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Oxymorrons ft. Troi Irons „Last Call“

[New York, NY | 26. April 2023] Die New Yorker Melanated Punk Band Oxymorrons setzt ihre genreübergreifende Revolution mit ihrer neuesten Single „Last Call“ fort, die heute über Mascot Records veröffentlicht wird.

Produziert von Zach Jones (Fever 333, Nova Twins, Crown The Empire), ist „Last Call“ ein inbrünstiger Hip-Hop/Rock-Song, der sich mit der Selbstmedikation durch Alkohol beschäftigt, um die inneren Dämonen zu unterdrücken. Die Brüder und Co-Frontmänner Deee und KI sind offen in ihren Texten, wobei die Verletzlichkeit in jeder Strophe durchscheint und durch ihren ernsten Tonfall und ihre meisterhafte Kadenz unterstrichen wird. Der Song entwickelte sich zu etwas ganz Besonderem mit der Hinzufügung von Singer-Songwriter/Produzent Troi Irons (he/him/they), dessen raue, beschwörende Stimme die verzweifelte Hook perfekt wiedergibt: „Last drink up in my hand, This time I’ll take it slow, Oh shit I’m fucked up.“

Auf die Frage, was sie dazu inspiriert hat, einen so ehrlichen Song zu schreiben und sich so offen mitzuteilen, erklärt die Band: „‚Last Call‘ ist eine Übung in Verletzlichkeit und die Nutzung unserer Musik, um uns selbst und unsere Bewältigungsmechanismen besser zu verstehen.

Zu oft haben wir uns selbst am Boden einer Flasche ertränkt, indem wir Alkohol benutzt haben, um uns zu helfen, etwas anderes oder gar nichts zu fühlen. Egal, ob du in der Vergangenheit damit zu kämpfen hattest oder gerade kämpfst, wir hoffen, dass dieser Song dir hilft, dich gesehen zu fühlen und dir dabei hilft, in Zukunft nicht mehr so kämpfen zu müssen.“

Die Künstlerin Troi Irons brachte eine andere Perspektive in den Song ein: „Ich bin seit langem ein Fan der Oxymorrons und ihrer Arbeit, daher war ich begeistert, an diesem Song mitzuwirken. Ich trinke nicht wirklich, aber es ist eher eine Metapher dafür, wie wir Menschen dazu neigen, nach dem Nächstbesten zu greifen, um uns weniger allein zu fühlen. Das ist nicht immer gesund. Hoffentlich greifen die Leute nach der Musik, um sich weniger allein zu fühlen.“

Das von Michael Danners / IamEyephotos gedrehte und inszenierte Musikvideo zu „Last Call“ vertieft das Thema des Songs, in dem jedes Mitglied denselben Murmeltiertag der betrunkenen Ausschweifungen erlebt. Das Bildmaterial wird spielerisch durch Scott Pilgrim-eske Grafiken verstärkt.

Oxymorrons bringen dieses wichtige Thema auf die Straße, indem sie sich mit dem Spirituosenhersteller JuneShine zusammenschließen, um ein „drink responsibly“-Event zu veranstalten. Die Soiree findet am 26. April in der Brand NYC Location in Williamsburg Brooklyn statt, wo die Band mit ihren Fans Mocktails, Cocktails und Spiked Kombucha (in Maßen) genießen wird.

„Last Call“ folgt auf die erfolgreiche Single „Enemy“, mit der die Band ihre Melanin Punk-Ära einleitete und die von Guitar World, Loudwire, AfroPunk, SiriusXM’s Octane, Kerrang, BBC Radio 1 und anderen gelobt wurde. Oxymorrons waren im neuen Jahr auch viel unterwegs, haben mit Bad Omens ausverkaufte Bühnen in ganz Europa gestürmt und ihre Performance für einen Kurztrip mit dem Emo-Rapper nothing, nowhere. in den Nordosten der USA gebracht. Fans sollten ihre Ohren offen halten, um neue Musik und Tourdaten zu entdecken.

Oxymorrons ft. Troi Irons – neue Single/ Video „Last Call“ veröffentlicht

Auf ihrer neuen Single „Last Call“ erkunden Oxymorrons Alkohol als Bewältigungs-Tool. Der Song featured Troi Irons!

Out via Mascot Records “Last Call”: https://lnk.to/oxymorrons

“Last Call” Video-Link:

“Oxymorrons continue to be unstoppable.” – AfroPunk

“The band’s rap-rock hybrids owe much to the turn-of-the-millennium period when rapped lyrics, arena-ready hooks and ferocious beats were fast friends, with the addition of elements borrowed from contemporary trap and electronic music.” – Washington Post

ABOUT OXYMORRONS:

Die New Yorker Grenzgänger haben sich im Geiste des Wandels einen Namen gemacht und eine Bewegung aufgebaut, nachdem ihnen jahrelang gesagt wurde, sie seien zu rockig für Hip-Hop und zu hip-hoppig für Rock. Sie haben sich mutig dazu verpflichtet, Musik zu kreieren, die sich willkürlichen Klassifizierungsregeln widersetzt, was die Band als frühe Pioniere der modernen Revolution der Genre-Mischung zementiert. Die Oxymorrons, bestehend aus den Sängern Deee und KI, dem Schlagzeuger Matty Mayz und dem Gitarristen Jafé Paulino, haben in den letzten zwei Jahren mit der Veröffentlichung ihrer unglaublich innovativen Mohawks & Durags EP und einer fast pausenlosen Tournee mit Neck Deep, Anti-Flag, Grandson, Pop Evil, Set It Off, Senses Fail und Bad Omens einen großen Aufschwung erlebt. Die Band hat ihre Erfahrungen, eklektischen Einflüsse und persönlichen Einsichten in ihr Handwerk einfließen lassen und sich Ende 2022 ins Studio begeben, um ihre bisher authentischsten Songs zu schreiben. Mit dem Ziel, das Spiel zu verändern, sollte das Publikum große Dinge von diesen New Yorker Rockern erwarten.

Oxymorrons Online:
https://www.oxymorrons.com
https://www.instagram.com/oxymorrons
https://www.facebook.com/Oxymorrons
https://twitter.com/OXYMORRONS
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MOTÖRHEAD ‘LIVE AT THE MONTREUX JAZZ FESTIVAL 2007’

MOTÖRHEAD ‘LIVE AT THE MONTREUX JAZZ FESTIVAL 2007’ – ein einzigartiges, bisher unveröffentlichtes Motörhead Konzert (VÖ 16. Juni 2023/BMG)

Wie allen bekannt ist, liebte Motörhead es, live für ihre Fans zu spielen. Jeder war willkommen und natürlich auch die Leute, die eigentlich Jazz lieben. Und als das Montreux Festival Motörhead anfragte, hat es irgendwie totalen Sinn gemacht: anders, einzigartig, eine ganz andere Location, ehrend und aufregend dabei zu sein.

Auch das Festival überschritt mit dieser Einladung Grenzen hinsichtlich der Musik, die dem Festival den Namen gab.  Es mag wagemutig erscheinen, wenn man die Liste der Künstler betrachtet: neben Dexter Gordon gab es auch Deep Purple oder ZZ Top und dann donnernd, laut Motörhead. Wahrscheinlich ist es genau das, was dem Festival seine Attraktivität gab und damit in die Geschichte einging und es für die Wertschöpfung der Künste 2013 mit dem ‚UNESCO Heritage Status‘ belohnt wurde.

Aufgenommen wurde dies Montreux Show am 7. Juli 2007 während der ‘Kiss Of Death’ Tour im legendären Auditorium Stravinski und überzeugt mit der Leistung des perfekten und potenten Trios: Lemmy Kilmister, Phil Campbell und Mikkey Dee. Und das nicht nur mit der etwas anderen Setlist, sondern auch mit der Kraft und dem Besonderen, was Motörhead legendär machte und sie es live immer wieder beweisen konnten.

Dieses Konzert beinhaltet den ersten offiziellen Release ihres Covers Thin Lizzy’s ‘Rosalie’, ein lautes, kraftvolles Bonbon im Motörhead Stil!

Hier der Link zum Video des sensationellen Motörhead Covers…

Thin Lizzy’s ‘ROSALIE’:

Pre-Order und exklusiver Merch: https://motorhead.lnk.to/montreuxPR

Motörhead „Live At The Montreux Jazz Festival ’07“ wird in Doppel- Vinyl, als Doppel-CD und digital veröffentlicht.

LP und CD Tracklisting:

1. Snaggletooth
2. Stay Clean
3. Be My Baby
4. Killers
5. Metropolis
6. Over The Top
7. One Night Stand
8. I Got Mine
9. In The Name Of Tragedy
10. Sword Of Glory
11. Rosalie
12. Sacrifice
13. Just ‘Cos You Got The Power
14. Going To Brazil
15. Killed By Death
16. Iron Fist
17. Whorehouse Blues
18. Ace Of Spades
19. Overkill

www.imotorhead.com

Girlschool 14. Studioalbum “WTFORTYFIVE?”

Girlschool veröffentlichen ihr 14. Studioalbum “WTFORTYFIVE?” am 28. Juli 2023 via Silver Lining Music

Erst 45 Jahre jung und nun kommen die britische Power-Frauen und Rock-Royalty Größen Girlschool mit ihrem 14. Studioalbum WTFortyfive? Ein appetitliches Schmankerl und eine Offenbarung die zeigt, dass Alter nur eine Zahl ist. WTFortyfive? wird am 28. Juli 2023 über Silver Lining Music veröffentlicht.

Die Lead Single “Are You Ready?” gibt das Tempo an: eine flotte, schlüpfrige, spaßvolle Nummer, die zusammen mit Alcatrazz’s Joe Stump  geschrieben wurde und die zeigt, dass Girlschool die Scharten und Narben ihrer langen Schlachten zwar auf ihren Leder tragen, aber ihre Songs sind noch immer frisch, voller Spaß, hart und einnehmend – so wie man es von ihnen gewohnt ist.

Video Premiere zur Lead Single “Are You Ready? (feat. Joe Stump)”:

(video von Natalia Jonderko Śmiechowicz).

Album Pre-order WTFortyfive?: https://smarturl.it/WTFortyfive

“Das erste neue Girlschool Album nach fast einer Dekade! Kraftvoll, Hardrock mit einem großartigen Groove – so kommt die erste Single vom  WTFortyfive? Album! Wir denken, ihr werdet es mögen… Are You Ready? We are!“ – Girlschool. Mit Hinweis auf ihre ‚Partner in Crime‘ veröffentlichten Girlschool ihr annimiertes Video “Are You Ready?“, die Fortsetzung zu Alcatrazz‘s “Don’t Get Mad… Get Even (feat. Girlschool)” vom neuen Alcatrazz Album “Take No Prisoners”, das am 19.05.2023 via Silver Lining Music veröffentlicht wird.

Alcatrazz’s “Don’t Get Mad… Get Even (feat. Girlschool)”:

(video von Natalia Jonderko Śmiechowicz)

Auf WTFortyfive? bieten Kim McAuliffe (Gitarre/Vokals), Denise Dufort (Drums), Jackie Chambers (Gitarre/Backing vocals) und Tracey Lamb (Bass) 12 rasante Statement Songs mit großartigen Melodien, crunchy Gitarrenriffs und das Ganze gepaart mit der typischen Girlschool Attitude.

Der abhängig machende ‘motörcharged’ Hammer “It Is What It Is”, der Sunset Strip Schwinger “Bump In The Night”, das jugendlich, punkige “Up To No Good” und der aufsässige Rock’n’Roller “Believing In You” sind nur Beispiele. McAuliffe’s Stimme ist scharf und laut wie immer. Und das ist nicht alles: aufsässiger, dröhnender Gesang und Spielfreude an der Seite von Biff Byford (Saxon), Phil Campbell (Motörhead) und Duff McKagan (Guns N’ Roses) beim Cover von “Born To Raise Hell”!

Schmeiß deine Hemmungen über Bord und genieße zusammen mit diesen spektakulären, wilden Frauen eine wundervolle Rock’n’Roll Fahrt!

Lemmy wusste es, und ihr solltet es auch!

WTFortyfive? wird es als 12” Vinyl, CD Digipak, Digital Download und Streaming geben und eine spezielle D2C Edition.  Pre-order  at this location

Und bei girlschool.tmstor.es kann man eine Girlschool WTFortyfive? handgearbeitete Lederjacke gewinnen.

Tracking Listing:

  1. It Is What It Is
  2. Cold Dark Heart
  3. Bump In The Night
  4. Barmy Army
  5. Invisible Killer
  6. Believing In You
  7. It’s A Mess
  8. Into The Night
  9. Are You Ready? (feat. Joe Stump)
  10. Up To No Good
  11. Party
  12. Born To Raise Hell (feat. Biff Byford, Phil Campbell & Duff McKagan)

Girlschool :
Kim McAuliffe – guitar/vocals
Denise Dufort – drums
Jackie Chambers – guitar/backing vocals
Tracey Lamb – bass

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Arjen Lucassen’s Supersonic Revolution “Golden Age of Music”

Arjen Lucassen’s Supersonic Revolution – spektakuläres Debütalbum “Golden Age of Music” am 19. Mai – Video Premiere zur 2. Single “Golden Age Of Music”

Arjen Lucassen’s Supersonic Revolution werden ihr spektakuläres Debütalbum Golden Age of Music am 19. Mai über Music Theories Recording/Mascot Label Group veröffentlichen. Das Album wird auf verschiedenen Formaten erhältlich sein: 2LP Transparent Blue, 2LP Pink Marble, 2LP Purple Marble, 2LP Yellow Marble, CD, digital und als Artbook.

Video Premiere zur 2. Single “Golden Age Of Music”:

1. Single/ Video zu “The Glamattack”:

Album Pre-Order “Golden Age of Music”: https://lnk.to/SupersonicRevolution

Du glaubst du kennst Arjen Lucassen? Den überragenden niederländischen Prog-Rock-Polymath? Den Mann hinter dem supererfolgreichen Prog-Rock-Konzept Ayreon? Riesige, übergreifende Konzeptalben über Raum und Zeit, vollgepackt mit besonderen Gästen, die sich wie das Who’s Who des modernen Progressive Rock lesen? Arjen Lucassen? Nun, denk noch einmal nach…

Supersonic Revolution, die Band hinter „Golden Age Of Music“, sind einfach fünf Männer: Arjen am Bass, sein langjähriger Keyboarder Joost van den Broek, Gitarrist Timo Somers, Schlagzeuger Koen Herfst und Sänger Jaycee Cuijpers. Fünf Männer, die abrocken und dabei einen Heidenspaß haben.

Das ganze Projekt entstand aus einer Anfrage, einen Track für eine Cover-CD des deutschen Musikmagazins Eclipsed zu liefern. „Sie fragten mich, ob ich irgendwelche Coverversionen herumliegen hätte“, erinnert Arjen sich. „Ich sagte: ‚Nein, aber ich nehme gerne eine für euch auf‘. Also gaben sie mir eine Liste von Bands und ich sah einen ZZ Top-Song ‚I Heard It On The X‘, den ich sehr mag. Ich sagte, ich könnte ihn für sie aufnehmen, aber dann sagten sie mir, er müsse in einer Woche fertig sein…“. „Ich dachte ‚Oh mein Gott!‘. Ich habe meine Lieblingsmusiker in Holland über WhatsApp kontaktiert und buchstäblich innerhalb von 30 Minuten hatte ich fünf Leute zusammen. Im Grunde eine Band. Von da an war der Samen in meinem Kopf gesät. ‚Ich will eine Band gründen. Und ich will einfach nur Spaß haben“.

„Wie jeder weiß, bin ich ein Perfektionist, deshalb schicke ich den Musikern immer ihre Parts zurück und bitte sie, etwas zu ändern“, räumt er ein. „Aber das hier war einfach genial. Wir hatten Spaß, riefen die ganze Zeit an und schrieben WhatsApp, und innerhalb einer Woche hatten wir ein komplettes Produkt.“ Er fährt fort: „Außerdem wollte ich ein optimistisches, positives Projekt haben.“

„Ich dachte mir, lass uns eine Band gründen und Songs im Stil der 70er Jahre schreiben, und die Texte sollten all die denkwürdigen Dinge aus dieser Zeit feiern, denn das waren meine prägenden Jahre“, schwärmt er. „Aber ich wollte nicht, dass es wie die 70er Jahre klingt, denn das wurde schon gemacht, und ich kann es nicht besser machen als Rainbow mit ‚Stargazer‘ oder Led Zeppelin mit ‚Kashmir‘.“

„Die Jungs sind alle jünger als ich – um die 30 – sie waren also in den 70er Jahren noch gar nicht am Leben. Es war also eine tolle Möglichkeit für mich, 70er-Jahre-Musik mit viel Hammond und schrillen Gitarren zu machen, sie aber in die heutige Zeit zu übertragen.“

Das Endergebnis sind 11 energiegeladene Heavy Rock Tracks, die mit einem Groove a’la Deep Purple Anfang/Mitte der 70er daher kommen. „Dieses Album ist kein typisches Prog-Album. Es ist nicht Yes oder Genesis. Aber es ist auch kein Metal-Album. Es gibt ein Stück namens ‚Burn it Down'“, so Lucassen, „es basiert komplett auf ‚Smoke On The Water‘, ist aber aus der Perspektive des im Originaltext erwähnten ‚Dummkopfs mit Leuchtpistole‘ geschrieben.”

Als Bonustracks enthält das Album außerdem Cover einiger legendärer Songs, die von Arjen Lucassen bearbeitet wurden: „Children of the Revolution“ von T-Rex, „Heard It On The X“ von ZZ Top, „Fantasy“ von Earth Wind and Fire und „Love Is All“ von Roger Glover.

That, Ladies and Gentlemen, is the real Arjen Lucassen. Job done. Having fun.

Arjen Lucassen’s Supersonic Revolution Online:

www.facebook.com/ArjenLucassenOfficial
www.twitter.com/arjenlucassen
www.youtube.com/user/ArjenALucassen
www.instagram.com/ayreon_official

DR JOHN: THE MONTREUX YEARS

BMG und das Montreux Jazz Festival haben heute mit der Ankündigung der Veröffentlichung von „Dr. John: The Montreux Years“ am 02. Juni 2023 die Fortsetzung der beliebten Montreux Years-Reihe besiegelt.

Die neue Veröffentlichung ist eine handverlesene Sammlung von Dr. Johns besten und schönsten Auftritten beim Montreux Jazz Festival zwischen den Jahren 1986 und 2012. Wunderschön restauriert und vollständig gemastert, wird „Dr. John: The Montreux Years“ in verschiedenen Formaten erhältlich sein – darunter hochwertiges audiophiles schwergewichtiges Vinyl, CD in MQA-Qualität und HD-Digital.

Pre-Order Link : https://montreuxyears.lnk.to/drjohnPR

Dr. John wird in erster Linie mit den reichhaltigen musikalischen Wurzeln seiner Heimatstadt New Orleans in Verbindung gebracht. Sein ungemein bemerkenswertes musikalisches Vermächtnis umfasst die Genres Funk, Blues, Jazz, Boogie-Woogie, Rock und Pop. Bereits mit der Veröffentlichung seines ersten Major-Label-Albums „Gris-Gris“ im Jahr 1968 schaffte es der selbsternannte Night Tripper, eine beinahe kultische Anhängerschaft für sich zu begeistern. Sein musikalisches Gebräu aus Voodoo-Beschwörungen hinterließ auf unumgängliche Weise auch unter den Musikern einen bleibenden Eindruck. Mit seiner ganz besonderen Art, New-Orleans-Musik mit Rock- und Psychedelia-Elementen zu mischen und nicht zuletzt auch dank seiner aufwendigen Kopfbedeckungen begeisterte Dr. John seine Fans auf der ganzen Welt.

So kann man mit Fug und Recht behaupten, dass der mit sechs Grammys® ausgezeichnete Dr. John ein musikalisches Genie und eine überlebensgroße Persönlichkeit war, die es verstand, seinen Recordings stets etwas Einzigartiges zu verleihen. Im Laufe seiner Karriere nahm der amerikanische Singer-/ Songwriter 30 Studioalben sowie neun Live-Alben auf und wirkte an Tausenden von Aufnahmen anderer Musiker mit, darunter Aretha Franklins Album „Young, Gifted and Black“ aus dem Jahr 1972 und das Album „Exile on Main St“ der Rolling Stones aus dem Jahr 1972. Des Weiteren war die Musik-Ikone 1997 auf der All-Star-Charity-Version von Lou Reeds „Perfect Day“ vertreten. Zu den unvergesslichen Cover-Versionen seiner eigenen Songs gehören „I Walk On Guilded Splinters“ gesungen von Cher oder auch „Right Place, Wrong Time“ von Tom Jones. Im Jahr 2011 wurde Dr. John von John Legend in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.

„Dr. John: The Montreux Years“ ist ein musikalischer Trip für Fans, die in die einzigartigen Stile und spektakulären Aufnahmen einer der größten Ikonen der Musik eintauchen wollen. Den Auftakt der Platte machen zunächst „Professor Longhair Boogie“ und „You Ain’t Such a Much“, die starke Referenzen auf das Boogie-Piano von New Orleans aufweisen, bevor sie dann mit den beiden 1973er Top 10-Tracks „Right Place, Wrong Time“ und „Makin‘ Whoopee“ in die Tiefe von Dr. Johns ikonischem Repertoire eintaucht.

Neben den Songs enthält die Veröffentlichung exklusive Linernotes, verfasst vom dreifachen Grammy®-Preisträger Russ Titelman – Produzent und enger Freund von Dr. John. Die Wege der beiden kreuzten sich in den späten 60er Jahren in Russ Titelmans früherem Leben als Session-Musiker – es entstand sofort eine tiefe Verbundenheit und Freundschaft. In den folgenden Jahren bis zu Dr. Johns Tod im Jahr 2019 arbeiteten (und spielten) sie sehr häufig zusammen.

Die im Jahr 2021 eingeführte „The Montreux Years“-Serie fängt den Geist des Montreux Jazz Festivals ein und ist das Vermächtnis seines beliebten Gründers Claude NobsNobs lehnte Kompromisse bei der Qualität konsequent ab und gab sich mit nichts anderem als dem Besten zufrieden – ein Ethos, der auch bei den im Rahmen der „The Montreux Years“-Reihe veröffentlichten Aufnahmen oberste Priorität hat. Das Mastering erfolgte in den legendären Metropolis Studios in London unter der Hand von Tony Cousins, wobei MQA verwendet wurde, um den Original-Sound der besonderen Live-Auftritte einzufangen.

„Dr. John: The Montreux Years“ ist ab sofort vorbestellbar und wird am Freitag, den 02. Juni erscheinen. Es ist der nunmehr zehnte Teil der Reihe „The Montreux Years“, die mit den musikalischen Superstars Nina Simone und Etta James begann und mit Marianne Faithfull, Muddy Waters, John McLaughlin, Chick Corea, Monty Alexander, Paco de Lucía und erst kürzlich mit Michel Petrucciani fortgesetzt wurde. Insbesondere fanden die beiden Alben „Nina Simone: The Montreux Years“ und „John McLaughlin: The Montreux Years“ großes Lob von der Kritik, wie beispielsweise von der New York Times und JazzFM, und konnten sich 2021 auf Platz 1 der offiziellen UK Jazz & Blues-Charts positionieren.

VINYL TRACKLISTING 

Seite A

  1. Professor Longhair Boogie (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  2. You Ain’t Such a Much (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  3. Sick and Tired (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  4. Stack-a-Lee (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  5. Accentuate the Positive (Live – Montreux Jazz Festival 2007)

Seite B

  1. Right Place, Wrong Time (Live – Montreux Jazz Festival 2004)
  2. Rain (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
  3. Going Back to New Orleans (Live – Montreux Jazz Festival 1993)

Seite C

  1. Makin’ Whoopee (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
  2. Big Chief (Live – Montreux Jazz Festival 2011)
  3. In a Sentimental Mood / Mississippi Mud / Happy Hard Times (Medley) (Live – Montreux Jazz Festival 2012)

Seite D

  1. Love for Sale (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
  2. Let the Good Times Roll (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
  3. Good Night Irene (Live – Montreux Jazz Festival 1986)

CD TRACKLISTING

  1. Professor Longhair Boogie (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  2. You Ain’t Such a Much (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  3. Sick and Tired (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  4. Stack-a-Lee (Live – Montreux Jazz Festival 1986)
  5. Accentuate the Positive (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
  6. Right Place, Wrong Times (Live – Montreux Jazz Festival 2004)
  7. Rain (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
  8. Going Back to New Orleans (Live – Montreux Jazz Festival 1993)
  9. Makin’ Whoopee  (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
  10. Big Chief (Live – Montreux Jazz Festival 2011)
  11. In a Sentimental Mood / Mississippi Mud / Happy Hard Times (Medley) (Live – Montreux Jazz Festival 2012)
  12. Love for Sale (Live – Montreux Jazz Festival 2007)
  13. Let the Good Times Roll (Live – Montreux Jazz Festival 1995)
  14. Good Night Irene (Live – Montreux Jazz Festival 1986)

ÜBER DAS MONTREUX JAZZ FESTIVAL

Das Montreux Jazz Festival ist ein weltbekanntes Musikfestival, das von Claude Nobs ins Leben gerufen und bis 2013 geleitet wurde und jährlich im Juli zwei Wochen lang im malerischen Montreux in der Schweiz stattfindet. Das mittlerweile zum 55. Mal stattfindende Festival zieht Jahr für Jahr 250.000 Musikliebhaber aus der ganzen Welt an die Ufer des Genfer Sees. Das Festival will zum einen die großen Musiklegenden ehren, aber gleichermaßen auch die aufstrebenden und zeitgenössischen Künstler der Musikindustrie feiern. Ursprünglich im Jahr 1967 als reines Jazzfestival ins Leben gerufen, hat Montreux seine Tore im Laufe der Jahrzehnte auch anderen Musikstilrichtungen geöffnet und präsentiert heute Künstler aus allen erdenklichen Genres. Zu den Künstlern, die auf der Bühne von Montreux standen, gehören Etta James, Bob Dylan, Elton John, Prince, Ms Lauryn Hill, Aretha Franklin, David Bowie, James Brown, Kendrick Lamar, Leonard Cohen, Marvin Gaye, Miles Davis, Nina Simone und viele mehr. Mathieu Jaton ist seit 2013 CEO des Montreux Jazz Festivals.

ÜBER DIE CLAUDE NOBS-STIFTUNG UND IHR ARCHIV

Die von Thierry Amsallem gegründete Stiftung kümmert sich um die Bewahrung und Aufwertung des Vermächtnisses von Claude Nobs – einschließlich des Ton- und Bildarchivs einer der weltweit größten Privatsammlungen an Live-Musikaufnahmen, die allesamt seit 1967 beim Montreux Jazz Festival (Schweiz) aufgezeichnet wurden und 2013 in das UNESCO-Register „Memory of the World“ aufgenommen wurden. Im Jahr 2007 schlossen sich Thierry Amsallem, der auch den Vorsitz der Stiftung führt, und Claude Nobs mit der Eidgenössischen Technischen Hochschule Lausanne (EPFL) zusammen, um dieses hochauflösende digitale Archiv für die Zukunft zu schaffen, das es in seiner Art das erste und einzigartig ist. Das audiovisuelle Erbe, das sowohl Lehrmittel als auch gleichermaßen Forschungsinfrastruktur ist, dient Studierenden und Forschern als Plattform, um Innovationen in Bereichen wie Akustik, Datenwissenschaft, Archivierung, Musikwissenschaft, Museologie oder Neurowissenschaften zu entwickeln. Weitere Informationen finden Sie unter: www.claudenobsfoundation.com

ÜBER MONTREUX SOUNDS

Das im Jahr 1973 von Claude Nobs gegründete Unternehmen Montreux Sounds besitzt eine Sammlung von ca. 5.000 „Live at the Montreux“-Konzerten, die sowohl auf Audio als auch auf Video aufgezeichnet wurden (mehr als 2.000 Auftritte wurden seit 1991 in High Definition gefilmt), und hat bis dato Veröffentlichungen von mehr als 450 bedeutenden Künstlern hervorgebracht, die alle live auf der gleichen Bühne gestanden haben – darunter Auftritte, die bis in die späten 1960er Jahre zurückreichen.

Für weitere Informationen besuchen Sie: www.montreuxsounds.com

 ÜBER MONTREUX MEDIA VENTURES

Montreux Media Ventures (MMV) ist ein Medien-, Produktions- und Inhaltsproduktionsunternehmen sowie eine Tochtergesellschaft des Montreux Jazz Festivals. Die Aufgabe von MMV besteht darin, die Produktionskapazitäten des Festivals zu erweitern, um Musikinhalte unter der Marke MJF zu erstellen und zu vertreiben. MMV ist bestrebt, die wichtigsten Aktivitäten des Festivals weiterzuentwickeln und das ganze Jahr über durch gezielte digitale Inhalte, Markeninhalte und musikalische Erlebnisse mit dem Publikum, den Konsumenten und Partnern in Kontakt zu treten.

DR.JOHN: THE MONTREUX YEARS

1CD, 2LP, Digitale Formate

VÖ: 2.6.2023

 Professor T – Staffel 2

Spannend, warmherzig und skurril: Professor T mit Death in Paradise-Star Ben Miller in der Titelrolle – Staffel 2 der britischen Version der gleichnamigen belgischen Krimiserie

 Professor T mit Death in Paradise-Star Ben Miller in der Titelrolle – Staffel 2
Professor T mit Death in Paradise-Star Ben Miller in der Titelrolle – Staffel 2

Sie müssen erkennen, dass Sie anfangen sollten, den Frauen in Ihrem Leben positive Gefühle entgegenzubringen.“ – Dr. Goldberg zu Professor Tempest

Kriminologie-Professor Jasper Tempest (Ben Miller), Dozent an der prestigeträchtigen Universität Cambridge, ist auf den ersten Blick kein sonderlich angenehmer Zeitgenosse. Tempest ist ein messerscharfer Analytiker, jedoch berühmt-berüchtigt für seine bissigen Kommentare, die eigentümlichen Lehrmethoden und sein bisweilen schroffes Auftreten. Der geniale Wissenschaftler mit enzyklopädischem Wissen über Kriminalpsychologie leidet zudem unter ausgeprägten Marotten: Tempest, fast immer mit weißen Plastikhandschuhen „bewaffnet“, ist nahezu autistisch besessen von Sauberkeit, Struktur und Ordnung, hat jedoch dank dieser akribischen Organisation seine Zwangsstörung und Keimphobie einigermaßen unter Kontrolle. In seinen Situationsanalysen ist Professor T seinen Mitmenschen meistens weit voraus, was er auch gerne kundtut – nicht aus Eitelkeit, sondern weil er eben Recht hat…

In Staffel 2 der gleichnamigen Krimiserie ist Professor T scharfsinniger denn je und unterstützt mit seinem ebenso brillanten wie unbestechlichen Verstand erneut das Team der Polizei in Cambridge bei der Lösung kniffliger Verbrechen. In den neuen Episoden gilt es unter anderem den Brand in einem Studentenwohnheim sowie einen rituellen Doppelmord aufzuklären und das Rätsel um den Tod einer ganzen Familie zu entwirren. Außerdem versucht Professor T, seine zwischenmenschlichen Beziehungen zu verbessern, insbesondere zu seiner herrschsüchtigen Mutter und zu seiner einstigen großen Liebe. Dazu muss er sich aber auch seinen inneren Dämonen stellen, die ihn seit seiner Kindheit nicht loslassen, und so wagt er sogar den für ihn gewaltigen Schritt, die Therapeutin Dr. Helena Goldberg (CBE Juliet Stevenson) aufzusuchen – eine Entscheidung, die seine überspannte Mutter Adelaide (Frances de la Tour) aus verschiedenen Gründen in Alarmbereitschaft versetzt.

Die Rolle des eigenbrötlerischen Professors mit ausgeprägten Zwangsneurosen ist dem 1966 in London geborenen Schauspieler und Drehbuchautoren Ben Miller geradezu perfekt auf den Leib geschrieben, verlieh er doch schon von 2011 bis 2014 der nicht minder spleenigen Figur des DI Richard Poole in der Krimiserie Death in Paradise eine gehörige Portion britische Exzentrik. Auch der übrige Professor T-Cast agiert durchweg überzeugend, allen voran die mehrfach ausgezeichneten Darstellerinnen Frances de la Tour (Harry Potter, Outlander) als Jasper Tempests flamboyante Mutter Adelaide, stets mit Chihuahua Kafka im Schlepptau und Sarah Woodward (Poirot, Der junge Inspektor Morse oder 1994 im Theaterstück Tempest – nomen est omen!) in der Rolle seiner scharfzüngigen persönlichen Assistentin Ingrid Snares.

Das Crime Procedural Professor T um einen ungewöhnlichen Kriminologen, der die Polizei bei ihren rätselhaftesten Fällen als wissenschaftlicher Berater unterstützt, wurde in Großbritannien von Fans und Kritikern gleichermaßen hochgelobt und gehörte dort mit fast 5 1/2 Millionen Zuschauern zu den meistgesehenen Serien. Die englische Krimiserie beruht auf der flämisch-sprachigen TV-Produktion Professor T. aus Belgien, die in Deutschland bereits erfolgreich mit Matthias Matschke für das ZDF und mit Mathieu Bisson fürs französische Fernsehen adaptiert und bislang in weitere Länder wie zum Beispiel die USA, Australien und Neuseeland verkauft wurde.

Nun veröffentlicht Edel Motion am 16.06.2023 die zweite Staffel der UK-Adaption von Professor T sowohl als Download als auch auf DVD. Auch Staffel 2 vereint vortrefflich Drama, Mystery, Spannung und Humor und überzeugt darüber hinaus wie schon in der ersten Staffel mit beeindruckenden Kulissen am Original-Campus (Ben Miller: „Wir gehören zu den wenigen Produktionen, die je in Cambridge drehen durften.“) und sehenswerter Ausstattung sowie einem famosen Soundtrack. Die Dreharbeiten zur dritten Staffel sollen übrigens in diesem Jahr in Cambridge und Belgien beginnen.

(Digital- und DVD-VÖ: 16.06.2023; sechs Folgen à 45 Minuten; Deutsch/Englisch; Edel Motion)

BLACK SABBATH “LIVE EVIL” 40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION

Black Sabbath‘s erstes offizielles Live Album “Live Evil” feiert das 40jährige Jubiläum mit einer Super Deluxe Edition, die neue Remixe und ebenfalls neue gemasterte Versionen des von Kritikern hoch gelobten Albums beinhaltet.

„LIVE EVIL” (40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION) wird am 02. Juni 2023 als 4 CD Set, 4 LP Set und digital erscheinen. Die Kollektion umfasst zwei Versionen des legendären Albums: eine neu remasterte Version von Andy Pearce zusammen mit einem Mix von Wyn Davis, der aus den analogen Multi-Tracks entstanden ist. Der physische Release kommt zusätzlich mit einem illustrierten Hardcover Buch mit Liner Notes und das Replikat des Konzertbuches zusammen mit einem Poster der Mob Rules Tour.

Der neue Mix “The Mob Rules” ist digital sofort verfügbar: https://blacksabbath.lnk.to/liveevil

PRE-ORDER LINK: https://blacksabbath.lnk.to/liveevil

Eine neue Ära von Black Sabbath begann 1979 als Ronnie James Dio,  als neuer Sänger, zusammen mit Tony Iommi, Geezer Butler und Bill Ward die Band komplettierte und somit eine Wiederauferstehung der ikonischen Heavy Metal Band lancierte.

Das neue Quartett gab ihr Debut 1980 mit Heaven and Hell, ein platin-dekorierter Riesenerfolg, der die Fans sofort vom aktuellen Line Up überzeugte. Während der Tour für das Album verließ Bill Ward die Band und wurde durch Vinny Appice ersetzt.

Sofort nach dem Ende der Tour 1981 ging die Band in LA ins Studio und nahm Sabbath’s 10. Studioalbum,Mob Rules, auf. Veröffentlicht im November 1981 erreichte es sofort den Gold Status. Die Band gab bekannt, dass sie während der Tour einige Shows aufnehmen würde und somit wurde dies das erst offizielle Live Album.

In den Liner Notes, die auf “LIVE EVIL” (40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION) enthalten sind, schreibt Hugh Gilmour: “Die zehn Monate  dauernde Mob Rules Tour war unglaublich  erfolgreich, die nicht nur die Reputation der Band wieder belebte, sondern auch klar machte, dass größte Venues gefüllt wurden und das Mengen von Vinyl und Kassetten verkauft wurden. Black Sabbath gab ihrem Plattenlabel nicht nur zwei Bestseller, sie waren auf dem direkten Weg, den Dritten zu liefern.”

Live Evil war ein kommerzieller Erfolg, schaffte es in den UK auf Chart No 13 und sogar in die US Billboard Charts auf No 37. In Deutschland erreichte die Platte No 43 und hielt sich 4 Wochen in den Charts. Das UK Magazin Kerrang! urteilte überschwänglich: “eines des größten Live Alben aller Zeiten”

Die Aufnahmen beweisen eine unglaubliche, fast wilde Chemie und auch ein bisschen dunkle Magie, denn diese Black Sabbath Inkarnation begeistert mit Live Songs wie “Neon Knights”, “The Sign Of The Southern Cross”, “Voodoo” und “Children Of The Sea”. Man ehrte live auch das Orignal Line Up geehrt mit den Klassikern: “Paranoid”, “War Pigs”, “Iron Man” und “N.I.B.”

Die Auflösung der neuen Formation kam bereits vor der Album Veröffentlichung: Iommi und Butler machten als Black Sabbath weiter, während Dio und Appice die erste Solo Platte von Dio „Holy Diver“ aufnahmen.

Das war jedoch nicht das Ende, da Dio und Appice sich noch einmal mit Iommi und Butler vereinigten um 1992 Dehumanizer aufzunehmen. Und wieder trennte man sich, kam erneut 2006 zusammen unter dem Bandnamen Heaven and Hell  und nahm einige neue Songs auf. Nach einer unglaublich erfolgreichen Tour ging die Band 2009 ins Studio für die Aufnahmen des letzten Studioalbums The Devil You Know  und trauriger Weise starb Ronnie James Dio nach dem Release 2010 an Krebs.

LIVE EVIL (40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION)

CD Track Listing

  1. “E5150”
  2. “Neon Knights”
  3. “N.I.B.”
  4. “Children of the Sea”
  5. “Voodoo”
  6. “Black Sabbath”
  7. “War Pigs”
  8. “Iron Man”
  1. “The Mob Rules”
  2. “Heaven and Hell”
  3. “The Sign of the Southern Cross”
  4. “Heaven and Hell” (Reprise)
  5. “Paranoid”
  6. “Children of the Grave”
  7. “Fluff”

40th Anniversary Remaster (CDs 1-2)
40th Anniversary New Mix (CDs 3-4)

 LIVE EVIL (40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION)

LP Track Listing

Side One

  1. “E5150”
  2. “Neon Knights”
  3. “N.I.B.”
  4. “Children of the Sea”
  5. “Voodoo”

Side Two

  1. “Black Sabbath”
  2. “War Pigs”
  3. “Iron Man”

Side Three

  1. “The Mob Rules”
  2. “Heaven and Hell”

Side Four

  1. “The Sign of the Southern Cross”
  2. “Heaven and Hell” (Reprise)
  3. “Paranoid”
  4. “Children of the Grave”
  5. “Fluff”

40th Anniversary Remaster (LPs 1-2)
40th Anniversary New Mix (LPs 3-4)

BLACK SABBATH “LIVE EVIL” 40th ANNIVERSARY SUPER DELUXE EDITION (VÖ: 02. Juni 2023 BMG)

4-CD und 4-LP Set des Original Album remastered plus neuer Mix des kompletten Albums

Hunzgrippe_Presse_- Fotocredit Helmut Schmid

Hunzgrippe Single/ Video „Lass des Leben leben in deim Leben“

Hunzgrippe veröffentlichen die nächste Single/ Video „Lass des Leben leben in deim Leben“

Hunzgrippe_Presse_- Fotocredit Helmut Schmid
Hunzgrippe_Presse_- Fotocredit Helmut Schmid
Wieder steht ein neuer Titel von HUNZGRIPPE in den Startlöchern: „Lass des Leben leben in deim Leben“ strotzt nur so vor lebensbejahenden Inhalten, textlich, aber auch musikalisch. Eine mitreißende, treibende Nummer mit einer großen Portion Punk-Rock. Eine Aufforderung, „Leben in seinem Leben zuzulassen“.

Single und Video „Lass des Leben leben in deim Leben“:

„Die heutige Zeit ist negativ genug“, sagt Sänger Michael„wir sollten aber immer das Beste daraus machen–aus allem! Nach vorne gehen. Machen statt sich zurückziehen. Eben: Leben… Jetzt und hier!“.

Die Band schreibt:

„Im Lied geht es, wie der Name vermuten lässt, darum, Leben zuzulassen. Wir haben lange genug – wohl alle von uns – kein Leben zugelassen. Deshalb: It´s time for a change!

Das durchgehend animierte Video deutet manchmal Ausbrüche aus unserer technoiden, computerisierten Welt an – tanzende Roboter, kalte Farben, Künstliches, Wirres, egal wohin man blickt. Es fehlt jegliches menschliches, nur durch die tanzenden Roboter angedeutet. Dabei bietet, wie wir finden, unser Song doch so viel Freude und Positives – und soll euch zum Ausbruch anregen.

Geht raus.
Habt Spaß.
Seid menschlich.
Lebt.
Liebt Euch.
Helft Euch.
Rockt was das Zeug hält.
Feiert mit Musik & Euren Freunden.
Und tut vor allem eines: LEBT EUER LEBEN!“

Mehr Infos und das aktuelle Album „Into The Woid“ unter:
www.hunzgrippe.de

Sio Steinberger „Deine Farben“

Sio Steinberger – 2. SINGLE-AUKOPPLUNG „Deine Farben“ jetzt veröffentlicht – aus dem neuen Studio-Album FARBSPIELER/ VÖ 04. August 2023

SIO STEINBERGER trifft aus der Tiefe mitten ins Herz! Seine farbintensive Sicht der Dinge nun mit der 2. Single-Auskopplung „Deine Farben“ aus dem neuen Studio-Album FARBSPIELER, das am 04. August 2023 veröffentlicht wird.

Song-Einblick – Meiner ganz besonderen Frau gewidmet. Eine Liebeserklärung an eine ganz besondere Frau die es geschafft hat, mit Ihren Farben in mein Leben einzutauchen und die tief in mir drin verwurzelt ist und verloren geglaubtes Vertrauen und die Liebe wieder eingepflanzt hat. Das was passiert, ist mit Deinen Farben und mit Deiner Liebe gekennzeichnet.

Du hinterlässt FARB-SPUREN und streichst das Land und Dein persönliches Umfeld in Deinen EINZIGARTIGEN Farben mit. Du kannst mit Deinem DA-SEIN jeden Tag Farbe ins Spiel bringen. Ich seh mich als Farbspieler, der versucht über sein Wirken, ob mit Kindern und Jugendlichen, oder durch die Musik und die Liebe, Farbe ins Spiel, in das Leben und in das MITEINANDER zu bringen. Gemeinsam durch ein kreatives, spielerisches und farbenfrohes Leben mit kreativen Farbtupfern gehen.

Offizielles Video zur 2. Single „Deine Farben“:

1. Single/ Video „Ich komm wieder“:

Nach dem letzten preisgekrönten, von Ihm produzierten Studio-Album 7SINNE-SIOfonie, für sein Label Vi-sio-nen Records, sind in den vergangenen 11 Jahren besondere Songs mit Tiefgang und Herzblut entstanden. Sio beschreibt in seinen neuen Songs inkl. seiner ersten Single-Auskopplung „Ich komm wieder“ seine ganz eigene, offene, feinfühlige, farbenfrohe, und gleichzeitig kritische Sicht der Dinge. Farben-Vielfalt, sowie Musiker und Songschreiber aus Leidenschaft. Er vereint hochkarätige Musiker seiner neuen Band auf dem Album, wie man unschwer beim Hören erkennen kann.

Raoul Walton am Bass, der u.a. auch bei Marius Müller Westernhagen, H.-R. Kunze, Roachford & Julia Neigel spielt/e, Jacob Brass ein hochbegabter Sänger & Songwriter, der u.a. auch bei Andreas Bourani und Rea Garvey, seine innovativen Gitarrenklänge einbringt, Fany Kammerlander am Cello, die auch schon mit Michael Buble´, Peter Gabriel, Deep Purple und Konstantin Wecker auf Tour war und ist, sowie Andreas Keller Drums & Percussion spielt/e u.a. bei Paul Carrack, Spider Murphy Gang, Sigi Schwab, Daniel Betz einzigartiger Pianist & Keyboarder, Produzent, Toningenieur, Studiobetreiber (Groundlift Studios) und Alex Klier Bassist & Toningenieur (LXK Studio) u.a. für Sportfreunde Stiller, Die Ärzte, Ringsgwandl u.v.a.

Sio`s Botschaft ist Toleranz und Akzeptanz, keine Verallgemeinerungen, Respekt sowie Fairness in jeglicher Form gegenüber den Mitmenschen. Diese Werte gehen in unserem Umfeld und in unserem Land leider immer mehr verloren.

Es liegt im tiefen Grundverständnis des Sängers, und sozial engagierten Menschen Sio, u.a. mit Musik, in seinem Umfeld und in seiner täglichen Arbeit mit benachteiligten Kindern und Jugendlichen, diese Werte zu verteidigen und mit Liebe und Wertschätzung dafür zu kämpfen. Seinem neuesten Werk drückt er damit einen unverwechselbaren Stempel auf.

In der deutschsprachigen Musiklandschaft ist kein vergleichbarer Künstler wie Sio zu finden, der seit über 30 Jahren, sein soziales Engagement und die Musik in ganz besonderer Art und Weise verbindet.

Er arbeitete u.a. 15 Jahre intensiv mit straffällig gewordenen Jugendlichen, ist über die von ihm gegründete Organisation Erde & Mensch e.V. unter anderem mit einem mobilen Studio in Brennpunktschulen, Jugendzentren, sowie Kinder- und Jugendeinrichtungen unterwegs, schreibt dort Songs und dreht Musikvideos mit benachteiligten Kindern und Jugendlichen.

Außerdem arbeitet er sozialpädagogisch in einer Spezialeinrichtung für Kinder und Jugendliche mit u.a. ADHS, Autismus und Mehrfachstörungen.

Diese ganz besondere Kombination und die Gabe seine Farben im authentischen Auftreten und mit seinen unverwechselbaren Texten und Kompositionen zu verbinden, macht ihn zu dem charismatischen Songwriter und Menschen, der er heute ist.

Sio Steinberger produzierte und veröffentlichte in 5 jähriger Eigenleistung und unzähligen Unterstützern für Erde & Mensch e.V. über sein Label Vi-sio-nen Records das mit viel medialer Aufmerksamkeit bedachte, erste Erde & Mensch Charity Album. Er schaffte es, ganz besondere Songs u.a. von Rio Reiser & Alan Woerner (Song „Tanz den Hass weg“ – Exklusiv nur für das Erde & Mensch Album), Silbermond, Culcha Candela, Söhne Mannheims, Ich & Ich, Regy Clasen, Dirk Zöllner, IC Falkenberg, Roger Rekless, Mia Aegerter (CH), Zweitfrau (A) u.v.a. auf diesem Album zu vereinen.

Den Titelsong Erde & Mensch und den Song Hoffnungsschimmer steuerte er selbst bei. Sio (7Sinne Studio) stellt mit seinem Produktionsteam Daniel Betz (Groundlift Studio, Piano & Keyboards), sowie seinen innovativen Musikern, ein homogenes Team zusammen. Er setzt mit seinem neuen Studio Album, ein dickes Ausrufezeichen und ein wunderbares Standing. Für ein tolerantes und respektvolles Miteinander, ohne Vorurteile.

Mehr Infos unter:
www.siosteinberger.de
www.vi-sio-nen.de
www.groundlift.de
www.erdeundmenschev.de

C&P Vi-sio-nen Records 2022-23

JAN BLOMQVIST & MALOU – ALONE

Der vielseitige deutsche Produzent, Musiker, Live-Performer und Komponist Jan Blomqvist und die aufstrebende Hamburger Sängerin Malou kollaborieren für die gemeinsame, gefühlvolle Single „Alone“.

JAN BLOMQVIST & MALOU – ALONE
JAN BLOMQVIST & MALOU – ALONE

Der Track ist gleichzeitig Blomqvists erste Originalveröffentlichung des Jahres und folgt auf seine kürzlich erschienene 3-Track-EP „Carry On“ und Malous dritte Veröffentlichung, nach der erfolgreichen Zusammenarbeit mit Dubdogz und VINAI, „I Don’t Mind (ft. Selva)“ und „Love Like We’re Dying“ mit Scorz.

„Alone“ ist eine atemberaubende Mischung aus melodischem House und Techno, die Malous großartige Melodien, Vocals und Texte mit Blomqvists dynamischer elektronischer Produktion verbindet.

Durch seine charakteristische Mischung aus kraftvollen elektronischen Musikelementen, sanften Instrumentalriffs und nachdenklichen Toplines ist Jan Blomqvist zu einer festen Größe in den „Chill“-Playlists auf der ganzen Welt geworden.

Sein ausgeprägter Deep-House- und Tech-Stil hat die Aufmerksamkeit von Größen der elektronischen Musik auf sich gezogen, darunter Ben Böhmer, Oliver Koletzki und Mako und brachte ihm sogar das Gütesiegel der legendären Rolling Stones für seinen „Sympathy For The Devil“-Remix „Synth For The Devil“ ein.

Neben seinen Remixen hat Jan Blomqvist mit seiner Arbeit eine große Fangemeinde geschaffen, die in die ganze Welt reist, um seine Live-Sets zu sehen. Ähnlich wie Monolink, RÜFÜS DU SOL und HVOB präsentieren seine Auftritte seine clubtauglichen elektronischen Werke und Remixe live und schaffen so eine intime Atmosphäre, die die Schönheit seiner Arbeit noch verstärkt. Sein neuestes Werk „Alone“ ist ein weiterer sorgfältig ausgearbeiteter Release, das ihn in den Bereich des Melodic House und Techno führt.

Malou, ein 24-jähriges aufblühendes Talent aus Hamburg, hat ihre gefühlvolle Stimme, ihre mitreißenden Klaviermelodien und ihre lyrische Begabung in Blomqvists eingängige Produktion einfließen lassen und so einen Track geschaffen, der trotz seines düsteren Themas vielversprechend klingt. Die Singer/Songwriterin hat sich durch ihre unerschütterliche Authentizität und ihre Fähigkeit, tiefe Gefühle in ihrer Arbeit einzufangen, einen Namen gemacht. In den letzten Jahren hat sie mit Künstlern wie Deepend, Ben Böhmer, Autograf, SAINT WKND und nun auch mit dem renommierten Jan Blomqvist zusammengearbeitet.

„Alone“ vereint das Beste aus beiden Talenten; ein Song, der sich hervorragend für Blomqvists spektakuläres Live-Setup oder einen akustischen Moment mit Malou eignet.

„Wenn es darum geht, neue Gebiete zu erforschen, bedeutet eine gute Zusammenarbeit Ehrlichkeit und die Bereitschaft, seine Kunst zu verbessern. Bei Malou und mir hat es sofort geklickt und die Zusammenarbeit mit ihr fühlte sich leicht und natürlich an. Ich liebe ihren Gesang. Sie hat diesen wunderschönen Klang in ihrer Stimme, der sie einzigartig und herausragend macht. Ich hoffe, ihr mögt „Alone“ genauso sehr wie ich.“ – Jan Blomqvist

„Ich habe den Text in L.A. geschrieben, als ich mich sehr allein fühlte! Ich habe tolle Freunde, ich habe meine Familie, aber wenn man so viel reist, fühlt man sich trotzdem manchmal allein. Mir wurde klar, dass das in Ordnung ist, denn jeder fühlt sich hin und wieder allein. Es war hilfreich für mich, dieses Gefühl einfach zuzulassen und mich so zu fühlen. Dadurch fühlte ich mich noch dankbarer für das, was ich habe :)“ – Malou

„Alone“ von Jan Blomqvist & Malou ist ab dem 24.03.23 als Stream / Download erhältlich.

https://music.youtube.com/watch?v=qD-SKGZzaMY

Johannes Lorenz

Johannes Lorenz „Steig ei“

Johannes Lorenz veröffentlicht mit „Steig ei“ die 2. Single aus seiner neuen EP „Gschichtn schreim“ (VÖ 21. April 2023)

Johannes Lorenz „Steig ei“
Johannes Lorenz „Steig ei“

Wenn sich das Hamsterrad irgendwann ganz allein um Dich dreht und Du nur noch damit beschäftigt bist hinterher zu kommen, dann „Steig ei“ bei Johannes Lorenz. Immer auf der Suche nach neuen Wegen bietet die aktuelle Single des Münchner Singer-Songwriters eine kurze Auszeit vom Alltag und nimmt den Hörer mit in die kleinen großen Alltagsträume.

Mit ungewöhnlicher Leichtigkeit kommt dieser nachdenkliche Song daher. Tiefgang ohne drückende Schwere anzubieten, bleibt die besondere Gabe des Künstlers.

Video Premiere „Steig ei“:

Wenn Musik entstehen darf und Texte etwas sagen dürfen, dann passieren Songs, wie die von Johannes Lorenz. Lieder wachsen lassen, ohne sich einzumischen, warten, bis Dinge sich finden und ineinandergreifen, das ist die Kunst des Musikers aus München. Entsprechend stimmig kommt der eigenständige Mix aus elektronischer Musik bei überwiegend akustischem Instrumentarium daher. Irgendwie neu und doch irgendwie vertraut, gepaart mit überzeugender klanglicher Tiefe.

Johannes Lorenz
Johannes Lorenz

In bayerischer Mundart beschäftigt sich Johannes Lorenz auf seiner neuen EP „Gschichtn schreim“ (VÖ 21.04.2023) mit Liebe, Freundschaft, Einsamkeit und – über allem – dem Finden des eigenen Weges. Die gefühlvollen poppigen Stücke vermitteln eine angenehme inhaltliche Tiefe, die den Hörer einlädt zu reflektieren und mitzuträumen.

Weiter aktuell…

Offizielles Video „Immer wieda gäht de Sunn auf“:

Mehr Infos unter:
https://www.youtube.com/watch?v=MtS3VXvY2ZI
https://www.instagram.com/jolo.super.sound
https://www.facebook.com/profile.php?id=100063439909975

Yusuf / Cat Stevens – neues Studioalbum “King of a Land“

Yusuf / Cat Stevens – neues Studioalbum “King of a Land“ erscheint am 16. Juni 2023 bei BMG / Dark Horse Records – erste Single „Take The World Apart“ feiert Premiere

Yusuf / Cat Stevens hat in dieser Woche sein 17. Studioalbum angekündigt! “King of a Land“ wird am 16. Juni 2023 bei BMG / Dark Horse Records erscheinen.

Vorbestellungen des neuen Albums sind ab sofort hier möglich: https://yusufcatstevens.lnk.to/KingOfALandPR

Die erste Single „Take The World Apart“ feiert jetzt Premiere: https://yusufcatstevens.lnk.to/TakeTheWorldApartPR

Lyric Video:

Die Ankündigung des neuen Longplayers ist genau genommen schon die zweite Sensationsmeldung in Folge, nachdem Yusuf / Cat Stevens erst Anfang des Monats sein Livedebüt beim diesjährigen Glastonbury Festival angekündigt hatte. Am 25. Juni wird er den renommierten „Tea-Time Legends“-Slot auf der Pyramid Stage spielen – ein veritabler Festival-Ritterschlag, nachdem vor ihm u.a. Diana Ross, Kylie Minogue, Dolly Parton, Paul Simon und Brian Wilson diesen speziellen Sonntags-Slot gespielt hatten. Die mit Spannung erwartete Performance beim legendären UK-Festival findet nur wenige Tage nach der Veröffentlichung von King of a Land statt – und nur knapp einen Monat vor seinem 75. Geburtstag (den Yusuf am 21. Juli feiern kann).

“King of a Land“ ist ein episches und facettenreiches Werk: Gut ein Jahrzehnt hat die Arbeit daran gedauert – und die 12 brandneuen Stücke, die auf dem Longplayer versammelt sind, stecken voller Überraschungen. Unverkennbar und mitreißend wie eh und je, entwirft Yusuf mit diesen neuen Songs, mit diesen Harmonien, Melodien und Texten ein lebendiges Bild von einer Welt, in der auch verlorengegangene Wahrheiten (oder was man dafür hielt) und unbeschwert-makellose Jugend (wieder) ihren Platz bekommen: Er zeichnet sie nach, rückt sie in ein Licht, in dem sie wieder greifbar scheinen. Die Geschichten seiner poetischen Kompositionen funktionieren wie eine Einladung, wie klangliche Tore zu einem Universum, in dem sich die Dinge anders entwickelt haben als im unsrigen – und wo Happy Ends immer noch möglich scheinen.

„Wenn ich den Zickzackkurs meiner musikalischen Reise betrachte, angefangen in den Sechzigern, dann würde ich sagen: Dieses neue Album ist ein Mosaik. Es definiert und beschreibt ganz klar, wo ich gewesen bin – und wer ich heute bin.“ –  Yusuf / Cat Stevens

Einen wunderschönen Einstieg in die kindliche und unbedarfte Welt des neuen Albums bietet der Abschlusstitel „Take The World Apart“, der schon heute zusammen mit einem animierten Lyric-Video von Peter Reynolds als erster Singlevorbote erscheint. Die Animationen, deren Charme man sich unmöglich entziehen kann, spiegeln dabei dieselbe Lebensfreude und dieselbe Zuversicht wider, die auch Yusufs Musik seit Jahrzehnten auszeichnen. Hier anschauen / reinhören.

„Manchmal muss man etwas zerlegen, um den Frieden zu entdecken, den man gesucht hat.“ – Yusuf / Cat Stevens

Auch für das Artwork des neuen Albums zeichnet der preisgekrönte Kinderbuchillustrator Reynolds verantwortlich. King of a Land markiert somit das nächste Kapitel der Zusammenarbeit von Yusuf und dem Kanadier, nachdem sie schon im Jahr 2021 mit dem gemeinsamen Bilderbuch Peace Train einen großen Erfolg gefeiert hatten (New York Times-Bestseller). Zusätzlich zum Cover-Artwork von King of a Land hat Peter auch zu sämtlichen Songs weitere Illustrationen fürs Booklet angefertigt, die den Inhalt der Songtexte aufgreifen und die Stücke wunderbar visuell flankieren.

„Kann mich bitte mal jemand kneifen? Schon die Illustration unseres Peace Train-Bilderbuchs war eine Riesenehre für mich, doch als Yusuf mich dann bat, das Artwork und die Animationen für King of a Land zu entwerfen – nun, das fühlte sich an, als ob ich träumen würde! Die Musik und seine Texte sind genau das, was die Welt momentan mehr denn je braucht.“ – Peter H. Reynolds

“King of a Land“ entfaltet sich jenseits von Genregrenzen; es ist ein zutiefst aufrichtiges, bedeutungsvolles und bewegendes Selbstporträt eines Ausnahmesongwriters, der längst zu den größten und wichtigsten Ikonen der Popgeschichte zählt: Angefangen beim grandios überraschenden Hardrock-Nachdruck von „Pagan Run“ bis zur an Tschaikowski angelehnten Orchestrierung von „How Good It Feels“, von einer ganz zarten Akustikballade wie „He Is True“ bis hin zu jener treibenden „Highness“, die klingt, als wäre Phil Spector in Richtung Gospel aufgebrochen; wieder ganz anders klingen der rollende Americana-Sound von „All Nights, All Days“ à la Traveling Wilburys oder auch das atmosphärische und kunstvoll ausgeschmückte „Son Of Mary“.

Die ersten Aufnahmen für King of a Land fanden tatsächlich schon im Jahr 2011 statt – und zwar in den legendären Berliner Hansa-Studios, wo einst zentrale Meilensteine von David Bowie (Low, „Heroes“) und U2 (Achtung Baby) entstanden sind. Weitere Stationen in den Jahren danach waren etwa die ICP Studios in Brüssel und La Fabrique in der Provence. Zusätzliche Overdubs und die Passagen eines 60-köpfigen Orchesters wurden schließlich in den Air and Angel Studios in London aufgenommen, wobei einige Kernpassagen zwischendurch in Yusufs Homestudio in Dubai, das er selbst liebevoll „Dubville“ nennt, aufgezeichnet worden sind. „Ausgangspunkt für die meisten Songs war tatsächlich meine Garage, wo ich alles eingespielt und aufgenommen habe“, so Yusuf, der die Unmittelbarkeit dieser Arbeitsweise schätzt: „Das ist wirklich ganz, ganz nah dran an dem, was in meinem Kopf passiert.“

Für die eigentlichen Aufnahmen zeichnete Yusufs angestammter Produzent (bzw. später dann Co-Produzent) Paul Samwell-Smith verantwortlich. Tatsächlich setzt Yusuf schon seit Mona Bone Jakon von 1970 auf die Zusammenarbeit mit dem einstigen Bassisten der Yardbirds. Gemeinsam wählten sie auch die hochkarätigen Session-Musiker für die Aufnahmen aus – unter anderem den Bassisten Bruce Lynch (ebenfalls ein angestammter Gast: seit Buddha and the Chocolate Box von 1974), den Keyboarder Peter Vettese (Jethro Tull, Bee Gees, Simple Minds) und den Schlagzeuger Russ Kunkel (Joni Mitchell, Carol King, James Taylor, CSN&Y). Darüber hinaus war auch seine zweiköpfige Bandbegleitung – Kwame Yeboah und Eric Appapoulay – an den neuen Aufnahmen beteiligt.

Abgemischt wurde King of a Land schließlich in Henley-on-Thames, und zwar in George Harrisons Privatstudio, das sich in seinem ehemaligen Anwesen Friar Park befindet. „Das war ein echtes Privileg, in Friar Park arbeiten zu können“, weiß Yusuf. „Zu den allerersten Menschen von außerhalb zu gehören, die einen Fuß in diesen Kontrollraum setzen und dort ein Album abmischen dürfen… George Harrison war immer schon ein extrem wichtiger Einfluss für mich, besonders spirituell. Mit einigen seiner Ansätze und Gedanken, die sich sehr stark an Fernöstlichem orientierten, war er ein absoluter Wegbereiter – und für mich war das extrem wichtig. Wenn man sich einige der Songs dieses Albums anhört, dann kann man da gewissermaßen auch den Geist von George im Hintergrund heraushören.“ Passend dazu erscheint das Album über Dark Horse Records, dem Label von Harrison, das heute von dessen Sohn Dhani geführt wird.

Sein jahrzehntelanger Erfolg und die einzigartige Bedeutung von Yusufs Werk basieren auf einer Vielzahl von Faktoren – entscheidend ist jedoch ganz sicher seine fast schon unheimliche Fähigkeit, die Resultate der eigenen Vorstellungskraft in Songs zu übersetzen, sie in eine musikalische Form zu überführen. Dieselbe Leidenschaftlichkeit und dieser Drang, Neues zu schreiben, aufzunehmen, Menschen damit zu unterhalten, hört man immer wieder ganz deutlich raus, wenn man in die kreativen Welten von King of a Land eintaucht. Es ist derselbe Durst wie damals. Obwohl es inzwischen fast 60 Jahre her ist, seit der 17-jährige „Cat“ die Popwelt mit frühen Hits wie „Matthew and Son“ und „I’m Gonna Get Me A Gun“ erobern sollte, um wenig später zeitlose Klassiker wie „The First Cut Is The Deepest“ oder auch „Here Comes My Baby“ nachzulegen. Diese Songs waren jedoch nur der Auftakt zu einem musikalischen Abenteuer, das dieser Tage ins nächste Kapitel mündet.

“King of a Land“ kann ab sofort als Vinyl-Gatefold-Edition vorbestellt werden – auf grünem Vinyl inklusive 36-seitigem Booklet mit Illustrationen von Peter Reynolds. Der CD-Variante liegt ebenfalls ein von Reynolds illustriertes Booklet bei – hier vorbestellen. Eine weitere LP-Edition des Albums auf weißem Vinyl wird exklusiv über den offiziellen Webstore von Yusuf / Cat Stevens erhältlich sein, wo es außerdem auch Album-Merchandise geben wird – hier geht’s zum offiziellen Store.

King of a Land – Tracklist:

  1. Train on a Hill
    2. King of a Land
    3. Pagan Run
    4. He is True
    5. All Nights, All Days
    6. Another Night in the Rain
    7. Things.
    8. Son of Mary
    9. Highness
    10. The Boy Who Knew How to Climb Walls
    11. How Good it Feels
    12. Take the World Apart

Mehr Infos unter:
https://catstevens.com
https://www.instagram.com/yusufcatstevens/
https://www.facebook.com/YusufCatStevens/
https://www.youtube.com/user/YusufCatStevens

Katrin Rosenzopf veröffentlicht die neue Single „DAS RIESENSPIELZEUG“ (Text Erich Kästner)

Katrin Rosenzopf „DAS RIESENSPIELZEUG“

Katrin Rosenzopf veröffentlicht die neue Single „DAS RIESENSPIELZEUG“ (Text: Erich Kästner)

 

Katrin Rosenzopf veröffentlicht die neue Single „DAS RIESENSPIELZEUG“ (Text Erich Kästner)
Katrin Rosenzopf veröffentlicht die neue Single „DAS RIESENSPIELZEUG“ (Text Erich Kästner)

Katrin Rosenzopf hat ein weiteres Lied aus ihrem im Sommer 2023 erscheinendem Live-Album veröffentlichen. Auch hier handelt es sich um die Vertonung eines Gedichtes von Erich Kästner – „Das Riesenspielzeug“.

Video Premiere „Das Riesenspielzeug“ hier zu sehen:

Ein Text, den der Autor 1932 aufgrund der damals herrschenden Arbeitslosigkeit, unter der natürlich vor allem die Jugend sehr stark zu leiden hatte, verfasste. Es ist ein sehr emotionales, wütend-anklagendes und verzweifeltes Lied aus der Perspektive der betroffenen jungen Menschen. Heute, fast 100 Jahre später ist dieser Text allerdings alles andere als eine Erinnerung an eine schwere Zeit sondern im Gegenteil – wenn auch sicher auf anderen Ebenen – nach wie vor hochaktuell. Es ist ein Lied, das den Blick auf unsere heutige junge Generation lenken möchte. Eine Aufforderung „tiefer unter die Oberfläche“ zu blicken, sich diesen heranwachsenden Menschen wirklich zu widmen und darüber nachzudenken ob ihnen etwas bzw. was ihnen in unserer heutigen Zeit wohl fehlt um einmal wirklich eigenständige, selbstbewusste, verantwortungsvolle und mitfühlende Menschen unserer Gesellschaft zu werden. Braucht es dazu mehr als eine gesicherte Betreuung und Ausbildung? Darüber nachzudenken versucht Katrin Rosenzopf mit diesem Lied anzuregen. Denn wenn es unseren Kindern hierzulande auch scheinbar an nichts fehlt sprechen die Daten an zunehmenden psychischen Problemen und Krankheiten (wie z.B. Depressionen, aggressives und asoziales Verhalten und ADHS – welche wiederum eine zunehmende Arbeitsunfähigkeit und Abhängigkeit bedingen) eine andere Sprache. Denken wir darüber nach. Denn: es geht um das Sein unserer Kinder.


Mehr zu Katrin Rosenzopf:

https://www.facebook.com/katrinrosenzopf
https://www.instagram.com/katrinrosenzopf
https://www.youtube.com/channel/UCQ-3ujj3WjnN4Cyfj6UPVTA
www.unerhoertelieder.com

Arjon Capel und Simon Stadler veröffentlichen „Wie lange noch“

Arjon Capel und Simon Stadler veröffentlichen ihr Single und das Video zu „Wie lange noch“

Arjon Capel und Simon Stadler veröffentlichen ihr Single und das Video zu „Wie lange noch“
Arjon Capel und Simon Stadler veröffentlichen ihr Single und das Video zu „Wie lange noch“

Wie lange noch… Der Song erstmalig in einer Akustikversion bei einem Gastauftritt von Konstantin Weckers Konzert am 04.08.2022 in der Burgarena Finkenstein vorgetragen war ein voller Erfolg.

Was für Applaus bekamen Arjon und Simon für Ihren Weck-Ruf! Es war klar, dass die beiden, auf Empfehlung von Konstantin Wecker, ins Ton-Studio gingen. Natürlich trägt der gewählte Termin für die Veröffentlichung am 24. Februar 2023 eine starke Symbolkraft.

Arjon Capel und Simon Stadler
Arjon Capel und Simon Stadler

Konstantin Wecker – Label Sturm & Klang – präsentiert und coacht Künstler. Sowohl Arjon Capel als auch Simon Stadler sind bei Sturm & Klang aktiv. Die beiden auf den ersten Blick so unterschiedlichen Künstler fanden sofort spannende musikalische Gemeinsamkeiten und wagen nun eine gemeinsame Reise.

Offizielles Video „Wie lange noch“:

Warum ein gemeinsames Projekt „Wie lange noch“?

Der erste Entwurf des Textes entstand Anfang März 2022 aus einem Gespräch zwischen Arjon und dem befreundeten Texter Ralf Beisner über die schrecklichen Ereignisse in der Ukraine und den nicht absehbaren Folgen des russischen Überfalls. Ralf Beisner schrieb die ersten Zeilen „Wie lange noch“ und daraus wurde zeitversetzt dann im Juli eine Version und ein Text, in dem sich Arjon und Simon gemeinsam wiederfanden: wir beide fühlen und spüren tiefe Betroffenheit, Verunsicherung, haben unbeantwortete Fragen, aber auch der Hoffnung wollen wir Ausdruck verleihen. Daraus entstand unser Lied „Frieden und Freiheit – „Wie lange noch“.

Was bewegt Arjon Capel?

Alles begann mit einer Reihe von Gedichten, die ihm seine mittlerweile verstorbene Mutter hinterließ. Arjon Capel vertonte die emotionalen Poesie-Fragmente und nutze sie für sein erstes Album „InneHalten“. Neben seinen deutschsprachigen Eigenkompositionen, entstand auch ein irreversibler, ja kathartischer Prozess, der den niederländischen Liedermacher zum Entschluss führte, sich nach 33 Jahren im „normalen“ Berufsleben ganz und gar seiner Passion, der Musik, zu widmen. Und er verrät seinen Zuhörern ein wichtiges Geheimnis, mit dem man die Geschenke des Lebens erfahren kann: Mutig nach vorne zu sehen und „Neue Wege“ zu wagen. Damit sind wir genau beim Thema, der Liedermacher Arjon Capel lässt sich nicht in eine „Schublade“ packen und seine neuen Singles treffen das Thema „mal ganz anders“ wunderbar auf den Punkt.

Was bewegt Simon Stadler?

Gleichberechtigung, Empathie und Revolution — das sind drei der vielen Themen, die Simon Stadler mit seiner Musik und seinen Texten behandelt. Der junge österreichische Liedermacher bekundet in seinen Liedern offen und ehrlich, was ihm am Herzen liegt. Geprägt durch den musikalischen Charme von Udo Jürgens und durch das textliche Charisma von Konstantin Wecker, vermittelt Simon Stadler eine vertraute Offenheit heiklen und einfühlsamen Gedanken gegenüber. Es sind lebensbejahende Songs, die den Menschen so manche Sehnsüchte entlocken sollen und dazu anregen, den eigenen Weg zu gehen.

Mehr erfahren über die beiden Künstler und das Label:

https://www.simonstadler.at
https://www.arjoncapel.com
https://sturm-und-klang.de

Cosmic Single ‘Cosmic Lover’

Cosmic veröffentlichen Video zu ihrer Single ‘Cosmic Lover’

Cosmic lebt von einem einzigartigen Sound, der die Vibes dessen einfängt, was jeder heute „Vintage“ oder „Retro“ nennt. Der eigene Stil erinnert an die extravaganten Jahre von Queen wie auf Steroiden, durchdrungen von der frischen Energie eines Kraftpakets, das nicht unbemerkt bleiben kann. Alle richtigen Elemente sind vorhanden: die Riffs, die Hooks, die Soli und vor allem diese natürliche Liebe zur Unterhaltung, die sich Cosmic selbst als Live-Band betrachtet. Die Musik spricht für sich, es bedarf keine Erklärungen.

Michael ist ein überlebensgroßer Entertainer und Sänger. Wie kann man ein Zitat von Adam Lambert toppen, der sagt: „Klingt genau wie Freddie!“ … Besser geht’s nicht… Wenn überhaupt, werden wir alle ernsthaft anfangen, unser Konzept der Reinkarnation zu überdenken!

Ihre Debütsingle ‚Cosmic Lover‘ wurde am 6. Januar dieses Jahres veröffentlicht und hat seit etwas mehr als 2 Wochen bereits über 58.000 Streams allein auf Spotify, was eine Leistung für sich ist, da sie eine neue Band in der Musikszene sind.

Video ‚Cosmic Lover‘:

‚Cosmic Lover‘ gibt es hier: https://kasurl.com/ITPir

Cosmic ist:
Michael Spence – Sänger
Nash Boykovich – Gitarre
Serge Simic – Gitarre
Ian Jeffry – Bassgitarre
Rad Chapin – Schlagzeug

Social-Media-Links:
Instagram : https://www.instagram.com/cosmicofficialband/
Facebook : https://www.facebook.com/CosmicSlap
YouTube : https://www.youtube.com/@cosmicbandofficial
Tik Tok : https://www.tiktok.com/@officialcosmicband

Laibach – Eurovision. Live in Kiew am 31.03.

LAIBACH haben für den 31. März 2023 in der Bel Etage Music Hall in Kiew, Ukraine, ein ganz besonderes Konzert angekündigt, bei dem sie als erste ausländische Band seit Kriegsbeginn im Februar 2022 eine komplette Show in der Hauptstadt geben werden.

Während sich der Rest Europas darauf vorbereitet, seine Idee von Freiheit und Solidarität am 9. Mai in Liverpool zu feiern, bringt Laibach den Eurovision Song Contest zurück in die Ukraine – dorthin, wo er hingehört und wo derzeit die einzig wahre Vision von Europa stattfindet.

„Eurovision“ heißt das spezielle Konzertprogramm der renommierten slowenischen Band, und sie werden neben „The Engine of Survival“, einem brandneuen Track, der 2023 erscheinen soll, einige ihrer hymnischsten Songs präsentieren.

Mit Hymnen und Märschen im Mittelpunkt vieler ihrer Kompositionen haben sich Laibach lange mit militärischen Blaskapellen verglichen, die geschaffen wurden, um die Moral auf dem Schlachtfeld aufrechtzuerhalten, und mit diesem Konzert in Kiew unterstützt Laibach die Ukraine und die Ukrainer in ihrem Kampf gegen die Russen alles andere, Aggression.

Alle Erlöse aus dem Konzert in Kiew werden an Wohltätigkeitsorganisationen und Tierschutzorganisationen in der Ukraine gespendet, weitere Einzelheiten folgen.

LAIBACH – EUROVISION
31. März – Kiew, Musiksaal Bel Etage – https://concert.ua/en/event/laibach-kyiv-2023

LAIBACH entstand in der damals jugoslawischen Industriestadt Trbovlje. Die Band wurde im Jahr des Todes des Gründervaters des Landes, Tito, gegründet und wurde zu einer der international anerkanntesten Bands, die aus den ehemaligen kommunistischen Ländern Ost- und Mitteleuropas hervorgegangen ist.  Darüber hinuas ist Laibach eine der ersten Bands, die in Nordkorea auftrat.

2019 veröffentlichten sie eine Laibachsche Interpretation von The Sound of Music, die sie während ihrer Reise nach Nordkorea konzipierten und 2020 mit Laibach Revisited vier Jahrzehnte feierten. 2022 folgte ein Album mit Musik aus der gefeierten Theaterproduktion Wir sind das Volk (ein Musical aus Deutschland) nach den Texten von Heiner Müller (1929–1995), und die Band gab kürzlich bekannt, dass diplomatische Verhandlungen für eine Aufführung in Teheran laufen für Alamut, ein originelles symphonisches Werk, das in Zusammenarbeit mit iranischen Komponisten und Interpreten komponiert wurde.

LAIBACH zollte kürzlich Leonard Cohen mit einer Neuinterpretation seines vorapokalyptischen Tracks „The Future“ Tribut. Von MOJO als „Leonard Cohens beißende 92er Alarmglocke, neu interpretiert in Eisgewölbe-Techno-Rock“ beschrieben, macht diese Laibach-Version von „The Future“, ursprünglich auf Cohens gleichnamigem Studioalbum von 1992, überdeutlich, dass die Zukunft die Cohen vorhersagte unsere Gegenwart ist.

LAIBACH – EUROVISION
SLOVENIAN COLLECTIVE ANNOUNCE A LIVE CONCERT IN KYIV, UKRAINE – 31 MARCH 2023

War – huh yeah – what is it good for? Absolutely nothing! (Edwin Starr, War)

The horror… the horror… (Colonel Kurtz, Apocalypse Now)

Love is the only engine of survival. (Leonard Cohen, The Future)

LAIBACH – LOVE IS STILL ALIVE TOUR – 2023
14 April – Zagreb, Tvornica Kulture, HR
21 April – Ljubljana, Kino Šiška SI
20 May – Klagenfurt, Burghof, Klagenfurt Festival, AT
14 July – Bolków, Castle Party Festival 2023, PL

Tickets and further information: https://www.laibach.org/future-events/

RECENT PRAISE FOR LAIBACH

“Perfectly, predictably unpredictable” – Electronic Sound (review of Love is Still Alive EP)

„Laibach has a truly unique way of keeping love, understanding, and acceptance alive.“ – Cryptic Rock (Love is Still Alive EP)

„A project that seemed almost too easy, but unsurprisingly, the result is a gem that is delicious.“ – Le Temps (Love is Still Alive EP)

“Leonard Cohen’s mordant ’92 alarm bell, reframed in ice-vault techno rock” – MOJO (on The Future)

“A version of The Sound of Music that you can march to” – New Internationalist (The Sound of Music)

„… stirring, funny and thought provoking“ – The Guardian (The Sound of Music)

„Playful, poignant, sublime and ridiculous… Laibach continue to hold up a mirror to a divided world.“ – The Quietus (The Sound of Music)

… a perfect vehicle for the themes which possess the group” – MOJO (Wir sind das Volk)

“Stirring sturm und drang” – Uncut (Wir sind das Volk)

“… blending spoken and sung texts with reverb-drenched piano, strings, and electronics” – The Wire (Wir sind das Volk)

“This is not easy listening but it is arguably Laibach’s most sonically rich, least ironic, most mature work to date” – Classic Rock (Wir sind das Volk)

www.laibach.org
www.mute.com

TEEN ICON „MONA MUR“

TEEN ICON – neue 2-Track Single von MONA MUR ab jetzt veröffentlicht – aktuelles Album SNAKE ISLAND ab dem 10.03.2023

MONA MUR & Friends Millenium Concert (Special Guest: Valerie Renay) im arkaoda in Berlin am 18.05.2023

In den Gewässern des aktuellen Albums SNAKE ISLAND (VÖ 10.03.2023) ist eine neue Flut eingetroffen. Die Punk- und Industrial-Koryphäe MONA MUR ist mit der 2-Track Single TEEN ICON zurück mit Interpretationen ikonischer Songs von zwei der Größten der Musikgeschichte: „Smells Like Teen Spirit“ von Nirvana und „Icon“ von Siouxsie and the Banshees.

2-Track Single TEEN ICON:
https://open.spotify.com/album/1a10jui0ZUDNSB0q5mMeUv?si=w5FrmDJwTBOBKzguqXPkqQ

„Smells Like Teen Spirit“:

„Icon“:

Beide Songs kombinieren die für die Künstlerin charakteristische rasende Gitarre mit brillanten elektronischen Texturen. Dabei trifft Mona wieder auf ihre Kollaborateure von SNAKE ISLANDCo-Produzent Goldkind und Mastering-Ingenieur Jon Caffery, der die Covers als „noch krasser als die Originale“ bezeichnet.

Die renommierte deutsche Arthouse-Filmregisseurin Elfi Mikesch schlug Mona ursprünglich vor, den Nirvana-Song in Angriff zu nehmen. Mona wurde von der monströsen Kraft von Kurts Text überwältigt und schuf eine viel schwerere, düsterere Version. Mona hatte nie daran gedacht, Siouxsie zu covern, bis sie eingeladen wurde, einen Beitrag zu einem kürzlich erschienenen Tribute-Album zu leisten. Das Album wurde nur in begrenzter Auflage veröffentlicht, so dass es nur Sinn machte, Monas Interpretation als zweite Hälfte von Teen Icon zu veröffentlichen.

„Ich habe das Gefühl, dass diese Lieder universelle Kunstwerke sind, genau wie bestimmte Opernarien“, sagt Mona, „und wenn mir ein Vorschlag gemacht wird, werde ich mich gerne als bescheidene Interpretin zur Verfügung stellen, um sie wieder auferstehen und erstrahlen zu lassen.“
Ab dem 17.02. gibt es also jetzt mit TEEN ICON eine weitere MONA MUR 2-Track Single die über GIVE/TAKE veröffentlicht wird.

Zudem wird es am 18.05.2023 das MONA MUR & Friends Millenium Concert (Special Guest: Valerie Renay) im arkaoda in Berlin geben!

SNAKE ISLAND ist Mona Mur’s erstes Album, bei sie nicht nur Sängerin ist, sondern neben den großen Talenten von Gary Schmalzl, En Esch und Goldkind auch Gitarre spielt. „Wir haben vor, das auch auf die Bühne zu bringen – man kann ja nicht genug Gitarren haben, oder?“ – MONA MUR

Ab dem 10.03.2023 wird das SNAKE ISLAND Album nicht nur über GIVE/TAKE und die Bandcampseite https://monamur.bandcamp.com/album/snake-island zu beziehen sein, sondern dann auch über Mona Murs Berliner Label „Playloud!“, das seit 2021 überdies den imposanten Backkatalog der seit den 80ern international tätigen Künstlerin auf Vinyl wieder veröffentlicht. Darunter auch der aktuellste Re-Release MONA MUR: The Original Band (1984 – 86), der erst am 02. Dezember diesen Jahres veröffentlich wurde.

Die Songs aus dieser Ära avancierten über die Jahre zu wichtigen Bestandteilen ihrer Karriere und erschienen in neuen Versionen auf späteren Veröffentlichungen, in der Mehrheit auf dem 2009 zusammen mit En Esch aufgenommenen Album “120 Tage – The Fine Art of Beauty & Violence” (Pale Music).

Die ursprünglichen Fassungen jedoch wurden, trotz einiger Angebote, beinahe vier Jahrzehnte lang nicht veröffentlicht – ein Desiderat, dem Play Loud! Productions nun entgegenwirken.

Mehr Infos und ein Video Interview zu MONA MUR: The Original Band (1984 – 86) und allen anderen aktuellen Re-Releases gibt es unter: http://www.playloud.org/archiveandstore/en/vinyl-12/810-mona-mur-the-original-band-1984-86.html

Weiter aktuell… offizielles Video zur 1. Single “SCHIELDWALL“:

Zurück zum neuen Album… „Ich stieß auf die Geschichte einer kleinen Insel vor der brasilianischen Küste, auf der tausende von hochgiftigen Vipern hausen, die sich gegenseitig kannibalisieren. Sie ließen nicht mal den Leuchtturm-Wärter am Leben. Die Schlangen waren überall – bis die Population implodierte. Ich stellte mir vor, dort zu leben … vielleicht sogar als eine der Schlangen. Ich weiß nicht, ob die Story wahr ist. Aber dieses Bild hat mich inspiriert, ein weiteres Album mit meinem Freund Goldkind in Angriff zu nehmen. Goldkind ist ein exzentrischer Klangschamane. Wir haben eine tiefe musikalische Verbindung. Die Bedingung war – ich spiele die meisten E-Gitarren selbst. Goldkind stimmte zu. So konnte ich mich richtig ausleben, nicht nur als Sängerin, sondern auch an der verstärkten Gitarre, auf der ich in den letzten drei Jahren einen eigenen Style aus verzerrten, monströsen, schleppenden Riffs entwickelt habe.“

So bilden die 10 Songs von SNAKE ISLAND ein dunkles Gemälde aus Melancholie, Doom, Schönheit, Romantik und Apokalypse. SNAKE ISLAND zelebriert das Ende des Spätkapitalismus in exquisiten Elektronik – Layern, harschen Gitarren und herzzerreissend schönen Melodien. “SNAKE ISLAND enthält meinen ganzen bodenlosen Schmerz über die sinnlose und dumpfe Zerstörungswut hasserfüllter Menschen, die dem schönsten aller Planeten in Kürze den Garaus machen, wenn nicht ein Wunder geschieht.“

Den Einstieg auf die „Schlangeninsel“ befördern zwei Coverversionen: Motörhead – Knaller „Ace of Spades“ mit furiosem Gitarrensolo von Gary Schmalzl – und “Rake“, die Schwerenöter-Ballade des todessehnsüchtigen US-Barden Townes Van Zandt, mit feinem Solo von En Esch. „Die Story meiner Jugend“, lacht Mona Mur. Man kauft es ihr ab.

Veredelt wurde SNAKE ISLAND durch extensive Nachbearbeitung und Mastering von Produzentenlegende Jon Caffery (Joy Division, Kraftwerk, Einstürzende Neubauten, Linton Kwesi Johnson), dem beide Künstler langjährig verbunden sind.

„Mona Mur ist nach vier Jahrzehnten ihres Musikschaffens genau so vital, intensiv und boshaft wie eh und je. Ihr artistisches Alter Ego verströmt Klasse, Stil und pures Gift zu gleichen Teilen.“ ReGen Mag 10 /2022

MONA MURSängerin, Komponistin, Produzentin, ist seit den 80ern bekannt für ihre einzigartige dunkle Stimme und ihre manisch–intensiven Live-Auftritte in Gitarrengewittern und morbidem Slowbeat-Chic. Ihre Musik bildet eine eigene Kategorie aus Punk und Chanson, Electronic Rock ’n’ Roll und orchestralen Klangwänden. Mona hat mit Musikern wie „Einstürzende Neubauten“ –Schlagwerker FM Einheit, den „Stranglers“ J.J. Burnel und Dave Greenfield, Yello’s Dieter Meier oder auch Operndiva Simone Kermes kollaboriert. Mit En Esch (KMFDM, Pigface) tourte sie weltweit.

Ihre Alben sowie ihre preisgekrönten Soundtracks für Games („Kane & Lynch 2: Dog Days“) und Filme („Gegen die Wand“, von Fatih Akin, „Genderation“ von Monika Treut, ‘Letzte Ausfahrt: Weltall“ von Rudolph und Werner Herzog) produziert sie in ihrem Berliner Studio KATANA.

Zudem hat der Filmemacher und Grimme-Preis-Träger Dietmar Post (u.a. Monks: The Transatlantic Feedback, Deutsche Pop Zustände)in einem Studio ein 4-stündiges Gespräch mit der Künstlerin Mona Mur geführt. Daraus sind zunächst zwei kürzere Filme zu den Alben ‚Mona Mur: Mona Mur (1988)‘ und ‚Mona Mur: The Original Band (1984-86)‘ entstanden. Nun soll für den Herbst 2023 aus dem Material, welches die komplette Karriere von Mona Mur abdeckt, ein längerer Dokumentarfilm entstehen.

Mehr Infos unter:
https://monamur.com/
http://www.playloud.org/archiveandstore/en/vinyl-12/747-mona-mur-mona-mur.html
https://www.facebook.com/monamur.official
https://www.youtube.com/@Monamurofficial

Ulrich Zehfuß „Du wirst mich nicht los“

Eine Hymne gegen Mikroplastik – Ulrich Zehfuß veröffentlicht mit „Du wirst mich nicht los“ zweite Single aus dem kommenden Album „Liebe“ (VÖ 21.04.2023)

Mit der neuen Single „Du wirst mich nicht los“ schlägt Ulrich Zehfuß einen großen Bogen. Er verknüpft seine Lebenserfahrung als Sohn eines Landwirts und der Arbeit auf Gemüsefeldern mit einem brandaktuellen Thema: Der Verseuchung der Umwelt und der Nahrungskette mit Mikroplastik„Du wirst mich nicht los“ ist ein astreiner Stalker-Song aus der aus der Perspektive einer Plastikfolie, die wie ein verlassener Liebhaber die Menschen daran erinnert, dass sie die Geister nicht mehr loswerden, die sie gerufen haben.

Geschrieben hat Zehfuß den Song mit dem Kölner Songwriter und Co-Produzenten Luis Schwamm aus der Sago Songwriter-Familie, zu der Zehfuß selbst gehört, sowie dem Stockholmer Pianisten und Produzenten Anders Wihk. Mit beiden hat Zehfuß sein aktuelles Album „Liebe“ für das Münchner Label Sturm & Klang von Konstantin Wecker produziert, das am 21. April erscheinen wird.
Zur Single gibt es ein Musikvideo, das vom Mannheimer Videoclip-Spezialisten Camelot Films produziert worden ist, hier zu sehen:

Weiter aktuell… Ulrich Zehfuß „Soldat“ hier anhören:

Die Musikerinnen und Musiker:
Stimme – Ulrich Zehfuß | Piano – Anders Wihk | Bandoneon – Belèn Romano | Bass – Svante Henryson | Strings – Stockholm Studio Orchestra (the individual string players names are registered under this name)

Portrait: Als Ulrich Zehfuß 2016 nach zehn Jahren Bühnenpause mit einem neuen Album in die Singer-Songwriter Szene zurückkehrte, zu der er bereits mit 17 als Sänger der Band BUNT gehört hatte, empfing man den eleganten Musiker in seinen Vierzigern mit offenen Armen: die Jury der deutschen Liederbestenliste kürte „Dünnes Eis“ zum Album des Monats, das Fernsehen des SWR klopfte die Kissen der Promi-Couch für ihn auf, widmete ihm ein Portrait, während man ihn im Deutschlandfunk begeistert als »einen der interessantesten deutschen Liedermacher« betitelte. Zehfuß hatte ein Album produziert, das berührt: »Popmusik im besten Sinne (…) voller wunderbarer kleiner Alltagbeobachtungen« (SR).

Ende der Neunziger war Zehfuß mit seiner Band BUNT bereits eine feste Größe im Südwesten gewesen. Drei Mal hintereinander wurden sie ab 1991 von der Jury des Bundeswettbewerbs Treffen Junge Musik-Szene in Berlin ausgezeichnet. Kaum bessere Voraussetzungen, um 1994 selbst Mitglied dieser Jury zu werden. Heute gibt er selbst Songwriting-Seminare, u.a. in der Popakademie Mannheim. 1991 wurde Zehfuß Schüler von SAGO, der Poetenschule von Christof Stählin, der er auch nach dem Tod des Lehrers verbunden bleibt. Das Lied „Selber groß“, bei dem ihn Dota Kehr stimmlich begleitet, erinnerte auf dem seinem letzten Album „Erntezeit“ an jenen großen Liedermacher.

Mehr Infos unter: https://www.28if.net/zehfuss.html

Isa Jansen „Du hast mich kaputt gemacht“

Singer/Songwriterin Isa Jansen veröffentlicht zweite Single „Du hast mich kaputt gemacht“ – neues Album „Bitter & Süß“ erschein am 24.03.2023

Isa Jansen veröffentlicht brandneu ihre zweite Single „Du hast mich kaputt gemacht“ unter dem Label „Sturm & Klang“ von Konstantin Wecker.
Während der erste Song „In den Wolken“ im Folk- Singer/Songwriter-Stil mit luftig leichten Percussions und einer verspielten Gitarre daherkommt, wird mit der zweiten Single auf musikalische Weise der Facettenreichtum des Daseins sowie die Bandbreite des neuen Albums „Bitter & Süß“ gezeigt.

„Du stehst im Licht, verstehst du‘s nicht, ich brauch dich nicht“ – eine Abrechnung und eine hoffnungsvolle Befreiung aus der Tiefe und aus der Krise sowie der philosophische Beweis dafür, dass es ohne Schatten kein Licht gibt.

Video Premiere „Du hast mich kaputt gemacht“:

Weiter aktuell… Video „In den Wolken“:

Synthesizer, Orgeln und Bläser – alles was man braucht, um Verletzungen Luft zu machen, sich zu befreien und nach den tiefen Momenten des Lebens wieder nach vorne zu schauen. „Du hast mich kaputt gemacht“ ist der rockigste Song des Albums „Bitter & Süß“, welches am 24.03.2023 erscheint. Abgemischt wurde das gesamte Album von Johann Seifert, der u. a. auch für Lena Meyer-Landrut, Kraftklub und Cro tätig ist.
Live begeistert sie bereits bei jeder Gelegenheit sowohl Solo an Gitarre und Piano als auch in voller Bandbesetzung. Hochcharmant und locker leicht nimmt sie das Publikum mit in ihre Welt.

Johannes Engelhardt – Bass, Synthesizerbass
Hiromu Seifert – Schlagzeug, Klavier, Keyboard
Julian Maier-Hauff – Bläserarrangements
Anne Altenburg – Backgroundgesang
Isa Jansen – Text, Musik, Gesang, Gitarre

Mehr Infos unter:
https://www.instagram.com/isajansen.de/
https://www.facebook.com/isajansen.de

Connor Selby veröffentlicht sein Tribut an Ray Charles “My Baby Don’t Dig Me”

Der junge britische Troubadour Connor Selby stellt seine Coverversion von Ray Charles‘ Song „My Baby Don’t Dig Me“ aus dem Jahr 1964 vor. Der Song stammt aus seinem kommenden Album ‚Connor Selby‘ (Deluxe Edition), das bei Provogue/Mascot Label Group erscheint.

“My Baby Don’t Dig Me” kann man sich hier anhören:

Pre-Sale Connor Selby Deluxe-Album hier: https://lnk.to/ConnorSelby

Außerdem wird er die Soul-Legende P.P. Arnold bei zwei speziellen Londoner Shows im Jazz Café am 25. und 26. Februar sowie Beth Hart bei ihrer kompletten Tournee durch Großbritannien und Irland vom 03. bis 21. März begleiten. Außerdem wird er am 27. April auf dem Cheltenham Jazz Festival auftreten.

Über den neuen Song sagt Selby: „Ich habe diesen Song ausgewählt, weil ich, wie jeder, der mich kennt, sagen wird, ein großer Ray Charles-Fan bin und ich ihm eine Hommage erweisen wollte. Allerdings wollte ich einen weniger bekannten Song wählen, den nicht viele Leute kennen, und nicht einen seiner Hits, damit er den Leuten noch frisch im Gedächtnis ist und sie ihn nicht automatisch mit dem Original vergleichen. Es war mir wichtig, dass ich mich selbst in den Song hineinversetzen konnte, ohne dem Original zu nahe zu treten. Ich habe mich für diesen Song entschieden, im Gegensatz zu vielen seiner anderen, weil es ein lustiger Song mit einem tollen Groove und einem ziemlich humorvollen Text ist, der mich immer angesprochen hat.“

Selby wird „Connor Selby (Deluxe Edition)“ am 03. März über Provogue veröffentlichen. Das Album enthält vier Bonustracks, darunter die neuen Videos zu „I Shouldn’t Care“ und „The Deep End (Lyric Video)“.  Seine Musik hat eine zeitlose, melancholische Qualität. In ihrer Ehrlichkeit und Offenheit schöpft sie aus der Angst und der Verletzlichkeit, aber sie vermittelt sie mit einer weltgewandten Eleganz. Das Album wurde ursprünglich 2021 im Eigenverlag veröffentlicht und wird nun mit viel Liebe und vier neuen Bonussongs von Provogue wiederveröffentlicht.

Connor Selby ist eines der größten Talente in der britischen Bluesszene. Bei den diesjährigen UK Blues Awards ist er nominiert für „Acoustic Act of the Year“„Instrumentalist of the Year“, „Blues Vocalist of the Year“ und „Blues Artist of the Year“. Er wurde bei den UK Blues Awards in den letzten drei aufeinanderfolgenden Jahren (2020, 2021, 2022) zum „Young Artist of the Year“ gewählt und hat eine beeindruckende Liste von Auftrittsorten, darunter das Wembley-Stadion, wo er im Juli 2019 für The Who eröffnete und im Sommer 2022 im Londoner Hyde Park zusammen mit Pearl Jam, Stereophonics und Johnny Marr spielte.

Aufgewachsen in einem Dorf in Essex, hat er einen weniger ausgetretenen Pfad beschritten. Von den frühen Jahren in Connecticut, USA, als kleines Kind bis nach Dubai, VAE, im Alter von zehn bis vierzehn Jahren, und Essex auf beiden Seiten, mit diesen jungen Augen saugte er die Reisen und die Veränderungen auf, die an ihm vorbeizogen. Eine Sache, die ihn nicht losließ, war seine aufkeimende Liebe zur amerikanischen Roots-Musik„Ich interessierte mich nicht nur für die Musik selbst, sondern auch für die Geschichte und alles, was damit zu tun hatte“, sagt er. „Ich wollte so viel lernen und hören, wie ich konnte. Ich denke, es ist wichtig, dass jemand, der nicht aus diesem Kulturkreis stammt, der Musik den Respekt entgegenbringt, den sie verdient. Man kann die Musik nicht von ihrem historischen Kontext trennen.“

„Ich liebe die Direktheit, die Einfachheit und Erdverbundenheit der Musik“, fügt er hinzu. „Ich liebe es, wie bodenständig er ist, sowohl textlich als auch musikalisch. Ich denke, beim Blues geht es im Grunde um sehr grundlegende menschliche Gefühle. Dinge wie Kummer und Stolz und die Art und Weise, wie wir mit alltäglichen Situationen und Problemen umgehen. Außerdem hat mich schon immer die verbindliche Qualität der Musik angezogen. Als Kind und Teenager war ich ziemlich schüchtern und nicht sehr selbstbewusst, also denke ich, dass ich in der Musik ein Gefühl von Macht finden konnte.“

Für Selby, der neben Auszeichnungen auch zahlreiche Auftritte bei BBC Radio 2 hat, ist der Himmel die Grenze. Mit seiner gefühlvollen Bluesmischung und seinem emotionalen, introspektiven Songwriting, das sich mit seinem beeindruckenden Gitarrenspiel paart, ist es leicht zu verstehen, warum. Die Songs auf „Connor Selby“ sind kleine Vignetten der verschiedenen Musikstile, die ihn inspirieren.
Weiter aktuell…

Official Video „I Shouldn’t Care“:

Lyric Video „The Deep End“:

Mehr Infos unter:
https://www.connorselby.com/
https://www.facebook.com/ConnorSelbyMusic
https://www.instagram.com/connorjamesselby/