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CRAIG ARMSTRONG – „Nocturnes – Music For 2 Pianos“

CRAIG ARMSTRONG veröffentlicht das sehr persönliche Klavieralbum „Nocturnes – Music For 2 Pianos“ am 03.09.21

CRAIG ARMSTRONG – „Nocturnes – Music For 2 Pianos“ (Modern Recordings / BMG / ada / Warner)

Das Projekt begann 2020 – mit ein paar Tracks, die Craig Armstrong eigentlich nur für sich selbst und als Ablenkung von den Turbulenzen der Welt geschrieben hatte, und die alle nachts in seinem Heimstudio in Glasgow entstanden.

Craig Armstrong | Nocturne 4 (Official Music Video):

Als das Projekt zu einer Platte heranwuchs, merkte Armstrong, dass es ihm eine Atempause und Trost bot; dass die Stimmung der Musik untrennbar mit ihrer Umgebung verbunden war und zugleich das gesamte Werk von zeitloser Tragweite und emotionaler Fülle ist.

„Durch den Lockdown kam ich nie dazu, tagsüber zu schreiben, so dass alle 14 Tracks zwischen 21 Uhr und der Morgendämmerung entstanden sind. Ich folgte diesem Ablauf, und nur meine Tochter war ab und zu wach, um mir etwas Gesellschaft zu leisten. Es herrschte eine wirklich seltsame Atmosphäre während dieses ersten Lockdowns: Wenn ich normalerweise gegen 23 Uhr spazieren gehe, ist es für gewöhnlich sehr ruhig – nun war die Zeit geprägt von vorbeifahrenden Krankenwagen. Zurück in meinem Studio im Keller arbeitete ich die ganze Nacht hindurch, schrieb vier Tracks, ließ sie für eine Weile ruhen, und wenn ich die Arbeit dann wieder aufnahm, wurde mir bewusst, dass es die Musik war, die es mir ermöglichte, alles andere für eine Weile gänzlich zu vergessen. In gewisser Weise habe ich das Album also eher für mich geschrieben – als eine Art Flucht – und je weiter der Prozess fortschritt, desto mehr dachte ich, dass es vielleicht auch anderen Menschen Trost spenden könnte.“

Craig Armstrong | Nocturne 12 (Official Video):

Die Nocturnes sind ein Album der Nacht, aber nicht notwendigerweise für die Nacht; die vierzehn individuellen Kompositionen erforschen die musikalischen und emotionalen Paletten klassischer Formen und erweitern sie.

Das Album widerlegt die Annahme, dass Nocturnes zwangsläufig melancholisch sein müssen. Während einige der Tracks eine wunderschöne Tristesse vermitteln, zeigen andere (wie Track 4), dass eine Nocturne auch erhebend sein und Hoffnung ausdrücken kann.

Craig Armstrong | Nocturne 1 (Official Video):

Armstrong hat die Stücke für zwei Klaviere geschrieben; seine ursprüngliche Idee war, sie von anderen Künstlern aufführen zu lassen – eine Vorstellung, von der er immer noch hofft, dass sie sich erfüllt und das Werk live aufgeführt wird. Wirklich wichtig war ihm, dass einige der Stücke so komponiert sind, dass die Aufmerksamkeit weniger auf der Melodie, sondern vielmehr auf der Struktur und auf Emotionen liegt. Auf diesem Wege konnte er strukturelle Elemente ergründen, die weniger linear und abstrakter waren.

„Nocturnes – Music for 2 Pianos“ ist am 3. September 2021 erschienen und kann hier bestellt werden: craigarmstrong.lnk.to/NocturnesMusicfor2PianosAlbum

Über Craig Armstrong:

Craig Armstrong ist ein in Schottland geborener Komponist, dessen einzigartiger Stil durch seine Orchesterstücke, die Verwendung elektronischer Elemente und vielseitige künstlerische Kollaborationen im Bereich der klassischen Musik und Filmmusik weltweit höchste Anerkennung gefunden hat. Er studierte an der Royal Academy Of Music unter Größen wie Cornelius Cardew, Paul Patterson oder auch Malcolm MacDonald und hat eine Herangehensweise entwickelt, die es ihm ermöglicht, feinste Veränderungen der Atmosphäre und Gefühlsebene hervorzurufen.

Armstrong hat ein überaus beeindruckendes Repertoire sowohl an klassischer als auch populärer Musik aufgebaut und sich dabei verschiedenster Einflüsse aus Klassik, Jazz, Pop und experimenteller Musik bedient. Mit „The Edge Of The Sea” veröffentlichte er sein erstes Album nach Vertragsunterzeichnung beim neu gegründeten Label Modern Recordings (BMG Deutschland). Es ist eine wunderschöne Hommage an die für die Westküste Schottlands typischen gälischen Psalmengesänge und Höhepunkt eines sich über mehrere Jahre erstreckenden kreativen Prozesses. In enger Zusammenarbeit mit dem hebridischen Komponisten Calum Martin und dem innovativen Scottish Ensemble entstanden einzigartige Aufnahmen der traditionell a capella gesungenen gälischen Psalmen.

Die von Armstrong für frühere Recordings gestartete und mittlerweile viele Jahre anhaltende Kollaboration mit Massive Attack auf deren zukunftsweisenden Alben erwies sich als äußerst fruchtbar. Armstrongs erste Soloalben “The Space Between Us” und “As If To Nothing” erschienen sogar auf dem Label von Massive Attack Melankolic (Virgin Records). Es folgten die atemberaubenden und puristischen „Piano Works“ und „Piano Works: The Film“, die 2004 auf Sanctuary veröffentlicht wurden, der Longplayer „Memory Takes My Hand“ mit der Geigerin Clio Gould und dem BBC Symphony Orchestra (2008) – erschienen bei EMI Classics – und das im Zusammenwirken mit Paul Buchanan und Vladislav Delay entstandene Soloalbum „It’s Nearly Tomorrow“ (2014) via BMG Chrysalis. Decca veröffentlichte 2016 mit „The Lost Song’s Of St. Kilda“ unter weltweit stürmischen Beifall ein Sonderprojekt, welches Craigs Originalkompositionen „Stac Lee Dawn“ und „Dusk“ enthielt, die von den wiederentdeckten Original-Klavierwerken St. Kilda inspiriert wurden. Armstrongs jüngstes Soloalbum „Sun On You“ – ein in erneuter Zusammenarbeit mit dem Scottish Ensemble entstandenes Album für Streicher und Klavier – erschien 2018 bei Decca Records.

Unter den zahllosen von ihm komponierten Konzertwerken befinden sich auch jene für das Royal Scottish National Orchestra, das Hebrides Ensemble, Cappella Nova und wie schon erwähnt das Scottish Ensemble. „Visconti“ – ein Auftragswerk der Londoner Sinfonietta und des Barbican – wurde 2002 beim Stockhausen Festival uraufgeführt und ist eine Hommage sowohl an den Filmregisseur Luchino Visconti als auch an den Komponisten Gustav Mahler. Das Violinkonzert „Immer“ für die Violinistin Clio Gould wurde von Virgin Classics aufgenommen und 2008 beim Saint Denis Festival in Paris uraufgeführt. Armstrongs zweiter Kompositionsauftrag der Scottish Opera, „The Lady From The Sea“, feierte seine Premiere 2012 beim Edinburgh International Festival und gewann den Herald Angel Award. Für einen aktuellen Auftrag des Union Chapel’s Organ Reframed Festivals komponierte Armstrong das wunderschöne „Painted In White“ für Orgel und Streicher, das vom London Contemporary Orchestra dargeboten wurde.

Armstrong genießt hohes Ansehen und einen weltweit anerkannten Ruf als Komponist preisgekrönter Filmmusik. So komponierte er Scores sowohl für Hollywood- als auch für Independent-Filme – angefangen bei Peter Mullans Regiedebüt „The Close Trilogy“ bis hin zu den BAFTA-, Ivor Novello- und Golden Globe-prämierten Scores für Baz Lurhmanns „Romeo und Julia“ oder auch „Moulin Rouge“. Viele weitere Filme und Blockbuster haben sich Armstrongs Repertoire bedient – darunter „The Quiet American“, „Orphans“, „Love Actually“, „World Trade Centre“, „Elizabeth: The Golden Age“ und „Far From The Madding Crowd“. Armstrongs Filmmusik für „Ray!“, das unter der Regie von Taylor Hackford entstand, wurde mit einem GRAMMY für die Originalmusik ausgezeichnet.

Die langjährige künstlerische Beziehung Armstrongs sowohl zu Mullan als auch zu Lurhmann setzt sich bis heute erfolgreich fort und führte zu der Kollaboration für Peter Mullans preisgekrönten Film „Neds“ und der für den GRAMMY-nominierten Filmmusik zu „The Great Gatsby“ für Baz Lurhmann. Auch mit Oliver Stone pflegt Armstrong eine langjähriger Zusammenarbeit – angefangen beim bereits erwähnten „World Trade Centre“ bis hin zur jüngsten Arbeit an Stones Bio-Pic „Snowden“.

Im Jahr 2018 fand Armstrongs Arbeit an dem von den Kritikern hochgelobten „Mrs. Lowry and Son“ unter der Regie von Adrian Noble zu einem krönenden Abschluss. Des Weiteren hat Armstrong mit dem Regisseur Giuseppe Capotondi für den Film „The Burnt Orange Heresy“ zusammengearbeitet, der 2020 in die Kinos kam. 2019 gab es eine kreative Wiedervereinigung mit der Regisseurin Thea Sharrock („Me Before You“) und ihren neuen Disney-Spielfilm „The One And Only Ivan“, der im Herbst 2020 veröffentlicht wurde.

Craig Armstrong arbeitet hauptsächlich von seinem Studio in Glasgow aus und ist nach wie vor für Projekte in der ganzen Welt als Komponist tätig. Im Jahr 2010 nahm er im Palace of Holyroodhouse den Ritterorden OBE („The Most Excellent Order of the British Empire“) für seinen herausragenden Beitrag zur Musik entgegen. 2016 erhielt er von der American Society of Composers Authors and Publishers (ASCAP) den Henry Mancini Award.

Weitere Informationen unter:
craigarmstrong.com
www.facebook.com/craigarmstrongofficial
twitter.com/CArmstrongUK
www.instagram.com/craigarmstrongofficial/
www.youtube.com/c/CraigArmstrongOfficial/
de.wikipedia.org/wiki/Craig_Armstrong

Photocredit: Simon Murphy

Music-News, Musik

ROBBEN FORD – „Pure“

Musik-Ikone ROBBEN FORD veröffentlicht neues Studioalbum „Pure“ | Album-VÖ: 27.08.21

ROBBEN FORD – „Pure“ (earMUSIC / Edel Germany)

„Pure“ ist Robben Fords brandneues instrumentales Studioalbum – das erste seit „Tiger Walk“(1997). Mit neun einzigartigen Tracks zeigt das Album einen „reinen“ Robben Ford – diesen Gitarrenvirtuosen, der über ein enormes musikalisches Vokabular aus Jazz, Blues und Rock verfügt.

Robben Ford „A Dragon’s Tail“ (Audio-Stream):

„Pure“ ist als ein Album zu beglückwünschen, das nahtlos einen souligen Westküsten-Vibe mit bluesigem Hardrock verbindet. Obendrein bietet „Pure“ außergewöhnliche Gastmusiker wie Nate Smith, Toss Panos, Shannon Forest, Bill Evans, Jeff Coffin und viele andere.

Robben Ford „Balafon“ (Audio-Stream):

“Pure ist anders als alle Alben, die ich bisher gemacht habe. Wenn es um Studioarbeit geht, war ich schon immer traditionell: bringt eine gute Band in einem guten Raum mit einem guten Produzenten zusammen, lass sie für drei bis fünf Tage aufnehmen, erledige die nötige Nachbearbeitung und dann Mixen und Mastern.“Pure” habe ich auch so angefangen. Aber irgendwie hat sich der Einfluss von anderen Musikern und Musikerinnen, den es immer gibt, etwas falsch angefühlt. Ich habe erkannt, dass ich diese neue Musik selbst von Grund auf neu formen muss. Mein Toningenieur und Co-Produzent Casey Wasner war unverzichtbar in diesem Prozess. Die meiste Musik auf diesem Album wurde von uns beiden in seinem Studio Purple House gemacht: das richtige Gefühl für die Musik bekommen, dann Bass und Schlagzeug einspielen. Nachdem ich so gearbeitet habe, glaube ich, dass “Pure” vielleicht die beste Repräsentation meiner musikalischen Vision ist. Bisherige Alben waren das Produkt der Entwicklung bis zu diesem Punkt. Es war sehr schön, meine eigenen Kompositionen so gründlich zu formen und etwas zu erschaffen, was komplett mir gehört.” (Robben Ford)

Robben Ford „White Rock Beer… 8¢“ (Audio-Stream):

Robben Ford, ein Name, der keiner Erklärung bedarf. Seit über 40 Jahren begeistert der Gitarrist Künstler und Fans des Bluesrock und hat das Genre mit seinem innovativen Spiel wahrlich geprägt.

Da beide Elternteile selbst leidenschaftliche Musiker waren, entdeckte Robben schon früh seine Liebe zur Musik und vor allem zum Gitarrenspiel – und es war eine Liebe, die für immer anhalten sollte. Im Alter von dreizehn Jahren begann er, sich selbst das Gitarrenspiel beizubringen, und heute ist sein Engagement, zu unterrichten und das, was er in den letzten 40 Jahren gelernt hat, an aktuelle und zukünftige Musiker weiterzugeben, ein wesentlicher Bestandteil seiner Karriere.

Auf diesem Instrumentalalbum stellt einer der aufregendsten Gitarristen unserer Zeit nun einmal mehr sein Können unter Beweis.

Einen besonderen Leckerbissen stellt das streng limitierte „Pure“-Deluxe-Boxset dar, das exklusiv im Artist Store erhältlich ist.

Im Boxset zu finden sind: 1 x Ltd. 180 gr Vinyl in transparent yellow, 1 x die CD im Digipak, 1 x ein von Hand nummeriertes Zertifikat, ein weiterer exklusiver Bonustrack zum Download, 5 hochwertig gedruckte Robben Ford Fotos in 7“ Format, ein Schlüsselanhänger mit einer Mini-Telecaster + Robben Ford Prägung auf der Rückseite sowie eine Handvoll mit Logo bedruckte Robben Ford Guitar Plektren.

Einen kurzen Albumtrailer gibt es hier:
Instagram: Robben Ford Official (@robbenfordmusic) • Instagram-Fotos und -Videos
und auf Facebook.

Das neue Album „Pure kann hier vorbestellt werden: robbenford.lnk.to/Pure

Weiter Informationen unter:
www.robbenford.com
www.instagram.com/robbenfordmusic
www.facebook.com/RobbenFordOfficial
www.youtube.com/c/RobbenFordofficial/
Spotify – Robben Ford
Robben Ford – Apple Music

Photocredit: Mascha Photography

Music-News

THE COLD STARES NEUES ALBUM „HEAVY SHOES“

Das Duo The Cold Stares aus Indiana wird am 13. August ihr neues Album Heavy Shoes über Mascot Records (Black Stone Cherry, Crobot, Monster Truck) veröffentlichen.

Vorab gibt es nun eine weitere Video Premiere zum Track „PROSECUTION BLUES“, hier zu sehen:

Dazu gibt es folgenden Kommentar von Chris: „Prosecution Blues was an opportunity to tip our hat to some of our heavy Blues influences. I always loved the way that Zeppelin used a Blues as a vehicle to insert metaphors and say things lyrically that were poetic and deeper than the surface layer. That’s what we tried to do with Prosecution Blues, and also take that vehicle on a spin through streets that were familiar to us.“

Weiter aktuell, das offizielle Video zum Titeltrack „Heavy Shoes“, hier zu sehen:

Kommentar von Chris: „Heavy Shoes is a metaphor for something that is weighing you down. Could be a relationship, an addiction, or just something you can’t let go of. That feeling of every step being heavier than the last and not being able to carry the baggage any further. Heavy Shoes was the first song I had written for the album, and kind of a template we wanted to use for the rest of the record. Heavy, bluesy, straight ahead and honest.

What you hear on the track is the first take we did at Sam Phillips Studio in Memphis. If I remember right, it might have been the first song we recorded as well. I think I went back and recut some vocals and maybe part of the solo in late 2020 at my home studio, but the song is about as live and real as a studio session can be.

We shot the video in a old church from the 1800’s. The church was abandoned, and in the 1980’s it was set for destruction when a woman bought it. The lady had the church moved about a mile down the road to her property and slowly started to preserve it. It’s cool that today it’s structurally sound, but they haven’t changed anything from on the interior from the day the church closed its doors. Like a lot of places I love, you can feel the memories and peoples experiences in the walls.“

Allein die Geschichte der Band würde für eine Dramaserie reichen – Krebs, Selbstmord, Verrat, Scheidung, Verlust, Selbstidentitätskrise, Überleben und Ahnenskelette. Somit ist ihre Devise, schreib über das, was du selbst erlebt hast. Es gibt eine Fülle von Songs mit dunklen, vielschichtigen Erzählungen. Dreckiger, fuzziger Rock’n’Roll trifft auf Blues, Garage, Desert Rock und eine Southern Gothic Sensibilität. Die düsteren Geschichten werden in ihren Songs mit unerschütterlicher Ehrlichkeit erzählt. Für Chris Tapp und Brian Mullins ist Authentizität ihr Markenzeichen.

Mit dem psychedelischen Garagen-Rocker „In The Night Time“ strebt die Band nach etwas Einzigartigem und ist von der südlichen Gothic-Stadt St. Augustine, Florida, inspiriert. „Die ganze Stadt ist ein Friedhof. So viele Spanier sind dort begraben“, sagt Sänger und Gitarrist Tapp. „Wenn du durch die Straßen gehst, ist es, als würdest du auf den Gräbern laufen. Ich habe mir vorgestellt, wie ich spät in der Nacht spazieren gehe und die Dinge in den Schatten lebendig werden.“ Die vom Tag der Toten inspirierte Erzählung und die visuellen Eindrücke fügen sich in das unglaubliche Cover-Artwork von Corey Booth (Rick & Morty) ein. Das Artwork unterstreicht, dass Dunkelheit nicht bedrohlich sein muss, sie kann auch schön sein.

Offizielles Video zu „In The Night Time“, hier zu sehen:

„Ich schreibe aus dem Blickwinkel von Edgar Allan Poe und William Faulkner. Eine Erzählung muss Gewicht haben“, erklärt er. „Es gibt nicht wirklich etwas, über das ich nicht sprechen würde. Wenn du dir nicht erlaubst, menschlich zu sein und zu sagen, was dir passiert ist, dann lässt du andere Leute, die hartes durchmachen, denken, dass sie allein sind.“

„Es gab eine Million Gelegenheiten für uns, auszusteigen. Wir haben beide Scheidungen hinter uns, und ich habe meine Krebserkrankung überwunden. Wir haben harte Zeiten durchgemacht und uns wurde nie etwas auf dem Silbertablett serviert. Wir sind einfach eine amerikanische Rock’n’Roll-Band der Arbeiterklasse“, fährt Chris fort.

„Ich glaube nicht, dass man Menschen besser kennenlernen kann, als wenn man gemeinsam Musik macht“, sagt Schlagzeuger Brian Mullins. „Man sieht die Leute in ihren besten und schlechtesten Momenten. Wir haben miteinander geweint aber auch gefeiert.“

Größtenteils im Sam Phillips Recording Studio in Memphis aufgenommen, ist dieser Memphis-Vibe in die Platte gesickert. Wie könnte es auch anders sein – die Musik, die Geschichte, die Menschen, der Mississippi. Abgemischt von Mark Needham (The Killers) und gemastert von Andy Vandette (Beastie Boys/Smashing Pumpkins), ist Heavy Shoes ihr bisher stärkstes Album.

„Ich versuche, so zu schreiben, als würde man ein Buch lesen. Es ist beschreibend, aber auch visuell“, sagt Chris Tapp. .Auf „Hard Times“, der ersten Single des Albums, klagt er feierlich über Pech. Danach folgt eine Reihe von Themen: Sucht („Save You From You“), emotionale Folter („Prosecution Blues“), zerstörerische Beziehungen („Heavy Shoes“) und Manipulation („Election Blues“). Das doomige, wüstenrockige „40 Dead Men“ dreht sich um einen namenlosen Soldaten, der seine Umgebung zerstört, nur um nach Hause zu kommen. „Es ist eine Metapher dafür, in einen Kampf hineingezogen zu werden, sei es Politik oder Religion, und sich darauf zu konzentrieren, zu dem zurückzukehren, was man wirklich liebt.“

Tapp hat nicht die einfachsten Karten im Leben gehabt. Im Alter von zehn Jahren erfuhr er, dass er adoptiert war. „Lange Zeit fühlte ich mich irgendwie allein“, so Chris. Sein Großvater, den er „nachdrücklich liebte“, war ein wichtiger Einfluss. „Er hatte sein ganzes Leben lang mit Depressionen zu kämpfen. Musik brachte ihm Freude. Weil er sie schätzte, fühlte es sich für mich natürlich an, sie auch zu schätzen“, fährt Tapp fort. Am Ende nahm sein Großvater sich das Leben, und es war Chris, der ihn fand. „Es war damals schwierig, und es ist seitdem schwierig“, sagt er. „Neunundneunzig Prozent der Zeit hat er gelacht. Aber er hatte diese dunkle Seite, und vielleicht steckt ein bisschen von dieser dunklen Seite auch in mir. Das ist eine schwere Komponente in meinem Leben, und das schleicht sich in die Songs ein. Es ist manchmal einfacher für mich, darüber in einem Song mit Charakteren nachzudenken, als wenn ich nur darüber nachdenke.“

Als Kind erzählte ihm sein Großvater von seinem Urgroßvater, der während der Prohibition Schwarzbrennerei betrieb. Als niemand in der Familie über diese Zeit sprechen wollte, beschloss er, selbst zu recherchieren und entdeckte, dass während dieser Zeit der örtliche Sheriff und Deputy das Haus seines Urgroßvaters besuchten und seine Großtante belästigten. Um seine Familie zu schützen, versteckte er sich beim nächsten Mal unter der Veranda, bis der Sheriff und der Deputy zurückkamen. Dann erschoss er sie beide auf der Veranda. Er verbrachte sechs Tage im Gefängnis und wurde wieder freigelassen. Dieses Trauma erschütterte die Familie und Tapp lebte während seiner zwanziger Jahre in diesem Haus. „Meine Großtante wurde 103 Jahre alt und kurz vor ihrem Tod, in den letzten paar Jahren, fing sie an, mit mir darüber zu sprechen.“

2009 wurde bei Tapp Krebs im Stadium 3 diagnostiziert und ihm wurden sechs Monate zu leben gegeben. Es folgten 18 Monate Bestrahlung und Chemotherapie. „Jetzt habe ich das Gefühl, dass ich das, was ich sagen will, ein bisschen prägnanter und eleganter sage“, schließt er ab.

Mit ihren vier Veröffentlichungen haben die zwei die USA durchquert und sind mit Rival Sons, Spoon, Grand Funk Railroad und Thievery Corp aufgetreten. Ihre Musik wurde mehr als 20 Millionen Mal gestreamt und war bereits im Fernsehen und in Spielen zu hören: ESPN, X-Games, Monster Energy, TNT’s Animal Kingdom, Dodge Motors und im Erfolgsspiel CyberPunk 2077.

Wenn Du Authentizität willst, schaue dir diese beiden an. The Cold Stares sind eine Rock’n’Roll-Band, aber sie schlagen mit einem Vorschlaghammer auf das Fundament, um die Risse aufzudecken, die darin unterdrückt werden. Sie erlauben sich, roh und offen zu sein. Damit erlauben sie sich, roh und offen zu sein.

The Cold Stares Online:
www.thecoldstares.com
www.facebook.com/thecoldstares
www.instagram.com/thecoldstares/
www.music.youtube.com/channel/UC3qnQAH-365p1QqVA8y-0_A
www.twitter.com/thecoldstares

Musik

TYRA – mit neuer Single und offiziellem Video zu „DREAM GIRL“

TYRA ist zurück und entführt den Hörer mit ihrer verträumten und doch so kraftvollen neuen Single „Dream Girl“ in eine Welt voller Wahrheiten und Lügen.

In Zusammenarbeit mit Producer Ulrich Hilbel schuf TYRA einen Song, der von Illusionen und falschen Traumwelten handelt in denen man sich verlieren kann, wenn man sich in einen Menschen verliebt, der aber leider sein zweites Gesicht verbirgt.

Verträumtes Gitarrenspiel und eine melancholische Melodie stehen im Kontrast zu modernen Beats und geben dem Song ein ganz besonderes Gefühl – das haben wir von TYRA bis dato in dieser Art und Weise noch nicht gehört und der Titel beweist, dass das Talent aus Luxemburg erwachsen geworden ist.

Für den folgenden Remix ist DJ/Producer Thomas Godel verantwortlich, der „Dream Girl“ eine sommerliche, clubbige Note verpasst und eine schöne Alternative zur Originalversion kreierte. Die 25-Jährige Musikerin beweist mit „Dream Girl“ erneut passioniert und mit viel Willen in und mit ihren Songs in Komposition und Text zu wachsen.

Offizielles Video „Dream Girl“:

Erhältlich hier: https://save-it.cc/artistms/dream-girl

Die noch junge Karriere kann bereits auf schöne Erfolge blicken, so zum Beispiel durch Airplay in mittlerweile 16 Ländern, 6-stellige Streamingzahlen und erste große Spotify Playlisten („Weekend“, „Discover Weekly“) wie auch zigtausende Aufrufe auf YouTube. In ihrem Heimatland mit jedem neuen Release schon fast Stammgast auf dem Platz an der Sonne in den iTunes-Charts und mit vielen schönen Club-Platzierungen seit Karrierestart gesegnet (Club-Chart-Erfolge in England, Deutschland, Frankreich, Dänemark), ist TYRA bereit, mit „Dream Girl“ die nächsten Stufen der Karriereleiter zu erklimmen.

TYRA „Dream Girl“(VÖ: 09.07.2021 / Tap-Water Records / Kontor New Media)

Mehr Infos unter:
https://www.instagram.com/tyraofficialmusic
https://www.twitter.com/officialTYRA
https://www.facebook.com/officialTYRA
https://www.youtube.com/TYRAofficial
https://www.tyra-official.com
https://spoti.fi/2RoxNXr

Music-News

Crobot „Everyone Dies“ feat. Stix Zadinia

Crobot präsentieren ihr neues Video ‘Everyone Dies‘ feat. Stix Zadinia – ‘Rat Child‘ EP ab heute erhältlich via Mascot Records /Mascot Label Group

Mit komponiert und abgemischt wurde ‘Everyone Dies’ von Steel Panther Drummer Stix Zadinia, der auch im offiziellen Video zu sehen ist.

Video Premiere ‘Everyone Dies’:

Stream oder Download: https://smarturl.it/Crobot-Band

Crobot und Mascot Records kündigen die weltweite Veröffentlichung der EP ‘Rat Child’ für den 18. Juni 2021 an. Die komplette Trackliste liest sich wie folgt: “Mountain” (featuring Frank Bello), “Kiss It Goodbye” (featuring Howard Jones), “Everyone Dies,” (featuring Stix Zadina) und den Titel gebenden Song “Rat Child.”

Brandneu präsentieren die Band und Mascot Records das Musikvideo zu „Everyone Dies“ mit Stix Zadinia von Steel Panther, der den Track auch mitgeschrieben und gemischt hat. Er erscheint hier im offiziellen Video neben den Mitgliedern von Crobot:

Zadinia über die Zusammenarbeit: „Ich glaube, dieser Song wird die Leute umhauen. So hat man Crobot noch nicht gehört. Diesen Song mit ihnen zu schreiben, war eine fantastische Erfahrung, und ich kann es kaum erwarten, dass die Leute ihn hören!“ Crobot-Sänger Brandon Yeagley ergänzt: „Ob du in deinem DeLorean oder Mini-Cooper unterwegs bist, wir haben immer etwas, das dich in die Zukunft zurückbringt. Riffs? Check. Spandex? Check. Pailletten? Darauf kannst du den Arsch deiner süßen Oma verwetten… Wenn du also bereit bist zu rocken, ruf einfach deinen freundlichen Crobot aus der Nachbarschaft an. We’ve got a real mutha for ya!” Das Musikvideo wurde von Wombat gedreht und geschnitten und ist Brandons Vater Rick Yeagley gewidmet, der im Oktober 2019 verstorben ist.

Bereits erschienen sind die Songs „Kiss It Goodbye“ featuring Howard Jones von Light The Torch:

und „Mountain“, featuring Anthrax’s Frank Bello:

Das letzte Studioalbum der Band, Motherbrain, war ein weltweiter Hit. Die Streams überstiegen bereits die 20 Millionen Marke, alleine die Single „Low Life“ wurde 14 Millionen mal gestreamt. Das dazugehörige Musikvideo wurde über 1,5 Millionen Mal angesehen. „Low Life“ war ein Top-10-Hit im amerikanischen Rockradio und hat sich 29 Wochen lang in den Billboard-Charts gehalten. Und auch der Nachfolger „Gasoline“ hatte einen starken Lauf in den U.S.-Charts.

Mehr Infos unter:
www.mlgpress.com/crobot/rat-child
www.crobotband.comhttps://www.facebook.com/Crobotband/
https://www.instagram.com/crobotband/
www.mascotlabelgroup.com

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JOAN ARMATRADING – „Consequences“

„Consequences“, das neue Album von Joan Armatrading, ist eines ihrer bisher intimsten und direktesten – und eines, das Gewissen und Herz auf der Zunge trägt. | VÖ: 18.06.21

JOAN ARMATRADING – „Consequences“ (BMG Rights Management / ada / Warner)

„Consequences“ ist ihr 22. Studioalbum und veranschaulicht eindrücklich, dass Joan Armatrading sich nicht gerne wiederholt. Es unterscheidet sich damit deutlich von seinem Vorgänger, dem 2018 erschienenen britischen Top 30-Album „Not Too Far Away“.

Natürlich wird der musikalische Schrittwechsel die unzähligen weltweiten Fans von Joan Armatrading nicht überraschen: Sie war schon immer eine Pionierin in allem, was sie tat. Das war bereits bei der Veröffentlichung ihres ersten Albums 1972 der Fall, als ihre damalige Plattenfirma nach eigenen Aussagen kaum Vorstellungen davon hatte, wie sie eine Künstlerin präsentieren sollte, die so außerhalb der Norm lag. Zur Erinnerung: Joan Armatrading war die erste weibliche Singer/Songwriterin aus Großbritannien, die mit selbst geschriebenen und selbst interpretierten Songs internationalen Erfolg hatte.

Ob sie ein großartiges E-Gitarren-Solo spielt, das viele der arrivierten „Guitar Heroes“ in den Schatten stellen würde, oder sich auf Genres wie Jazz oder Blues konzentriert – Joan Armatrading ist völlig unvorhersehbar immer dorthin gegangen, wo die Muse sie hinführt. Wiederholungen gehört nicht zu ihrem musikalischen Repertoire. Das zeigte sich, als sie den Soundtrack für eine Bühnenproduktion von Shakespeares „The Tempest“ komponierte, und es war auch in „Me, Myself, I“ zu erfahren, einer BBC-Doku über ihre Karriere.

Mit einem tief empfundenen, direkten und melodischen Gesangsstil, mit Lyrics, die die Dinge sagen, wie sie sind und mit einem durchgehenden rhythmischen Fluss ist „Consequences“ ein Album mit einigen Überraschungen – und zugleich von einer leidenschaftlichen Intensität, die nahelegt, es von Anfang bis zum Ende durchzuhören. „Consequences“ ist ein rundes akustisches Erlebnis und eine kompromisslose Tour de Force, die mit jedem Hören besser wird. Und obwohl das Thema – Liebe in ihren vielen Spielarten – ein intimes ist, ist dies kein Album über Joan selbst, sondern eines, das sie, wie andere Alben auch, aus der Beobachtung heraus geschrieben hat: Sie hat Songs geschaffen, die sich jeder Mensch zu eigen machen und auf die persönliche Situation übertragen kann.

Die Single „Already There“ ist ein perfektes Beispiel dafür: Sie beschreibt, wie es ist, wenn ein Teil eines Paares sich bereits verliebt hat, während das Gegenüber emotional noch nicht ganz dort angekommen ist.

Joan Armatrading – Already There (Official Video):

„Consequences“ erscheint als CD, Vinyl und digital und umfasst insgesamt 10 Tracks, die alle von Joan geschrieben, eingespielt und produziert wurden.

Die Tracklist:
01. Natural Rhythm
02. Already There
03. To Be Loved
04. Better Life
05. Glorious Madness
06. Like
07. Consequences
08. Sunrise (instrumental)
09. Think About Me
10. To Anyone Who Will Listen

Das Album „Consequences“ kann hier vorgestellt werden: Joan.lnk.to/ConsequencesPR

Parallel zur Veröffentlichung ihres neuen Albums wird Joan Armatrading ein weltweit exklusives Livestream-Event für ihre Fans auf die Beine stellen: „Joan Armatrading with Band – Live from London“ – gestreamt am 31. Juli 2021 um 20 Uhr (GMT).

Seit der Veröffentlichung ihres letzten Albums wurde Joan Armatrading zum CBE ernannt (Commander of the British Empire), wurde Beauftragte der Wohlfahrtsorganisation The Princes Trust, ist mit einer Ivor Novello Fellowship ausgezeichnet worden, erhielt einen Americana Lifetime Achievement Award sowie einen Lifetime Achievement Award von Women of the Year. Nach einer großen Welttournee mit 235 Terminen in den Jahren 2014/15 folgte 2018 eine große ausverkaufte Tournee durch Großbritannien und Amerika.

Neben vielen anderen Auszeichnungen ist Joan Armatrading die erste weibliche britische Künstlerin, die auf Platz 1 der Billboard Blues-Charts debütierte, wo sie sich 12 Wochen lang hielt, und war die erste weibliche britische Künstlerin überhaupt, die für einen Grammy in der Kategorie Blues nominiert wurde. Obwohl in nächster Zeit keine Tourneen stattfinden, wird Joan im September diesen Jahres ein digital gestreamtes Konzert zur Unterstützung des Albums geben. Details dazu werden zu gegebener Zeit bekannt gegeben.

Weitere Informationen:
Web: www.joanarmatrading.com
Facebook: www.facebook.com/joanarmatrading
Instagram: www.instagram.com/joan_armatrading/
Twitter: twitter.com/armatradingjoan
Youtube: www.youtube.com/c/JoanArmatradingvideos/

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Konstantin Wecker Studioalbum „Utopia“

Wenn Krieger vor Liedern fliehen und Waffen Gedichten erliegen, dann geht für ihn ein lang ersehnter Traum in Erfüllung. Endlich. Denn ein menschenwürdiges Leben ohne Herrschaft und Gehorsam war schon immer das große Ziel von Konstantin Wecker.

Mit „Utopia“ verleiht der Münchner Musiker und Poet diesem Herzenswunsch nun ganz neue Klänge. Es ist nach sechs langen Jahren sein erstes Studioalbum – mit 16 brandneuen Songs und vorgetragenen Gedichten. Der Liederzyklus vereint schwärmerische, visionäre Blicke auf eine liebevolle Gesellschaft, die auch in stürmischen Zeiten geprägt ist durch Poesie und Widerstand. Für Konstantin Wecker ist sein Utopia alles andere als undenkbar.

Vorab gibt es jetzt ganz aktuell ein ausführliches EPK zum neuen Album, hier zu sehen:

Auch mit seinem neuen Werk ist er sich selbst treu geblieben, unverfälscht, eben echt. Wie in all den Jahren zuvor. Doch noch immer überraschen ihn seine Lieder und Texte mitunter selbst am meisten. Alle Titel bekamen nach dem Schreiben, bei den Aufnahmen mit seinen Musikern neue, bislang unerhörte Klangfarben. Ob als reine Klavierbegleitung, in Harmonie mit Cello und Gitarre oder auch unter der einfühlsamen Mitwirkung von Musikerinnen und Musikern der Münchner Staatsoper – immer folgt die Musik den sehr lyrischen und ganz und gar ehrlichen Gedichten.
So gibt sich Konstantin Wecker auf „Utopia“ seinen Tönen hin und lauscht doch einer still verborgenen Pracht, die in geheimnisvoller Nacht aus dem Unerhörten fließt, gibt den Gedanken dankend dem Wind und lässt sie geduldig verwehen. „Das nämlich, was wir in Wirklichkeit sind, werden wir nie verstehen“, so der bayerische Liedermacher.

Alte Gedanken über Bord – Zu hören sind auf der CD natürlich seine treuen Wegbegleiter Fany Kammerlander am Cello und Jo Barnikel am Flügel sowie der Münchner Schlagzeuger Thomas Simmerl und der österreichische Gitarrist Severin Trogbacher, der coronabedingt seine Parts aus dem eigenen Studio beisteuerte. Mit den Liedern seiner neuen CD möchte Konstantin Wecker den Menschen Mut machen, alte Denkmuster über Bord zu werfen. Gemeinsam mit seinem Publikum, das sich zu seiner großen Freude von ihm immer wieder überraschen lässt, bricht er zu einer aufregenden Reise nach Utopia auf. Wer sich darauf einlässt, dem eröffnet sich eine ganz und gar freie Welt voller Sehnsüchte und Träume und ja, auch mit Kriegern, die vor Liedern fliehn.

Weiter aktuell…

„An die Musen“ die 1. Single Veröffentlichung, hier zu hören

Utopia Trailer:

DL & Streaminglinks „An die Musen“: https://save-it.cc/sturmundklang/an-die-musen

VVK „Utopia“: https://smarturl.it/Wecker_Utopia
Alle Tourdates: https://wecker.de/de/termine.html

Music-News

GARBAGE – „No Gods No Masters“

Anstiftung zum Aufruhr – GARBAGE kündigen ihr mit Spannung erwartetes neues Album „No Gods No Masters“ für den 11. Juni an | VÖ: 11.06.21

GARBAGE – „No Gods No Masters“ (STUNVOLUME / Infectious Music / BMG / ADA / Warner)

GARBAGE, das sind Schlagzeuger Butch Vig, Gitarrist und Keyboarder Duke Erikson, Gitarrist Steve Marker und Sängerin Shirley Manson. Vor allem Butch Vig hat sich schon vor der Gründung von GARBAGE (1994/1995) einen Namen als Produzent gemacht. So produzierte er die ersten beiden Alben der Smashing Pumpkins, sowie Sonic Youth, Helmet und Soul Asylum. Doch richtige Bekanntheit erlangte er durch seine Mitarbeit an dem wohl wegweisendsten Werk der 90er Jahre, Nirvanas „Nevermind“ von 1991.

Nach dem Abebben der Grungewelle Mitte der 90er Jahre, gründete er mit den oben genannten drei die Power-Pop-Formation GARBAGE, dessen erstes selbstbetiteltes Album „Garbage“ wie eine Bombe nicht nur in der Indie-Szene einschlug. Der Gesang und auch das Aussehen von Shirley Manson trug erheblich zum Erfolg der Band bei.

Seitdem veröffentlicht die Band in schöner Regelmäßigkeit ca. alle 3-5 Jahre ein neues Album nach dem anderen, die auch alle mehr oder weniger erfolgreich sind. Jetzt also nach dem 2016er „Strange Little Birds“ legen sie mit „No Gods No Masters“ ihr bereits siebtes Studio-Album vor. Eine schöne Mischung aus aufrührerischen Power-Pop und nachdenklichen ruhigen Stücken.

Garbage – No Gods No Masters (Official Music Video):

„Dies ist unsere siebte Platte, und diese bedeutungsvolle Zahl hat die DNA des Inhalts beeinflusst: die sieben Tugenden, die sieben Leiden Mariens, die sieben Todsünden“, sagt Garbage-Frontfrau Shirley Manson über das grimmige neue Album „No Gods No Masters“ und seine Drehungen und Wendungen von Kapitalismus und Lust bis hin zu Verlust und Trauer. „Wir wollten versuchen, einen Sinn darin zu sehen, wie f***ing verrückt die Welt ist und in was für einem erstaunlichem Chaos wir uns befinden. Dies ist die Platte, die wir gefühlt zu diesem Zeitpunkt einfach machen mussten.“

Dem ist eigentlich nicht mehr hinzuzufügen. Ein Fest für alle GARBAGE Fans.

GARBAGE „The Men Who Rule The World“ (Official Video):

GARBAGE veröffentlichen „No Gods No Masters“ auch als Deluxe-CD/Digital-Version, die Coverversionen klassischer Stücke enthält, darunter David Bowies „Starman“ und „Because the Night“, geschrieben von Patti Smith und Bruce Springsteen. An GARBAGE’s Interpretation von „Because the Night“ ist auch die US-Punkrockband Screaming Females beteiligt.

Das Deluxe-Album enthält die seltenen GARBAGE-Tracks „No Horses“, „On Fire“, „Time Will Destroy Everything“, „Girls Talk“, „The Chemicals“ und „Destroying Angels“, wobei bei den drei letztgenannten Brody Dalle, Brian Aubert und John Doe bzw. Exene Cervenka mitwirken.

Das Vinyl des Albums ist standardmäßig neongrün. GARBAGE veröffentlichen außerdem eine limitierte weiße Vinyl über ihren offiziellen Artist Store sowie eine exklusive limitierte pinke Vinyl als Teil der diesjährigen Rercordstoreday Drops am 12. Juni. Die Band wird im November mit Blondie durch Großbritannien touren.

(Smilo)

Das neue Album der Band kann bereits jetzt hier vorbestellt werden..

Weitere Infos unter
Web: garbage.com
Facebook: facebook.com/GarbageOfficial/
Instagram: instagram.com/garbage/
Youtube: youtube.com/user/garbage/
Twitter: twitter.com/garbage

Photocredit: Garbage

Musik

Melissa Etheridge „One Way Out“

Melissa Etheridge meldet sich in dieser Woche mit neuer Musik und der Ankündigung eines ganz besonderen Albums zurück, das wie eine Zeitkapsel funktioniert: „One Way Out“ heißt der neue Longplayer der 59-jährigen Musikerin und Aktivistin, dessen Titelsong jetzt als erste Single Premiere feiert – hier reinhören: https://melissaetheridge.lnk.to/MEonewayoutPR

Die Entstehungsgeschichte von „One Way Out“ ist mindestens ungewöhnlich: Basierend auf Songskizzen aus den späten Achtzigern und frühen Neunzigern, die Etheridge damals nicht weiter verfolgt hatte, entstanden zuletzt – Jahrzehnte später – insgesamt neun Tracks, die nun auf dem Album versammelt sind. Während „One Way Out“ am 17. September 2021 via BMG erscheint, ist die Titelsingle ab sofort überall im Stream verfügbar.

„Ich finde es echt aufregend, diese Songs meinen Fans zu präsentieren. Auch nach all den Jahren bewegen sie mich so sehr, und ich kann es kaum abwarten, diese Stücke endlich live zu spielen.“ – Melissa Etheridge

Wiederentdeckt hatte Etheridge die jahrzehntealten Songideen und Demos schon vor einigen Jahren, als sie gerade dabei war, ihr Archiv für die Arbeit an einem großen Retrospektiv-Boxset zu sichten. Wie sie dann so diese frühen Songs auf sich wirken ließ, fühlte sie sich automatisch in die Anfangstage ihrer Karriere versetzt: Sie spürte ein weiteres Mal, weshalb diese Stücke damals nicht auf dieses oder jenes Album gepasst hatten. Einige dieser Songs waren bereits vor ihrem Coming-Out entstanden, und später hatte es sich einfach nicht richtig angefühlt, dieses Material zu veröffentlichen. Für die damals geplante Boxset-Veröffentlichung waren sie jedoch pures Gold.

Schon 2013 versammelte sie ihre Originalband (Fritz Lewak, John Shanks, Kevin McCormick) in den Henson Studios in Los Angeles um sich, um den wiederentdeckten Songideen neues Leben einzuhauchen. Kurz nach der Fertigstellung dieser Aufnahmen sollte sie sich jedoch von ihrem einstigen Labelpartner trennen – womit auch das geplante Boxset-Projekt wieder in der Schublade landete. Melissa begann derweil damit, ganz neue Songs zu schreiben, und so kam es, dass die schon einmal ausrangierten Songs ein weiteres Mal beiseitegelegt wurden. Zumindest bis zum Jahr 2020: Dieses Mal ging Melissa älteres Material für die eigene Friday Night Time Machine-Show (Etheridge TV) durch – und als sie nun diese Songs erneut aus der Versenkung hervorholte, passte alles, auch das Timing und der ganze Rahmen. Die Odyssee dieser Kompositionen endet somit im Herbst, wenn das neue Album One Way Out endlich erscheint, in dessen Verlauf Melissa Etheridge ihren Fans tiefe Einblicke in die Anfangstage ihrer Karriere gewährt. Abgerundet wird die Tracklist (s.u.) mit zwei exklusiven Livemitschnitten, die im Jahr 2002 im legendären Roxy in Los Angeles aufgezeichnet wurden.

Die Live-Prämiere der „One Way Out“-Titelsingle kann man schon in dieser Woche zumindest in digitaler Form miterleben, wenn Melissa am 29. Mai ihr „One Way Out… Of The Garage“-Streaming-Special präsentiert, das live aus dem Theatre at the Ace Hotel in Downtown L.A. übertragen wird. Das exklusive Livestreaming-Konzert fungiert dabei nicht nur als Releaseparty für die Single, sondern vor allem als große digitale Geburstagsparty – denn die US-Amerikanerin feiert am Freitag ihren 60.!

Deutlich größer dürfte das Publikum dann wieder ab August 2021 sein, wenn Melissa Etheridge ihre nächste offizielle Tour antritt und in diesem Rahmen auch ausgewählte Nachholtermine (von 2020) spielen wird. Insgesamt sind drei Dutzend US-Konzerte bis November 2021 geplant, jedoch aktuell noch keine internationalen Dates. Im Rahmen der Vorgängertour hatte die im US-Staat Kansas geborene Musikerin und Aktivistin, die schon 1988 ihren Durchbruch hatte, das 25. Jubiläum ihres vierten Albums (Yes I Am) gefeiert, das ihr damals den zweiten GRAMMY Award bescheren sollte. Seither auch mit einem OSCAR und einem Stern am Hollywood Walk of Fame ausgezeichnet, sorgte Etheridge in Deutschland zuletzt im Frühling 2019 für ausverkaufte Hallen.

ONE WAY OUT ++ TRACKLIST

One Way Out – As Cool As You Try – I’m No Angel Myself – For The Last Time – Save Myself – That Would Be Me – Wild Wild Wild – You Have No Idea (Live)* – Life Goes On (Live)*

*Live aufgenommen im Roxy/Los Angeles (2002)

Melissa Etheridge kündigt ihr neues Album „One Way Out“ für den 17. September an – Titelsingle ab sofort im Stream!

++ Livestream-Konzert „One Way Out… Of The Garage“ am 29. Mai ++

US-Tournee 2021 – Dates and more Infos:
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https://twitter.com/metheridge
https://www.instagram.com/melissa_etheridge/

Music-News

The Georgia Thunderbolt „Take It Slow“

Mit The Georgia Thunderbolts‘ neuem Video zu „Take It Slow“ blüht der Southern Rock wieder auf!

The Georgia Thunderbolts sind auf einem Höhenflug. Gerade erst vom Rolling Stone vorgestellt und mit Künstlern wie Blackberry Smoke, The Steel Woods und Lynyrd Skynyrd verglichen, hat die Band im neuen Video zu „Take It Slow“, das heute über Mascot Records / Mascot Label Group erscheint, „einen Wagen mit vollen Tank und fährt die Straße hinunter“.

Das von Jim Arborgast gedrehte Video ist der erste Vorgeschmack auf das neue Material der Georgia Thunderbolts, das noch in diesem Jahr erscheinen soll. „“In Take It Slow“ geht es darum, das Leben am Wegesrand zu leben“, erklärt Gitarrist Riley Couzzourt. „Das Leben ist nicht dazu gedacht, schnell gelebt zu werden, sondern um es zu genießen und in Erinnerung zu behalten.“ „Dieser Song ist für jeden, der einfach mal loslassen will“, ergänzt Sänger TJ Lyle. „Die Kämpfe des Lebens scheinen manchmal übermächtig zu sein, aber die Antwort ist, sich einfach zurückzulehnen, zu entspannen und es langsam anzugehen.“

Video Premiere „Take It Slow“ hier zu sehen:

„In Georgia hört man Lynyrd Skynyrd, The Allman Brothers und all die anderen großen Bands“ ergänzen Riley und Logan. „Rock‘n‘Roll ist für uns eine Selbstverständlichkeit. Wir lieben es und werden immer dabei bleiben. Und dieses Gefühl wollen wir vermitteln.“ Die Presse ist sich einig: Das Classic Rock Magazine bezeichnet die Band als „Ihre neue Lieblings-Südstaaten-Rockband“, und American Songwriter nennt ihre kürzlich veröffentlichte Debüt-EP „zeitlos“. „Aber diese Thunderbolts sind kein spannungsarmer Abklatsch der Großen, die vor ihnen kamen“, fügt der Rolling Stone hinzu. „Vielmehr halten sie die Dinge frisch, indem sie sich schlanken, muskulösen Songs verschreiben…Southern Rock gedeiht auch im 21. Jahrhundert weiter.“

Ob am Ufer des Mississippi oder tief im Herzen Deutschlands – Rock’n’Roll lebt, atmet und brennt überall. The Georgia Thunderbolts stammen aus Rome, GA, am Fuße der Appalachen. Ihr Stil ist durchdrungen von Southern Rock und Blues Rock. Die Musiker teilten ihre musikalischen Vorlieben, die von Southern Gospel über Hank Williams Jr., zu Neil Young, Little Feat, Waylon Jennings, Barry Waldrep und Merle Haggard bis hin zu Ozzy Osbourne führten. Und natürlich darf man Lynyrd Skynyrd nicht vergessen.

Die Band spielte unermüdlich live und gaben Konzerte mit Black Stone Cherry, The Kentucky Headhunters und Blackberry Smoke. Das Ergebnis ist ein unverwechselbarer Sound mit hymnischen Riffs, wilder Mundharmonika und pulsierendem Schlagzeug. “Wir streben diesen zeitlosen klassischen Sound mit einem modernen Touch an”, sagt Sänger TJ. “Wir haben diese Begierde und Spieldrang.” “Wir sind alle mit Rockmusik auf gewachsen”, fügt Gitarrist Riley hinzu. „Die Vintage Rockszene ist in aller Munde, und wir wollen unseren Beitrag leisten. Wenn ich mir drei Worte suchen müsste um uns als Band zu beschreiben, wären diese fleißig, entschlossen und bescheiden einfallen.“ Schlagzeuger Bristol Perry grinst: „Wenn ich drei Worte vorstellen müsste, wären diese Rock and Roll.“

The Georgia Thunderbolts sind:
Riley Couzzourt [guitar]
Zach Everett [bass, harmony vocals, keys]
TJ Lyle [vocals]
Bristol Perry [drums]
Logan Tolbert [guitar]

The Georgia Thunderbolts Online:
https://www.georgiathunderbolts.com/
https://www.facebook.com/GAThunderbolts/
https://twitter.com/GAThunderbolts
https://www.instagram.com/gathunderbolts/
https://www.youtube.com/channel/UCdJf6atP6Z_MsR7rSBoKzXA

Musik

Konstantin Wecker veröffentlicht „An die Musen“

Konstantin Wecker veröffentlicht 1. Single „An die Musen“ – neues Studioalbum „Utopia“ mit 16 neuen Liedern und Gedichten am 18. Juni 2021

München. Wenn Krieger vor Liedern fliehen und Waffen Gedichten erliegen, dann geht für ihn ein lang ersehnter Traum in Erfüllung. Endlich. Denn ein menschenwürdiges Leben ohne Herrschaft und Gehorsam war schon immer das große Ziel von Konstantin Wecker. Mit „Utopia“ verleiht der Münchner Musiker und Poet diesem Herzenswunsch nun ganz neue Klänge. Es ist nach sechs langen Jahren sein erstes Studioalbum – mit 16 brandneuen Songs und vorgetragenen Gedichten. Der Liederzyklus vereint schwärmerische, visionäre Blicke auf eine liebevolle Gesellschaft, die auch in stürmischen Zeiten geprägt ist durch Poesie und Widerstand. Für Konstantin Wecker ist sein Utopia alles andere als undenkbar.

Vorab gibt es jetzt mit „An die Musen“ die 1. Single Veröffentlichung, hier zu hören:

DL & Streaminglinks „An die Musen“: https://save-it.cc/sturmundklang/an-die-musen

Auch mit seinem neuen Werk ist er sich selbst treu geblieben, unverfälscht, eben echt. Wie in all den Jahren zuvor. Doch noch immer überraschen ihn seine Lieder und Texte mitunter selbst am meisten. Alle Titel bekamen nach dem Schreiben, bei den Aufnahmen mit seinen Musikern neue, bislang unerhörte Klangfarben. Ob als reine Klavierbegleitung, in Harmonie mit Cello und Gitarre oder auch unter der einfühlsamen Mitwirkung von Musikerinnen und Musikern der Münchner Staatsoper – immer folgt die Musik den sehr lyrischen und ganz und gar ehrlichen Gedichten.
So gibt sich Konstantin Wecker auf „Utopia“ seinen Tönen hin und lauscht doch einer still verborgenen Pracht, die in geheimnisvoller Nacht aus dem Unerhörten fließt, gibt den Gedanken dankend dem Wind und lässt sie geduldig verwehen. „Das nämlich, was wir in Wirklichkeit sind, werden wir nie verstehen“, so der bayerische Liedermacher.

Alte Gedanken über Bord – Zu hören sind auf der CD natürlich seine treuen Wegbegleiter Fany Kammerlander am Cello und Jo Barnikel am Flügel sowie der Münchner Schlagzeuger Thomas Simmerl und der österreichische Gitarrist Severin Trogbacher, der coronabedingt seine Parts aus dem eigenen Studio beisteuerte. Mit den Liedern seiner neuen CD möchte Konstantin Wecker den Menschen Mut machen, alte Denkmuster über Bord zu werfen. Gemeinsam mit seinem Publikum, das sich zu seiner großen Freude von ihm immer wieder überraschen lässt, bricht er zu einer aufregenden Reise nach Utopia auf. Wer sich darauf einlässt, dem eröffnet sich eine ganz und gar freie Welt voller Sehnsüchte und Träume und ja, auch mit Kriegern, die vor Liedern fliehn.

Utopia Trailer:

VVK „Utopia“: https://smarturl.it/Wecker_Utopia
Alle Tourdates: https://wecker.de/de/termine.html

Mehr Infos unter:
www.wecker.de

Music-News

Jan Delay „Earth, Wind & Feiern“

Es gibt sie noch, die guten Nachrichten. Jan Delay ist zurück mit einem neuen Album. Es trägt den Titel “Earth, Wind & Feiern” und erscheint heute.

Jan Delay "Earth, Wind & Feiern"
Jan Delay „Earth, Wind & Feiern“
12 Songs voller Bass, Bumms und positiven Vibes: eine Platte für den Club in unserem Herzen.

Im Grunde ist mit der ersten Hook der ersten Single-Auskopplung „Intro“ alles gesagt: “Ja, es sind finstere Zeiten, aber das muss gar nicht sein. Lass uns die Wolken vertreiben, ich hab’ Sonne dabei.” Als Jan Delay diese Zeilen schrieb, war an globale Pandemien und selbsterklärte Querdenker, an Halle und Hanau, an George Floyd und Breonna Taylor noch nicht mal zu denken. Doch so bedrückend und komplex die Welt gerade auch ist: Ein paar simple Wahrheiten werden nie ihre Gültigkeit verlieren. Wenn Hass herrscht, hilft Liebe ganz bestimmt. Und das Wichtigste ist, dass die Hoffnung nicht erlischt, und das Feuer nicht aufhört zu brennen.

“Earth, Wind & Feiern” ist Jan Delays fünftes Soloalbum. Es ist sein erstes seit seinem letzten Nummer-1-Album „Hammer & Michel“ (2014). Denn 2016 schloss Jan Delay mit dem Comeback-Album “Advanced Chemistry” seiner Band Beginner zwischendurch erstmal mehrere Kreise. Für sich selbst, aber auch für die Deutschrap-Szene, die ihn geprägt hat wie niemand sonst. Setzte satte 18 Jahre nach dem Beginner-Debut „Bambule“ ein erneutes Ausrufezeichen dafür, dass RAP in Deutschland State of the Art und trotzdem „FSK 0“ sein kann. Völlig zu Recht zählt Jan Delay heute, nach fast 30 Jahren Karriere, zu den ganz großen musikalischen Entertainern in diesem Land. Heute um 11 Uhr hat das Video zum Song „King In Meim Ding“ Premiere gefeiert.

“Earth, Wind & Feiern” ist eine Club-Platte. Mit Band-Elementen und programmierten Drums, mit Seele und mit Bounce. Sie ist geprägt von 10.000 Stunden auf der Bühne mit der Disko No. 1., gleichzeitig gibt sie auch immer wieder Einblicke in ein Leben als Vater, Sohn und Kind seiner Zeit und Umgebung. Sie schöpft aus fünf Jahrzehnten Popgeschichte, aber spielt exakt im Hier und Jetzt. In der Platte stecken Daft Punk und Drake, Burna Boy und Stefflon Don, Sly & Robbie und Meek Mill. Es gibt Disco, Trap, Afrobeats, Ska, Stadiontechno, Dub und sogar einen LatinX-Riddim mit mexikanischen Mariachi-Bläsern. Jan Delay umarmt und zelebriert die großen Melodien und Momente und holt sie in seinen eigenen Freigeist-Kosmos.

Sie ist genauso, wie dieser Augenblick morgens um sechs auf der Tanzfläche, wenn die fetteste Bassdrum der Welt reinknallt und man nach durchtanzten und durchquatschten Nächten einfach nie wieder nach Hause gehen will. Weil das Herz schon zuhause ist.

Wann genau diese Nächte wieder möglich und ihre Lichter wieder leuchten werden, weiß gerade niemand. Die Hits dafür aber sind schon mal da. Und es fühlt sich extrem gut an!

„Intro“:

„Eule“ feat. Materia:

„Spass“:

Behind The Beat – Priority Konzert :

„King In Meim Ding“

Album: Earth, Wind & Feiern
VÖ: 21.05.2021 via Vertigo Berlin als CD, Doppel-Vinyl, Box

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Music-News

Yngwie Malmsteen “PARABELLUM“

Yngwie Malmsteen und Music Theories Recordings / Mascot Label Group haben die Veröffentlichung eines neuen Studioalbums mit dem Titel “PARABELLUM“ für den 23. Juli angekündigt. Das Album wird auf CD, Red Tranparent LP und digital erhältlich sein. Heute wird vorab der Song „Wolves At The Door“ veröffentlicht, der hier angehört werden kann…

“Wolves At The Door” hier an:

Vorbestellungslink: http://smarturl.it/Yngwie_Malmsteen

Der Name Yngwie Malmsteen stand schon immer für kompromisslose Spitzenleistungen. In seiner mittlerweile über 40-jährigen Karriere hat er bewiesen, dass er ein einzigartiger Künstler ist. Man kann versuchen, ihn zu kategorisieren, wie man will. Aber die Art und Weise, wie dieser schwedische Meister an der Gitarre seine Musik kontinuierlich weiterentwickelt hat, lässt Malmsteen jede Definition, die man ihm aufzuerlegen versucht, auf grandiose Weise überschreiten.

Mittlerweile hat er einen Katalog von 21 Solo-Studioalben, von denen jedes einzelne hervorzuheben wäre. Darüber hinaus trug der Gitarrist entscheidend dazu bei, die Band Alcatrazz in den 1980er Jahren als eine bedeutende Kraft zu etablieren. Malmsteens künstlerisches Schaffen war schon immer von einer gesunden Virtuosität geprägt, aber sein Talent geht weit über eine umfassende Beherrschung der Gitarre hinaus. Der Mann ist ein guter Komponist und hat auf den letzten Veröffentlichungen auch eine starke stimmliche Präsenz gezeigt.

Ein Aspekt seiner Herangehensweise hat immer durchgeschimmert, und das ist ein anhaltend tiefer Respekt für die Musik, die er spielt. Malmsteen hat stets alles getan, was nötig war, um all die Farben, Schattierungen und Nuancen, die in jeder seiner Kompositionen stecken, herauszuarbeiten. Einfach nur einen sehr guten Job zu machen, ist keine Option.

Noch nie war er so fokussiert wie auf seinem neuen Album ‚Parabellum‘. Malmsteen erzählt: „Ich versuche immer, mich bei jedem Album, das ich mache, zu pushen und Dinge zu versuchen, die extremer sind als früher. Aber was dieses Mal geholfen hat, ist, dass ich wegen der Pandemie nicht auf Tour gehen konnte. Das bedeutete, dass ich mir viel mehr Zeit im Studio nehmen konnte, sowohl zum Schreiben als auch zum Aufnehmen. Da ich normalerweise immer auf Tournee bin, was toll ist, hatte ich seit mehr als 20 Jahren nicht mehr den Luxus, viel Zeit mit der Arbeit an neuer Musik zu verbringen. Aber ich hatte plötzlich überhaupt keinen Druck mehr. Und ich habe das Gefühl, dass das Album davon enorm profitiert hat.“

Es gibt Fälle, in denen Musiker so viel Zeit zum Aufnehmen und Schreiben zur Verfügung haben, dass das, was dabei herauskommt, ein wenig gestelzt und überdacht wirkt. Aber das ist hier nie der Fall. Yngwie reflektiert: „Ich bin die Art von Mensch, die nicht gerne einen Take nach dem anderen von irgendeinem Track macht. Wenn etwas nicht zu meiner Zufriedenheit ist, mache ich weiter. Aber bei diesem Album gab es Gelegenheiten, bei denen ich etwas verworfen habe, weil ich dachte, hier komme ich nicht weiter. Ein paar Tage später hörte ich mir den Song nochmal an und fragte mich, warum ich es überhaupt verworfen hatte! Das ist das Schöne daran, wenn man alles, was man gemacht hat, über Pro Tools zur Verfügung hat. Nichts geht verloren. Die Dinge änderten sich die ganze Zeit. Songtitel, Tempi. Alles war fließend. Ich hörte mir einen Part an, den ich für einen bestimmten Song gemacht hatte, und merkte, dass er besser funktionierte, wenn ich ihn in einen anderen Track transponierte.“

Vier der Songs hier enthalten Gesang. Aber auch das war nicht im Voraus geplant. Malmsteen sagt: „Ich liebe es, mir das, was ich gemacht habe, im Auto anzuhören. Manchmal ertappe ich mich dabei, wie ich zu etwas mitsinge, dass eigentlich ein Instrumental sein sollte. Dann wird mir klar, dass dieser Song Gesang braucht. Das Gegenteil passiert aber auch.“

Gelegentlich klingt es so, als ob Malmsteen sicher Keyboards in den Klangteppich des Albums eingearbeitet hat. Aber das ist nicht der Fall. Er verrät: „Ich kann Ihnen versichern, dass, auch wenn es den Anschein hat, als gäbe es Keyboards, alles von mir selbst auf der Gitarre gemacht wurde. Selbst das, was wie ein Klavier-Intro zu ‚Wolves At The Door‘, dem Eröffnungsstück, klingt, wurde auf der Gitarre gespielt.“ Diese spezielle Komposition enthält auch einen cleveren Verweis auf den klassischen Meister des 19. Jahrhunderts, Paganini. „Das ist die Art von Dingen, die ich gerne mache. Es ist meine Art, ihm zu huldigen. Und hier funktioniert es besonders gut.“

Der Albumtitel ‚Parabellum‘ ist lateinisch und bedeutet übersetzt ‚Bereite dich auf den Krieg vor‘. „Es gibt einen Track auf dem Album, der ‚(Si Vis Pacem) Parabellum‘ heißt. Das heißt übersetzt: ‚Wenn du Frieden willst, dann bereite dich auf den Krieg vor‘. Es war eine Entscheidung in letzter Minute, dies zum Albumtitel zu machen. Aber ich denke, es passt sehr gut“, erklärt Malmsteen.

Das markante Porträt auf dem Cover wurde von dem Künstler David Benegas gemalt. Malmsteem erklärt: „Das war die Idee meiner Frau April. David lebt in der Nähe von uns in Florida, und wir haben mit ihm über andere Projekte gesprochen. Ich habe ein Fotoshooting mit Mark Weiss gemacht, der meiner Meinung nach ein großartiger Fotograf ist und mit dem ich schon lange zusammenarbeite. Dann hat David das Porträt darauf aufgebaut. Das Gemälde selbst ist riesig, und wir hatten die Idee, damit Geld für die April Way Children’s Foundation zu sammeln (‚die sich zum Ziel gesetzt hat, die Künstler der Welt zusammenzubringen, um Kindern, Teenagern und jungen Erwachsenen, die verwaist sind oder sich in Pflegefamilien befinden, überall auf der Welt Hoffnung zu geben‘).“

Abschließend sagt Malmsteen: „Das Entscheidende für mich ist, dass die Leidenschaft, die ich für die Musik, die ich mache, empfinde, offensichtlich sein muss. Ich bin die Art von Mensch, die im Moment lebt. Ich wollte, dass dieses Album eine fröhliche, spontane Atmosphäre hat. Ich hoffe, dass die Leute diese Platte auflegen und bis zum Ende durchhören. Ich habe ‚Parabellum‘ als ein einzigartiges Kunstwerk aufgenommen. Nicht als eine Sammlung von 10 Tracks, die man in beliebiger Reihenfolge hören kann. Ich wurde von Mascot gefragt, welcher Song der Lead-Track sein würde. Derjenige, für den ich ein Video machen würde. Wisst ihr was? Ich würde gerne für alles hier Videos machen. Ich sehe dieses Album als einen natürlichen Fluss von Anfang bis Ende. Es soll nicht in kleine Stücke zerlegt werden. Ich möchte, dass die Fans die Freude erleben, die ich bei der Entstehung des Albums hatte.“

YNGWIE MALMSTEEN KÜNDIGT SEIN NEUES STUDIO ALBUM “PARABELLUM” FÜR DEN 23. JULI AN

Mehr Infos unter:
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Music-News

Gitarrenvirtuose Paul Gilbert Album ‘Werewolves of Portland’

Gitarrenvirtuose Paul Gilbert wird am 4. Juni 2021 sein brandneues Album ‘Werewolves of Portland’ auf The Players Club (Steve Lukather, Robby Krieger, Michael Landau, Tommy Emmanuel) veröffentlichen. Vorab erscheint mit ‘Argument About Pie’ der erste Song aus seinem 16. Soloalbum.

Videolink „Argument About Pie“: https://youtu.be/MsC4KjMQVOw

Mit ‚Werewolves Of Portland‘ steht nun sein 16. Solo-Studioalbum in den Startlöchern. Und wieder mal legt Gilbert die Messlatte ganz schön hoch. „Die Arbeit zum Album sollte bereits im Frühjahr 2020 beginnen“, erklärt Paul. „Ich hatte das Studio gebucht, und die Musiker waren auch bereit. Und dann brach die Welt buchstäblich zusammen, und ich musste erstmal alles auf Eis legen. Es war schwer, meine Leidenschaft für ‚Live‘-Aufnahmen im Studio loszulassen, aber ich musste über andere Möglichkeiten nachdenken, da sich der Stillstand immer weiter hinzog. Üblicherweise lasse ich mich beim Aufnahmeprozess inspirieren, also musste ich einen neuen Weg finden um das zu erreichen.“
Gilberts Lösung war einfach, aber effektiv und erlaubte es ihm außerdem, seine große instrumentale Fingerfertigkeit zum Ausdruck zu bringen.

„Ich habe etwa sechs Monate gebraucht, um auf die Idee zu kommen, aber schließlich kam mir in den Sinn, dass ich alle Instrumente selbst spielen könnte. Ich habe es immer geliebt, Schlagzeug zu spielen, und ich kann Bass und Keyboards gut genug spielen, um den Job zu erledigen.“

Über den ersten Song, der nun vorab veröffentlicht wird sagt Gilbert: „Die meisten meiner Titel stammen von den Texten, die ich schreibe, um eine Melodie in Gang zu bringen. Ich habe die Texte sogar in den Linernotes des Albums abgedruckt, so dass man ‚mitlesen‘ kann, während man die Musik hört. ‚Argument About Pie‘ ist einer meiner Favoriten. Dieser Text entstand aus meinen Erfahrungen vor dem Lockdown, als ich in meinem örtlichen Kuchenladen ein Stück Erdbeer-Rhabarber Kuchen kaufen wollte. Inmitten all der Angst, die sich in Portland zusammenbraute, war der Kuchenladen ein Ort, an dem jeder glücklich und in Frieden war. Kuchen zu essen schien etwas zu sein, worauf sich alle einigen konnten. Da mein Geist die Angewohnheit hat, nach Gegensätzen zu suchen, begann ich mich zu fragen, was die Leute wohl gegen das Essen von Kuchen haben könnten.“

Wenn es ums Schreiben geht, verrät Gilbert, dass es überraschenderweise nicht die Gitarre ist, die den Anstoß gibt.

Paul Gilbert, March 2021. Photo by Jason Quigley.
„Meistens schreibe ich, indem ich singe, auch wenn das Endergebnis eine Gitarre ist. Ich benutze die Texte, um mir eine Struktur zu geben, an die ich die Noten hängen kann. Sobald die Melodie lang genug ist, um etwas Leben in sich zu haben, kann mein musikalischer Instinkt das Ruder übernehmen. Oft kann ich den Song beenden, ohne weitere Worte zu brauchen. Aber wenn ich nicht weiterkomme, bringen mich die Lyrics immer wieder in Schwung.“

Aufgenommen wurde im Opal Studio in Portland gemeinsam mit Co-Produzent und Engineer Kevin Hahn und Gilbert brachte einige seiner Lieblingsgitarren mit für die Aufnahmen: „Hauptsächlich hab ich auf meiner Ibanez Fireman gespielt. In letzter Zeit habe ich aber auch angefangen alte Ibanez Gitarren zu sammeln. Ich habe einige Modelle aus den 70er, 80er und 90er Jahren mit ins Studio genommen. Dazu gehören die Ibanez Artist, Roadstar II und Ghostrider. Auch eine von mir modifizierte Epiphone Olympic aus den 60ern kam zum Einsatz. Die Olympic hab ich in den Anfängen von Racer X gespielt, also war es ganz lustig, eine Gitarre zu haben, die mich an meinen frühen Shredder-Stil erinnerte.“

Die Inspiration für den Albumtitel kommt vom Warren Zevon Klassiker ‘Werewolves Of London’. “Ich lebe in Portland und dachte, es wäre witzig, den Namen meiner viel weniger bekannten Stadt zu ersetzen. Meine ursprüngliche Idee für die ‚Werewolves‘ waren nur die Jungs in meiner Band und ich. Wenn wir Musik machen, ist das unsere Version von ‚den Mond anheulen‘.”

Paul Gilbert, March 2021. Photo by Jason Quigley.
Erstes Gehör fand er mit den viel respektierten Racer X. Der Durchbruch kam mit der Band Mr. Big, die er 1988 mitbegründete. Mit vier Studioalben feierte das Quartett kommerziellen Erfolg, der 1992 mit dem Single Hit ‘To Be With You’ gipfelte. 1999 verließ Paul die Band wieder und reformierte Racer X, um mit ihnen drei weitere Alben zu veröffentlichen. Parallel startete er eine bemerkenswerte Solokarriere, die bis heute 15 gefeierte Alben hervorgebracht hat. Sein außerordentliches Talent wurde in der Vergangenheit auch gerne von Kollegen wie Glenn Hughes oder Todd Rundgren genutzt. Er tourte mit Joe Satriani und John Petrucci als G3 und auch mit Richie Kotzen und George Lynch als Guitar Generation.

„Insgesamt bin ich nicht Musiker geworden“, so Gilbert, „um jemandem meine Ideen, Beschwerden oder Philosophien entgegenzuschreien. Ich liebe Musik wegen der Musik. Daher liebe ich meine Methode, meine inneren Tiraden als Gerüst zu verwenden, um Melodien zu bauen. Dieses Gerüst kann dann weggezogen werden, um reine emotionale Musik zu enthüllen. Das funktioniert perfekt für mich, und hoffentlich auch für meine Zuhörer. Ich muss in der Lage sein, das Aussehen und den Klang meines Griffbretts gut genug zu visualisieren, um in meinem Kopf genau zu spielen. Es ist fast wie eine echte Luftgitarre! Wenn ich dann tatsächlich loslege, um die Musik zu spielen, habe ich eine gute Chance, dass meine melodischen Absichten in Erfüllung gehen. Und das ist so ziemlich das beste Gefühl auf der Welt.“

GITARREN VIRTUOSE PAUL GILBERT VERÖFFENTLICHT SEIN 16. SOLOALBUM ‘WEREWOLVES OF PORTLAND’/ Vö.: 4. Juni 2021 via: The Players Club

Mehr Infos unter:
www.paulgilbert.com/
www.facebook.com/paulgilbertmusic/
www.instagram.com/paulgilbert_official
www.twitter.com/PaulGilbertRock

Musik

Miriam Hanika veröffentlicht Album „Louise“

„Louise“, nach „Wanderlust“ das zweite Album der Multiinstrumentalistin Miriam Hanika, erscheint nun endlich am 07. Mai 2021 und ist weit mehr als die bloße Weiterentwicklung eines musikalischen Konzepts. Es ist die unbändige Suche nach Freiheit, Geborgenheit und Selbstbestimmtheit einer jungen Künstlerin in der Musik.

Acht deutschsprachige Lieder und zwei Instrumentalstücke, abwechslungsreich und kunstvoll arrangiert, nehmen den Zuhörer mit auf eine faszinierend einzigartige Reise. Wie auch bei Miriam Hanikas erstem Album „Wanderlust“, hat die Oboe wieder einen festen Platz in ihren Liedern. Die studierte Oboistin greift schon seit einiger Zeit auch auf das Englisch Horn zurück, die große Schwester der Oboe, und verzaubert mit ihrem samtig weichen Klang ihr Publikum. Kein Wunder also, dass sie diesem Instrument zwei Solostücke gewidmet hat.

Wenn man schon bei ihrer ersten Veröffentlichung vermutet hatte, dass an Miriam Hanika eigentlich eine wahre Poetin verloren gegangen ist, dann bestätigt „Louise“ diese Annahme: Die Musikerin findet wieder einmal tiefe Worte für jede Situation und befördert sich mit Liedern wie „Etiketten“ oder „Louise“ fraglos an die Spitze deutscher Liedtexterinnen.

Die deutsche Sprache, als sperrig verkannt, wird in Miriam Hanikas Händen zu Musik. Die Themen, die Miriam Hanika verarbeitet sind nah am Zeitgeschehen. Besonders die Frage nach der Identität als Frau in einer immer noch männlich geprägten Welt, hat Miriam Hanika in ihren neuen Liedern verarbeitet – ein aktuelles Thema, welches viele Künstlerinnen seit jeher beschäftigt.

Miriam Hanika schlägt wie auch bei „Wanderlust“ eine Brücke zwischen Selbstreflexion und der Außenwelt. Wer sich darauf einlässt ihr über diese Brücke zu folgen, wird einen Ort finden, der gegensätzlicher kaum sein könnte: Voller Fragen, voller Ruhe, voller Ehrlichkeit und Schönheit – dem Zerbrechen nahe und voller Lebendigkeit

Video zur 2. Single „Schwalben“, hier zu sehen:

Ein Lied gegen das Vergessen: Miriam Hanika und Konstantin Wecker singen in „Schwalben“ für das Erinnern unserer Geschichte und für den Erhalt des Friedens.

Offizielles Video zu „Louise“, hier zu sehen:

Das Video zur Single wurde in der ehemaligen Arzberger Porzellan-Fabrik gedreht. Es gibt wohl kaum einen Ort, der Schönheit, Ästhetik, Langlebigkeit und Zerbrechlichkeit so gut vereinen könnte, wie diese alte Fabrik. Licht durchflutet die Mauern, die sich die Natur langsam zurückholt. Efeu rankt sich zwischen filigranen Porzellantässchen und Maschinenhallen, wo die Tänzerin Anna Martens und Miriam Hanika gemeinsam ein Stück alltägliche Frauengeschichte schreiben.

Miriam Hanika veröffentlicht ihr neues Album „Louise“ am 07. Mai!

Mehr Infos unter:
www.miriamhanika.de
www.facebook.com/miriamhanika
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Music-News, Musik

MARIANNE FAITHFULL with WARREN ELLIS – „She Walks in Beauty“

Das neue einzigartige Album von Marianne Faithfull – voller Poesie und Musik. Vertont von Warren Ellis, mit Nick Cave, Brian Eno und Vincent Ségal. VÖ: 30.4.2021

MARIANNE FAITHFULL with WARREN ELLIS – „She Walks in Beauty“ (BMG Rights Management / ADA / Warner)

Mit „She Walks In Beauty“ veröffentlicht Marianne Faithfull in Kollaboration mit dem Komponisten und Multiinstrumentalisten Warren Ellis eines der markantesten und einzigartigsten Alben ihrer langjährigen und außergewöhnlichen Karriere. Die Aufnahmen fanden kurz vor und während des ersten Covid 19-Lockdowns statt, währenddessen die Singer-/ Songwriterin sich selbst mit dem Virus infizierte und fast an der Krankheit starb. Zu den musikalischen Mitwirkenden zählen neben Warren Ellis auch Nick Cave, Brian Eno sowie Cellist Vincent Ségal und Produzent Head. Mit „She Walks In Beauty“ erfüllt sich Faithfull den lang gehegten Wunsch, ein Album aufzunehmen, das Poesie mit Musik verbindet.

Es ist ein Album, für das sie tief in ihre Vergangenheit eintaucht und das ihrer großen Leidenschaft für die englischen Dichter der Romantik entspringt – eine Leidenschaft, die sich während ihres Studiums bei Mrs. Simpson an der St. Joseph’s Convent School in Reading entwickelte, bevor sie im Alter von gerade mal 16 Jahren nach London ging und eine völlig neue Welt betrat – die Welt von As Tears Go By, von Mick Jagger und den Rolling Stones, Top Of The Pops – den left-hand path des Pop und des Ruhms der Bühnenstars. Es folgten Ikonografie der Sechzigerjahre und Empörung, sowie die anschließenden Jahre, die vom Kampf mit der Sucht geprägt waren – und 1979 dann die Rückkehr zu ihrer kraftvollen Weiblichkeit und künstlerischen Autonomie mit der Veröffentlichung des Albums „Broken English“, auf dem sie Heathcote Williams‘ Gedicht „Why D’Ya Do It?“ in einen Song verwandelte.

Auch auf nachfolgenden Alben vertonte sie zahlreiche Gedichte – wie etwa auf „A Secret Life“ (1995) die ihres Freundes Frank McGuinness. Auf „Seven Deadly Sins“ (1998) setzte sie sich mit Kurt Weill und Bertolt Brecht auseinander, in den Jahren 2008 / 2009 tourte sie zusammen mit dem Cellisten Vincent Ségal und präsentierte Shakespeares Sonetten. Erst Anfang letzten Jahres nahm sie an einer Stafetten Lesung von Coleridges ‘The Rime of the Ancient Mariner’ teil und jetzt schien endlich der richtige Zeitpunkt für die Verwirklichung eines Projektes zu sein, das bereits über Jahrzehnte hinweg in ihr wuchs.

Marianne Faithfull with Warren Ellis – She Walks in Beauty (Lyric Video):

Maßgeblichen Anteil daran, dass „She Walks In Beauty“ nun realisiert werden konnte, hat ihr langjähriger Freund und Manager Francois Ravard. „Es war Francois, der das Projekt auf die Beine gestellt hat“, sagt sie. „Und er war es, der Warren überredete, sich daran zu beteiligen, was wirklich schwierig war, weil Warren so unglaublich viele Dinge macht.“

„Marianne hatte eine wundervolle Idee für diese Poesie-Platte, und sie wollte sie sofort machen“, erinnert sich Ravard. „Mir gefiel die Idee auf Anhieb, und so rief ich Head an und bat ihn, zu Marianne zu gehen und ihre Lesungen aufzunehmen.“ Dann kontaktierte er Warren, um zu fragen, ob er sie auf die gleiche Weise vertonen könne, wie er es mit seinen Filmen tat. „Es dauerte eine Weile, bis er herausfand, was zu tun war, aber rückblickend sagte er, dass die Arbeit daran eine der besten Zeiten seines Lebens gewesen sei.“

Die Aufnahmen fanden zum Teil in Faithfulls Londoner Haus kurz vor und nach dem Lockdown statt. PJ Harveys Produzent Head schickte die Sprachaufnahmen an Ellis, der sich wiederrum daran machte, die Musik dazu in seinem Pariser Studio zu komponieren. „Ich habe sie nicht als Songs gesehen“, sagt er. „Ich war nicht auf Melodien oder Akkorde festgelegt, sondern konnte mir unglaublich viele Freiheiten nehmen. Es ging also nicht darum, etwas zu kreieren, das dem Text folgen oder ihn umreißen musste. Das Wichtigste war, dass es sich nicht im Weg stand.“

Er beschreibt die Musik von „She Walks In Beauty“ als eine Art musique concrete, die street sounds mit einer Reihe von akustischen und elektronischen Instrumenten sowie Bearbeitungen verbindet. „Meine bevorzugte Art, Musik zu machen, ist es, vieles dem Zufall zu überlassen, sozusagen Unfälle geschehen zu lassen“, sagt er. „Ich habe mich also von festen Strukturen wegbewegt. Diese Musik ist mein Versuch, etwas Neues voranzutreiben. Ich denke, sie ist so gut wie alles, was ich je gemacht habe“, fügt er hinzu, „sowohl in Bezug auf den Spirit als auch den Prozess, den ich durchlaufen habe.“

Ellis arbeitete in seinem Pariser Studio durch den Lockdown in der Isolation, wodurch es möglich war, sich völlig in die Lesungen zu vertiefen und so nahm das Eintauchen in die Materie sein Leben für eine ganze Weile ziemlich unter Beschlag. „Es ist wirklich meditativ, dieses Zeug immer und immer wieder zu hören“, sagt er. „Für ein paar Monate war es das Einzige, was ich mir anhörte.“ Schließlich teilte er die Musik, die er als Gegenstück zu den Gedichten komponiert hatte, mit Nick Cave, der völlig begeistert davon viele der Tracks auf dem Klavier einspielte. („Er lud sich die Songs beim Hören herunter noch während er mit mir am Telefon sprach und meinte: ‚Wow, das ist unglaublich, das ist erstaunlich!'“). Brian Eno schuf wundervolle Soundtexturen zu Stücken wie „La Belle Dame Sans Merci“ und „The Bridge Of Sighs“, während Vincent Ségal unter anderem Cello-Parts zu Shelleys jenseitigem „To The Moon“ und Byrons Late-Night-Lamento „So We’ll Go No More A-Roving“ beisteuerte.

Faithfull schöpft tief aus der Poesie von Shelley, Keats, Byron, Wordsworth, Tennyson und Thomas Hood. Mit ihren Interpretationen von Ellis‘ subtilen Klangcollagen legt sie das Herz, die Essenz, die lebendige Materie in all diesen großen Gedichten frei – erfrischt und erneuert sie mit den komplexen, lebendigen Klangfarben ihrer Stimme und bettet sie in ein subtiles Ambient-Soundgewand. Es ist ein radikaler Aufbruch und zugleich die Rückkehr zu ihren ursprünglichen Inspirationen als Künstlerin und Performerin.

Hier wird größte Poesie zum Besten gegeben und Faithfulls Darbietungen ausgewählter lyrischer Gedichte, die zu den größten in englischer Sprache gehören – Keats „Ode To A Nightingale“ und „Ode To Autumn“ – sind bedeutsam für das tiefe Verständnis um die Bedeutung und Identifikation, die die kraftvollen Ströme der Poesie innehaben.

Bei „Nightingale“ öffnet sich ihre Stimme wie eine epische Landschaft, während sie in Shelleys Miniatur-Meisterwerk „To The Moon“ so klingt, als wäre sie jenseits dieser Welt und die atonalen, ätherischen Klangtexturen, die Eno für „Bridge of Sighs“ und „La Belle Dame Sans Merci“ beisteuert, bieten eine faszinierende Grundlage für Faithfulls eindringliche Interpretationen dieser großen, dunklen Gedichte.

„Sie begleiten sie schon ihr ganzes Leben“, sagt Ellis. „Sie glaubt an diese Texte. Diese Welt, sie bewohnt sie – ja, verkörpert sie, und das spürt man. Sie meint es wirklich ernst. Es ist nicht nur einfaches Lesen. Das Beste daran, diese Gedichte zu hören, ist, dass sie einen total mitnimmt. Sie lädt dich ein, mit ihr in diese Welt zu gehen. Das macht sie auch mit einem Song. Ich war dabei – habe gesehen, was sie im Studio macht, wie sie auf eine Weise singt, so dass kein Auge trocken bleibt. Und dann fragt sie: ‚War das ok?‘. Sie hat so eine ganz bestimmte Art und eine dieser Stimmen, die einen unglaublich berühren.“

„Letztendlich kommt immer alles so, wie es bestimmt ist“, sagt Faithfull. „Das habe ich festgestellt. Es dauert vielleicht eine Weile, aber ich komme an. Ich habe all das nie vergessen. Nach all den Jahren habe ich nun wieder an diesen Fäden gezogen und sie bedeuten immer noch etwas, resonieren sogar noch mehr in mir – weil ich jetzt Lebenserfahrung habe. Lebens- und Nahtoderfahrung. Viele Male. Nicht nur einmal.“

Es ist vielleicht kein Zufall, dass der Titel ihres letzten, hochgelobten Albums „Negative Capability“ aus dem Jahr 2018, auf einem zentralen Grundprinzip der Keats’schen Poetik basiert. „Es bedeutet, im Zweifel zu leben, sich seiner selbst nicht absolut sicher zu sein. Aber dieses Mal“, fügt sie hinzu, „gab es keinen Zweifel – ich habe so lange darüber nachgedacht, dieses Album war schon so lange in meinem Kopf. Ich denke, ich wusste ganz genau, was ich wollte. Ich habe einfach die Gedichte ausgesucht, die ich wirklich mochte, und glaube, dass ich sehr viel Glück hatte. Wir haben es hinbekommen.“

Die Veröffentlichung von „She Walks In Beauty“ ist für den 30. April 2021 geplant. Das Artwork des Albums gestaltete der britische Künstler und lebenslange Freund Colin Self, und enthält die vollständigen Texte der Gedichte sowie Kommentare. Faithfull erholt sich weiterhin von den Nachwirkungen ihrer Covid 19-Erkrankung. Und während die Welt um uns herum nach wie vor mit den Auswirkungen der weltweiten Pandemie kämpft, sollen diese Gedichte und Darbietungen den Geist beruhigen und aufbauen.

Das Album kann hier vorbestellt werden…

www.mariannefaithfull.org.uk

Photocredit: Rosie Matheson

Katrin Rosenzopf Album „unErhoerte Lieder“
Music-News

Katrin Rosenzopf „ART(ig)“

Am 09.April veröffentlicht Katrin Rosenzopf ihre 2. Single unter Konstantin Weckers Label „Sturm & Klang“. „Art(ig)“ gibt nach den „Gegensätzen“ einen weiteren und tieferen Einblick auf das am 30.04.2021 erscheinende neue Album mit dem Titel „unErhoerte Lieder“.

Video Premiere „Art(ig)“:

Es ist ein sehr ernstes und nachdenkliches Lied. Ein Lied über die Menschheit, unsere „Art“. Die Art wie wir unser Leben im Kleinen wie im Großen gestalten. Wie wir uns „artig“ an die Regeln und Gesetze unserer Eltern, Lehrer und Politiker halten und uns ihre Vorstellungen und Ideale eines erfolgreichen und glücklichen Lebens zu eigen machen bzw. für den Fall, dass uns das einmal nicht gelingt, aus Angst ausgeschlossen, verurteilt und bestraft zu werden, unsere Meinung für uns behalten.

Katrin Rosenzopf
Katrin Rosenzopf
Es geht aber auch um die „Art“ wie wir unser Miteinander gestalten, und in einer immer schnelllebigeren Zeit immer mehr auf uns selbst fokussiert und rücksichtslos unsere Ziele verfolgen um uns einen Platz in den „oberen Reihen“ der Gesellschaft zu sichern und unter dem zunehmenden Druck zu erhalten.

Katrin Rosenzopf
Katrin Rosenzopf
Dabei bleibt immer weniger Zeit für Toleranz, Akzeptanz, Offenheit, Rücksicht, Nächstenliebe, Demut, Mitgefühl, Selbstlosigkeit, Achtung, tief gehende Kommunikation und Diskussion oder gar für die „kleinen und großen Wunder“ dieser Welt. Kurz gesagt: immer weniger Zeit für Menschlichkeit oder anders: Die Art, wie man … hat unser Menschsein eingeengt…

Immer noch aktuell…

Listening Single „Gegensätze“:

Unterstützt von den ausdrucksstarken Klängen des Saxophons von Reinhard Grube erzählt sie in diesem Lied vom alles und uns alle umgebenden „Spannungsfeld der Gegensätze“ in welchem wir uns bewegen und dessen Kraft sich niemand entziehen kann.

Katrin Rosenzopf Album „unErhoerte Lieder“
Katrin Rosenzopf Album „unErhoerte Lieder“
Trotz der „zarten“ Besetzung ist es ein kraftvolles Lied über unser Leben in einer Welt, die im Wechselspiel der Polaritäten steht. Einer Welt wo das Eine ohne das Andere nicht sein kann und unser aller Leben untrennbar miteinander verbindet.

Album „unErhoerte Lieder“ vorbestellbar unter:
https://amzn.to/3sXScjV

Katrin Rosenzopf veröffentlicht ihre 2. Single „ART(ig)“ mit einer Video Premiere – neues Album „unErhoerte Lieder“ am 30.04.2021 via Konstantin Weckers Label „Sturm & Klang“

Mehr Infos unter:
www.unerhoertelieder.com
https://youtu.be/XdPftbDqTMs
https://www.youtube.com/user/katrinrosenzopf
https://www.facebook.com/katrinrosenzopf/

Musik

Dumpstaphunk Video „Where Do We Go From Here“

Dumpstaphunk veröffentlichen offizielles Video zum Titeltrack des neuen Albums „Where Do We Go From Here“ / VÖ 23.04.2021 – Live Streaming Konzert am 02. Mai!

New Orleans Funk Powerhouse Dumpstaphunk veröffentlichen brandneu das offizielle Video zum Titeltrack des neuen Albums ‘Where Do We Go From Here‘, das jetzt am 23. April 2021 (via Mascot Label Group / The Funk Garage) erscheint. Es ist das erste Album der Band seit sieben Jahren und zweifelsohne das stärkste und politischste ihrer Karriere.

Video Premiere zu ‘Where Do We Go From Here‘:

Zu den bereits veröffentlichten Singles gehören Justice 2020, das von der New York Times als einer der besten Songs des Jahres 2020 bezeichnet wurde, und der nachdenkliche Titeltrack Where Do We Go From Here. Dazu noch die kürzlich veröffentlichte Single Do You und das Video zur Single United Nations Stomp, ihre Interpretation von Buddy Miles‘ 1973er Acid-getriebener Blues-Hymne . Special Guest Marcus King an der Lead Gitarre beschwört den Vintage-Geist von Jimi Hendrix und Cream herauf. Der Track, der von Beastie Boys Produzent Mario Caldato Jr. gemischt wurde, zementiert den Status von Dumpstaphunk als härteste Funk-Rock-Band des Landes. Auch Gitarrenlegende Waddy Wachtel (Keith Richards, Rolling Stones, Stevie Nicks) ist bei diesem Super-Jam zu hören.

Das neue Album stellt ohne Zweifel in jeder Hinsicht ein relevantes Statement dar… weiter aktuell und vorab zu hören:

Offizielles Video ‘United Nations Stomp’:

Offizielles Video zu ‘Justice 2020‘:

Track Pre-Listening ‘Where Do We Go From Here‘:

Track Pre-Listening ‘Do You‘:

Das Album kann man unter folgendem Link vorbestellen: https://smarturl.it/Dumpstaphunk

Die Band wird zudem am Sonntag, dem 2. Mai, bei Tipitina auftreten, an der letzten Nacht des New Orleans Jazz & Heritage Festivals. Die Band hat das JazzFest in den letzten 17 Jahren jeden Abend mit einem Tipitina-Auftritt abgeschlossen. Fans können das Konzert live über www.Nugs.net streamen.

Das Arsenal der Band an klassischen und modernen Einflüssen ist hier in allen Tracks wunderbar zu hören. Eine unverwechselbare Mischung aus echtem New Orleans Funk, Old School R&B und gitarrenlastigem modernem Rock; vom Slap-Bass-Rave „Make It After All“ bis hin zu den zeitgenössischen Interpretationen von NOLA R&B-Raritäten (das Blackmail-Juwel „Let’s Get At It“ von 1975) und Klassikern der frühen Siebziger (Sly and the Family Stone’s „In Time“). Bei der Coverversion von Buddy Miles‘ Hendrix-inspiriertem „United Nations Stomp“ aus dem Jahr 1973, wartet das aufstrebende Bluesgitarren-Phänomen Marcus King als Special Guest mit einem glühenden Gitarrensolo auf.

„Wir hoffen, dass die Leute die neuen Songs hören und zum Tanzen animiert werden und gleichzeitig aber auch zum Nachdenken angeregt werden“, sagt Ivan und spricht über die heikle Balance des neuen Albums zwischen thematischem Material und Dancefloor-Rockern.

In den letzten 17 Jahren hat sich Dumpstaphunk den Ruf einer hoch angesehenen New Orleans-Musikinstitution der nächsten Generation erspielt – die Art von Band, deren Live-Auftritte schon Legenden wie Carlos Santana, Bob Weir, George Clinton und Mitglieder von Phish auf den Plan gerufen haben. Neben den ursprünglichen Kernmitgliedern Tony Hall und Nick Daniels und den Neuzugängen Alex Wasily, Ryan Nyther und Schlagzeuger Devin Trusclair haben Ivan und Ian Neville (die Söhne von Aaron Neville bzw. Art „Poppa Funk“ Neville) auf dem ikonischen NOLA-Erbe ihrer Familie aufgebaut und Dumpstaphunk in den herausragenden Funk-Fusion-Export New Orleans verwandelt, was zu aktuellen Karrierehöhepunkten wie dem Support für die Rolling Stones im Juli 2019 in ihrer Heimat, dem Mercedes Benz Superdome, führte.

Den Groove der Neville/Meters-Familie zu modernisieren und neu zu beleben ist eine der treibenden Kräfte von Dumpstaphunk, seit sich die Band 2003 spontan während des New Orleans Jazz & Heritage Festivals formierte. Where Do We Go From Here ist vielleicht der bisher beste Beweis für Dumpstaphunks Fähigkeit, ihre einzigartigen Crescent City-Wurzeln in Kombination mit den tieferen äußeren musikalischen und philosophischen Einflüssen, auf denen die Band basiert, zu stärken und zu transformieren.

„Natürlich ist die Geschichte von New Orleans in uns verankert, aber wir schaffen es auch, all die anderen Sachen, die wir über die Jahre gehört haben, mit einzubeziehen“, sagt Ivan. „Wir repräsentieren ein Erbe, aber wir interpretieren auch vieles davon neu.“

Weitere Infos zu Dumpstaphunk findest Du hier:
https://dumpstaphunk.com
https://www.facebook.com/DumpstaphunkNOLA
https://twitter.com/dumpstaphunk
https://instagram.com/dumpstaphunk
https://www.youtube.com/dumpstaphunknola
https://soundcloud.com/dumpstaphunk

Music-News

„Kommt, lasst uns tanzen“ …in die Welt von Christian Bogensberger

Selten handeln Christian Bogensberger‘s Lieder davon, was der Songtitel zu versprechen scheint, manchmal trifft politische Realität auf poetischen Wortwitz, oft ist der Inhalt in einer Mischkulanz aus Sprachklang, burlesker Bilderwelt und irgendetwas anderem verpackt, kaum einmal ist der Schluss das Ende, immer geschieht alles im österreichischen Hochdeutsch, gesungen zur Akustikgitarre, garniert mit nicht alltäglichen Instrumenten wie Cello oder Theremin. Oder – wie in diesem Fall – mit der Stimme von Duettpartnerin Ines.

Darin findet sich Platz für den Fratz, für Gesell und Rebell, ist´s nie zu spät für Absurdität.

Mit dem ersten Vorboten zum Album „Anarchisten auf der Autobahn, Taoisten unterm Birnenbaum“ (VÖ 23.4.2021) tanzen wir mit in trauter Zweisamkeit, und es bleibt nicht beim Tanzen…

Aktuelle Single „Kommt, lasst uns tanzen“, hier zu hören:

Aktuelle Single „Fremd“, hier zu hören:

Christian Bogensberger erzählt gerne Geschichten und lässt seine Gedanken singen und tanzen. Dies tut er mittels selbst geschriebener Songs, dargebracht im österreichischen Hochdeutsch, unterlegt mit akustischer Gitarre. Er entführt uns liedpoetisch und alltagsphilosophisch in die Genüsse und Wirrnisse des Daseins und der Zeit. Dabei nimmt er sich kein Blatt vor dem Mund und kennt weder sprachliche noch gedankliche Tabus.

Mit kammermusikalisch bis sphärisch farbigen Arrangements, die an Konstantin Weckers legendäres Team Musikon erinnern, tauchen wir mit diesem (wie er sich selbst beschreibt) Anarchistoiden Taoisten ein in den ganzen Rest des Daseins, zwischen Leben und Tod, ins Land der tausend Obstbäume, in den Rachen der Traumfabrik und in weitere Möglichkeiten des Realen bis Absurden, die doch nichts anderes sein können als verborgene Spiegelungen unserer Seelen, als versteckte Sehnsüchte unserer Fantasien.

Bogensberger gibt in seiner Musikzauberwelt dem Menschlichen vielfach jene Stimme, die es selbst vielleicht nie gewagt hätte, zu Wort kommen zu wollen. So originell sprachoffensiv wie liedkünstlerisch ist noch kaum jemand in die Popgeschichte gesprungen.

Biografisches: 1996 gewann der studierte Philosoph und langjährige Politaktivist den „Forum Stadtpark Literatur Slam“ einen der ersten Poetry Slams Österreichs. Bereits seit 1994 ist er als „Der sensationelle Herr Bogensberger“ mit Programmen wie „Herr Bogensberger musiziert munteren Mutes manchmal mirakulöse Melodeien murmelnd mitnichten mehrstimmig“ auf diversen Bühnen in Österreich, Deutschland und der Schweiz zu sehen, wo er seine ureigene Mischung aus Musik, Literatur, Kabarett und Theater zum Besten gibt.

2021 erscheint erstmals unter seinem bürgerlichen Namen das Album „Anarchisten auf der Autobahn, Taoisten unterm Birnenbaum“ bei „Sturm und Klang“. Christian Bogensberger lebt in Berlin und Graz.

Mehr zu Christian Bogensberger:
http://www.herrbogensberger.com/
https://www.facebook.com/Bogensberger – Songs und Stories
www.sturm-und-klang.de

Van Morrison wird am 7. Mai sein mit Spannung erwartetes neues Doppelalbum Latest Record Project Volume 1
Music-News

Van Morrison kündigte allererste virtuell Performance an

Van Morrison wird am 7. Mai sein mit Spannung erwartetes neues Doppelalbum „Latest Record Project: Volume 1“ veröffentlichen.

Das erste virtuelle Konzert Morrisons wird diese Veröffentlichung am 08. Mai abrunden. Der mehrfach mit dem Grammy Award ausgezeichnete Singer-Songwriter und Multiinstrumentalist wird ein Livestream-Event der renommierten Real World Studios in Wiltshire aufführen, bei dem er neben einer Auswahl klassischer Tracks auch einige brandneue Songs debütieren wird.

Die Veranstaltung ist eine Partnerschaft mit www.nugs.net, der führenden Musikplattform für Live-Konzert-Streams und -Aufnahmen. Die Plattform bietet Live-Streams und professionell aufgenommene Archivkonzerte von bekannten Künstlern.

Fans können die Aufführung am Samstag, den 8. Mai, um 20 Uhr BST / 15 Uhr EST live verfolgen.
Tickets können hier vorbestellt werden: https://vanmorrison.lnk.to/livestreamPR

Das Album „Latest Record Project: Volume 1“ enthält 28 Tracks und soll am 7. Mai veröffentlicht werden. Es reicht vom saxophongeführten R & B-Juwel „Jealousy“ bis zum freudigen, landestypischen „A Few Bars Early“ über die temperamentvollen Them Garage Rock im Stil des selbsterklärenden „Stop Bitching, Do Something“. Während es das romantische Gefühl und die nächtliche Wärme aufgreift, für die die Menschen Van Morrison lieben, ist das übergeordnete Thema ein geradliniger Kommentar zum zeitgenössischen Leben.

Van Morrison wird am 7. Mai sein mit Spannung erwartetes neues Doppelalbum Latest Record Project Volume 1
Van Morrison wird am 7. Mai sein mit Spannung erwartetes neues Doppelalbum Latest Record Project Volume 1
Das 42. Studiowerk Morrisons wurde bereits durch die Lead Single „Only A Song“ angekündigt und auch hier beweist sich sein unverwechselbares und einzigartiges Gespür für zeitlosen Blues, R&B, Jazz und Soul. Der Song wurde von Radio 2 umgehend als „Record Of The Week“ ausgezeichnet und auf die Playliste genommen.

Brandneu gibt es dazu jetzt auch das animierte Video zu „Only A Song“. Einfache, aber stilvolle, abstrakte Animationen stellen verschiedene Elemente des Songs dar und spiegeln Textausschnitte („In the wintry snow, when the penguins march along and go home“) sowie die Instrumentierung und die landschaftlichen Bilder, die sie hervorruft, wider.

Offizielles Video zu „Only A Song“:

Sowohl “Only A Song” als auch der Titeltrack „Latest Record Project“ können von den Fans sofort heruntergeladen werden und das Album kann hier vorbestellt werden. Es wird auf Doppel-CD, Deluxe-CD, dreifach-Vinyl und in digitaler Form erscheinen.

Weitere Infos, Tourdaten und Tickets unter:
www.vanmorrison.com
https://vanmorrison.lnk.to/livestreamPR
www.nugs.net