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Crobot „Set You Free“

Crobot präsentieren offizielles Musikvideo zu „Set You Free“ – aus dem Album “Feel This”/ VÖ 03.06.2022

Crobot "Set You Free"
Crobot „Set You Free“

Crobot veröffentlichen heute das offizielle Musikvideo zu „Set You Free“. Der Song stammt vom neuen Studioalbum FEEL THIS, welches am 3. Juni via Mascot Records veröffentlicht wird.

Sänger Brandon Yeagley erklärt: „Es gibt ein paar Dinge, die man tun muss, wenn man sich tief im Herzen von Texas befindet und ein Musikvideo dreht – entweder wird etwas in die Luft gejagt oder in Brand gesetzt. Wir haben uns bei den Dreharbeiten zu „Set You Free“ für Letzteres entschieden. Es ist immer ein Vergnügen, mit der Crew von MyGoodEye zusammenzuarbeiten, und dieses Video ist buchstäblich in Flammen aufgegangen. Mit der Hilfe unserer talentierten Freundin Chelsee Jernigan (Fear of the Walking Dead, What About Molly?) haben wir uns im Wald verirrt, nur mit dem Licht unserer Taschenlampen und ein paar brennenden Dingen… was für Dinge, fragst Du? Nun, was für Dinge sollen wir denn verbrennen?“

Video Premiere „Set You Free“:



Album Vorbestellung “Feel This”:
https://lnk.to/Crobot

Mit zig Millionen Streams, unzähligen Shows und Lob von Metal Hammer, Classic Rock, Kerrang, BBC Radio, SiriusXM Octane, Loudwire, Guitar World und vielen mehr, verwirklichen Brandon Yeagley [Gesang], Chris Bishop [Gitarre], Tim Peugh [Bass] und Dan Ryan [Schlagzeug] auf ihrem fünften Studioalbum ihre Vision wie nie zuvor. Die Veröffentlichung folgt auf das 2019er Top-10-Heatseekers-Album MOTHERBRAIN, dessen kumulative Streams 30 Millionen überschritten haben. Alleine Einundzwanzig Millionen davon entfielen auf die Single „Low Life“, eine Top-10-Single im US-Active-Rock-Radio mit einem 29-wöchigen Lauf in den Billboard Mainstream Rock-Charts.

„Dies ist die Platte, die wir machen wollten, seit wir angefangen haben“, sagt Brandon. „Wir haben uns immer als Live-Act gesehen“, fährt er fort. „Als Jay Ruston seinen Aufnahmeprozess beschrieb, waren wir mehr als begeistert. Es ging darum, live als Einheit aufzutreten und alle Instrumente eines Songs fertigzustellen, bevor wir zum nächsten übergingen. Wir haben 16 Songs in 21 Tagen aufgenommen, was an sich schon eine Meisterleistung ist.“

Mit Legend of the Spaceborne Killer [2012], Something Supernatural [2014] und Welcome To Fat City [2016] schlugen sie erste Wellen. Motherbrain [2019] stellte jedoch einen Höhepunkt dar. Sie haben die USA und den Rest der Welt im Roadwarrior-Stil durchquert und mit Bands wie Anthrax, Black Label Society, Chevelle, Clutch, Volbeat, Halestorm und anderen gespielt. Sie traten auf Festivals und der jährlichen Shiprocked! Cruise, Rocklahoma, Aftershock, Wacken Open Air und der Jericho Cruise auf. „Wir touren mit leeren Hosentaschen und schlafen die Hälfte des Jahres in unserem Van. Für manche mag das wie Elend aussehen, aber für uns ist es der Himmel, Baby“, sagt Frontmann Brandon.

Weiter aktuell…

Video “Better Times”:

Mehr Infos unter:
www.crobotband.com
https://www.facebook.com/Crobotband/
https://www.instagram.com/crobotband/
www.twitter.com/Crobotband

Colt Live, Enny One & Chris Wayfarer „The Fuck I Love You“

Die Gewissheit, einen Weg gemeinsam zu beschreiten, scheint oft in Stein gemeißelt. Vor allem am Anfang. Dass dieser irgendwann auseinander gehen könnte, fühlt sich undenkbar an.

Colt Live, Enny One & Chris Wayfarer "The Fuck I Love You"
Colt Live, Enny One & Chris Wayfarer „The Fuck I Love You“

So bleiben die feinen Risse, die die Zweisamkeit schleichend durchziehen, zunächst häufig unbemerkt. Bis sie dann irgendwann zutage treten, sich zu Gräben vertiefen und im schlimmsten Fall die Beziehung auseinanderbricht. Scherbenhaufen.

Zurück bleibt der rebellische aber unerfüllbare Wunsch des Verlassenen, alte Gewissheiten wiederherzustellen, orchestriert vom tiefen Gefühl: „The Fuck I Love You“ Und so macht der gleichnamige Track von Colt Live, Enny One und Chris Wayfarer auch keine halben Sachen und nimmt den Dancefloor direkt für sich ein.

Funky, rough und zunächst auch recht minimalistisch. Einzelne Leadfetzen und angedeutete Chords unterbrechen nur kurz die bassgewaltige Monotonie. Erst mit dem zweiten Break gesellt
sich ein Pad hinzu, der den einzelnen Sounds zunehmend Halt gibt und gegen Ende des Tracks musikalisch neue Lichtblicke aufzeigt.

Auf Spotify anhören.

English:

The certainty of walking a path together often seems written in stone. Especially at the beginning. It feels unthinkable that this could separate at some point. So the fine cracks
that pervade creepingly through the togetherness remain unnoticed at first. Until they come to light at some point, deepen into rifts and the relationship breaks apart in the worst
case. Shambles. What remains is the rebellious but unfulfillable wish of the abandoned to restore old certainties, orchestrated by the deep feeling: „The Fuck I Love You“.

And so the eponymous track by Colt Live, Enny One and Chris Wayfarer doesn´t do things by halves and takes the dancefloor directly for itself. Funky, rough and minimalistic at first.
Single lead snippets and implied chords interrupts briefly the monotony with the heavy bassline. Only with the second break a pad joins and sustain each individual sound increasingly, revealing new spots of light musically towards the end of the track.

Stores & Streaming:
https://sonokraft.lnk.to/fZE3oDWE

Links Colt Live
https://www.facebook.com/coltpaintingandmusic
https://www.instagram.com/coltpainting/

Enny One
https://www.facebook.com/ennyone1
https://www.instagram.com/one.enny/

Links Chris Wayfarer & Wayfarer Audio
https://linktr.ee/chriswayfarer
https://linktr.ee/wayfareraudio

Colt Live, Enny One & Chris Wayfarer
The Fuck I Love You

Release Date: 2022-03-25
Label: sonokraft / Wayfarer Audio

THE KINGS OF DUBROCK – DUBBIES ON TOP

THE KINGS OF DUBROCK – DUBBIES ON TOP

Das neue The Kings Of Dubrock-Album „Dubbies On Top“- es erscheint am 27.05.2022 bei Misitunes- ist das bereits dritte der Triole Rica Blunck/Viktor Marek/Jacques Palminger, die sich aus ihrer jeweiligen Ecke in Gesang und Musik anspielen, zuwenden und echoen.

THE KINGS OF DUBROCK
THE KINGS OF DUBROCK Photo credits: Simone Scardovelli

Wie das genau abläuft und wer wen wann und wieso berührt, erhellt Jacques Palminger im Interview mit Jacques Palminger. Letzter bleibt keine Antwort schuldig und bietet Ihnen zitierfähiges und erklärendes Material, das gern genutzt werden darf. Für sich selbst, für mediale Organe, für das eigene Hochlaufen auf der Treppe der Kultur – fyi bzw. fyp! Safe for work!

Q: Hallo! Wer sind Sie und was wollen Sie von uns?

Mein Name ist Jacques Palminger, und ich möchte Sie auf diesem Wege persönlich darauf hinweisen, dass am 27. Mai 2022 die KINGS OF DUBROCK – DUBBIES ON TOP LP veröffentlicht wird. Wenn Sie mit dem Material der Gruppe bekannt sind, werden Sie sich den quietschgelben Tonträger sowieso kaufen. Wenn Sie uns aber noch nicht kennen, möchte ich Sie jetzt von der Einzigartigkeit der KINGS OF DUBROCK (TKODR) überzeugen.

Q: Wer genau macht was mit wem und seit wann?

Die Dubbies, wie wir uns nennen, gibt es seit 2007 in unveränderter Besetzung: Rica Blunck, Viktor Marek und Jacques Palminger. Wir haben ein musikalisches Genre entwickelt, dass wir „Dubrock“ nennen, ein Hybrid aus Dub-Reggae, New-Wave & Spoken-Word.
Für unsere Freunde machen wir daraus musikalische Erlebniswelten und tanzbare Wohlfühllandschaften.

Q: Was ist das Alleinstellungsmerkmal der neuen LP, ihr Unique Selling Point?

„DUBBIES ON TOP“ hat alle internen Quality-Control-Stationen durchlaufen und präsentiert sich wie ein sandgestrahltes Känguru. Outernational Beats von Viktor, transzendente Stimmen von Rica und nölige Tiraden von Jacques. Dazu das knallige Cover, gestaltet von Felix Schlüter, kompromisslos reduziert auf die Kernaussage: Dubbies on Top!

Q: Gibt es neben blumigen Behauptungen auch belastbare Facts?

Die LP wurde in Viktor Mareks „Ebbe Road“ Studio im Feldstraßenbunker auf St. Pauli aufgenommen. Zwischen Fussballgeschrei und Domfeuerwerk nagelten wir Gitarren und Gesänge, Bässe und Brabbeleien auf die Festplatte, bis Viktor den Sack zumachte. Zeitgleich veredelte unser Freund und Flötist Lieven Brunckhorst die Songs mit Overdubs. Er spielte beseelte Saxophone, flirrende Mundharmonikas und quirlige Querflöten auf die Tracks. Das gesammelte Material verdichtete Viktor dann im Mix zu einem Dub-Truck, der so fett im Studio stand, dass wir ihn kaum auf die Straße bringen konnten.

Q: Die Tracks im Einzelnen bitte!

1. ICH KANN WIEDER ZAUBERN beschreibt den Moment des Erwachens. Die Freude strömt ein, die Kräfte kehren zurück, der Nebel löst sich auf. Die lebensbejahenden Flöten lassen den Track tanzen und machen ihn so zum perfekten ersten Song.

2. GORILLAS IM NEBEL. Rica nimmt uns mit in die grüne Hölle. Sie singt über das Leben im Elefantengras, die Reise ins Nichts, die Flucht in den Untergrund. Textlich so offen gestaltet, dass sich in der genre-typischen Selbstüberschätzung jede randständige Dubrock Gruppe sofort damit identifizieren kann. Über den biegsamen Bambus-Beats hat Viktor seine Framus-Gitarre und seinen Höfner-Bass in Einklang gebracht. Die Nähe zum englischen Ska ist unbedingt gewollt. Dazu die hymnischen Bläser und das mutakische Saxophonsolo: alle Dub-Däumchen hoch!

3. PAFF THE MAGIC DRAGON. Jeder kennt sie, die panischen Paffs, die Drama-Queens und Stuben-Tiger der Nachtclub-Szene. Immer mit dem Kopf durch die Wand, immer auf der Flucht, gefangen in der Achterbahn der eigenen Nussschale. Mit liebevollem Blick besingt Rica deren Sorgen und Nöte, als würde sie mit ihnen in einer Band spielen. Mit größter Leichtigkeit überschreitet sie die Grenzen zur Märchenwelt und nimmt uns mit auf einen Raketenritt ans Ende der Nacht.

4. VERBRECHERMETHODEN. Viktor Marek in full effect: Das Loop schraubt sich in den Track, der Tenor vergeht in einem schwachen Schrei, bevor ihn die Wellen der Musik verschlucken und Platz machen für die Peiniger, die ohne anzuklopfen mitten im Raum stehen. Rica beschwört, was alle sofort gespürt haben: ja, das sind Verbrechermethoden, und sie fließen direkt zurück in die prall gefüllten Tanks der Angst. Aufgeschrieben wie erlebt, wie beinahe erlebt, wie fast geträumt. Die schwindsüchtige Hirtenflöte lacht, während der Albtraum fest in Reimen gebunden auf den Tonträger gebannt wird.

5. ARMAGEDDON. Der Tag der Rache wird kommen! Mit alttestamentarischer Härte ruft Jaccomeddi zum letzten Gefecht am Berg Armageddon. Seit zwölf Jahren beschäftigt er sich intensiv mit den Bibelauslegungen der Rastafari und wendet seine Erkenntnisse hier wie ein Zwölfjähriger auf seine eigenen Probleme an. Getrieben wird er von einem hypnotischen Beat und einem Bläserarrangement, das es durchaus mit den Widderhörnern von Jericho aufnehmen kann. Not even the dog that piss on the wall of Babylon shall escape this judgement!

6. RUDE BOY DJANGO. Nach wenigen Sekunden steht man im Sand der Sierra Nevada. Ein blutroter Sonnenuntergang am Ende eines langen Drehtages. Django ist im Kasten, Franco Nero abgespielt. Die Dubbies beschwören in einem Western-Dub mit Italo-Gitarre und staubtrockener Mundharmonika den Hauptdarsteller, endlich von seinen Feinden abzulassen, um mit den frisch geduschten Toten den wohlverdienten Feierabend zu genießen. Harmonisch tief im Rudeboy Ska verwurzelt dringen die Dubbies in die Seele des Italieners, um ihn mit einer Weltwahrheit umzustimmen: Die Sonne liebt dich, wenn du lachst!

7. PLAYA PARANOIA. Versteckter Hinweis für Kenner: mit der geballten Arroganz echter Außenseiter präsentieren die TKODR ihre Version des Strandschlagers „Vamos a la Playa“. Getragen von einem hyperagilen New-Wave-Ska-Riddim überfliegt Rica die sandigen Grillplätze der Saison. Hochneurotisch, paranoid und lichtscheu: der Sommerhit für alle Stubenhocker, Nachteulen und Maulwürfe.

8. ALLE MÄNNER. Fernab vom merkantilen Machismo der Deutschrap-Szene erscheint Jaccomeddi vollkommen unerwartet in einem selbstgebackenen Strudel intensivster Selbstbespiegelung. Getrieben von Schuld und schlechtem Gewissen bezichtigt sich der spindeldürre Hanseat, alle Anlagen toxischer Männlichkeit in sich zu tragen, unauslöschlich eingelagert in den Wurzeln seines Oberlippenbärtchens. Im einzelnen Pinselstrich teilweise grotesk übertrieben ergibt die Summe der Doppelreime ein erschreckend überzeugendes Gesamtbild. Diese überlebensgroßen Einsichten transferiert Rica in einen Refrain von überraschender Leichtigkeit: Ich bin alle Männer, es ist alles in mir! Das eigentliche Wunder aber ist die Musik. Zaubermeister Marek legt die belastenden Inhalte auf ein Westcoast-Wasserbett. Zusammen mit dem schmerzhaft schönen Saxophonsolo entsteht eine psychedelische Entspannungshypnose mit hohem Erkenntnisgewinn.

9. DUBBY DUB. Hier sind die Dubbies in ihrem Element: Vic dubbt den Beat, der Track wird zum fliegenden Teppich, Ric & Jac heben ab, dem Echo hinterher. Wir erleben die gleichzeitige Synchronbesteigung aller Achttausender von Dubby Dub, der neuen Superheldin aus dem Dubbies-Universum. Frei von allen panischen, paranoiden und toxischen Anteilen zeigt sie uns den Weg hinauf und nimmt uns mit zum Gipfel: Dubbie Dub standing on a mountain top!

THE KINGS OF DUBROCK Photo credits: Simone Scardovelli
THE KINGS OF DUBROCK Photo credits: Simone Scardovelli

Q: Wird es zur Veröffentlichung auch Konzerte geben?

Selbstverständlich! Als Live-Band sind wir ein dreipoliges Powerpack, eine betörende Melange aus Kompliment und Beschimpfung, eine „Dubrock Leistungsschau“. Notierte musikalische Verabredungen wechseln sich ab mit frei improvisierten Passagen, die Übergänge sind fließend. Diese hochenergetische Mischung aus Präzision und Spielerei, Konzentration und Zerstreuung findet man sonst nur noch in der Zirkuskuppel oder im Affenhaus.

Q: Ein Sprung aus den Wolken, gesichert durch drei Cocktail-Schirmchen?

Wir können uns diese Leichtigkeit leisten, denn unsere Live-Show steht auf einem grundsoliden Fundament. Markengeräte der internationalen Spitzenklasse (MPC, Moog, Mellotron) bringen unsere musikalische Performance auf Top-Niveau. Bis zur Tour im Sommer 2022 werden wir unsere Basslast ein weiteres Mal verdoppeln. Dazu die hochkomplexen Tanzchoreographien von Rica und meine delirierenden Daddeleien auf der Melodika. Die perfekte Einschraubung in die Seelen unserer Fans!

Q: Wie hoch ist der Spaßfaktor?

Wer Musik nur zum Spaß macht, wird jung sterben. Das sagt Fela Kuti, und das sagen auch die TKODR. Bei uns heißt das: Arbeitszeit ist Leistungszeit! Der Besuch eines Dubrock Konzertes ist so wie eine Unterschrift unter einen Kettenbrief: Absolut verbindlich. Trotzdem gibt es natürlich witzige Stellen und Premium-Gags.

Q: Wer kommt zum Konzert?

Ein Dubrock Konzert ist ein roter Teppich für nervenkranke und psychisch labile Menschen. Meistens kann unsere Musik helfen, manchmal beschleunigt sie den Krankheitsverlauf. Es kommen aber auch viele Handwerker, Ex-Punks und Normalos aller Couleur. Für die älteren Gäste ist dieser Abend ein Jungbrunnen, für die jüngeren Fans eine Sause mit Lerneffekt.
Q: Was kann man lernen?

Es gibt Titel mit philosophischem Mehrwert wie „Uhren befummeln die Zeit“ und starke Kernsätze, die man sich tätowieren kann, wie „Besen stehen auf ihren eigenen Haaren“. Das ist dub-deep und street-wise, das sollte man sich aneignen und privat nutzen.

Q: Gibt es eine sexuelle Komponente?

Allein das Bandgefüge wirkt anregend. Da ist Platz für Spekulation, die Fantasie lässt ihre Hüften kreisen: Eine Frau und zwei Männer! Dazu der fleischige Bass, die fordernden Rhythmen, die verspielten Melodien, das alles ergibt eine Stimulans von erstaunlich hoher Wirkungsqualität.

Q: Sind bei den Konzerten Ausschreitungen zu erwarten?

Ein Dubrock Konzert ist ein Gruppenexperiment. Wie die meisten unserer Gäste sind wir rauschbegabt und druckerprobt. Wir geben dem Affen Zucker und provozieren eine maximale Entäußerung. Die zeitliche Begrenzung aber lässt die Veranstaltung nie ganz aus dem Ruder laufen. Peinliche Ausfälle wie das Nickerchen im Nassbereich gibt es bei unseren Konzerten selten.

Q: Ist ein Dubrock Konzert gefährlich?

Nein. Wir sind eine glückliche Band, wir beseelen den Raum, den Abend, die Menschen. Obwohl wir kicken wie Bruce Lee, tun wir niemandem weh. Wir gehen jedem Ärger aus dem Weg und agieren nach dem Diktum unseres Mentors Dillinger:

Peace, love and unity is the foundation of any community!

THE KINGS OF DUBROCK – DUBBIES ON TOP
THE KINGS OF DUBROCK – DUBBIES ON TOP

Tracklist:
01 Ich kann wieder Zaubern
02 Gorillas im Nebel
03 Paff The Magic Dragon
04 Verbrechermethoden
05 Armageddon
06 Rude Boy Django
07 Playa Paranoia
08 Alle Männer
09 Dubby Dub

Vorbestellung/Stream:
https://bfan.link/dubbies-on-top
Hanseplatte
HHV
JPC
Amazon

THE KINGS OF DUBROCK –
DUBBIES ON TOP

ALBUM-VÖ: 27.05.2022
(Misitunes/Broken Silence)

DER FREISCHÜTZ – Textfassung von Kommando Himmelfahrt

DER FREISCHÜTZ - Textfassung von Kommando Himmelfahrt
DER FREISCHÜTZ – Textfassung von Kommando Himmelfahrt

DER FREISCHÜTZ – Romantische Oper in drei Aufzügen von Carl Maria von Weber. Neue Textfassung von Kommando Himmelfahrt

2048. Nach einem Bürgerkrieg liegt Deutschland in Trümmern. Kommando Himmelfahrt verlegt die düstere Geschichte vom braven Jägerburschen Max, der für den einen, entscheidenden Treffer seine Seele verkaufen muss, in eine dystopische Zukunft, in der jede Wissenschaft als Teufelswerk gilt.

Schauspielerin Astrid Meyerfeldt muss als untergetauchte Chemikerin Melisa die Reste der Aufklärung im Alleingang retten.

Dirigent Roberto Rizzi Brignoli legt die entfesselnde Kraft von Webers Musik frei. Ein Zukunftsmärchen aus der Vergangenheit über Wissenstransfer, Aberglaube, Rituale und gesellschaftliche Zwänge.

Premiere am 8. April 2022 um 19.00h Nationaltheater Mannheim

Musikalische Leitung: Roberto Rizzi Brignoli
Regie und Konzept: KOMMANDO HIMMELFAHRT
Bühne: Heike Vollmer, Kostüme: Kathi Maurer,
Licht: Florian Arnholdt
Chorleitung: Dani Juris
Dramaturgie: Patricia Knebel

Mit: Blanz, Kaminskaite/Kessler, Kho, Meyerfeldt, Polanska; Berau, Brunner/Ha, Brunner/Moskalchuk, Diffey/Stoughton, Goltz/Jesatko, Urbanowicz/Goltz; Opernchor; Statisterie; Nationaltheater-Orchester

https://www.nationaltheater-mannheim.de/de/oper/stueck_details.php?SID=4108

Le Fly mit Video Premiere und Single „Alessio“

Le Fly mit Video Premiere und Single VÖ „Alessio“ am 25.03.2022 – neues Album „La Vie, Oder Was?“ am 26.08.2022 – Live Dates 2022

Sie rennen wieder los: Mit der ersten Vorab-Single „Alessio“ melden sich Hamburgs derbste Konzert-Zerleger unter den zeitgenössischen deutschen Livebands krachend zurück. Schon dieser erste neue Song macht klar, dass Le Fly auch mit ihrem am 26.08. erscheinenden, vierten Album „La Vie, Oder Was?“

Le Fly Single VÖ „Alessio“
Le Fly Single VÖ „Alessio“

Grenzen jedweder Art nur daher kennen, weil das etwas ist, das man unbedingt überwinden muss. Oder kennt sonst noch jemand eine zeitgenössische Band, die die fettesten Festival-Hymnen für nach dem achten Bier schreibt, dabei Rock, Rap, Ska und Reggae so souverän verlötet, als seien es eineiige Vierlinge, in den Lyrics selbstironisch die Gretchen-frage nach Segen und Fluch der sozialen Medien erörtert und das Ganze nach dem Sohn von DSDS-Sternschnuppe Pietro Lombardi benennt? Eben.

Video Premiere „Alessio“:

Die Single „Alessio“ ist hier zu haben: https://save-it.cc/sptm/alessio

Das neue Album „La Vie, Oder Was?“ könnt ihr hier vorbestellen:
https://save-it.cc/sptm/la-vie-oder-was

Le Fly
Le Fly

Und doch ist es kein Wunder. Und eine Überraschung schon mal gar nicht. Denn Le Fly sind ja streng genommen nicht nur Hamburger, sondern genauer: St. Paulianer. Wer hier aufwächst, schnackt halt Klartext – aber immer mit diesem wunderbar feinsinnigen Grinsen im Mundwinkel, das besagt: Ja Mann, das Leben heutzutage ist ein Kampf, es gibt viel sinnentleerte Scheiße, die zu postmodernen Göttern hochgejazzt wird, oft fragt man sich, was das alles eigentlich soll und sucht vergeblich einen Sinn – aber das alles ist noch lange kein Grund, nicht trotzdem den Humor zu be-halten und maximalen Spaß zu haben.

Auf ihren bislang drei Alben und weiteren Singles, allesamt größtenteils im DIY-Verfahren aufgenommen, produziert und über das bandeigene Label St.Pauli Tanzmusik veröffentlicht, reiht sich eine Song gewordene Hüpfburg an die nächste. Hüpfburgen mit Inhalt wohlgemerkt – so auch in „Alessio“, in dem die beiden Texter und Frontschweine Schmiddlfinga und Olli über Wohl und Wehe, Fake und Wahrheit von Social Media nachdenken. „Frisch gepflückte Blumen / Von der Tanke völlig cool / Hundekacke an den Schuhen / Doch die Instastory ruled“, rappt Schmiddl, und sein singender Counterpart erwidert: „Dieser Kommentar wird als explicit eingestuft / Wie wird man eigentlich Troll und ist das ein Beruf / Stinkt zum Him-mel dieser Stuss / Ich krieg’ trotzdem nicht genug / Tränen auf der Tastatur / Was ist fake was ist News / Klar, dass die Akte NSU nur auf Fakten beruht.“

Kurzum: Bislang beschleicht ja viele die Befürchtung, dass das Jahr 2022 genauso kacke wird wie seine beiden Vorgänger. Diese Sorge kann nun genommen werden. Denn es erscheint am 26.08. ein neues Le Fly-Album. „La Vie, Oder Was?“: Sie rennen wieder – über Stock, Stein, Straßen und rein in deinen Gehörgang. Wie auch bewiesen wird im neuen „Alessio“-Video, kraftvoll in Szene gesetzt von Regisseur Rico Chibac. (Verfasser: Sascha Krüger)

Le Fly mit ihrem am 26.08. erscheinenden, vierten Album „La Vie, Oder Was?“
Le Fly mit ihrem am 26.08. erscheinenden, vierten Album „La Vie, Oder Was?“

„LE FLY & DAS PACK: „Doppelklatsche 2022“ – Tour:

13.10. Berlin, Cassiopeia
14.10. Hannover, Faust
15.10. Bochum, Rotunde
18.10. Kassel, Goldgrube
19.10. Nürnberg, Z-Bau
20.10. Dresden, Groovestation
21.10. Jena, Rosenkeller
22.10. Bremen, Tower
26.10. Düsseldorf, The Tube
27.10. München, Backstage
28.10. Stuttgart, clubCANN
29.10. Köln, Helios 37

LE FLY Konzert-Tickets: https://lefly-shop.de/tickets/
LE FLY youtube: https://www.youtube.com//LEFLYStPauliTanzmusik
LE FLY Spotify: http://spoti.fi/2vKc9SF
LE FLY facebook: http://www.facebook.com/tanzmusik
LE FLY insta: https://www.instagram.com/lefly.stpaulitanzmusik
LE FLY Band-Website: http://www.lefly.de

Milk & Sugar Mix-Compilation „Miami Sessions 2022“

Milk & Sugar Mix-Compilation „Miami Sessions 2022“

Am 25. März veröffentlichen Milk & Sugar ihre neue Mix-Compilation „Miami Sessions 2022“ und leiten musikalisch den Frühling ein.

Milk & Sugar Mix-Compilation „Miami Sessions 2022“
Milk & Sugar Mix-Compilation „Miami Sessions 2022“

Mitte der 1980er-Jahre und damit zur Geburtsstunde der elektronischen Tanzmusik hat sich in Miami eine Musikmesse etabliert, die bis heute zu den wichtigsten und spannendsten ihrer Art gehört. Die Winter Music Conference fand bereits 35 Mal statt, und seit einigen Jahren begleitet eine Compilation aus dem Hause Milk & Sugar Recordings genau dieses Event der Superlative. Auf zwei CDs konserviert „Miami Sessions“ das, was vier Tage lang unter der Sonne Floridas für DJs, Produzenten und Labelbetreiber Pflicht und Kür gleichermaßen ist.

Gemixt von den Labelchefs Mike Milk und Steven Harding höchstpersönlich, birgt auch die diesjährige Kopplung einen allumfassenden und wegweisenden Blick auf das, was die Szene in Sachen Deep House und House gerade zu bieten hat. Mit der sogenannten Re-Rub-Version ihres Evergreens „Let The Sun Shine“ sowie einem CASSIMM Remix ihres Titels „You Can’t Hide From Yourself“, eine Kollaboration mit Paul Gardner und Peyton, steuern Milk & Sugar gleich zwei ganz eigene Miami- Tracks bei und lassen ihren beiden CDs zudem Musik aus den Studios von Künstlern wie Purple Disco Machine, Claptone, Mylo, Wankelmut, David Penn, Mousse T., Full Intention, Todd Terry oder Mark Knight angedeihen.

Milk & Sugar – Miami Sessions 2022 erscheint am 25. März als limitierte CD-Auflage sowie als Download- und Streaming-Ausgabe.

CD1 // HOUSE NATION
01. Claptone, Mylo – Drop The Pressure (Purple Disco Machine Remix)
02. Wankelmut & Anna Leyne – Free At Last (Mousse T. Extended Mix)
03. Milk & Sugar feat. Paul Gardner & Peyton – You Can’t Hide From Yourself (CASSIMM Extended Remix) 04. Marvin Aloys & PvssyCat feat. Roland Clark – Spiritual Thing (Sebb Junior Extended Remix)
05. Fasto & Nissa Seych – Friends & I (Full Intention Remix)
06. Yass & David Penn – Can’t Live Without You (Original Mix)
07. Mattei & Omich feat. Elisabeth Yorke-Bolognini – Haven’t You Heard (Extended Mix)
08. Todd Terry All Stars – Get Down (Kenny Dope Mix)
09. Yvvan Back – Love Drug (Extended Mix)
10. Glen Horsborough & Karmina Dai – Don’t Matter (Extended Mix)
11. Milk & Sugar – Let The Sun Shine (Milk & Sugar Re-Rub Extended Mix)
12. Wh0 – Real Good (Extended Mix)
13. Alaia & Gallo feat. Veselina Popova – Breathing (Extended Mix)
14. Mark Knight – Yebisah (Original Mix)
15. Junior Jack, Tube & Berger – E Samba (Original Mix)

CD2 // LOVE NATION
01. Momo Khani & Meindel feat. StanLei – Lecture (Yescene Extended Remix)
02. ColorJaxx – Got To Keep Moving (Original Mix)
03. Feint Young Son feat. Roland Clark – Protect Your Mind (Original Mix)
04. T.Markakis – Missing U (Extended Mix)
05. Spiritchaser – The Dreams We Have (Club Mix)
06. Marianto – Simple World (Thodoris Triantafillou & CJ Jeff Remix) 07. Rosario Galati & Yves Murasca – Kalura (Extended Mix)
08. Yves Murasca & Rosario Galati – The Mind (Extended Mix)
09. DuBeats – Is It Something (Original Mix)
10. Local Options – Just Dont Get It (Original Mix)
11. Austins Groove – Take Hold (Original Mix)
12. Christian Lamper – Body Stuff (Extended Mix)
13. Sebb Junior – A Piece Of Me (Jarred Gallo Remix)
14. James Silk – We Still Feel It (Extended Mix)
15. Some & Different – Work It Out (Extended Mix)

VIEUX FARKA TOURÉ – NEUE SINGLE „GABOU NI TIE“

Der angesehene malische Gitarrist Vieux Farka Touré wird am 10. Juni sein neues Album „Les Racines“ herausbringen. Der als „der Hendrix der Sahara“ bekannte Künstler ist der Sohn des verstorbenen „Desert Blues“-Pioniers Ali Farka Touré.

VIEUX FARKA TOURÉ - NEUE SINGLE „GABOU NI TIE“
VIEUX FARKA TOURÉ – NEUE SINGLE „GABOU NI TIE“

Mit „Les Racines“ veröffentlicht er sein Album-Debüt auf dem Label World Circuit und damit auch den ersten Longplayer seit 2017. „Les Racines“ bedeutet übersetzt „die Wurzeln“ und steht für eine tiefe Verbundenheit mit der Songhai-Musik aus Nord-Mali, die als „Desert Blues“ bekannt und eben durch seinen Vater und dessen World Circuit-Veröffentlichungen bereits Jahrzehnte zuvor berühmt geworden ist.

Das Video zum Album-Opener „Gabou Ni Tie“, auf dem Amadou Bagayoko von Amadou & Mariam Gitarre spielt, ist hier zu sehen: https://worldcircuit.lnk.to/VFTRacines

In Mali gibt es ein bekanntes Sprichwort, das besagt, dass der Nachname des Lebens Veränderung bedeutet. Eine Lebensweisheit, die Vieux Farka Touré während seiner gesamten Karriere und durch eine Reihe von abenteuerlichen grenzüberschreitenden Erfahrungen und Kooperationen hindurch stets befolgt hat. Doch es gibt noch ein anderes, universelleres Sprichwort, das besagt: ‚Um zu wissen, wohin man geht, muss man wissen, woher man kommt‘. Und eben jenes dem innewohnenden und für den Menschen grundlegendes Bedürfnis, sich seiner Herkunft bewusst zu werden, steht im Mittelpunkt von „Les Racines“.

Der Sohn des verstorbenen Ali Farka Touré, der als der beste Gitarrist gilt, den Afrika je hervorgebracht hat, verbrachte zwei Jahre mit der Produktion von „Les Racines“ – von der ursprünglichen Idee in dessen Kopf bis zur Entstehung brauchte es sogar noch mehr Zeit. „Der Wunsch, ein traditionelleres Album zu machen, reifte schon seit langem in mir. Es ist mir und den Menschen in Mali wichtig, dass wir mit unseren Wurzeln und unserer Geschichte verbunden bleiben“, erklärt Vieux. Der durch den Ausbruch des Coronavirus verursachte Lockdown hinderte ihn zwar daran, wie geplant auf Tournee zu gehen, ermöglichte es ihm jedoch auch gleichzeitig, die so gewonnene Zeit zu nutzen, um eben dieses wohl tiefgründige Statement seiner bisherigen Karriere zu schaffen.

„Les Racines“ ist bereits Vieux‘ sechstes Soloalbum, seit er im Jahr 2006 mit seiner Karriere startete. Eine Karriere, die unter anderem eine Kollaboration mit Dave Matthews und dem Jazzgitarristen John Scofield beinhaltete. Eine Karriere, die ein Album mit der amerikanischen Singer-/ Songwriterin Julia Easterlin und zwei Alben mit dem israelischen Künstler Idan Raichel in Form der „The Touré-Raichel Collective“ hervorbrachte. „Am Anfang meiner Karriere fragten die Leute, warum ich nicht einfach meinem Vater folgte. Aber es war essentiell wichtig für mich, meine eigene Identität zu finden“, erklärt Vieux. „Heute wissen die Leute, wozu ich fähig bin, und das ermöglicht es mir, mit Stolz und – so hoffe ich zumindest – auch mit einer gewissen Autorität zu diesen Wurzeln zurückkehren.“

Die zeitlosen Grooves des Albums, das in Vieux‘ Heimstudio in Bamako aufgenommen wurde, sind stark von der traditionellen Musik Westafrikas geprägt. Das Feuer von Vieux‘ Gitarrenspiel jedoch und die Dringlichkeit der Botschaften in seinen Songs verleihen dem Album eine ganz und gar zeitgenössische Relevanz. „Wir sind nichts, wenn wir den Respekt vor der Vergangenheit verlieren„, sagt Vieux. „Aber wir können die Kraft unserer Traditionen durchaus auch mit dem Modernen vereinen.“

Die zehn Songs, allesamt Eigenkompositionen, beschäftigen sich mit einer ganzen Reihe von Themen, sowohl traditionelle wie auch aktuelle. „In Mali sind viele Menschen Analphabeten, und die Musik ist das wichtigste Mittel, um Informationen und Wissen weiterzugeben“, erklärt Vieux. „Mein Vater hat für den Frieden gekämpft, und als Künstler haben wir die Pflicht, über die Probleme unseres Landes aufzuklären, die Menschen zusammenzubringen und sie auf diese Weise zur Vernunft zu bringen.“

„Die Rückkehr zu den Wurzeln dieser Musik ist eine gänzlich neue Erfahrung für mich – ich habe noch nie so lange und so hart an einem Album gearbeitet“, reflektiert Vieux. „Ich wusste jedoch instinktiv, dass es tiefgründig, beständig und kraftvoll zugleich sein musste, und deshalb habe ich mir viel Zeit genommen, um darüber nachzudenken, wie ich es wohl schaffen könnte, all das miteinander zu verbinden.“

www.worldcircuit.co.uk / www.bmg.com

„Les Racines“ Album Tracklisting:

  1. Gabou Ni Tie
  2. Ngala Kaourene
  3. Les Racines
  4. Be Together
  5. Tinnondirene
  6. Adou
  7. L‘Âme
  8. Flany Konare
  9. Lahidou
  10. Ndjehene Direne

VIEUX FARKA TOURÉ – NEUES ALBUM „LES RACINES“ ERSCHEINT AM 10. JUNI 2022
NEUE SINGLE „GABOU NI TIE“

VIEUX FARKA TOURÉ: LES RACINES
CD, LP, Digitale Formate
VÖ: 10.6.2022

Die purpurnen Flüsse – Staffel 3

Wann immer sich unerklärliche Mordfälle ereignen, werden Kommissar Pierre Niémans (Olivier Marchal, 36 – Tödliche Rivalen, Braquo, Kein Sterbenswort) und seine junge Kollegin Leutnant Camille Delaunay (Erika Sainte, Baron Noir, Familienbande) an den Tatort gerufen.

Die purpurnen Flüsse - Staffel 3
Die purpurnen Flüsse – Staffel 3

Die beiden erfahrenen Ermittler arbeiten für das „Zentralbüro für Gewaltverbrechen“ und werden in die entlegensten Regionen Frankreichs entsendet, um komplexe Fälle zu lösen, die die örtlichen Polizeibehörden überfordern.

Niémans und Delaunay sollen zwar den Behörden mit Rat und Tat zur Seite stehen, doch die Pariser Ermittler arbeiten am liebsten als Zweierteam, übernachten gerne mal am Ort ihrer direkten Mordermittlung und konfrontieren Zeugen, Tatverdächtige und ihre Kollegen in der Provinz mit hintersinnigen Fragen und unbequemen Wahrheiten.

Eine grauenhafte Mordserie, bei der Niémans frühere Kollegen augenscheinlich an der vor Jahrhunderten ausgerotteten Pest dahinsiechen, Rücken an Rücken zusammengenähte nackte Leichen mit aufgeschnittenen Kehlen, ein von Sternzeichen besessener Serienmörder sowie eine Reihe von blutigen und ritualisierten Morden in einem Gefängnis erfordern das ganze Können von Niémans und Delaunay.

In einem Fall verbindet den bärbeißigen Kommissar mit den Opfern ein düsteres Geheimnis, und Niémans gerät völlig außer Kontrolle. Gelingt es Camille, ihm aus der Bredouille zu helfen?

Die belgisch-deutsch-französische Co-Produktion Die purpurnen Flüsse nach dem gleichnamigen Roman von Bestsellerautor Jean-Christophe Grangé ist das eindrucksvolle Serien-Reboot des Kultfilms mit Jean Reno und Vincent Cassel. Grangé war, wie schon bei den ersten beiden Staffeln der TV-Adaption, auch an den Drehbüchern der vier neuen TV-Thriller beteiligt.

Seine hervorragend recherchierten Werke sind weltweit bekannt für ihre Spannung, die originellen Stoffe und ungewöhnlichen Schauplätze. Auch die dritte Staffel (Ausstrahlung im Rahmen des ZDF-Montagskinos am 02.05. und 09.05.2022, zwei Folgen liefen bereits im Herbst letzten Jahres) nimmt die Zuschauer mit in eine bizarre Welt von abnormen Psychopathen und steht der beklemmenden Atmosphäre des Originals in nichts nach…

Ursprünglich als Mini-Serie geplant, verhalf der große Erfolg der ersten Staffeln von Die purpurnen Flüsse zu einer Verlängerung die Dreharbeiten zur vierten Staffel sind für 2022 vorgesehen.

Das Schauspielerensemble von Die purpurnen Flüsse ist bis in die kleinste Nebenrolle hervorragend besetzt (so gibt es zum Beispiel ein Wiedersehen mit Ken Duken als deutschem Kommissar Nikolas Kleinert) und agiert durchweg superb und erfreulich unprätentiös.

Vor allem der französische Regisseur, Drehbuchautor und Charaktermime Olivier Marchal ist für die Rolle des zumeist mürrischen Kommissars Niémans geradezu geschaffen, hat er doch eine ähnlich bewegende Vita vorzuweisen, wie der vom Leben gezeichnete Ermittler.

Der Sohn eines Hobby-Kriminalschriftstellers besuchte in seiner Jugend ein Jesuiteninternat und arbeitete vor seiner Film- und Fernsehkarriere sogar bis 1992 als Inspektor bei der Kriminalpolizei in Versailles. Alles ideale Voraussetzungen für die authentische Verkörperung des tief in die mystischen Fälle eintauchenden Kommissars.

Edel Motion veröffentlicht am 13.05.2022 Die purpurnen Flüsse, Staffel 3 auf BD + DVD (digitale VÖs: 03. + 10.05.; die ersten Doppelfolgen sind bereits erhältlich).

Die vier düsteren Fälle, aufgeteilt in je zwei Folgen à 50 Minuten, sollte man sich nicht entgehen lassen, wenn man hochwertige Thriller mit spannenden Plots und erstklassigen Darstellern zu schätzen weiß.

Serienadaption des französischen Kultfilms Die purpurnen Flüsse, Staffel 3

(OT: Les rivières pourpres), nach der gleichnamigen Romanvorlage von Bestsellerautor Jean-Christophe Grangé (Digital-VÖ: 03. + 10.05. – erste Doppelfolgen digital bereits erhältlich / BD-/DVD-VÖ: 13.05.2022; Sprachen: Deutsch/Französisch; Edel Motion)

Das Original Haseland Orchester (c) Manfred Pollert_

Das Original Haseland Orchester „Musik für selbstfahrende Autos“

Das Original Haseland Orchester, vielen bekannt als kongenialer Partner des Künstlers Christian Steiffen, spielt auf seinem ersten Solo-Album mit der Popmusik der letzten 30 Jahre.

Das Original Haseland Orchester (c) Manfred Pollert_
Das Original Haseland Orchester (c) Manfred Pollert_

Inspiriert durch Krautrock-Bands wie Kraftwerk, Neu oder Can, aber auch durch Dance-Elektro-Klassiker im Geiste von Georgio Moroder und gemischt mit Einflüssen moderner, elektronischer Musiker à la Aphex Twin sowie einer Beigabe von Trap entsteht ein ganzer Klangkosmos für die intelligente Bewegung auf vier Rädern.

Unlängst erschien der Track „Heimfahrt nach dem ersten Date“. Das Animations-Video kann hier angeschaut werden:

Pop und Autos gehörten von Anfang an zusammen. Von den aufgemöbelten Hot Rods der 1950er über „Little Deuce Coupe“ von den Beach Boys bis hin zu Kraftwerks ikonischem Electro-Song „Autobahn“ von 1974. Der Detroiter Techno-Pionier Carl Craig vertonte Mitte der Neunziger mit dem Album „Landcruising“ gar eine Durchquerung des amerikanischen Kontinents.

„Auch meine Idee ist während der langen Autobahnfahrten entstanden, die man als Musiker so hinter sich bringt“, sagt Martin Schmeing. „Dabei kam unweigerlich der Gedanke auf, wie schön man doch seine Zeit nutzen könnte, wäre die Versprechung vom selbstfahrenden Auto bereits Realität.“  Daraus wurde ein Soundtrack für eine gar nicht mehr so ferne Zukunftstechnologie. Ein vielschichtiges Konzeptalbum mit zehn Tracks, das den popkulturellen Mythos vom „on-the-road“-Sein für die Zwanziger Jahre des 21. Jahrhundert fortschreibt. Eine Platte, auf der Gefühle genauso wichtig sind wie 5-G-gesteuerte Systeme.

Martin Schmeing nennt seinen automobilen Entwurf „Programmmusik“. Vertont hat er diesen in einem zweijährigen On/Off-Prozess mit dem Original Haseland Orchester, das seit rund zehn Jahren dem Schauspieler und Vokalisten Hardy Schwetter alias Christian Steiffen unterwegs ist. In dieser Kombination entstanden Alben wie „Arbeiter der Liebe“ (2013) oder Scores für die deutsche Filmszene. Wobei „Orchester“ natürlich eine hintersinnige Umschreibung der multiinstrumentalen Fähigkeiten des Osnabrücker Produzenten selbst ist.

Seit der Punk- und New-Wave-Ära hat Schmeing schon viele Rollen eingenommen. Quasi ein ganzes Universum. Dieses überführt der Vintage-Orgel-Sammler und Studiotüftler mit Kompositionen wie „Seltsame Fahrt durch die Nacht“ oder „Wanderbaustelle“ in eine eigene Kunstform. „Brian Eno hat sich um Flughafen-Sounds gekümmert, ich übernehme mit diesem Album jetzt eben die autonomen Autos“, sagt er mit einem Lächeln.

Dabei spielt das Haseland Orchester versiert die große Bandbreite der auto-musikalischen Traditionen und Bezüge aus. Es ist ein Elektro-Album, doch das Digitale wird analog intoniert. Und umgekehrt. Man fühlt sich von der Technik abgeholt, wie einst von der Weltraum-Atmo der Comic-Familiensaga „The Jetsons“.

Direkt im Auftaktsong „Discodriving To The Beach“ spielen die Beats Ping-Pong mit Dancefloor-Pionier Giorgio Moroder. Eine beswingte Atmosphäre, aufgeladen durch eine lasziv-lässige Vocoder-Stimme. Auch mit selbstfahrenden Autos düsen wir an den Strand. Es folgt ein Temperaturwechsel zur „Seltsamen Fahrt durch die Nacht“.

Eine Fingerübung an der analogen Orgel, die gleichwohl für den retro-futuristischen Charakter des Albums steht. Das Original Haseland Orchester wird dabei zu einem Fernfahrer zwischen den Welten. Zwischen Daft Punk und Trap, zwischen der elektronischen Fläche „Ladestation“ und der Piano-Meditation „Halbschlaf“. Das Orchester gleitet versiert durch den Genre-Kosmos und findet seinen eigenen Swing. Es prophezeit eine versöhnlich heitere Autozukunft, die in „Wanderbaustelle“ im Shuffle-Rhythmus an eine funky Avantgarde andockt.

Das Orchester macht uns das Warten auf die Realität des autonomen Autofahrens so angenehm wie möglich. Über allem schwebt die Frage „Wie es wohl werden wird?“ Etwa wie im schmeichelnden Song „I drive you home“, wo die weibliche Autostimme zur Freundin und Geliebten wird? Sirenenklänge unserer Tage. Maschinen als emotionale Helferlein, auch im Pop-Universum eine ewig lockende Versprechung.

„Im echten Leben bin ich am nächsten herangekommen an dieses Gefühl durch ein unverhofftes Upgrading beim Autoverleiher“, erzählt er. „Wir bekamen einen Audi A8, der sich nicht nur auf der Fahrt auf der Autobahn weitgehend selbst managen kann. Die Hand muss zwar am Lenkrad bleiben; doch man kann sich vorstellen, wie das werden könnte…“ Bis es soweit ist, leisten die Sounds des Original Haseland Orchester auf wunderschöne Weise Starthilfe.

Das Album kann hier vorbestellt werden: https://haselandorchester.lnk.to/

Bisher veröffentlicht: „Waschstrasse“, „Discodriving To The Beach“ und “Seltsame Fahrt durch die Nacht”.

„Musik für selbstfahrende Autos“
VÖ Album: 04.03.22 durch It Sounds/ Rough Trade / Good to Go

http://haselandorchester.de/
https://www.facebook.com/DasOriginalHaselandOrchester

Hilmar Klute "Die schweigsamen Affen der Dinge"

Hilmar Klute „Die schweigsamen Affen der Dinge“

Selten ist sich die Literaturkritik derart einig über die Fähigkeiten eines Schriftstellers. »Hilmar Klute hat eine unglaublich feine Sprachkraft«, attestierte das Literarische Quartett seinem Debütroman Was dann nachher so schön fliegt. Die FAS sprach von einem Buch mit »Einzelepisoden wie kleine Lebensromane«, in dem »jedes Einzelbild in seiner exquisiten Schönheit wie zum Rahmen gemacht ist.« Klutes Roman Oberkampf stand dem in nichts nach. »Eine unglaubliche Wortgewalt«, fand der SRF 1 Literaturclub als eine von vielen begeisterten Pressestimmen.

Nun freuen wir uns über den am 10. März erscheinenden neuen Roman des Streiflicht-Autors, Die schweigsamen Affen der Dinge. Eine Vater-Sohn-Erzählung, die alles beinhaltet, was die Vorgänger schon so lesenswert und berührend gemacht hat. Und dies mit existenziellen Lebensfragen und Kernthemen gegenwärtig virulenter Debatten verbindet, etwa Klassismus und gesellschaftliche Aufstiegsmöglichkeiten durch Bildung. Als geistige Leitfigur spielt außerdem Oskar Loerke eine nicht unwesentliche Rolle. Wir erinnern uns an die Proteste um die Auflösung seines Berliner Ehrengrabes im vergangenen Jahr.

Klute_Die schweigsamen Affen der Dinge_© Galiani Berlin.jpeg Klute_Hilmar_Die schweigsamen Affen der Dinge_©Jan_Konitzki.jpg

Wieder steht ein Schöngeist im Zentrum der Geschichte, Henning. Er hat sich seine Lebensträume erarbeitet und ist anerkannt in den Kreisen der Boheme und Gebildeten Berlins. Es ist die Gegenwelt zur Heimat, dem Ruhrgebiet, das er mit Bildungsferne und proletarischem Gleichmut verbindet. Doch die Nachricht vom Tod seines Vaters führt ihn zurück in diese Welt, die Klute schon eindrucksvoll in Was dann nachher so schön fliegt über den Zivildienstleistenden Volker beschrieben hat. Hennings Rückkehr nach Recklinghausen – Klute stammt aus dem angrenzenden Bochum – führt zu traurig-schönen Geschehnissen, darunter eine gemeinsame Reise nach Korsika mit dem besten Jugendfreund seines Vaters. Und zu überraschenden Einsichten über sich selbst. Und so ist Die schweigsamen Affen der Dinge neben seiner thematischen Vielfalt und sprachlichen Brillanz auch eine unwahrscheinliche Liebeserklärung an das Ruhrgebiet.

Hilmar Klute "Die schweigsamen Affen der Dinge"
Hilmar Klute „Die schweigsamen Affen der Dinge“

Über Klassenschranken, den Aufstieg durch Bildung, das Ruhrgebiet und die rettende Kraft des Lesens – Der neue Roman von Hilmar Klute Henning hat es geschafft. Im grauen Ruhrgebiet der 70er Jahre aufgewachsen, hat er das Arbeitermilieu seiner Familie hinter sich gelassen, das Gymnasium geschafft, studiert (Literatur), ist nach Berlin gezogen und hat sich als Kulturjournalist, der aus abgelegenen Themen erstaunliche Funken schlägt, einen Namen gemacht.

Er lebt in den Kreisen der Boheme und der Gebildeten, er ist mit der pragmatischen Annette liiert, die erfolgreich Firmen coacht, er führt Freundschaften wie mit Ulrich, einem für seine mit Verve vorgetragenen schlechten Restauranttipps berüchtigten, in Kunstdingen aber hochversierten Privatgelehrten und Sonderling. Dennoch bleibt Hennings Herkunft ein Makel, den es zu überdecken gilt und aus dem sich ein andauerndes Schamgefühl speist.

Als sein Vater Walter infolge einer Krebserkrankung stirbt, ist Henning selbst verblüfft, wie wenig Trauer er spürt. Das Verhältnis war stets distanziert, der eigene Vater für ihn kein Vorbild, ja fast ein Fremder: kleingeistig, stumpf und ohne jegliche Ambitionen, die einengenden Grenzen aufzubrechen. Auf der Beerdigung in Recklinghausen sieht Henning Walters besten Freund Jochen wieder.

Dieser überrascht ihn mit Erzählungen von der ersten weiten Reise der beiden: als Neunzehnjährige mit der Vespa durch Korsika, immer in Anzug und Krawatte. Walter schien damals ein anderer Mensch gewesen zu sein: lebenshungrig, voller Pläne und Träume, auf der Jagd nach Abenteuern und dem Fremden.

Statt einen schleppend vorangehenden Aufsatz über den Dichter Oskar Loerke zu Ende zu schreiben, beschließt Henning, die Reise nach Korsika mit Jochen zu wiederholen. Bald muss er feststellen, dass seine Vorstellung vom anspruchslosen, stumpfen Vater nicht ganz der Wahrheit entspricht. Und damit auch von der Welt seiner Herkunft, der er immer nur entkommen wollte und nach der er nie Heimweh verspürt hatte, bis zum Tod des Vaters.

»Hilmar Klute verbindet eine graue Heimat mit der schönen Welt da draußen. Vom Pott in die Poesie. Und du nimmst deine Herkunft überall mit hin, ob du willst oder nicht«, schreibt Frank
Goosen über Die schweigsamen Affen der Dinge.

HILMAR KLUTE ©Jan_Konitzk
HILMAR KLUTE ©Jan_Konitzk

Einmal mehr mit feiner Sprachkraft und voller poetischer Betrachtungen erzählt Hilmar Klute von einem Schöngeist und dessen Erfahrung, dass sich der eigene Schatten doch nicht abschütteln lässt.

Sich diesem mit dem Tod seines Vaters stellen zu müssen bedeutet für Henning, erneut in die Welt einzutauchen, aus der er entflohen war. Die bei genauer Betrachtung aber doch mehr zu bieten hat als Klassenschranken, Fußball und proletarischen Gleichmut. Eine, die vielleicht doch viel mehr die eigene ist als angenommen; mit einer nicht zu bestreitenden, ureigenen Schönheit.

Hilmar Klute
Die schweigsamen Affen der Dinge
Roman
Verlag Galiani Berlin
288 Seiten
Gebunden mit Schutzumschlag
22,- € (D) / 22,70 € (A)
978-3-86971-247-5

Das Hörbuch, gelesen von Frank Goosen, erscheint bei tacheles!/roofmusic

Hilmar Klute, 1967 in Bochum geboren, leitet das Streiflicht der Süddeutschen Zeitung.

2015 erschien bei Galiani seine »ebenso kluge wie gründliche und liebevolle« (FAZ) Ringelnatz Biografie „War einmal ein Bumerang„. Sein literarischer Debütroman „Was dann nachher so schön fliegt
folgte 2018, wurde von der Presse bejubelt und stand auf der Shortlist mehrerer Literaturpreise.

2020 folgte der ebenfalls hochgelobte Roman „Oberkampf„.

Lesungen

10.3.22 Berlin Buchhändlerkeller / Premiere
17.3.22 Leipzig Buchmesse / Blaues Sofa
18.3.22 Leipzig Moritzbastei
24.3.22 Essen LitRuhr / mit Frank Goosen

weitere Termine in Planung

Pressestimmen

»Hilmar Klute hat eine unglaublich feine Sprachkraft.«
ZDF Das literarische Quartett über Was dann nachher so schön fliegt

»Eine unglaubliche Wortgewalt.«
SRF 1 Literaturclub über Oberkampf

»Ein Roman, der das Leben selbst feiert und erzählt. Jede Einzelepisode  erscheint für sich genommen wie ein kleiner Lebensroman und jedes  Einzelbild in seiner exquisiten Schönheit wie zum Rahmen gemacht.«
FAS über Was dann nachher so schön fliegt

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK - EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND

LAIBACH teilen weitere Details zu ihrem jüngsten Album ”Wir sind das Volk (ein Musical aus Deutschland”), das am 25. März bei Mute als Deluxe -CD mit umfangreichen Sleevenotes und digital erscheint – die Doppel-LP erscheint am 10. Juni 2022.

Vorab-Auskopplung “Ich will ein Deutscher sein” hier hören:

Das Album bündelt Musik aus der gefeierten Theaterproduktion „Wir sind das Volk“, die am 8. Februar 2020 im Hebbel am Ufer (HAU) in Berlin uraufgeführt wurde. Zwei weitere Vorstellungen schlossen sich an, bevor die Produktion aufgrund der Pandemie eingestellt wurde. Im Jahr 2021 eröffneten Laibach die Klagenfurter Festspiele mit einer slowenischen Version desselben Stücks und gaben zwei weitere ausverkaufte Vorstellungen im Kino Šiška in Ljubljana.

Im März dieses Jahres werden die Aufführungen im Berliner HAU fortgesetzt, weitere Aufführungen in Zagreb, Ljubljana, Hamburg, Maribor und in der Kulturhauptstadt Europas, Novi Sad, sind bereits bestätigt – Einzelheiten siehe unten.

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK - EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND
LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND

„Wir sind das Volk“ basiert auf Schriften des Dramatikers Heiner Müller (1929-1995). Laibachs Verbindung zu Müller reicht weit zurück: Bereits 1984 komponierten sie für das Slowenische Nationaltheater in Ljubljana Musik zu Müllers zwei Jahre zuvor am Bochumer Schauspielhaus uraufgeführten Stück „Quartett“ nach Pierre-Ambroise-François Choderlos de Laclos Briefroman „Gefährliche Liebschaften“ aus dem Jahr 1782, dem Müller die Anweisung „Zeitraum: Salon vor der Französischen Revolution / Bunker nach dem dritten Weltkrieg“ voranstellte. Klassisches Laibach-Material. Im folgenden Jahr trafen sie Müller in Berlin, der ihnen eine Zusammenarbeit für eine zukünftige Inszenierung vorschlug, die leider nie zustande kam – bis die Leiterin der Internationalen Heiner-Müller-Gesellschaft, Anja Quickert, ein posthumes Projekt auf der Grundlage von Müllers Texten vorschlug.

Laibach erklären: „We followed Heiner Müller’s own strategy of cutting and rearranging the material, taking his texts and putting it into another context, rebooting it with music, in order to drag the audience into it or alienate them from it. Music unlocks the emotions and is therefore a great manipulative tool and a powerful propagandistic weapon. And that’s why a combination of Heiner Müller, who saw theatre as a political institution, and Laibach, can be nothing else but a musical.”

Das Artwork und die Innenhülle des nun vorliegenden Albums zeigen Gemälde des österreichisch-irischen Künstlers Gottfried Helnwein, „Epiphanie 2B: Die Anbetung der Hirten“ (Sammlung der Fine Arts Museums of San Francisco) und „Epiphanie I: Anbetung der Könige“ (Sammlung des Denver Art Museum), aus dessen Epiphanie-Serie, die zu seinen bekanntesten Werken gehören und zwei der zentralen Themen seines Werks reflektieren: Kindheit und Nationalsozialismus.

LAIBACH "Wir sind das Volk" credit: Valter Leban
LAIBACH „Wir sind das Volk“ credit: Valter Leban

Mit „Wir sind das Volk“ zeigen Laibach erneut ihr Gespür, gesellschaftliche Verwerfungen in ihre Kunst zu überführen. Der immer schon mindestens ambivalente – und im Deutschen naturgemäß extrafiese – Begriff „Volk“ hat sich seit den „Wir sind das Volk“-Sprechchören von 1989, als die Berliner Mauer fiel, tiefgreifend verändert und ist in den letzten Jahren in ganz Europa und Amerika zu einem Instrument nationalistischer und rassistischer Ausgrenzung geworden.

Anja Quickert führt aus: „Dieses Projekt bringt endlich zusammen, was schon längst hätte geschehen müssen: Laibach und der deutsche Dramatiker und Dichter Heiner Müller zusammen. Der Mythos der Nation kann nicht begraben werden, solange Gespenster sein Fundament untergraben. Der Dialog mit den Toten darf nicht abgebrochen werden, bis sich zeigt, welcher Teil der Zukunft mit ihnen begraben wurde. Willkommen am Abgrund der Nation!“

Editor’s note:
Laibach formierten sich in der damaligen jugoslawischen Industriestadt Trbovlje. Gegründet in dem Jahr, in dem der Gründervater des Landes, Tito, starb, stieg die Band zu einer der international bekanntesten Bands auf, die aus den ehemals kommunistischen Ländern Ost- und Mitteleuropas hervorgegangen sind, und trat kürzlich als eine der ersten Bands in Nordkorea auf. Im Jahr 2019 veröffentlichten sie eine laibachsche Interpretation von „The Sound of Music“, die während ihrer Reise nach Nordkorea entstand. Im Jahr 2020 feierten sie vihr vierzigstes Jubiläum mit „Laibach Revisited“.

LAIBACH – WIR SIND DAS VOLK PERFORMANCES
25. – 28.03.2022 Berlin (DE), HAU Hebbel am Ufer
02.04.2022 HR-Zagreb, Vatroslav Lisinski Hall
08.04.2022 SI-Ljubljana, Cankarjev Dom
28.04.2022 Hamburg, Kampnagel
23. – 24.06.2022 SI-Maribor (SI)
02.07.2022 RS-Novi

Mehr unter: https://www.laibach.org/future-events/

WIR SIND DAS VOLK (EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND) TRACKLISTING
(STUMM472)

01 – Philoktet
02 – Der Vater
03 – Medea Material
04 – Ich bin der Engel der Verzweiflung
05 – Flieger, grüß mir die Sonne
06 – Ordnung und Disziplin (Müller versus Brecht)
07 – Traumwald
08 – Lessing oder Das Ende der Aufklärung
09 – Im Herbst 197.. starb… (instrumental)
10 – Ich will ein Deutscher sein
11 – Ich war die Wunde

Album-Vorbestellungen:

„Ich will ein Deutscher sein“ auf YouTube:

LAIBACH WIR SIND DAS VOLK – EIN MUSICAL AUS DEUTSCHLAND (NACH TEXTEN VON HEINER MÜLLER)
VÖ: 25.03.2022 (MUTE/[PIAS])
VORABSTÜCK “ICH WILL EIN DEUTSCHER SEIN”

www.laibach.org
www.mute.com

The Wake Woods – Video Premiere zu „Hole In The Sun“

The Wake Woods – Video Premiere zu „Hole In The Sun“ – neues Album „Treselectrica“ jetzt veröffentlicht!

Nach der Veröffentlichung des neuen Albums „Treselectrica“ am Freitag den 21.01.2022 und den ersten beiden Singles/ Videos zu „Paycheck“ und „Electric Boogie“ feiern The Wake Woods nun die Video Premiere zu ihrer 3. Singleauskopplung „Hole In The Sun“, hier zu sehen…

Video Premiere „Hole In The Sun“:

Die Berliner Band zeigt klar ihre Affinität für modernen Heavy Garage Blues im Stil von Jack White, The Dead Weather, Reignwolf oder Rival Sons.

2015 veröffentlichten The Wake Woods ihr gefeiertes Debüt „Get Outta My Way“, es folgten prompt 12 Wochen TOP 25 Rock-DJ-Charts, Support Shows für Deep Purple und Status Quo sowie ein fulminantes Konzert beim 40-jährigen Jubiläum des WDR Rockpalast! Seitdem ist um die Berliner einiges passiert: unzählige Clubshows, ein zweites Album, Besetzungswechsel 2019, weitere Touren u.a. mit Birth Of Joy aus den Niederlanden oder den österreichischen The Weight, Deichbrandfestival 2019, schließlich dann der pandemiebedingte Full Stop – „Denkste“, wie es in Berlin so schön heißt.

Mitnichten hat sich die die Band um das Brüderpaar Ingo und Helge Siara von der notwendigen Zwangspause beeindrucken lassen, ganz im Gegenteil. Mit Neuzugang Sebastian Kuhlmey an den Drums investierte man als frisch gebackenes Trio im Corona Sommer 2020 alle finanziellen Reserven im Hamburger Cloud Hill Studio für die EP „Remedies“, um anschließend sofort mit dem Songwriting für das neue Album “Treselectrica“ zu beginnen.

Scheinbar locker aus dem Handgelenk schütteln The Wake Woods mit „Treselectrica“ nun einen Bretterknaller aus stampfendem Heavy Blues, Indie und Alternative Rock. Angetrieben von jeder Menge Fuzz-Gitarre schiebt das Trio darauf eine Soundwand vor sich her, die dem einstigen Quartett ein neues und sagenhaft dickes Fundament liefert. Drei. Elektrisch. Aber sowas von. Fans von Band Of Skulls, The Dead Weather oder den Rival Sons können sich freuen. Die Berliner zeigen sich mit „Treselectrica“ angriffslustiger und experimentierfreudiger denn je, stellen jedoch einmal mehr auch ihr Können in Sachen Songwriting unter Beweis.

Weiter aktuell…

Offizielles Video zu “Paycheck“:

Offizielles Video zu „Electric Boogie“:

Get the album: https://orcd.co/tww_treselectrica

Mehr Infos unter:
http://www.thewakewoods.de
https://www.facebook.com/TheWakeWoods
https://www.instagram.com/thewakewoods/

Milian Otto Single “Wohin auch immer“

Milian Otto veröffentlicht neue Single “Wohin auch immer“ – aus dem neuen Album “Corpus Delicti“ (VÖ 04.02.2022)

Selten gab es eine Zeit, in der viele von uns so stark zu spüren bekamen, was es bedeutet, verzichten zu müssen. Der schlimmste Verzicht, neben all den Aktivitäten und Orten, die uns bei den wiederkehrenden Einschränkungen verwehrt bleiben, ist die Nähe zu anderen Menschen.

Die neue Single „Wohin auch immer“ von Milian Otto handelt von einem menschlichen Grundbedürfnis, ohne dessen Befriedigung wir ebenso wenig überleben können wie ohne zu essen, zu trinken oder zu schlafen: Freundschaft. Die Nähe von Körpern, aufeinander aufpassen, sich helfen, das Mitfühlen, das Mitdenken, das Miterleben. Fehlt das alles, irren wir bald mit einem Bleifuß durch die Dunkelheit. Niemand soll das Leben alleine tragen müssen. Füreinander da zu sein ist essenziell, doch eine gemeinsame Utopie zu entwickeln und gemeinsam dafür zu kämpfen, schweißt uns noch tiefer zusammen. Davon handelt „Wohin auch immer“.

Song Premiere „Wohin auch immer“:

Single „Wohin auch immer“ hier erhältlich: http://hyperurl.co/kfqrzm

Song Pre-Listening „Corpus Delicti“:

Album „Corpus Delicti“ vorbestellbar unter: https://save-it.cc/sturmundklang/corpus-delicti-album

Nach dem Liedermacheralbum „Wahnwitz und Gelegenheit“ (2018), nach unzähligen Solo-Konzerten, allein oder immer wieder auch als Support von Bands wie „Black Sea Dahu“ oder Sarah Lesch, hat Milian Otto die bleierne Starre der Pandemie genutzt, um neue Musik zu schreiben.

Das Das neue Album „Corpus Delicti“ erscheint am 04. Februar 2022! Der Genremix auf dieser Platte umfasst 70s Psychedelicrock, Indiepop, eine arabische Oud, ein Fauré-durchtränktes Cello, 90s Alternative Gitarrenriffs, Afrobeat Anleihen, politisches Lied, Singer-Songwriter Pop mit 80s Choruseffekten, Buckley-eske Gitarrenräume, Udo-Lindenberg-Gedenk-Bläsersätze… einfach alles, was Spaß macht…

Es schreit gegen Faschos, gegen tödliche Gier, gegen selbstherrlichen Optimierungswahn, gegen Mikro- und Makrozynismus, für die Freiheit des Körpers, für die Unbedingtheit aller menschlichen Träume. Es sucht nach Auswegen aus der Einsamkeit und der chronischen Verlorenheit zwischen all unseren Widersprüchen. Dieses Baby ist radikal ehrlich und radikal empathisch – das war und bleibt der Anspruch…

Mehr Infos unter:
https://www.facebook.com/MilianOtto
https://www.instagram.com/milian_otto/?hl=de

Vigil – Tod auf hoher See

Vigil „Tod auf hoher See“ Staffel 1

„Hochspannung pur!“ „Krimiunterhaltung vom Feinsten!“ „Die Handlung besticht durch Hochspannung!“ „Kommt mit Hochspannung daher!“ „…wartet mit jeder Menge Spannung auf!“ „Thriller-Highlight!“ „Hochkarätig besetzt!“ „Die Darsteller brillieren in ihren Rollen!“ „…lädt zum Bingen ein!“

Hier sind zwar Reklame-Plattitüden aufgeführt, die man eigentlich tunlichst vermeiden sollte, jedoch treffen diese Floskeln allesamt auf die erste Staffel der neuen britischen Thrillerserie Vigil – Tod auf hoher See zu, die digital, als Blu-ray und DVD am 18.02.2022 bei Edel Motion erscheint und als deutsche Free-TV-Premiere am 13. und 20.01.2022 bei arte ausgestrahlt wird.

Schon die ersten fünf Minuten der erfolgreichsten BBC-Dramaserie des vergangenen Jahres beginnen hochdramatisch:

Kurz nachdem ein Fischtrawler mitsamt der vierköpfigen Besatzung vor der Küste Schottlands auf mysteriöse Weise in den Tiefen des Atlantiks verschwindet, wird an Bord des Atom-U-Bootes HMS Vigil die Leiche eines Besatzungsmitgliedes aufgefunden. Obwohl eine Überdosis Heroin die Todesursache zu sein scheint, wird die Glasgower Kommissarin Detective Chief Inspector Amy Silva (Suranne Jones, Scott & Bailey, Doctor Foster, Gentleman Jack) mit der Leitung der Ermittlungen betraut.

Sie soll den Fall, den die Royal Navy als formale Angelegenheit abtut, innerhalb von nur drei Tagen vor allem diskret untersuchen. Auf der Vigil taucht DCI Silva nun in eine klaustrophobische Welt ein, in der es weder Tag noch Nacht gibt, der Sauerstoffgehalt aus Feuerschutzgründen reduziert ist und in der startbereite Atomraketen zum Alltag der Besatzungsmitglieder gehören.

Eingesperrt unter Wasser

Schon unter weniger beklemmenden Umständen wäre eine polizeiliche Untersuchung im abgeschotteten, mit eigenen Gesetzen ausgestatteten Militärmilieu nicht unkompliziert. Doch weil die 140 Männer und acht Frauen auf der HMS Vigil ihre Mission nicht unterbrechen und einfach an Land gehen dürfen, muss Amy Silva sogar länger als vorgesehen an Bord bleiben.

Schnell findet sie Indizien dafür, dass es sich bei dem Todesfall tatsächlich um einen Mord handelt und muss nun gegen den unverhohlenen Widerstand der Besatzung den Täter oder die Tä­te­rin ermitteln. Die extrem beengte Situation und ein zurückliegendes, persönliches Trauma führen außerdem dazu, dass sich Silvas psychische Verfassung zunehmend verschlechtert und Zweifel an ihrer Ermittlungstauglichkeit aufkommen.

Was hat die Navy zu verbergen?

Zeitgleich ermittelt Amy Silvas Kollegin und Ex-Freundin DS Kirsten Longacre (Rose Leslie, Game of Thrones, The Good Fight, Downton Abbey) im Umfeld eines Friedenscamps in der Nähe des Marinestützpunkts. Dort trifft sie auf die Aktivistin Jade, die die Lebensgefährtin des Opfers und wenige Tage später selbst tot ist. Doch beide Polizistinnen vermuten zunächst nur einfache Mordfälle, doch in Wirklichkeit geht es um hochbrisante internationale Spionage, unerbittliche Friedensaktivisten, Geheimdienstverwicklungen und Vertuschung in den politischen Lagern…

Der überaus fesselnde Plot, die temporeichen Drehbücher und das bedrückende Setting entwickeln eine ungeheure Sogkraft auf die Zuschauer. Auch die famosen Hauptdarstellerinnen Jones und Leslie sowie der restliche Cast von Vigil 1 (darunter Anjli Mohindra, Gary Lewis, Paterson Joseph, Adam James, Martin Compston und last but not least Shaun „Morse“ Evans in seiner Rolle als zwielichtiger Steuermann Glover) überzeugen auf ganzer Linie. Produzent und Drehbuchautor Tom Edge (Strike, Judy), Regisseurin Isabelle Sieb (Mord auf Shetland) und Regisseur James Strong (Broadchurch) sowie das preisgekrönte Produktionsteam von Bodyguard, Line of Duty und Save Me sind ein Garant für spannende und anspruchsvolle Unterhaltung mit Tiefgang. Zudem lässt der wundervolle, düster-melancholische Titelsong Fuel to Fire der dänischen Musikerin Agnes Obel Erinnerungen an das Intro von Die Brücke, einer weiteren Krimipretiose, wachwerden…

Trivia: Bei Vigil – Tod auf hoher See handelt es sich zwar um eine fiktive Geschichte, jedoch ist die Handlung kein hypothetisches Szenario, denn nach wie vor patrouillieren allzeit Atom-U-Boote in den britischen Gewässern, die zugehörige Basis der Royal Navy befindet sich – sehr zum Missfallen großer Teile der ortsansässigen Bevölkerung – im schottischen Firth of Clyde. Die britische Regierung beschloss zur Zeit der Serienentwicklung, die aktuelle Flotte aus vier mit Tridents ausgestatten U-Booten zu modernisieren und vier U-Boote einer neuen Klasse zu entwickeln, um die ab 1996 in Dienst genommenen gegen Ende der 2020er zu ersetzen.

Von den Machern von Bodyguard und Line of Duty: die britische Polit-Thrillerserie Vigil – Tod auf hoher See (OT: Vigil) mit Suranne Jones, Rose Leslie und Shaun Evans

(BD-/DVD-/Digital-VÖ: 18.02.2022; sechs Folgen/sechs Stunden + Bonus;
Deutsch/Englisch mit deutschen UT; Edel Motion)

Wir sind doch nicht im Krieg.“ (DCI Silva) „Das ist eine Illusion. Wir befinden uns immer im Krieg.“ (Kapitän Newsome)

Lauryn Mark „Apéritif“

Lauryn Mark „Apéritif“

Singer-Songwriterin Lauryn Mark aus Frankfurt veröffentlicht ihre neue EP „Apéritif“

Lauryn Mark „Apéritif“
Lauryn Mark „Apéritif“

Offizielles Video zu „In diesem Jahr“ jetzt online. VÖ EP „Apéritif“: 24.12.2021 (Chairoplane Records / ArtistMS/Kontor New Media)

Lauryn Mark ist eine deutsche Singer-Songwriterin und seit 3 Jahren in der Musikbranche. Ihre Texte sind bekannt für Tiefgang, Sehnsüchte, Liebe und Magie. Nach ihrem Debütalbum „Heimwegspuren“ in 2019 folgten die Singles „Niemand“ und „Tage hier“, sowie die schwungvolle Single „Hinter Hamburg“. Nicht nur 2020 war voller Songwriting Nächte und magischer Momente, auch in 2021 entstanden viele neue Songs. In der neuen Golden Sessions Serie auf YouTube gibt es zweiwöchig einen neuen Song in Piano -Stimm Variation zu hören.

Nach der ersten Singleauskopplung „Wolkenleuchten“ folgte die Single „Jedes Mal“. Hiermit konnten erste Airplays bei Radio Sr3, MDR Sachsen-Anhalt und dem Hr3 gewonnen werden. Durch die nächste Single „Mittendurch“ stieg Radio NRW auch mit ein.

Ihr aktuellstes Video zur Single „In diesem Jahr“ ist hier zu sehen:

Weiterhin gibt es eine neue Zusammenarbeit mit dem Produzenten Mark Smith aus Kiel, die im Januar 2022 zu hören sein wird. Aktuell folgen der Frankfurterin 11.000 Menschen auf den Socials.

Genau an Heiligabend erschien nun die neue EP „Apéritif“, die voll mit Lauryn-Mark-Songpoesie ist und bereits einen kleinen Vorgeschmack auf das bevorstehende Album Mitte 2022 gibt.

Das neue Minialbum „#Apéritif“ ist ab heute überall erhältlich.
Download & Stream: https://save-it.cc/artistms/ap-ritif

Die CD gibts auf der Homepage unter:
https://laurynmarkofficial.com/produkt/lauryn-mark-aperitif-ep-2021/

Tricky Neo Noir Kurzfilm 'Lonely Guest'

Tricky Neo Noir Kurzfilm ‚Lonely Guest‘

Tricky, einer der wahren Innovatoren der britischen Musik – hatte zuletzt das Ende Oktober 2021 veröffentlichte Album „Lonely Guest“ konzipiert und zusammengestellt.

Tricky Neo Noir Kurzfilm 'Lonely Guest'
Tricky Neo Noir Kurzfilm ‚Lonely Guest‘

Um seinen unermüdlich kreativen Geist während der Pandemie zu beschäftigen, begann Tricky verschiedene Kollaborationen mit anderen Künstlern und musikalischer Außenseitern auszuprobieren und fügte sie zu einer Einheit zusammen.

Stilistisch ist das atmosphärisch dichte, extrem stimmungsvolle und abwechslungsreiche Werk breit gefächert. Eine exquisite Auswahl an Gästen konfrontiert dabei ihre einzigartigen Songwriting-Ansätze mit Trickys Soundlandschaften.

Nun stell Tricky den selbstbetitelten Neo Noir Kurzfilm ‚Lonely Guest‘ vor – seine Regievision, begleitet von Tracks aus dem kürzlich erschienenen gleichnamigen „Lonely Guest“ Album.

Der Soundtrack mit Tracks des verstorbenen Lee ‚Scratch‘ Perry, Joe Talbot (Idles), Maximo Parks‘ Paul Smith, Oh Land, Rina Mushonga, Murkage Dave, Breanna Barbara und Marta bildet die perfekte Kulisse für diese Berliner Neo-Noir-Geschichte, die Tricky geschrieben und inszeniert hat.

Mit nur wenigen Dialogen wird die Erzählung des Films hauptsächlich von einigen starken Darstellern und fesselnden Bildern vorangetrieben, die alle wunderschön und geheimnisvoll miteinander verwoben sind, um die Geschichte von Lonely Guest zu erzählen.

Kurzfilm „Lonely Guest“:

Eric Gales  behauptet: “You Don’t Know The Blues”

Eric Gales  behauptet: “You Don’t Know The Blues” auf seinem neuen sensationellem  Album „Crown“, welches am 28. Januar über Provogue/Mascot Label Group erscheinen wird.

Wenn es jemanden gibt, der den Blues kennt, dann ist es der legendäre Gitarrist Eric Gales. Seit über 30 Jahren und 18 Alben ist Gales ein Blues-Fanatiker, dessen Leidenschaft für die Musik und sein grenzenloser Wunsch, sie lebendig zu halten, nie nachgelassen hat. Jetzt, nach einer Karriere, die von den höchsten Höhen bis zu den tiefsten Tiefen reichte, nimmt Gales mit der Veröffentlichung von „Crown“ seinen rechtmäßigen Platz an der Spitze des Blues-Rock ein. „Wenn du die Dinge, von denen ich in diesem Song spreche nicht kennst“ so Gales, „dann kennst du den Blues nicht!“

Video Premiere “You Don’t Know The Blues”:

Produziert von Joe Bonamassa und Josh Smith, öffnet sich Eric auf „Crown“ wie nie zuvor und erzählt von seinen Kämpfen mit Drogenmissbrauch, seinen Hoffnungen auf eine neue Ära der Nüchternheit und ungezügelten Kreativität sowie seinen persönlichen Überlegungen zum Thema Rassismus. Fünf Jahre nüchtern, kreativ verjüngt und einfühlsam, sind die Songs auf „Crown“ klar und deutlich und zeigen Erics persönliche Erfahrungen und seine Hoffnung auf positive Veränderungen.  Auf diesem Album zeigt sich Eric von seiner verletzlichsten Seite, kompromisslos politisch und unbeirrbar selbstbewusst.

„You Don’t Know The Blues“ folgt auf die Veröffentlichung der erste Single des Albums, dem aalglatten „I Want My Crown (featuring Joe Bonamassa)“. Hier singt Eric mit spielerischer Bravour davon, dass er endlich das bekommt, was ihm zusteht, und gesteht gleichzeitig seine selbstsabotierende Vergangenheit ein. Sauber und konzentriert, mit der Gitarre in der Hand, strebt er nach der Krone und kämpft gegen den kraftstrotzenden Blueskrieger Joe Bonamassa in einem epischen Kampf à la Rocky. Triumphale Bläsersätze treiben die Spannung an, während die beiden ein wahres Feuerwerk des Blues entfesseln, bei dem sich die Passagen jedes einzelnen Spielers anfühlen wie die letzte Explosion eines Silvester-Feuerwerks.

Video “I Want My Crown” feat. Joe Bonamassa:

Seit 1991 hat der in Memphis geborene Gitarrist den Blues mit einer Virtuosität wiederbelebt. Nicht zuletzt wegen seinem rockigen Auftreten wird der Linkshänder als Nachfolger von Jimi Hendrix gepriesen. Er war und ist ein Wunderkind mit grenzenlosem Talent und unbändiger Entschlossenheit und veröffentlichte im Alter von nur 16 Jahren sein Debüt The Eric Gales Band bei Elektra Records. Er wurde von Gitarristen wie Carlos Santana, Dave Navarro, Joe Bonamassa und Mark Tremonti hoch gelobt, und hat sich mit einigen der größten Gitarristen der Welt, wie eben Santana und Bonamassa, aber auch Zakk Wylde und Eric Johnson auf der Bühne gemessen.

Die Geschichte von ‘Crown’ reicht bis in die frühen 1990er Jahre zurück, als Eric und Joe als Teenager beide als Blues-Wunderkinder und Fackelträger gefeiert wurden. Eric ist drei Jahre älter als Joe, und Bonamassa war früher der Support von Gales. Die beiden haben sehr unterschiedliche Lebenswege und Karrieren eingeschlagen, aber Erics volles Potenzial wurde durch seine Drogenprobleme behindert. „Während ich mit meiner Krankheit zu kämpfen hatte, ging es mit Joes Karriere steil bergauf. Ich habe mich durch meine Drogensucht selbst in den Hintergrund gedrängt. Die Welt kennt mich, aber eigentlich kennt sie mich nicht“, sagt er. Im Jahr 2009 erreichte Eric den Tiefpunkt und verbüßte eine Haftstrafe im Shelby County Correction Center wegen Drogen- und Waffenbesitzes. Die beiden trafen sich 2019 wieder, als Joe Eric einlud, mit ihm auf der Bühne bei seiner Blues Cruise zu spielen.  Es war das erste Mal seit 25 Jahren, dass die beiden live zusammen auf der Bühne standen, und es wurde seitdem als eines der explosivsten Gitarrenduelle aller Zeiten bezeichnet, das über 3 Millionen Mal auf YouTube angeklickt wurde.

„Wir waren immer brüderlich miteinander verbunden. Als wir wieder zusammenkamen, sagte Joe zu mir: ‚Du bist ein Wahnsinns-Gitarrist, jetzt bist du an der Reihe, deinen Platz am Tisch zu bekommen und deine Krone zu tragen'“, erinnert sich Eric.  Kurz nach ihrem kultigen Jam, während der Keeping The Blues Alive Mediterranean Cruise 2019, trat Eric an Joe heran, um ihn zu fragen, ob Joe nicht sein nächstes Album produzieren wolle. „Wir haben geweint, als wir darüber sprachen, und er sagte: ‚Du hast keine Ahnung, wie lange ich auf dich gewartet habe, jetzt werde ich meinen Teil dazu beitragen, dich dahin zu bringen, wo du hingehörst.'“, verrät Gales.

Mit Crown tritt Eric Gales an, um den Titel für sich zu beanspruchen! Die Platte ist eklektisch aber in sich schlüssig. Mit sicherer und authentischer Kunstfertigkeit beschwört Eric Gales die Weite des Blues, des Rock und darüber hinaus.

Die Songs auf ‘Crown’ wurden von Eric, Josh Smith und Joe Bonamassa geschrieben und enthalten zusätzlich Beiträge von LaDonna Gales und bekannten Songwritern wie Tom Hambridge, James House und Keb Mo. Das Album wurde im Sound Emporium Nashville aufgenommen, die Overdubs wurden im Ocean Way Nashville und in den Earthtone Studios in Greensboro, NC, eingespielt.

‘Crown’ wurde nach dem tragischen Tod von George Floyd geschmiedet. Am Tag bevor Eric Greensboro, North Carolina, in Richtung Los Angeles, Kalifornien, verließ, um mit Joe und Josh zu arbeiten, hörte er die Nachricht über den Mord an George Floyd. „Als ich während der Vorproduktion anfing, mit Joe und Josh darüber zu sprechen, kamen rohe und entnervte Emotionen aus mir heraus, und Joe kritzelte Notizen über all das auf. Diese Songs sind aus diesen Gefühlsausbrüchen entstanden. Sie handeln von meinem Leben und dem, was gerade in der Welt passiert. Mit diesem Album teile ich meine privaten Kämpfe und Erfahrungen als Schwarzer Mann mit meinen Hörern. Auf ‘Crown’ lasse ich die Welt wissen, was ich durchgemacht habe”

Die Reise des Albums ‘Crown’ ist aufregend und führt, ähnlich wie Erics Leben, durch Momente des Sieges und der Verletzlichkeit. Auf seinem Weg teilt Eric seine Geschichte und seine Gefühle durch die Bluesmusik. Er sagt: „Wenn ich spiele, ist der Kern immer der Blues, und auf diesem Album gehen wir durch einen Themenpark des Blues und erforschen alle Arten des Blues. Wir besuchen das Karussell, die Autoscooter, die Wasserbahnen, die Imbissbuden, und wir kommen alle mit einem Lächeln heraus.

Aktuell ist Gales zur Zeit in den Vereinigten Staaten auf Tour. Für März 2022 sind u.a. Termine in Hamburg, Berlin, Leipzig, München Stuttgart, Oberhausen, Bensheim und Aschaffenburg geplant.

Eric Gales Online
https://www.ericgales.com/
https://nl-nl.facebook.com/EricGales/
https://www.instagram.com/ericgalesband/
https://www.youtube.com/channel/UC0Gpui0DdJccVj_WGHneBmw

Naked Gypsy Queens Single “If Your Name is New York (Then Mine’s Amsterdam)”

Naked Gypsy Queens kündigen mit der Veröffentlichung der neuen Single  “If Your Name is New York (Then Mine’s Amsterdam)” die Vinyl-VÖ ihrer EP für den 11.02.2022 an!

Heute veröffentlicht das Quartett Naked Gypsy Queens aus Tennessee das neue Video zu „If Your Name is New York (Then Mine’s Amsterdam)“, eine dynamischen Power-Ballade, die auf ihrer Debüt-EP „Georgiana“ enthalten ist, die am 11. Februar über Mascot Records/Mascot Label Group erscheint.

Naked Gypsy Queen knüpfen mit ihrer EP an den überlebensgroßen Sound ihrer Helden aus den 60er und 70er Jahren an und feuern die Flamme des Old-School-Hardrocks, unter Verwendung ihres eigenen Treibstoffs des 21. Jahrhunderts, wieder an. „Georgiana“ wird digital und als limitierte Vinyl Edition mit coolem Etch-Muster auf der B-Seite der Platte erhältlich sein.

Video zu “If Your Name is New York (Then Mine’s Amsterdam)”:

Die ‘Georgiana’ EP erscheint am 11. Februar 2022 via Mascot Label Group / Mascot Records

Pre-order/stream: https://smarturl.it/NakedGypsyqueens

„’If Your Name is New York (Then Mine’s Amsterdam)’” ist einer unserer Lieblingssongs, den wir live spielen“
, sagt Gitarrist Cade Pickering. „Unser Leadsänger Chris schrieb die ersten Teile des Songs und brachte sie zu uns, und wir alle kamen zusammen, um den Song zu perfektionieren. Der Titel wurde von einem Zitat von Daniel Day Lewis‘ Charakter im Film ‚Gangs of New York‘ inspiriert.“

Die Naked Gypsy Queens wurden gegründet, als alle vier Mitglieder noch in der High School waren, und man baute sein Publikum auf eine ganz normale Art und Weise auf: indem sie jede Gelegenheit zum spielen war nahmen. Sie bissen sich an Klassikern von MC5, den Stones, Pink Floyd und den Allman Brothers die Zähne aus. Diese Einflüsse ließen sie in ihre eigenen Songs einfließen und kreierten so ihren originellen Sound, der laut, aggressive und voller überdimensionaler Hooks ist.

Nachdem sie sich in ihrer Heimatstadt Franklin, TN, eine treue Fangemeinde erspielt hatten, richteten sie ihr Augenmerk auf Nashville und noch bevor eines der Bandmitglieder 20 Jahre alt war, wurden sie schnell zu einer der führenden Rockbands der Stadt.

„Unser Ziel war es, die härteste Live-Band der Welt zu werden“, sagt Frontmann Chris Attigliato, der sich die Gitarrenarbeit mit Cade Pickering teilt. „Wir waren laut. Wir waren eine Band, die man auf der Bühne sehen musste. Wir wurden zum Kult, und bei manchen Konzerten bildeten sich Schlangen um den Block. Wir versuchten nicht, die höchste Anzahl an digitalen Streams zu erreichen; wir taten einfach das, was wir tun wollten, und machten die Musik, die wir machen wollten.”

Mit „Georgiana“ tritt die Band selbstbewusst ins internationale Rampenlicht. Bei den fünf einzigartigen Hymen kommt die Chemie zwischen Attigliato, Pickering, Bassist Bo Howard und Schlagzeuger Landon Herring zum Tragen. „Georgiana“, das Anfang des Jahres veröffentlicht wurde, ist eine brennende Hymne, die von einer Slide-Gitarre und donnernden Drums unterstrichen wird, und „Wolves“ ist ein gitarrengetriebener Bombast-Track in Molltonarten. Abgerundet durch die dynamische Power-Ballade „If Your Name is New York (Then Mine’s Amsterdam)“ und das stampfende „Strawberry Blonde #24“ zeigt „Georgiana“ die ganze Bandbreite der Naked Gypsy Queens. Es ist die Momentaufnahme einer aufstrebenden Band.

Die Band nahm „Georgiana“ in Detroit auf und arbeitete mit den Studio-Veteranen Marlon Young, Al Sutton und Herschel Boone zusammen. Um die Energie ihrer Konzerte einzufangen, nahmen sie jeden Track in einer Reihe von Live-Takes auf. Hohen Besuch erhielten die Jungs von Legenden wie Alice Cooper und Wayne Kramer von den MC5, die während der Aufnahmen im Studio vorbei schauten.

„Wir haben einen älteren Sound, mit etwas Neuem gemischt“, sagt Howard, der sich daran erinnert, wie er im Keller der High School in Tennessee über Attigliato und Herring stolperte, die sich mit einem Können, das weit über ihr Alter hinausging, durch Led Zeppelins „Whole Lotta Love“ spielten. „Als ich diese Jungs zum ersten Mal traf, wusste ich sofort, dass ich mit ihnen spielen musste. Ich wusste, dass wir Musik machen können, die andere Leute in unserem Alter anzieht und gleichzeitig diejenigen anspricht, die mit dieser Art von Musik aufgewachsen sind.“

Mit ihrem generationsübergreifenden Sound schlagen die Naked Gypsy Queens eine Brücke zwischen der Vergangenheit und der Zukunft des Genres und schaffen zeitlosen Rock & Roll für die moderne Welt. Angeführt nicht nur von Chris‘ gefühlvollem Gebrüll, sondern auch von der klanglichen Wucht einer gelehrten Rhythmusgruppe und den ineinandergreifenden Riffs zweier Lead-Gitarristen, sind Naked Gypsy Queens auf dem besten Weg, Könige zu werden.

Stay tuned for additional updates.

‘Georgiana’ EP by Naked Gypsy Queens

  1. Georgiana
  2. Down to the Devil
  3. Strawberry Blonde #24
  4. Wolves
  5. If Your Name is New York (Then Mine’s Amsterdam)
  6. Georgiana Live (Digital Bonus Track)

Online:
https://www.facebook.com/NakedGypsyQueens
https://twitter.com/ngqband
https://www.youtube.com/c/nakedgypsyqueens
https://open.spotify.com/artist/3OrAxV2BbL9v6PvFpbGteS

Chris Wayfarer feat. Flo Drachenberg "Blue Hour"

Chris Wayfarer feat. Flo Drachenberg „Blue Hour“

Wenn der Sommer schwindet und die Nächte wieder länger werden, trübt sich die Stimmung mancher zunehmend ein. Doch der Herbst hat nicht nur seine dunklen Seiten.

Chris Wayfarer feat. Flo Drachenberg "Blue Hour"
Chris Wayfarer feat. Flo Drachenberg „Blue Hour“
Vielmehr offenbart sich seine Magie im farbenfrohen Spiel zwischen Licht und Schatten.

Zum Beispiel, wenn das weiche Licht der tief stehenden Sonne durch den bunten Blätterwald schimmert oder in der besonders ausgedehnten Blauen Stunde: jenem kurzen Zeitfenster in der Dämmerung, in dem das Tageslicht in die Nacht entgleitet oder der neue Tag seine Ankunft verkündet. Und so steht die „Blue Hour“ sinnbildlich für eine Halbwelt zwischen Tag und Nacht, Ruhe und Geschäftigkeit, Sentimentalität und Hoffnung, den Blick nach hinten und nach vorne, das Feiern auf den letzten Openairs oder die Rückkehr in die Clubs.

Beide Pole stehen sich auch im gleichnamigen Track von Chris Wayfarer und Flo Drachenberg gegenüber. Drumgerüst, Bassline und ein funky Gitarrenriff legen spürbar den Vorwärtsgang ein und erobern sich mit ihrem positiven Vibe den Platz auf der Tanzfläche. Doch deepe Chords, Brasselemente und Streicher im Break werfen einen zweifelnden Schleier darüber.

Flo Drachenberg greift mit seinem Saxofon, das sich wie ein roter Faden durch den Track zieht, beide Stimmungen auf und schließt in einer Art musikalischen Klammer den Kreis. Und so bleibt am Ende jedem selbst überlassen, zu welcher Seite er sich hingezogen fühlt oder ob er den Moment, die Vereinigung beider Gegensätze, einfach nur genießt.

Chris Wayfarer feat. Flo Drachenberg
Blue Hour

Release Date: 2021-11-26
Label: sonokraft / Wayfarer Audio
Artwork by Remood
Tracklist: 1 Chris Wayfarer feat. Flo Drachenberg Blue Hour (00:07:19)
Genre: Deep House ISRC: DE-TL6-20-01906
GTIN: 4251133740516

STEVE VAI “INVIOLATE”

Los Angeles, CA – Steve Vai und Favored Nations/Mascot Label Group kündigen das neue Studioalbum mit dem Titel “Inviolate” für den 28. Januar 2022 als CD und Digital an.  Die LP-Veröffentlichung wird am 18. März folgen.

Mit „Little Pretty“ wird heute der erste Song vorab veröffentlicht…

Official Visualizer “Little Pretty”:

Pre-Order: https://smarturl.it/steve_vai

Die Aufnahme ist ein dunkel getöntes Fusion-Funk-Workout, das fast ausschließlich auf einer Gretsch-Hollowbody-Gitarre gespielt wird. Was Vai zu dem (zumindest für ihn) ungewöhnlichen Modell geführt hat, erklärt er so: „Sie hängt mit all den anderen Gitarren an der Wand, und ich habe sie immer nur angeschaut und gedacht: ‚Eines Tages werde ich dich spielen…'“. Er fährt fort: „Beim Schreiben der Akkordwechsel für den Soloteil und das Solo selbst habe ich tief in meinen akademischen Musiktheorie-Kopf gegraben, um eine Reihe von Akkordwechseln zu schaffen, bei denen sich die harmonische Atmosphäre bei jedem Wechsel verändert. Die dichten Akkordstrukturen erforderten eine Reihe von synthetischen Modi, um sich darin zurechtzufinden. Diese Herangehensweise entspricht der von Jazz- und Fusion-Spielern, aber ich wusste, dass ich nicht wollte, dass es so klingt, und das Solo musste absolut melodisch sein. Das Ergebnis war ziemlich kraftvoll, da der gesamte Soloteil melodische atmosphärische Veränderungen hervorruft, die sich dramatisch verändern, und trotzdem gut zusammenarbeiten.“ 

Im Laufe seiner mehr als 40-jährigen Karriere hat Steve Vai regelmäßig das scheinbar Unmögliche in etwas sehr, sehr Mögliches verwandelt… was im Grunde ganz schön unverschämt ist. Von seinen Tagen als Frank Zappa „Stunt-Gitarrist“ bis hin zu seinen neueren, expansiven und forschenden Soloarbeiten hat Vai immer wieder die Vorstellungen von traditionellem Gitarrenspiel und Komposition in Frage gestellt – und bei mehr als einer Gelegenheit sogar selbst das Instrument neu erfunden.

Was, wie er zugibt, nicht unbedingt seine Absicht ist. „Ich sitze nicht herum und sage: ‚Okay, was kann ich jetzt tun, um Grenzen zu überschreitet'“, erklärt Vai seine Herangehensweise an die Gitarre. „Was ich zu mir selbst sage, ist: ‚Okay, Vai – was wirst du jetzt tun, das dich interessieren wird, das dich faszinieren wird und das anders ist als alles, was du bisher gemacht hast?“

Gleichzeitig präsentiert “Inviolate” seine fokussierteste, straffe und vielleicht belebendste Musik seit Jahren. „Es ist sehr ‚Vai‘, was auch immer das heißen mag“, sagt er und lacht dann. „Jemand anders kann vielleicht besser erklären, was das ist als ich. Aber es ist einfach sehr ehrliche Musik. Denn viele meiner Platten sind lang und es gibt viele Konzepte und Geschichten, mit denen ich herumspiele. Diese Platte hat nichts von alledem. Es handelt sich um neun ziemlich dichte, rein instrumentale Kompositionen, die ich festhalten und aufnehmen wollte, damit ich sie den Fans auch live präsentieren kann.“

Der hypnotische Opener des Albums, „Teeth of the Hydra“, ist eine gewundene, Latin-Fusion-angehauchte Komposition, die Vai mit einer einzigartigen Spezialgitarre schrieb und aufnahm, die er Hydra nannte. Aber die Hydra als bloße Gitarre zu bezeichnen, wäre viel, viel zu kurz gegriffen. Die Hydra wurde in Zusammenarbeit mit den Designern der Firma Hoshino (Ibanez) gebaut und basiert auf einer „Steampunk-Motiv“-Idee von Vai. Sie ist ein Biest von einem Instrument – eine einteilige Kreatur mit zwei Köpfen und drei Hälsen, die unter anderem mit sieben- und 12-saitige Gitarren, einen viersaitigen Bass, Harfensaiten, halbfreie Hälse, Single-Coil-, Humbucking-, Piezo- und Sustainer-Tonabnehmer, schwebende und Hardtail-Tremolo-Brücken, Phasensplitter und vieles, vieles mehr gespickt ist.

„Es ist eine unglaublich gut gebaute Maschine“, sagt Vai. „Ich habe den Jungs bei Hoshino gesagt: ‚Alles, was ihr für konventionell haltet, macht das nicht. Das war eine Gelegenheit, brutale Kreativität auszuleben. Und sie sind darüber hinausgegangen.“

Genau wie Vai mit seiner Performance. Während des gesamten Stücks setzt er die gesamte Klangpalette der Hydra ein, um einen Gitarrenpart zu gestalten, der in seiner Ausdehnung und Ausdruckskraft geradezu lebendig klingt. „Das Interessante an dem Song und der Gitarre ist, dass alles zur gleichen Zeit entstanden ist“, sagt Vai. „Es war eine dieser ‚unantastbaren‘ Inspirationen – bumm!“

“Ich wusste, dass ich mit der Hydra etwas schaffen musste, das wie ein echtes Musikstück klang“, fährt er fort. “Es durfte nicht nur eine Neuheit sein. Denn wenn man wüsste, was meine Hände machen und wie ich meine linke Hand benutze, um Phrasierungen zu kreieren, die funktionieren, wenn ich keine Note greifen kann, weil meine rechte Hand woanders ist… mein Gott. Aber das fertige Stück musste für sich selbst stehen. Es durfte nicht so klingen, als würde ich einfach nur mit Sachen jonglieren.“

Im Laufe des Jahres 2021 wurden mehrere dieser Kompositionen der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Vai komponierte und nahm den Song „Knappsack“ nach seiner Schulteroperation zu einer Zeit auf, als sein rechter Arm in einer Schlinge (oder, wie sein Chirurg Dr. Knapp es nannte, einem „Knappsack“) steckte und er daher nur seine linke Hand benutzen konnte, um das Stück zu spielen.

Er veröffentlichte ein Video mit einer einhändigen Darbietung, das hier zu sehen ist: :

Er sagt lachend: „Bald darauf sah ich einige Clips von jungen Kids, die das auch schafften, was schon echt faszinierend ist.“

Die bereits von ihm Anfang 2021 aufgenommenen Songs, wozu auch  “Candle Power” gehört, wurden nun von einer Band unterstützt, die aus Bassisten Bryan Beller, Philip Bynoe und Henrik Linder, sowie Keyboarder David Rosenthal bestand. Am Schlagzeug ist Zappa-Kollege Terry Bozzio und Vinnie Colaiuta zu hören.

Oder nimm den Track „Apollo in Color“, bei dem Vai seine hochfliegenden Läufe auf seiner Ibanez PIA Signature-Gitarre (das neu entworfene Modell ist übrigens das erste Mal auf einem Vai-Studioalbum zu hören) mit filigranen Klängen auf allen möglichen exotischen Saiteninstrumenten unterlegt. Im Grunde geht es darum, seine eigene Stimme zu finden und dann den Mut und die Überzeugung zu haben, seinen musikalischen und kreativen Instinkten zu folgen, wohin auch immer sie einen führen mögen – etwas, das Vai bei seinem Spiel nie gescheut hat.
„Eines der großartigen Dinge an der Gitarre ist, dass man kein Virtuose sein muss, um seine kreative Vision auszudrücken“, sagt er. „Ich meine, Bob Dylan spielt die Gitarre perfekt für seinen Ausdruck. Das gilt auch für John McLaughlin. Man muss nur entscheiden, wie viel Technik man will oder braucht, um ans Ziel zu kommen. Ich selbst wollte und brauchte das alles. Wenn es um meine Musik geht, habe ich nicht das Gefühl, dass ich irgendetwas beweisen oder mich an etwas anpassen muss. Ich liebe es einfach, mir kreative Ideen auszudenken und sie dann mit allen mir zur Verfügung stehenden Mitteln umzusetzen.“

„Eine unantastbare (Inviolate) Inspiration ist eine, die völlig rein zu dir kommt“, erklärt Vai. „Sie erscheint fast in ihrer Vollständigkeit, und man erkennt, dass sie für einen richtig ist. Da gibt es für dich keine Ausreden mehr. Du wirst nur noch die Erkenntnis haben und kannst dann deiner Kreativität freien Lauf lassen. Hoffentlich ist mir das mit dieser Platte gelungen.“


ABOUT STEVE VAI:

Steve Vai ist ein virtuoser Gitarrist, Komponist und Produzent, der von vielen als einer der größten Gitarristen aller Zeiten angesehen wird. In über 40 Jahren in der Branche hat Vai mehr als 15 Millionen Platten verkauft, drei Grammy Awards erhalten und mit Musiklegenden wie Frank Zappa, David Lee Roth und David Coverdale (Whitesnake) gespielt. Er war gemeinsam mit Zakk Wylde, Yngwie Malmsteen, Nuno Bettencourt und Tosin Abasi Gründer der Supergroup Generation Axe. Tourte ausgiebig als Solo-Künstler oder dem Live-Projekte G3 (in Zusammenarbeit mit verschiedenen Tournee-Besetzungen mit Joe Satriani, John Petrucci, Eric Johnson, Yngwie Malmsteen und Steve Lukather). Außerdem ist Vai der Autor von Vaideology: Basic Music Theory for Guitar Players (Hal Leonard), seinem ersten Musiktheorie-Buch, das sowohl Anfängern als auch erfahrenen Gitarristen helfen soll.

Eine vollständige Diskografie und mehr findest Du unter: www.vai.com

Online:
https://www.vai.com/
www.facebook.com/stevevai
www.instagram.com/stevevaihimself
www.twitter.com/stevevai
www.youtube.com/user/SteveVaiHimself