an das erinnerten, was ihnen am wichtigsten ist. Mit einer Mischung aus Al Green, Sam Cooke und John Steinbeck haben sie einige ihrer gefühlvollsten und mitreißendsten Songs geschaffen. Wenn sie singen: „Hey there baby won’t you come on in, I got plenty old records that we can play, some rhythm & blues some old rock ’n roll, yes the type of stuff that can save a soul“, sollte man sich fallen lassen und sich von DeWolff zurück in die Zeit versetzen lassen.

13-tägige Europatournee als Support von The Black Crowes:
30.09. Antwerp, Belgium – Lotto Arena
01.10. Amsterdam, Netherlands – AFAS Live
05.10. Paris, France – L’Olympia
07.10. Frankfurt, Germany – Jahrhunderthalle
08.10. Bochum, Germnay – RuhrCongress Bochum
10.10. Berlin, Germany – Tempodrom
11.10. Hamburg, Germany – Barclays Arena
13.10. Milan, Italy – Alcatraz
14.10. Zürich, Switzerland – Samsung Hall
16.10. Barcelona, Spain – Sant Jordi Club
18.10. Madrid, Spain – WiZink Center

Mehr Infos:
www.dewolff.nu
www.facebook.com/dewolfficial
https://twitter.com/dewolffmusic
www.instagram.com/dewolfficial/

Musik

Loreena McKennitt “UNDER A WINTER’S MOON”

Neues Album – Loreena McKennitt “UNDER A WINTER’S MOON” – eine Sammlung von Musik und Spoken Words am 18.11.2022

Im Dezember 2021 spielte Loreena McKennitt eine Reihe von Konzerten in einem historischen Venue in Stratford, Kanada, die live aufgenommen wurden und nun als das 16. Album „ Under A Winter’s Moon“ auf den Markt kommt.

Die zweifach CD mit einem 6 Seiten Digipak-Buch wird am 18. November 2022 über ihr eigenes Label, Quinlan Road, veröffentlicht. Das Album beinhaltet 15 weihnachtliche Songs, durchzogen mit entsprechend weihnachtlichen Geschichten von den kanadischen Schauspielern /Sängern Tom Jackson und Cedric Smith und dem indigenen Ojibway Künstler und Flötist ,Jeffrey Red George.

Das Album wird gleichfalls digital, gemischt im Dolby Atmos Surround Sound, veröffentlicht.

Gespickt mit saisonalen Favoriten wie “Coventry Carol”, “Good King Wenceslas” und dem “Huron Carol”. Das erste Set beginnt mit der Lesung von Jackson The Sky Woman Story, einer indigenen Geschichte und die zweite Lesung beinhaltet, aufgeteilt in sechs Abschnitte,  A Child’s Christmas in Wales, eine bewegende und nostalgische Prosa des walisischen Poeten Dylan Thomas.

Das ist das allererste Mal, dass Loreena McKennitt “Huron Carol” aufgenommen hat. Ebenfalls bekannt unter  “’Twas in the Moon of Wintertime”, ist der Song das  älteste bekannteste kanadische Weihnachtslied. 1642 geschrieben von Jean de Brébeuf, einem jesuitischen Missionar in Sainte-Marie. Brébeuf’s Lyrics wurden im Original in der Sprache der Huron-Wendat Einwohner geschrieben.

Ausschnitt “Huron Carol” – Video hier zu sehen:

“An einigen Winter Abenden um den 21. Dezember herum, haben meine musikalischen Freunde und ich diese besonderen Konzerte mit der Mischung aus Liedern und Spoken Words gewebt“, schreibt McKennitt in ihren Liner Notes. “…Ich habe versucht, wörtliche Elemente der verschiedenen Kulturen mit Traditionen zu verbinden, um uns inspirieren zu lassen, aber auch die Vergangenheit aufleben zu lassen. Speziell um an die alten Zeiten zu erinnern und die Art der Kommunikation und was es in im Leben bedeutete und noch immer  bedeutet.”

Loreena hat das Album aufgenommen und zu ihrem Gesang noch Harfe, Keyboard und Akkordeon gespielt. Begleitet wurde sie von Caroline Lavelle am Cello, Graham Hargrove/ Percussion, Errol Fischer/Geige, Pete Watson/ Gitarre und 12-Saiten Bouzouki, und Cait Watson/ Irische Pfeife. Alle Musiker sind als Backup Vocals ebenfalls zu hören.

Under A Winter’s Moon wurde in der Knox Church in Stratford, Ontario, Kanada aufgenommen, und von dem Multi-Award-Gewinner, Jeff Wolpert gemixt und gemastert im Desert Fish in Toronto.

Mit ihrem eklektischen, keltischen Mix aus Pop, Folk und Weltmusik hat die Kanadierin über 15 Millionen Alben verkauft. Ihre Aufnahmen haben Gold, Platin und Multi-Platin Auszeichnungen gewonnen, sie wurde bereits zweimal für den Grammy nominiert, hat zwei Juno Awards gewonnen und den Billboard International Achievement Award.

Ihre Auftritte haben immer eine ganz besondere Magie und sie hat weltweit in historischen Venues gespielt – in der  Carnegie Hall  bis hin zur berühmten Alhambra in Granada, Spanien und ebenfalls hat sie vor großen Ehrenträgern gespielt, einschließlich der  verstorbenen  Queen Elizabeth II und König  Charles III.

Darüber hinaus engagiert sich Loreena McKennitt in vielen philantrophischen Initiativen:

2004 wurde McKennitt mit dem  Order of Canada ausgezeichnet und 2013 zum Knight of the National Order of Arts and Letters der Republik Frankreich ernannt.

Mehr infos unter:
www.UnderAWintersMoon.com
Website: www.LoreenaReVisited.com
Twitter: @Loreena #LoreenaReVisted
Instagram: @LoreenaMcKennitt #LoreenaReVisited

Musik

“CHICK COREA: THE MONTREUX YEARS”

DAS MONTREUX JAZZ FESTIVAL & BMG KÜNDIGEN DEN NÄCHSTEN RELEASE AUS DER “THE MONTREUX YEARS”-REIHE AN. AUF “CHICK COREA: THE MONTREUX YEARS” ERSTRAHLEN DIE AUFTRITTE DES 23-FACHEN GRAMMY AWARD-GEWINNERS ZWISCHEN 1981-2010 IN NEUEM GLANZ

Das Montreux Jazz Festival und BMG kündigen heute den nächsten Teil der erfolgreichen “The Montreux Years”-Reihe an: “Chick Corea: The Montreux Years” erscheint am Freitag, den 23. September 2022 und stellt eine Sammlung der sehenswertesten Auftritte Chick Coreas dar, die die Jazz-Ikone während seiner 21 Jahre umfassenden Gastspielzeit auf dem Montreux Jazz Festival zwischen 1981 und 2010 gespielt hat. Nachdem die Aufnahmen mit größter Sorgfalt restauriert und gemastert wurden, ist das Material nun in verschiedenen Formaten erhältlich; darunter als schweres Vinyl in höchster Klangqualiät, als CD sowie auf allen gängigen Plattformen als hoch aufgelöster HD-Audio-Stream.

PRE-ORDER CHICK COREA: THE MONTREUX YEARS HERE

Chick Corea gilt bis heute als einer der herausragendsten und führenden Jazz-Pianisten der Post-John Coltrane-Ära. Ein Ausnahmemusiker, der in den späten 1960er-Jahren als Mitglied der legendären Miles Davis Band entscheidenden Anteil an der Geburt des Genres Jazz Fusion hatte. Während seiner Karriere stellte der amerikanische Jazz-Pianist eine feste Größe auf dem Montreux Jazz Festival dar, das er nicht weniger als 23 mal in verschiedenen Line-Ups beehrte. Die Tracklist der “Chick Corea: The Montreux Years”-Sammlung wurde aus sechs dieser Auftritte auf dem international renommierten Festival aus den Jahren 1981 bis 2010 zusammengestellt und fängt Coreas Zeit auf dem Montreux Jazz Festival in außergewöhnlicher Klangqualität ein – wie schon der Opener “Fingerprints” von seinem Grammy-ausgezeichneten Album “Trilogy” zeigt, der hier in einer Liveaufnahme aus dem Jahr 2001 zu hören ist.

Alle Fans des unsterblichen Jazz Fusion-Pioniers können auf “Chick Corea: The Montreux Years” noch einmal in zeitlose Evergreens eintauchen, die nicht nur Chicks Karriere definiert, sondern auch ein Millionenpublikum rund um den Globus begeistert haben: So wie der Track “Bud Powell” vom 1997er Album “Remembering Bud Powell”. Zur Exkursion in Chicks Repertoire Klassischer Musik laden die Stücke “Quartet No. 2” vom 1981 erschienenen “Three Quartets” und “Trinkle Tinkle” vom “Piano Improvisations Vol. 2”-Album aus dem Jahr 1972 ein.

© 2021 Collection Studio Curchod/EV. , tous droits rŽservŽs

Als 23-facher Grammy-Gewinner und herausragender Tasten-Virtuose gilt Chick Corea bis heute als echte Musiklegende, die mit ihrer fünf Dekaden umfassenden, beispiellosen Kreativität Bahnbrechendes geleistet hat. Mit insgesamt 65 Nominierungen belegt Chick Corea zudem Rang 4 der meist-nominierten Preisträger in der Geschichte der Grammy Awards und konnte ebenfalls drei Latin Grammy Awards in der Kategorie “Best Instrumental Album” entgegennehmen – mehr als jede: andere Künstler:in bisher. Und auch nach seinem Tod lebt Chick Corea in den Herzen seiner Fans in aller Welt weiter, die die Erinnerung an seine bewundernswerte und inspirierende Weltkarriere lebendig halten.

Die im Jahr 2021 gegründete “The Montreux Years”-Serie fängt den Geist des Montreux Jazz Festivals ein und markiert das Vermächtnis seines beliebten Gründers, Claude Nobs. Mit seiner strikten Weigerung, irgendwelche Qualitätskompromisse einzugehen und sich mit nicht weniger, als dem Besten zufriedenzugeben, setzte Nobs Maßstäbe – eine Philosophie, die sich heute in der außerordentlichen Qualität der Aufnahmen der “The Montreux Years”-Reihe fortsetzt. Für das Mastering zeichnet Tony Cousins in den legendären Metropolis Studios in London verantwortlich, wo der Originalklang der Liveaufnahmen mittels der speziell entwickelten MQA-Technologie eingefangen wird. Wie alle bisher erschienenen Teile der “The Montreux Years”-Reihe wird auch “Chick Corea: The Montreux Years” von exklusiven Liner-Notes und bisher unveröffentlichten Fotos komplettiert.

“Chick Corea: The Montreux Years” ist ab sofort vorzubestellen und erscheint am Freitag, den 23. September 2022. Die Songsammlung stellt den bisher sechsten Teil der “The Montreux Years”-Reihe dar, die ihren Auftakt mit Musiktitanen wie Nina Simone und Etta James fand, gefolgt von Marianne Faithfull und Muddy Waters sowie der 2022 erschienenen John McLaughlin-Songsammlung. “Nina Simone: The Montreux Years” und “John McLaughlin: The Montreux Years” wurden weltweit von Fans und Medien gefeiert und stiegen jeweils auf dem 1. Platz in die britischen Jazz & Blues Album-Charts ein.

LP-TRACKLISTING

Side A
Fingerprints (Live – Montreux Jazz Festival 2001)
Bud Powell  (Live – Montreux Jazz Festival 2010)

Side B
Quartet No. 2 (Pt.1)  (Live – Montreux Jazz Festival 1988)
Interlude  (Live – Montreux Jazz Festival 2004)

Side C
Who’s Inside the Piano  (Live – Montreux Jazz Festival 1993)
Dignity (Live – Montreux Jazz Festival 2001)
America (Continents Pt 4) (Live – Montreux Jazz Festival 2006)

Side D
New Waltz  (Live – Montreux Jazz Festival 1993)
Trinkle Tinkle  (Live – Montreux Jazz Festival 1981)

CD-TRACKLISTING
Fingerprints (Live – Montreux Jazz Festival 2001)
Bud Powell  (Live – Montreux Jazz Festival 2010)
Quartet No. 2 (Pt. 1)  (Live – Montreux Jazz Festival 1988)
Interlude (Live – Montreux Jazz Festival 2004)
Who’s Inside the Piano (Live – Montreux Jazz Festival 1993)
Dignity (Live – Montreux Jazz Festival 2001)
America (Continents Pt. 4) (Live – Montreux Jazz Festival 2006)
New Waltz (Live – Montreux Jazz Festival 1993)

PRE-ORDER CHICK COREA: THE MONTREUX YEARS HERE
CHICK COREA: The Montreux Years
1CD, 2LP, Digitale Formate
VÖ: 23.9.2022

Musik

Gilbert O’Sullivan „Let Me Know“

Gilbert O’Sullivan – einer der meist verehrten Singer-/ Songwriter seiner Generation kündigt die Veröffentlichung seiner neuen Single „Let Me Know“ an!

Heute veröffentlicht die BMG mit „Let Me Know‘ die zweite Singleauskopplung aus Gilbert O’Sullivans mittlerweile zwanzigstem Studioalbum „Driven“, das am 22. Juli erscheint.

Für das den Song begleitende Video wurde ein spezieller Mix erstellt, der ermöglicht, den Clip mittels Kopfhörer zu einem einmaligen immersiven 360 Reality Audio-Erlebnis werden zu lassen. Der Longplayer wird ab 22. Juli in 360 Reality Audio auf Amazon Music Unlimited, Deezer und Tidal erhältlich sein. 360 Reality Audio – ein immersives Musikerlebnis – nutzt die Spatial Sound Technologie von Sony. Durch diese wird es möglich, einzelne Sounds in einem sphärischen 360°-Klangfeld zu arrangieren, was dem Hörer ein einzigartiges, völlig neues Klangerlebnis seiner Lieblingssongs beschert. *Für weitere Informationen siehe unten.

Video mit 350 Reality Audio-Sound: https://gilbertosullivan.lnk.to/LetMeKnowPR

„Let Me Know“, eines der sofort im Ohr bleibenden Highlights von „Driven“, zeigt Gilbert in nachdenklicher Stimmung. Der Song erinnert an das erste Jahrzehnt seiner Karriere, in dem er sich gegen ernsthafte Beziehungen sträubte, weil er befürchtete, dass sich das auf sein Songwriting auswirken könnte. „Aber mir gefiel irgendwie auch der Gedanke, einen Song zu haben, in dem der Mann dem Mädchen sagt: ‚Wenn du nicht mehr mit dem Herzen dabei bist, mach dir keine Sorgen um mich. Ich komme schon klar.‘“

„Let Me Know“ ist ein Song von Gilberts neuem Album „Driven“, das auf sein hochgelobtes, von Ethan Johns produziertes, selbstbetiteltes Album aus dem Jahr 2018 folgt, welches vom MOJO-Magazin mit vier Sternen ausgezeichnet wurde. Die 13 Songs auf „Driven“ offenbaren die außerordentlichen Fähigkeiten eines Songwriters, dessen Gespür, sich bislang unentdeckten Quellen tief hängender melodischer Früchte zu bedienen, größer und ausgeprägter ist denn je. Produziert von Andy Wright und mit einer Live-Band in den legendären RAK-Studios aufgenommen, zeugt das unerwartete Tempo, mit der die Songs entstanden, von der außergewöhnlichen Chemie zwischen O’Sullivan, Wright und einer Hausband bestehend aus Pat Murdoch (Beyonce, Simply Red, Chrissie Hynde), Rich Milner (Morcheeba, James Morrison) und Geoff Holdroyde (Take That, Big Linda), die bereits unmittelbar nach Beginn der Recordings deutlich spürbar war.

Das Album enthält Duette mit der schottischen Singer-/ Songwriterin KT Tunstall („Take Love“) und dem Simply Red-Frontmann Mick Hucknall („Let Bygones Be Bygones“), der ein großer Fan ist. Gilberts außergewöhnliche Fähigkeit, das menschliche Befinden zu erforschen, wird in „Hey Man“ deutlich; „Body and Mind“ ist eine Analyse der Dinge, die einen Segen in unserem Leben darstellen und kommt als eine Art innerer Dialog über die lebenslange Geliebte des Protagonisten daher. Der Song „You and Me Babe“ hingegen behandelt aktuellere Themen – Gilbert stellt hier die Dinge, die unser Leben sinnvoll machen, den Turbulenzen in der Welt gegenüber und spart dabei auch einen subtilen Verweis auf den Klimawandel nicht aus. „If Only Love Had Ears“ wird von einem äußerst zarten Streicherarrangement umrahmt  und ist wohl einer der schönsten Songs, die aus Gilbert O’Sullivans Feder stammen.

Weiterhin finden sich auch eine Reihe nachdenkliche Songs auf dem Album – neben dem bereits erwähnten „Let Me Know“ auch in Form des eingängigen Aushängeschilds auf „Driven“ – „Blue Anchor Bay“, in dem er in Erinnerungen über seine Teenagerzeit in Swindon und den regelmäßigen Schulausflügen schwelgt, die ihn und seine Freunde eben an jenen Strand von Somerset führten, der im Titel des Songs verewigt ist.

Im Grunde ist „Driven“ ein Album, das ein nuanciertes Porträt eines Mannes bietet, der seine eigenen Werte und sein Selbstverständnis in einer zunehmend chaotischen Welt bekräftigt. Gilbert O’Sullivan war wohl nie ein konventioneller Songwriter, sondern entspricht vielleicht eher der Beschreibung eines britischen Chansonniers, der übrigens von keinem Geringeren als Lenny Kaye – Rockwissenschaftler und Gitarrist der Patti Smith Group – für seine „kunstvoll konstruierten, lyrisch originellen Songs mit einem feinen Sinn für filigrane Details“ gelobt wird. Wie bei Paul McCartney und dem jungen Harry Nilsson – beides Songwriter, für die er eine große Vorliebe hegt – reicht Gilbert O’Sullivans Spannweite über die Parameter des Rock’n’Roll hinaus.
 
„Driven“ Album-Tracklisting:

  1. Love Casualty
  2. Blue Anchor Bay
  3. Let Bygones Be Bygones (featuring Mick Hucknall)
  4. Body and Mind
  5. What Are You Waiting For
  6. Let Me Know
  7. Take Love (featuring KT Tunstall)
  8. Back and Forth
  9. If Only Love Had Ears
  10. You Can’t Say I Didn’t Try
  11. You and Me Babe
  12. Hey Man
  13. Don’t Get Under Each Other’s Skin

„Driven“ wird in den folgenden Formaten erhältlich sein:

  • Limited Edition: Durchsichtige LP
  • Schwarze LP
  • CD (Digipak)
  • Kassette (ausschließlich D2C)
  • Blu Ray (exklusiv via SDE)
  • Digital: SD, HD, UHD und immersive Formate (360 Reality Audio & Dolby Atmos)

Im Vorfeld wurde im April die erste Single/ Video zu „Take Love” veröffentlicht – ein Duett mit KT Tunstall!
“Can’t Say I Didn’t Try” ist die zweite Single und das entsprechende Lyric Video dazu aus dem neuen Album vorab, hier zu sehen und auch erhältlich: https://gilbertosullivan.lnk.to/YCSIDTPR

Lyric Video “Can’t Say I Didn’t Try”:

Album Pre-Order: https://gilbertosullivan.lnk.to/drivenPR

„Weitere klangvolle Ausschnitte aus Gilberts spätem Schaffen“.
«««« MOJO Magazine

„Im Alter von 75 Jahren hat Gilbert O’Sullivan gerade sein bestes Album aufgenommen. Das ist ein Klassiker. Weiter so, Du Legende.“
««««« Shindig! Magazine

Produziert von Andy Wright (Simply Red, Massive Attack, Simple Minds) und mit einer Live-Band in den legendären RAK Studios aufgenommen, Inklusive Features mit den Gästen KT Tunstall und Mick Hucknall

„Alone Again (Naturally) und Nothing Rhymed sind zwei meiner Lieblingssongs. Großartige Texte, großartige Melodien.” – Paul Weller

„Das ewige Genie…” – Tim Burgess (The Charlatans / Listening Party)
 
„Danke DIR für deine wunderschöne Musik.” – Kim Wilde
 
„Ich bin ein gewaltiger Fan.” – Chris Difford (Squeeze)

„Wenn wir schon von den Charts leben müssen, dann sollten wir Gilbert O’Sullivan darin haben.“ – John Peel 

NOTES

Die Karriere von Gilbert O’Sullivan umspannt einen Zeitraum von mehr als 50 Jahren. Seine erste richtige Single „Nothing Rhymed“ wurde 1970 veröffentlicht und erreichte fast über Nacht die Top 10 der britischen Charts. Bereits sein Debütalbum „Himself“ war mit den perfektesten Beispielen seiner Kunst und seines Könnens gespickt. Es gab unzählige Top-10-Singles, darunter den Klassiker „Alone Again (Naturally)“. Mit seinem zweiten Album „Back To Front“ (1972) gelang es Gilbert, sich endgültig in der Weltspitze zu etablieren. Dieses von den Kritikern hochgelobte Album hielt sich erstaunliche sechs Wochen lang an der Spitze sowohl der britischen als auch der US-Charts und brachte ihm nicht nur eine, sondern gleich drei Grammy®-Nominierungen ein.

Auch die verdiente Anerkennung in Großbritannien sollte bald darauf folgen, als die Songs „Clair“ und „Get Down“ die Spitze der britischen Single-Charts erreichten und seine LP „Back To Front“ die nationalen Album-Charts anführte. Im selben Jahr wurde Gilbert bei den 18. Ivor Novello Awards zum „Songwriter des Jahres“ erkoren – bis dato wurden ihm drei Ivor-Novello-Preise verliehen. In jüngster Zeit trat er an der Seite von Künstlern wie Ray Davies auf, war Headliner in Glastonbury (wo er einmal mit Glenn Tilbrook von Squeeze auf der Bühne stand), bei den BBC Proms In The Park und unternahm ausgedehnte Tourneen durch das Vereinigte Königreich, Irland, Europa, Japan und Australien.

Sein letztes nach ihm selbst betitelte Album „Gilbert O’Sullivan“ aus dem Jahr 2018, wurde von den britischen Medien überschwänglich gelobt und erreichte die höchste Position in den britischen Albumcharts seit fast 45 Jahren.

Sein Vermächtnis und sein musikalischer Einfluss wurden von einer Vielzahl von Künstlern gewürdigt, darunter: Paul Weller, Nina Simone, Neil Diamond, James Murphy (LCD Soundsystem), Ron Sexsmith, Har Mar Superstar, Mick Hucknall, Gary Barlow, Boy George, Rumer, The Lemon Twigs und Empire Of The Sun.

Unglaubliche fünfzig Jahre sind vergangen, seit Gilbert O’Sullivan mit „Alone Again (Naturally)“ sechs Wochen lang an der Spitze der US-Billboard-Charts stand. Es war der Song, der Amerika dazu veranlasste, sich Hals über Kopf in eine für unmöglich gehaltene Liebesaffäre mit dem aus Irland stammenden, aber höchst britischen Singer-/Songwriter zu stürzen, die bis heute andauert. Der Song wurde bereits von Künstlern wie Neil Diamond, Nina Simone, Pet Shop Boys und Elton John live gecovert. Es vielleicht nicht allzu verwunderlich, dass sich auch nachfolgende Generationen populärer Künstler – darunter Paul Weller, Squeeze und The Lemon Twigs – mit Stolz als Fans von Gilbert O’Sullivan bezeichnen. Zu seinen zahlreichen Bewunderern zählen auch Tim Burgess (The Charlatans), der ihn persönlich einlud, gleich zwei seiner legendären Listening-Partys auf Twitter zu moderieren.

Weitere Infos unter: http://www.gilbertosullivan.co.uk

*Über 360 Reality Audio
360 Reality Audio ist auf Amazon Music Unlimited, Deezer und TIDAL mit Kopfhörern und unterstützenden Lautsprechern erhältlich und ist ein völlig neuartig, immersives Musikerlebnis, das die objektbasierte 360 Spatial Sound-Technologie von Sony nutzt. Einzelne Sounds wie Gesang, Refrains, Klavier, Gitarre, Bass und sogar Geräusche des Live-Publikums können in einem sphärischen 360°-Klangfeld arrangiert werden, was Künstlern und Kreativen eine neue gänzlich Möglichkeit bietet, ihre Kreativität auszudrücken. Die Zuhörer können in eine Soundwelt eintauchen, das genau den Vorstellungen der Künstler und Produzenten entspricht. Musik, die in diesem neuen Format für 360 Reality Audio erstellt wurden, kann über die Smartphone-Apps kompatibler Musik-Streaming-Dienste genossen werden. Offizielle Website von 360 Reality Audio.

Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years
Musik

Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years

Der Soundtrack deines Sommers: Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years.

Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years
Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years

Über 4 Stunden feinster Deep House & Chill Sound in the Mix!
4 CD / 4 Vinyl / Download / Stream: Out 24.06.2022

Die „Kontor Sunset Chill“-Reihe ist seit Jahren die beliebteste und erfolgreichste Serie in ihrem Segment und verfügt über eine feste Fangemeinde.

Das 20jährige Jubiläum der Serie wird daher mit einer extra fetten 4CD- & 4LP-Jubiläumsbox für alle eingefleischten Fans und auch Neueinsteiger zelebriert! Ein gechillter Mix aus 80 Deep House & Chillout Perlen sowie dem Besten aus 20 Jahren „Sunset Chill“ lässt garantiert den Alltagsstress vergessen und entspanntes Urlaubsfeeling aufkommen. Insgesamt ein Soundcocktail der für jeden Geschmack etwas bereithält und in keinem Urlaubsgepäck fehlen sollte.

Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years
Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years

Die streng limitierte 4 LP-Box enthält einige echte Raritäten und Tracks die erstmalig auf Vinyl erscheinen werden.

Die Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years ist ab dem 03.06.22 überall zum Kauf und als Stream erhältlich.

Pre-Order 4 CD & 4 Vinyl:
https://ktr.lnk.to/SunsetChill-BestOf20Years

CD1: Ibiza Beach Terrace Mix

  1. Fred again.. x The Blessed Madonna – Marea (We’ve Lost Dancing)
  2. Monkey Safari – Hi Life (Cheeky Bold Cover)
  3. Frankey & Sandrino – Acamar
  4. Lane 8 – Fingerprint
  5. Kidnap feat. Leo Stannard – Moments (Ben Böhmer & Nils Hoffmann Remix)
  6. Audion feat. Troels Abrahamsen – Dem Howl (Joris Voorn Mix)
  7. Ben Böhmer, Nils Hoffmann & Malou Breathing
  8. Stereoclip – Sunset Drive
  9. VovaWave – When The Spell Is Broken
  10. Jan Blomqvist – Maybe Not (Rodriguez Jr. Remix)
  11. AKA AKA & Junge Junge – Vallut Bass
  12. Tom Novy & Milkwish – Dream Catcher
  13. Tube & Berger & Chris Luno – Daily Twist
  14. Yotto – Walls (Joris Voorn Remix)
  15. Stephan Bodzin & Marc Romboy – Callisto (Ben Böhmer Remix)
  16. Markus Gardeweg x Benzsoul – Eternity
  17. Marian Herzog & Modshape. – Trapped In Time (Sascha Braemer Remix)
  18. OCULA – Clear
  19. mOat – Paradise (Âme Remix)
  20. DJ Koze – Blume der Nacht

CD2: St. Tropez Warm Up Mix

  1. Bicep – Glue
  2. Frost – Overtones
  3. Solomun & DJ Phono – Ice Cream and Bonus Miles
  4. RY X – Bad Love (Eagles & Butterflies Remix)
  5. Jerro feat. Sophia Bel – Demons (Massane Remix)
  6. Robosonic feat. STAG – Wurd
  7. Lexer – Forgive Me
  8. Hagen Feetly – En Route
  9. Sans Souci – Makatao
  10. Daniel Steidtmann – Pigeon Lake
  11. Dele Sosimi Afrobeat Orchestra – Too Much Information (Laolu Remix Edit)
  12. Tosz feat. Salacia – Coração (Jeaneiffel Remix)
  13. Greg Cerrone – Goodwill
  14. andhim – Last Song
  15. Cornelius SA – Diamonds (Scorz Remix)
  16. Alkemie – Burning Sun
  17. Joachim Pastor feat. EKE – Be Someone
  18. Deepend feat. Phable – Turn It Back
  19. Noir & Haze – Around (Solomun Vox)
  20. Blank & Jones with Cathy Battistessa – Happiness (Miguel Migs Salted Dub)

CD3: Miami Sundowner Mix

  1. Disclosure feat. Eliza Doolittle – You & Me (Flume Remix)
  2. Bow Anderson – Heavy (Icarus Remix)
  3. Budakid – The End
  4. Milky Chance – Colorado (Icarus Remix)
  5. Hot Natured & Ali Love – Benediction
  6. Youandewan – 1988
  7. Coldcut feat. Robert Owens – Walk A Mile In My Shoes (Henrik Schwarz Remix)
  8. Duke Dumont – Ocean Drive
  9. Bon Lui – Feel The Heat
  10. Eelke Kleijn feat. Diana Miro – You
  11. Moderat – Bad Kingdom
  12. Nalin & Kane – Beachball (Andry Meets Schalli @ Monkey Island Remix)
  13. Electribe 101 – Talking With Myself (’98 Canny Remix)
  14. Christian Prommer – Sueno Latino (DJ Hell’s All You Need Is Love Remix)
  15. David August – Epikur
  16. Cyril Hahn feat. Shy Girls – Perfect Form (Henry Krinkle Remix)
  17. Darius – Espoir
  18. ATB – Green Sand
  19. Kool & The Gang – Summer Madness
  20. Burt Bacharach – What The World Needs Now Is Love

CD4: Dubai Rooftop Mix

  1. Tinlicker & Helsloot – Because You Move Me
  2. Tube & Berger – Imprint of Pleasure
  3. Nora En Pure – Come With Me
  4. Lovebirds feat. Stee Downes – Want You In My Soul
  5. Sebjak & Fahlberg – Chaka
  6. Maxim Lany – Renaissance (Manuel Riva Remix)
  7. Hagen Feetly – U Got Me
  8. Eelke Kleijn – Home
  9. Sans Souci – Twin Lakes
  10. Kidswaste feat. Lizzy Land – Fall In
  11. Lyke – Stay With Me
  12. Verboten Berlin & Rodriguez Jr. – Symmetry (Rodriguez Jr. Remix)
  13. Markus Gardeweg & Tom Shark – Grand Piano
  14. Ripperton – Random Violence
  15. Joy Wellboy – Before The Sunrise (Dixon Remix)
  16. Dosem – Beach Kisses (Joris Voorn Green Mix)
  17. Nu feat. Jo.Ke – Who Loves The Sun
  18. Sono – Keep Control (ARTBAT Remix)
  19. Tensnake feat. Boy Matthews – Somebody Else (Eli & Fur Remix)
  20. Elderbrook – Numb (Joris Voorn Remix)

For this compilation: (P)&(C)2022 Kontor Records GmbH

Various Artists ’’Kontor Sunset Chill – Best Of 20 Years’’
Label: Kontor Records
OUT: 24.06.2022
Format: 4 CD-Set (Compilation)
Kat.-Nr.: 1028205KON
EAN-Code: 4251603282058
Format: 4 LP-Set (Compilation)
Kat.-Nr.: 1028206KON
EAN-Code: 4251603282065

Musik

VOIVOD – ‘FORGOTTEN IN SPACE’ – THE NOISE RECORDS YEARS DELUXE BOX SET

Bis jetzt war es ein aufregender 40 Jahre andauernder Ritt für Voivod.

Das Quartett aus Jonquière, Quebec hat diese lange Zeit mit allen Höhen und Tiefen gut überstanden, Tragödien erlebt aber auch erfahren, dass die Band besser war als viele ihrer Zeitgenossen. Nämlich spätestens dann, als Voivod mit ihrem komplexen, progressiv- infiltriertem Heavy Metal Sound, Auszeichnungen und Ehrungen einheimsen konnte.

Das 2018-er Voivod Album, ‘The Wake’, hat der Band einen Juno Award in Kanada als bestes Heavy Metal Album des Jahres gebracht, wobei im Jahr vorher ‘ Away’ bereits den Visionary Award in London bei den Progressive Music Awards gewonnen hat.

WATCH A NEW VIDEO FOR A PREVIOUSLY UNRELEASED DEMO OF ‘PSYCHIC VACUUM’ & PRE-ORDER HERE: https://voivod.lnk.to/ForgottenInSpacePR

Direct Youtube Link:

Ein weiter Weg, den vier musikverrückte Jungen gegangen sind, angefangen in der Garage und im Keller Anfang der 80-iger. Aber es war immer etwas, dass Voivod anders gemacht hat, als ihre Kollegen. Sie haben ein bisschen gezaubert mit dem sich entfaltenden Sound von Heavy Metal, Hardcore und Punk Rock, und Voivod brachte dazu noch die Liebe zum Progressive Rock und Science Fiction mit, was die Musik sicher beeinflusst hat. War Heavy Metal der Sound der Outsider Anfang der 80iger, so war auch Prog Rock kein Bettgenosse. Uncooler als Prog ging es schon gar nicht mehr. Aber niemand sagte dies Voivod, es hätte sie auch nicht gekümmert. Es ist und war diese Bereitschaft, diesen ungleich scheinenden Sound einfach mit ihrer Spielweise zu verbinden. Als Voivod 1984 ‚War And Pain‘ veröffentlichte, hatte man Prog Metal, als Konzept, so gar nicht auf dem Schirm.

Die Musik in diesem Set beweist, dass Voivod Pioniere waren und sie veredelten ihre Musik immer mehr und wurde auch experimenteller. Man kann die Entwicklung auf den drei Alben hören: Rrröööaarrr, Killing Technology & Dimension Hatröss. In den fünf Jahren vom 1984-er ‘War And Pain’ Debut bis hin zum 1989-er ‘Nothingface’, schmiedete Voivod einen trotzigen Progressive Metal Sound, den sie mit ihren anderen Alben fortführen und so zu einer der aufregendesten Metal Bands wurden, die bis heute besteht.

‘Forgotten In Space’ ist eine Deluxe Celebration von Voivods Noise Records Diskografie und ist die definitive Kollektion ihrer Werke und kommt mit rarem und bis heute unveröffentlichtem Material:

RRRÖÖÖAAARRR

Remastered auf rotem & schwarzem Splatter Vinyl

KILLING TECHNOLOGY

Remastered auf grünem & lila Swirl Vinyl

DIMENSION HATRÖSS

Remastered auf grauem & rotem Swirl Vinyl

NO SPEED LIMIT LIVE ‘86

Zum allerersten Mal auf Vinyl: grünes & schwarzes Splatter Vinyl

DIMENSION HATRÖSS – THE DEMOS

Zum allererstne Mal auf Vinyl: blaues & weißes Splatter Vinyl

COSMIC DRAMA, 40 Seiten Buch

40 Seiten Buch mit neuen Sleeve Note Interviews mit Michel ‘Away’ Langevin, der die Geschichte der Anfänge von Voivod erzählt. Mit raren und bis dato unveröffentlichten Fotos

CHAOSMONGERS DVD

Mini Dokumentation mit Interviews, Live Auftritten, Behind the scenes & Promotion Videos von 1985 bis 1989. Ebenfalls bekommt man ein bis jetzt unveröffentlichtes Video Konzert, live in Chicago ’88 und ein Audio Konzert vom World War III Festival 1985.

KORGÜLL THE EXTERMINATOR USB

Beinhaltet alle Tracks vom Studioalbum plus Live & Demo Alben.

‘Forgotten In Space’ ist erhältlich als 5fach CD und DVD , das Boxset beinhaltet alle Studioalben, mit Bonus von raren Demos und Livealben, die DVD hat die Mini Doku und das bisher unveröffentlichte Live Konzert und ein 20seitiges Booklet.

VOIVOD – ‘FORGOTTEN IN SPACE’ – THE NOISE RECORDS YEARS DELUXE BOX SET/ VÖ: 29. Juli 2022

Online:
https://voivod.lnk.to/ForgottenInSpacePR
https://www.voivod.com/
https://www.facebook.com/Voivod

Musik

NEU! – 50th Anniversary Box Set und Reworks

Zum 50. Jahr der Veröffentlichung des Debütalbums von NEU! erscheint am 23.09.2022 auf Grönland Records eine opulent ausgestattete Jubiläums-Box, auf der einer der großen kosmischen Bands aus Westdeutschland eine kritisch-huldigende Werkschau gewidmet ist.

Das CD- bzw. Vinyl-Boxset enthalten jeweils die genreprägenden ersten drei (LP-Box) bzw. vier (CD-Box) Alben, sowie das Doppelalbum »Tribute«, auf dem sich ausnahmslos spektakuläre Coverversionen bzw. Remixes von so grundverschiedenen Künstlern wie The National, Fink, Mogwai, Stephen Morris und Gabe Gurnsey, Yann Tiersen, Man Man, Idles und They Hate Change finden. Alexis Taylor und Guerilla Toss wiederum spielten neue Tracks, quasi »inspired by« ein, die sich nahtlos in diese Reise von der Vergangenheit in die Gegenwart einfügen.

Vorab wird außerdem das Debütalbum »NEU!« am 17. Juni in den Collectors-Formaten Kassette und Picture Disc neu veröffentlicht.

Muss sich alles ändern, damit alles so bleibt, wie es war? Vor 50 Jahren, im März 1972, erschien das Debütalbum »NEU!« der gleichnamigen Band von Klaus Dinger und Michael Rother mit Conny Plank als Co-Produzent auf Brain. Die Platte erschien zu einem Zeitpunkt, als sich formative westdeutsche Bands wie Kraftwerk und Faust in ihren jeweiligen Findungsphasen befanden, CAN bereits frühe Meisterwerke wie »Monster Movie« und »Tago Mago« veröffentlicht hatte, und nur wenige Monate, bevor David Bowie seine »Ziggy Stardust«-Phase einläutete. Fun Fact: Dinger spielte Schlagzeug auf Kraftwerks selbstbetiteltem Debütalbum, das wiederum Conny Plank co-produziert hatte.

Vielleicht könnte man im Falle des Albums »NEU!« von einem seherischen Moment in der deutschen Rockmusik sprechen. Vielleicht waren NEU! aber selbst im Kontext ihrer fortschrittlichen Zeitgenossen Avantgarde. Untrügliches Zeichen: Ihr Debütalbum verkaufte im Erscheinungsjahr eher mäßig, die größte Anerkennung kam aus England. Heute gelten NEU! zu der winzigen Gruppe von Protagonisten, die Anfang der Siebzigerjahre im Nachkriegsdeutschland eben nicht die Musik der Befreier, im weitesten Sinne den Rock’n’Roll, nachspielen wollten, sondern nach neuen Wurzeln in der eigenen, freilich in Trümmern liegenden Kultur suchten.

Dabei fanden sich auf »NEU!«, dem Debütalbum von 1972, mit »Hallogallo« und »Negativland« bereits die ersten ausgereiften Beispiele dessen, was seitdem als »motorische« Grooves bezeichnet wird – ein repetitives Zusammenspiel zwischen Gitarre oder Bass und Schlagzeug, zwischen Michael Rother und Klaus Dinger, ein Rhythmusverständnis, das wie mit eingeschaltetem Tempomat eine Stetigkeit aufweist, die Anfang der Siebzigerjahre schlichtweg – nomen est omen – »neu« war.

Als Band setzten NEU! in der ersten Hälfte der Siebzigerjahre in Realzeit Zeichen – mit der majestätischen Abgeklärtheit von Tracks wie »Weissensee« vom ersten Album, aber auch mit der radikalen Bereitschaft zum Cut-Up-Experiment, wenn sie etwa in »Hallo Excentrico« von ihrem zweiten Album »NEU! 2« aus dem Folgejahr 1973 einfach den »klassisch« motorischen Track »Für Immer« vom gleichen Album einfach selbst remixten: Sie verlangsamten ihn zu einem Leiern, zerschnitten ihn, fügten neue Stimmen hinzu. Für eine Legion von Musikern, die ihnen über die Jahrzehnte folgen sollten, hatten NEU! also gleich eine ganze Reihe von Grundsteinen gelegt – und von Stereolab über David Bowie bis hin zu My Bloody Valentine traten zahllose internationale Musiker in ihre Fußstapfen.

Der Spagat zwischen dem freien Experiment und der ihren eigenen Regeln folgenden motorisch-melodischen Straightness der Mehrzahl ihrer Tracks war freilich nicht zuletzt auf die kreative Spannung innerhalb der Band zurückzuführen, die beim dritten Album zu einer etwas anderen Herangehensweise führte.

In der Vorbereitung zu den Aufnahmen zu »NEU! ’75« verständigten sich Klaus Dinger und Michael Rother auf ein Konzept, nach welchem die eine Seite des Albums in der klassischen Dinger/Rother-Konstellation aufgenommen und die andere Seite mithilfe von zwei Schlagzeugern eingespielt werden sollte, die Klaus Dinger zur Session brachte, seine späteren La-Düsseldorf-Bandkollegen Hans Lampe und Thomas Dinger.

Auf diesem Album war die A-Seite von Rothers Wunsch nach ambienter, melodischer Geradlinigkeit dominiert, während auf der B-Seite noisige Gitarren und Titel überwogen, die von Klaus Dingers Wunsch nach einer Live-Aufführbarkeit der Musik geprägt waren. Musikalisch standen Dinger und Rother trotz ihrer sehr unterschiedlichen Temperamente zu allen Zeiten aber völlig hinter der gesamten Bandbreite der NEU!-Musik. Beide Musiker haben den Kompositionsbeiträgen des jeweils anderen mit voller Überzeugung und Leidenschaft eigene und entscheidende Elemente hinzugefügt.

Insbesondere die drei Songs der B-Seite, darunter ein Titel namens »Hero«, wiesen weit vor ihrer Zeit der New Wave den Weg. Und ist es ein Zufall, dass David Bowie nur zwei Jahre später mit »“Heroes”« ein epochenprägendes Album veröffentlichte, auf dem bis kurz vor den tatsächlichen Aufnahmen 1977 in Berlin Michael Rother als Gitarrist vorgesehen war und der mutmaßlich erst nach Manipulationen durch Bowies Management durch Robert Fripp ersetzt wurde?

Bis heute gilt »NEU! ’75« als vielleicht vielfältigstes und ausdifferenziertestes Album des Kosmische-Musik-Genres, das international als »Krautrock« klassifiziert wird.

Ab Mitte der 1970er Jahre veröffentlichten Klaus Dinger (mit La Düsseldorf) und Michael Rother (als Solokünstler) sehr erfolgreiche Alben, auf denen sie ihre Kreativität mit teils anderen Konzepten als NEU! verfolgten. Ein offizieller »Split« wurde nie verkündet, es galt eher die Einstellung: »Wenn Klaus Dinger und Michael Rother zusammenarbeiten, dann ist es NEU!.«

Persönliche Differenzen zwischen Dinger und Rother verhinderten bis 2001 die Wiederveröffentlichung der NEU!-Alben. Im Rückblick gibt ihnen die Musikgeschichte recht – die Studioalben von NEU! dominieren neben den großen Alben von Kraftwerk, CAN und Faust den musikalischen Kanon der Siebzigerjahre.

Zum 50. Jahr der Veröffentlichung des Debütalbums von NEU! erscheint jetzt auf Grönland Records eine opulent ausgestattete Jubiläums-Box, auf der einer der großen kosmischen Bands aus Westdeutschland eine kritisch-huldigende Werkschau gewidmet ist. Das CD- bzw. Vinyl-Boxset enthalten jeweils die genreprägenden ersten drei bzw. vier Alben, sowie das Doppelalbum »Tribute«, auf dem sich ausnahmslos spektakuläre Coverversionen bzw. Remixes von so grundverschiedenen Künstlern wie The National, Fink, Mogwai, Stephen Morris und Gabe Gurnsey, Yann Tiersen, Man Man, Idles und They Hate Change finden. Alexis Taylor und Guerilla Toss wiederum spielten neue Tracks, quasi »inspired by« ein, die sich nahtlos in diese Reise von der Vergangenheit in die Gegenwart einfügen.

Vorab wird außerdem das Debütalbum am 17. Juni in den Collectors-Formaten Kassette und Picture Disc neu veröffentlicht.

Ein Wort zu dem wirklich herausragenden »Tribute«-Album. Es zeichnet sich durch eine in jedem Track spürbare Intensität aus, die nur Musiker:innen und Produzent:innen zutage legen können, wenn sie sich trotz einer professionellen Abgeklärtheit die Fähigkeit zur romantischen Schwelgerei bewahrt haben – in diesem Fall an ihre musikalischen Helden von NEU!. Es grenzt angesichts der Beiträge von so unterschiedlichen Künstlern wie Yann Tiersen, The National oder Guerilla Toss übrigens an ein Wunder, dass »Tribute« als Album so homogen klingt, wenn dessen zehn Tracks in großer Freiheit zwischen Motorik, Ambient und Noise mäandern.

Meine These: Die ersten drei »NEU!«-Alben waren trotz der auseinanderstrebenden künstlerischen Visionen von Michael Rother und Klaus Dinger im Rückblick sehr hermetische Alben. Egal, ob NEU! ihre Hörer mit kosmischen Beats einlullten, oder ob Tracks von brutalen Tape-Cut-Ups dominiert wurden, es gibt in ihnen eine übergeordnete Klangarchitektur, eine Art energetisch aufgeladene Hallkammer, errichtet von Conny Plank. Das hat zur Folge, dass ein Hörer jeden Track von NEU! bereits nach Sekunden der Gruppe zuordnen kann. Diese klangliche Geschlossenheit scheint wie ein Gesetz zu sein, dem sich jeder Remixer und jeder Interpret einer Coverversion freiwillig unterzuordnen bereit gewesen war.

Dank der Neuveröffentlichung als Box können die Originalalben jetzt erstmals im direkten Vergleich mit künstlerisch absolut eigenständigen Neuaufnahmen gehört werden – und alles wirkt wie aus einem Guss, und das, obwohl bis zu fünf Jahrzehnte, ein halbes Jahrhundert, zwischen den Originalen und ihren heutigen Neuinterpretationen liegen.

Tracklisting:

REWORKS
A1 – NEU! – Im Glück (The National Remix)
A2 – NEU! – Weissensee (Fink Version)
B1 – NEU! – Super (Mogwai Remix)
B2 – Alexis Taylor – 4+1=5
C1 –  NEU! Hallogallo (Stephen Morris and Gabe Gurnsey Remix)
C2 – NEU! – Lieber Honig (Yann Tiersen Remix)
D1 – NEU! – Negativland (Idles Negative Space Rework)
D2 – Guerilla Toss – Zum Herz
D3 – NEU! – After Eight (They Hate Change Cover)

NEU!
01 – Hallogallo
02 – Sonerangebot
03 – Weissensee
04 – Im Glück
05 – Negativland
06 – Lieber Honnig

NEU!2
01 – Für Immer (Forever)
02 – Spitzenqualität
03 – Gedenkminute (Für A+K)
04 – Lila Engel (Lilac Angel)
05 – Neuschnee 78
06 – Super 16
07 – Neuschnee
08 – Cassetto
09 – Halle Excentrico
11 – Super

NEU!75
01 – Isi
02 – Seeland
03 – Leb’ Wohl
04 – Hero
05 – E-Musik
06 – After Eight

NEU!86
01 – Intro
02 – Dänzing
03 – Crazy (Single Edit)
04 – Drive (Grundfunken)
05 – La Bomba (Stop Apartheid World-Wide)
06 – Elanoizan
07 – Wave Mother
08 – Paradise Walk
09 – Euphoria
10 – Vier ½
11 – November
12 – KD

Web:
http://www.michaelrother.de
https://www.groenland.com/artist/neu/

“Hallogallo” (Stephen Morris and Gabe Gurnsey Remix) hier sehen: 

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK - EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND
Musik

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND

LAIBACH teilen weitere Details zu ihrem jüngsten Album ”Wir sind das Volk (ein Musical aus Deutschland”), das am 25. März bei Mute als Deluxe -CD mit umfangreichen Sleevenotes und digital erscheint – die Doppel-LP erscheint am 10. Juni 2022.

Vorab-Auskopplung “Ich will ein Deutscher sein” hier hören:

Das Album bündelt Musik aus der gefeierten Theaterproduktion „Wir sind das Volk“, die am 8. Februar 2020 im Hebbel am Ufer (HAU) in Berlin uraufgeführt wurde. Zwei weitere Vorstellungen schlossen sich an, bevor die Produktion aufgrund der Pandemie eingestellt wurde. Im Jahr 2021 eröffneten Laibach die Klagenfurter Festspiele mit einer slowenischen Version desselben Stücks und gaben zwei weitere ausverkaufte Vorstellungen im Kino Šiška in Ljubljana.

Im März dieses Jahres werden die Aufführungen im Berliner HAU fortgesetzt, weitere Aufführungen in Zagreb, Ljubljana, Hamburg, Maribor und in der Kulturhauptstadt Europas, Novi Sad, sind bereits bestätigt – Einzelheiten siehe unten.

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK - EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND
LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND

„Wir sind das Volk“ basiert auf Schriften des Dramatikers Heiner Müller (1929-1995). Laibachs Verbindung zu Müller reicht weit zurück: Bereits 1984 komponierten sie für das Slowenische Nationaltheater in Ljubljana Musik zu Müllers zwei Jahre zuvor am Bochumer Schauspielhaus uraufgeführten Stück „Quartett“ nach Pierre-Ambroise-François Choderlos de Laclos Briefroman „Gefährliche Liebschaften“ aus dem Jahr 1782, dem Müller die Anweisung „Zeitraum: Salon vor der Französischen Revolution / Bunker nach dem dritten Weltkrieg“ voranstellte. Klassisches Laibach-Material. Im folgenden Jahr trafen sie Müller in Berlin, der ihnen eine Zusammenarbeit für eine zukünftige Inszenierung vorschlug, die leider nie zustande kam – bis die Leiterin der Internationalen Heiner-Müller-Gesellschaft, Anja Quickert, ein posthumes Projekt auf der Grundlage von Müllers Texten vorschlug.

Laibach erklären: „We followed Heiner Müller’s own strategy of cutting and rearranging the material, taking his texts and putting it into another context, rebooting it with music, in order to drag the audience into it or alienate them from it. Music unlocks the emotions and is therefore a great manipulative tool and a powerful propagandistic weapon. And that’s why a combination of Heiner Müller, who saw theatre as a political institution, and Laibach, can be nothing else but a musical.”

Das Artwork und die Innenhülle des nun vorliegenden Albums zeigen Gemälde des österreichisch-irischen Künstlers Gottfried Helnwein, „Epiphanie 2B: Die Anbetung der Hirten“ (Sammlung der Fine Arts Museums of San Francisco) und „Epiphanie I: Anbetung der Könige“ (Sammlung des Denver Art Museum), aus dessen Epiphanie-Serie, die zu seinen bekanntesten Werken gehören und zwei der zentralen Themen seines Werks reflektieren: Kindheit und Nationalsozialismus.

LAIBACH "Wir sind das Volk" credit: Valter Leban
LAIBACH „Wir sind das Volk“ credit: Valter Leban

Mit „Wir sind das Volk“ zeigen Laibach erneut ihr Gespür, gesellschaftliche Verwerfungen in ihre Kunst zu überführen. Der immer schon mindestens ambivalente – und im Deutschen naturgemäß extrafiese – Begriff „Volk“ hat sich seit den „Wir sind das Volk“-Sprechchören von 1989, als die Berliner Mauer fiel, tiefgreifend verändert und ist in den letzten Jahren in ganz Europa und Amerika zu einem Instrument nationalistischer und rassistischer Ausgrenzung geworden.

Anja Quickert führt aus: „Dieses Projekt bringt endlich zusammen, was schon längst hätte geschehen müssen: Laibach und der deutsche Dramatiker und Dichter Heiner Müller zusammen. Der Mythos der Nation kann nicht begraben werden, solange Gespenster sein Fundament untergraben. Der Dialog mit den Toten darf nicht abgebrochen werden, bis sich zeigt, welcher Teil der Zukunft mit ihnen begraben wurde. Willkommen am Abgrund der Nation!“

Editor’s note:
Laibach formierten sich in der damaligen jugoslawischen Industriestadt Trbovlje. Gegründet in dem Jahr, in dem der Gründervater des Landes, Tito, starb, stieg die Band zu einer der international bekanntesten Bands auf, die aus den ehemals kommunistischen Ländern Ost- und Mitteleuropas hervorgegangen sind, und trat kürzlich als eine der ersten Bands in Nordkorea auf. Im Jahr 2019 veröffentlichten sie eine laibachsche Interpretation von „The Sound of Music“, die während ihrer Reise nach Nordkorea entstand. Im Jahr 2020 feierten sie vihr vierzigstes Jubiläum mit „Laibach Revisited“.

LAIBACH – WIR SIND DAS VOLK PERFORMANCES
25. – 28.03.2022 Berlin (DE), HAU Hebbel am Ufer
02.04.2022 HR-Zagreb, Vatroslav Lisinski Hall
08.04.2022 SI-Ljubljana, Cankarjev Dom
28.04.2022 Hamburg, Kampnagel
23. – 24.06.2022 SI-Maribor (SI)
02.07.2022 RS-Novi

Mehr unter: https://www.laibach.org/future-events/

WIR SIND DAS VOLK (EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND) TRACKLISTING
(STUMM472)
01 – Philoktet
02 – Der Vater
03 – Medea Material
04 – Ich bin der Engel der Verzweiflung
05 – Flieger, grüß mir die Sonne
06 – Ordnung und Disziplin (Müller versus Brecht)
07 – Traumwald
08 – Lessing oder Das Ende der Aufklärung
09 – Im Herbst 197.. starb… (instrumental)
10 – Ich will ein Deutscher sein
11 – Ich war die Wunde

Album-Vorbestellungen:

„Ich will ein Deutscher sein“ auf YouTube:

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND (NACH TEXTEN VON HEINER MÜLLER)
VÖ: 25.03.2022 (MUTE/[PIAS])
VORABSTÜCK “ICH WILL EIN DEUTSCHER SEIN”

www.laibach.org
www.mute.com

Music-News

“JOHN McLAUGHLIN: THE MONTREUX YEARS”

“JOHN McLAUGHLIN: THE MONTREUX YEARS” – DAS MONTREUX JAZZ FESTIVAL & BMG KÜNDIGEN DEN NÄCHSTEN RELEASE AUS DER “THE MONTREUX YEARS”-SERIE AN
KURATIERT & ZUSAMMENGESTELLT VON JOHN McLAUGHLIN (VÖ 03.04.2022)

DAS ALBUM LÄSST DIE UNGLAUBLICHEN MONTREUX-AUFTRITTE DES GRAMMY-GEWINNERS ZWISCHEN 1978 & 2016 IN NEU GEMASTERTEM HD-AUDIO REVUE PASSIEREN

London, 19. Januar 2022 – Das Montreux Jazz Festival und BMG kündigen heute mit „John McLaughlin: The Montreux Years“ den nächsten Teil aus der erfolgreichen „The Montreux Years“-Serie an. Das Album erscheint am Freitag, den 04. März 2022. Das Album wurde von John McLaughlin persönlich kuratiert und zusammengestellt; es stellt eine Sammlung seiner besten Auftritte beim Montreux Jazz Festival zwischen 1978 und 2016 dar. Zu voller Pracht wiederhergestellt und neu gemastert, wird der Release in verschiedenen Formatkonfigurationen erhältlich sein. Darunter eine „Superior Audiophile“-Fassung in schwerem Vinyl, als CD und auf den bekannten Streamingdiensten in aller höchstem HD-Audio- Standard.

Als einer der „100 Greatest Guitar Players Of All Time“ des berühmten Rolling Stone Magazins verbindet John McLaughlin eine langjährige Freundschaft mit dem Montreux Jazz Festival, auf dem er viele Male zu Gast war. Die in der neuen Sammlung enthaltenen Mitschnitte wurden aus insgesamt sechs Shows zwischen den Jahren 1978 und 2016 ausgewählt und zeigen McLaughlin in verschiedenen Ensembles wie dem Mahavishnu Orchestra, in der Besetzung des „The Heart Of Things“-Albums, mit The Free Spirits, mit The 4th Dimension sowie gemeinsam mit seinem Virtuosen-Musikerkollegen und engen Freund Paco de Lucia.

„John McLaughlin: The Montreux Years“ fängt McLaughlin perfekt während des ikonischen Schweizer Festivals ein, wie schon der aus dem Jahr 1984 stammende Opening-Track „Radio Activity“ demonstriert, auf dem er mit dem in den 1980er-Jahren für das „Mahavishnu“-Album reformierten Mahavishnu Orchestra zu hören ist.

Montreux le 15 juillet 1987 Montreux Jazz Festival , MCLAUGHLIN et Paco de Lucia ©2021 Studio Edouard Curchod, tous droits rŽservŽs

Alle Fans des britischen Jazz Fusion-Vorreiters dürfen nun noch einmal in das großartige und klassische Oevre eintauchen, mit dem McLaughlin seine Karriere definiert hat. Darunter auch der Track „Acid Jazz“ vom „The Heart Of Things“-Album. Ein weiterer Einblick in McLaughlins eindrucksvolles Repertoire wird auf „John McLaughlin: The Montreux Years“ in Form der Tracks „Sing Me Softly Of The Blues“ vom 1994er „After The Rain“-Album und „El Hombre Que Sabia“ von McLaughlins Studioalbum „Black Light“ gegeben.

John McLaughlin über „John McLaughlin: The Montreux Years“: „Heute über das Montreux Jazz Festival zu sprechen ist mit so vielen wundervollen Erinnerungen verbunden. Diese Verbundenheit geht weit zurück ins Jahr 1971; wir schauen also auf runde fünfzig Jahre gemeinsamer Geschichte! Ob es sich um die verschiedenen Besetzungen des Mahavishnu Orchestra, Shakti, The One Truth Band, The Free Spirits, „The Heart Of Things“, Carlos Santana oder den späten, großartigen Paco de Lucia handelt – die Liste an schönen Erinnerungen ist schier endlos. Nicht nur an sämtliche meiner Auftritte beim Montreux, auch an meine anderen Besuche bei meinem lieben Freund und Gründer Claude Nobs, an all meine anderen Freunde bei diesem Festival, an die gemeinsamen Jam-Sessions, an die Wanderungen in der ländlichen Gegend außerhalb dieser liebenswerten Stadt. Montreux ist ein großer Teil meiner Lebensgeschichte– musikalisch wie auch persönlich. Diese Auswahl meiner Auftritte zu teilen, macht mich wirklich glücklich.“

MJF_1998_MCLAUGHLIN _HEART_OF_THINGS

Als einer der größten Gitarristen in der Musikgeschichte wird John McLaughlin als einer der wichtigsten Einflüsse von vielen Künstlern der 1970er- und `80er-Jahre genannt. Darunter bekannte Musiker wie Steve Morse, Eric Johnson, Mike Stern und viele andere. 2018 wurde er für sein Solo auf „Miles Beyond“ von seinem „Live At Ronnie Scott`s“-Album mit einem Grammy in der Kategorie „Best Improvised Jazz Solo“ ausgezeichnet.

Im Jahr 2021 ins Leben gerufen, fängt die „The Montreux Years“-Serie den Geist des legendären Montreux Jazz Festivals ein und stellt gleichzeitig das Vermächtnis seines beliebten Gründers Claude Nobs dar. Nobs war für seine Weigerung bekannt, irgendwelche Qualitätsabstriche zu machen, sondern sich ausschließlich mit dem Besten zufriedenzugeben.

Ein Ethos, der bis heute in der superben Aufnahmequalität von „The Montreux Years“ weiterlebt. Das Mastering wurde von Tony Cousins in den ikonischen Metropolis Studios in London vorgenommen. Mithilfe der MQA-Technik wurde der Original-Sound der Liveauftritte authentisch festgehalten. Wie vorherige Veröffentlichungen aus der „The Montreux Years“-Serie wird auch „John McLaughlin: The Montreux Years“ von exklusiven, von John McLaughlin höchstpersönlich verfassten Linernotes sowie bisher unveröffentlichtem Fotomaterial abgerundet.

Montreux le 18 JUILLET 1984 MONTREUX JAZZ FESTIVAL MAHAVISHNU – John Mc LAUGHLIN. © 2021 Studio Edouard Curchod tous droits rŽservŽs

„John McLaughlin: The Montreux Years“ stellt den fünften Teil der „The Montreux Years“-Serie dar und ist ab sofortvorbestellbar. Das Album erscheint am Freitag, den 04. März 2022. Weitere Teile der Serie umfassen exklusive Aufnahmen von Musiktitanen wie Nina Simone, Etta James, Marianne Faithfull und Muddy Waters. Der erste Teil „Nina Simone: The Montreux Years“ wurde weltweit von Fans und Medien gefeiert. Das Album stieg 2021 auf den 1. Platz der britischen Jazz & Blues Charts ein und wurde von der New York Times sowie JazzFM als „Album des Jahres“ gelobt.

LP-TRACKLISTING

Side A
1. Radio Activity (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
2. Friendship (Live – Montreux Jazz Festival 1978)

Side B
1.Nostalgia (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
2. Acid Jazz (Live – Montreux Jazz Festival 1998)

Side C
1. David (Live – Montreux Jazz Festival 1987)
2. Florianapolis (Live – Montreux Jazz Festival 1987)

Side D
1. Sing Me Softly of the Blues (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
2. El Hombre Que Sabià (Live – Montreux Jazz Festival 2016)

CD-TRACKLISTING
1. Radio Activity (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
2. Nostalgia (Live – Montreux Jazz Festival 1984)
3. Acid Jazz (Live – Montreux Jazz Festival 1998)
4. David (Live – Montreux Jazz Festival 1987)
5. Sing Me Softly of the Blues (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
6. Florianapolis (Live – Montreux Jazz Festival 1987)
7. El Hombre Que Sabià (Live – Montreux Jazz Festival 2016)

Über das Montreux Jazz Festival:

Das Montreux Jazz Festival renommiertes Musikfestival, das von Claude Nobs ins Leben gerufen wurde und alljährlich über zwei Juli-Wochen im schweizerischen Montreux stattfindet. In seinem 55. Bestehensjahr ist das Event Anziehungspunkt für 250.000 Musikliebhaber, die aus aller Welt an die Ränder des Genfer Sees pilgern. Das Montreux Jazz Festival feiert einerseits die aufstrebendsten und aktuellsten Acts, während man sich gleichzeitig vor weltbekannten Musiklegenden verneigt. Zu seiner Gründung im Jahr 1967 ursprünglich als reines Jazz-Festival geplant, entwickelte sich Montreux in den letzten Jahrzehnten zur Bühne für die verschiedensten Stile und präsentiert heute KünstlerInnen jedes erdenklichen Genres. In der Vergangenheit waren internationale Größen wie Etta James, Bob Dylan, Elton John, Ms Lauren Hill, Aretha Franklin, David Bowie, James Brown, Kendrick Lamar, Leonard Cohen, Marvin Gaye, Miles Davis, Nina Simone und viele andere auf den Brettern des Montreux Jazz Festivals zu erleben. Seit 2013 ist Mathieu Jaton als CEO des Montreux Jazz Festivals tätig.

Über MQA:

Anhand von wissenschaftlichen Untersuchungen über das menschliche Hören hat das MQA-Team eine Technologie entwickelt, die den Klang von Studioauftritten authentisch einfängt. Das MQA-File ist vollumfänglich zertifiziert. Es ist klein genug für das Streaming und ebenfalls voll kompatibel, so dass es auf jedem Gerät abgespielt werden kann. Die preisgekrönte MQA-Technologie wird weltweit von Labels, Musikanbietern und Hardware-Herstellern lizensiert und wird von der RIAA unterstützt. MQA ist eine in der UK ansässige Privatfirma. www.mqa.co.uk

JOHN McLAUGHLIN: The Montreux Years
1CD, 2LP, Digitale Formate
VÖ: 04.03.2022