Zehn Jahre nach der Veröffentlichung von „Go go go go!“ sind die 89ers mit einer neuen Version dieses EDM-Punk-Allzeit-Klassikers zurück.
Diesmal ist es die Girl-Power, die das Studio übernommen hat und das Ergebnis ist frech, frisch und noch energiegeladener!
89ERS – NO GO GO GO!
VÖ: 02.04.2021
Das bayrische Duo Hunzgrippe beweist mit „Hochseilgarteneingangstür“, dieses Mal mit dem Pianisten & Cellisten „Max Trebe“ on top on Board, dass sie nicht nur laut, schrill, punkig, rockig, sondern auch auf den Punkt gebracht an den Blumen der Mainstreamkompatibilität schnuppern können – und das, ohne dabei ihre Eier zu verlieren! Und das pünktlich zu Ostern!
Im gleichnamigen Video wird die Botschaft des Titels in Bildern gemalt: Mut haben, egal was einem widerfuhr. Sich trauen, wissend, dass eigentlich nichts schiefgehen kann. Und dabei kann Mut in allen möglichen Lebenslagen von Nöten sein, wie wir alle wissen. Geprägt durch persönliche Geschichten malen Hunzgrippe musikalische Bilder für jedermann. Und natürlich auch jederfrau.
Offizielles Video „Hochseilgarteneingangstür“:
Hunzgrippe ft. Max Trebe „Hochseilgarteneingangstür“/ VÖ 2. April 2021 – Debüt Album „Sparifankerl“ am 21. Mai
Mehr Infos unter:
www.hunzgrippe.de
Die Präsenz die Marty Friedman in der Welt der Musik, der Welt der Gitarre und der japanischen Popkultur hat, ist oft rätselhaft und bizarr, aber ist auch für andere oft sehr inspirierend.
Geboren in Washington D.C., erlangte Friedman zunächst Aufmerksamkeit mit der Band Cacophony, die er zusammen mit dem ebenso rätselhaften und mittlerweile legendären Gitarristen Jason Becker gründete. Sie veröffentlichten zwei hoch bewertete Alben und dann wurde er 1990 von Megadeth rekrutiert und wirkte in den nächsten zehn Jahren auf einigen der einflussreichsten Metal-Alben aller Zeiten mit. Seine atemberaubende Bandbreite und seine unorthodoxen musikalischen Beiträge zu „Rust In Peace“ im Jahr 1990 und „Countdown To Extinction“ zwei Jahre später machten ihn zu einer Ikone und verhalfen Megadeth zu ihrem Höhepunkt.
Seit 2003 lebt Friedman in Tokio, wo sein Name auch außerhalb der Musikwelt zu einem Begriff geworden ist. Seit er nach Japan gezogen ist, ist er in über 700 japanischen Fernsehsendungen aller Art sowie in Kinofilmen und Werbespots aufgetreten. Außerdem wurde er kürzlich von der japanischen Regierung zum Botschafter des japanischen Kulturerbes ernannt. Paralell veröffentlichte Marty weiterhin seine Soloalben und tourte mit diesen weltweit. Seit seinem Solodebüt ‘Dragon’s Kiss’ von 1988 bringt er regelmäßig neues Material heraus, welches immer sehr gut von Fans und Kritikern aufgenommen wird. Sein jüngstes Album ‘Tokyo Jukebox 3’ (VÖ 16.04.2021) ist wie der Titel schon sagt, das dritte Album aus dieser Serie von Coverversionen japanischer Songs. Die Vorgänger erschienen 2009 und 2011.
Nach der Veröffentlichung der Single und dem Video zu ‘Makenaide‘, erscheint nun mit ‚Kaze Ga Fuiteiru’ ein weiterer Track/ Static Video vorab, hier zu hören und sehen: https://youtu.be/eaKcidunByA
Zum Song gibt es folgendes Statement von Marty: „While keeping intact the essence of Ikimono Gakari`s „Kaze Ga Fuiteiru“ melody that I loved, I tried to destroy it, reconstruct it and create 5 minutes of new music that might bring a tear or a chill, and decidedly lifts your spirits. Whether I accomplished that or not is entirely up to you, but when I just finished the recording of „Kaze Ga Fuiteru“, someone who’s opinion I respect very much called it „grand and elegant“, so I`ll go with that!“
offizielles Video zu ‘Makenaide‘, hier zu sehen:
offizielles Video zu ‘The Perfect World‘:
Pre-Order Link Album: https://smarturl.it/MartyFriedman-MLG
„Ich habe das Material der ersten beiden ‚Jukebox‘-Alben auf der ganzen Welt live gespielt, und es hat eine Art Eigenleben entwickelt, vor allem an Orten wie Nord- und Südamerika, Australien, Italien, Frankreich und sogar Indien. Meine Fangemeinde ist sehr engagiert, und ich habe festgestellt, dass viele neue Fans durch mich in die japanische Musik und Kultur eingeführt wurden, was sehr erfreulich ist. Auf den Tourneen scheint es so, als ob neben den Gitarrenfans auch die Japan-Fanatiker merklich gewachsen sind. Es schien also der richtige Zeitpunkt für „Tokyo Jukebox 3″ zu sein. Es gibt auch einen zweiten Grund das Album jetzt zu veröffentlichen. Ich bin in den letzten vier Jahren bei der Eröffnungsfeier des Tokio-Marathons aufgetreten und habe gehofft, etwas Ähnliches für die Olympischen Spiele in Tokio 2020 machen zu können, bevor sie auf 2021 verschoben wurden. Ich wurde bereits gebucht, um beim Marathon im nächsten Jahr wieder zu spielen, und mit etwas Glück hoffe ich immer noch, dass ich das Gleiche bei den verschobenen Olympischen Spielen tun kann, also wollte ich eine Auswahl von Songs zusammenstellen, die jeden, besonders die Athleten, auf eine Art und Weise anfeuern, wie es nur Musik kann.“
Friedman investierte viel Energie in die Auswahl der richtigen Songs für das Album, wie er erklärt:
„In Japan muss man die Erlaubnis für die Aufnahme und Veröffentlichung von Coverversionen einholen, und das kann ein sehr kniffliger und langer Prozess sein. Das Letzte, was ich tun wollte, war, um die Erlaubnis für einen Song zu bitten, die Erlaubnis zu bekommen und ihn dann aus irgendeinem Grund nicht aufzunehmen. Das wäre sehr unhöflich. Also habe ich mehrere Wochen damit verbracht, Songs auszuwählen und sie zu demontieren, um zu sehen, ob ich Versionen erstellen kann, die mich begeistern können, bevor ich überhaupt an irgendwelche Verlage herantrete. Ich kam auf eine kurze Liste von 20 Songs und wählte daraus etwa 15 aus, von denen ich wusste, dass ich mit ihnen wirklich punkten konnte, und machte mich dann daran, die Erlaubnis für die Aufnahmen einzuholen.“
Friedman nahm auch “The Perfect World” auf, iesi geschrieben und ursprünglich 2018 veröffentlicht hatte. iesi st der einzige Track mit Gesang.
“Damals habe ich den Song mit Jean-Ken Johnny von Man With A Mission am Gesang gemacht, und das wurde als Hauptthema für die Netflix-Serie ‘B: The Beginning’ verwendet. Am Tag der Veröffentlichung ging der Song direkt an die Spitze der japanischen iTunes-Charts. Leider gab es, wie es manchmal im Musikbusiness passiert, eine plötzliche Personalumstellung beim japanischen Label, wichtige Leute, die an der Platte arbeiteten, verschwanden plötzlich, und als Ergebnis waren der Song und sein ganzer Schwung einfach verschwunden. Das schien mir eine solche Verschwendung zu sein. Also dachte ich, es wäre eine gute Idee, eine neue Version davon zu machen, mit einer frischen Neuinterpretation, und holte Alfakyun (derzeit eine der führenden J-Pop-Sängerinnen) für den Gesang. Es ist wirklich ein Selbst-Cover, also passt es zu der Idee, dass dies ein Cover-Album ist.”
Friedman hat auch den „Japan Heritage Theme Song“ aufgenommen, eine weitere seiner eigenen Kompositionen, bei der er mit dem Tokyo Philharmonic Orchestra zusammengearbeitet hat.
„Ich wurde von der japanischen Regierung gebeten, einen offiziellen Song zu komponieren, der bei von der Regierung gesponserten Veranstaltungen, die das japanische Erbe feiern, gespielt werden soll. Das war eine große Ehre und es war wunderbar, mit einem so renommierten Orchester zu arbeiten, in dem praktischerweise meine Frau Cello spielt. Das war ein wenig anders als ich es gewohnt bin, denn anstatt den Leuten von der Plattenfirma ein fertiges Stück vorzuspielen, musste ich japanischen Regierungsbeamten gegenübertreten. Ich erinnere mich, wie ich in ihre steinernen Gesichter schaute, nachdem sie es gehört hatten, und schwitzte in Erwartung ihrer Reaktion. Zum Glück gefiel ihnen, was ich gemacht hatte. Ich hatte das Gefühl, dass dies ein großartiger, erhebender Weg war, das Album abzuschließen.“
Ein Großteil der Aufnahmen fand in den Power House Studios in Tokio statt. Neben Friedman, der auch als Produzent fungierte, nahmen auch Bassist Kiyoshi und Schlagzeuger Anup Sastry teil.
„Kiyoshi ist seit etwa sechs Jahren in meiner Band und hat alle meine Touren und Aufnahmen mitgemacht. Sie ist ein Kraftpaket, und ich habe ehrlich gesagt noch nie jemanden gesehen, der den Bass so hart schlägt wie sie, vor allem, wenn er mit meiner Art von anspruchsvoller Musik mithalten kann. Anup war Mitglied von Skyharbor (einer indischen/amerikanischen Progressive-Metal-Band) und war auf meinen letzten drei Alben zu hören. Auch er ist einfach nur phänomenal.
Der Aufnahmeprozess begann im Januar 2020 und sollte im März enden, mit einer Veröffentlichung im Mai. Aber dann schlug die Pandemie zu und alles wurde nach hinten geschoben. Plötzlich hatte ich keine feste Deadline mehr, um das Album fertigzustellen, also konnte ich mir Zeit lassen, was ein Geschenk des Himmels war. Das bedeutete, dass ich die Musik weiter überarbeiten und alles verbessern konnte. Am Ende dauerte es mehrere Monate, bis das Album fertig war, aber es war gut investierte Zeit. Ich glaube, die Musik ist so viel besser geworden, weil ich nicht unter Termindruck stand.“
Gemischt wurde Tokyo Jukebox 3 von Jens Bogren in seinen eigenen Fascination Studios in Schweden. Er ist jemand, zu dem Friedman größtes Vertrauen hat. „Jens hat meine letzten drei Alben gemacht. Ich mag die Art und Weise, wie er die Platten mischt. Aus irgendeinem Grund scheinen amerikanische und europäische Toningenieure, wenn es um das Abmischen eines Albums geht, einen Vorteil gegenüber vielen japanischen Mischern zu haben, wenn es um moderne Heavy Music geht. Jens ist seit langem einer der Besten in diesem Geschäft. Er weiß, was ich will, und ich weiß, dass er es zu meiner Zufriedenheit machen wird.“
Martys bemerkenswerte Liebe zum Detail bei diesem Album geht jedoch über die Musik hinaus. Werfen Sie einen Blick auf das Cover. Das ist der Mann selbst, und er war entschlossen, es so authentisch wie möglich aussehen zu lassen. „Ich muss zugeben, dass es ein höllischer Prozess war. Es hätte leicht wie ein Kerl in Frauenkleidern und damit ziemlich dumm aussehen können. Man braucht schon eine sehr ernsthafte Einstellung und Herangehensweise, um das richtig hinzubekommen. Bei den ersten beiden ‚Jukebox‘-Alben hatte ich Kabuki-Make-up aufgelegt. Es wurde überhaupt kein Photoshop verwendet, und genau deshalb kamen sie auch ziemlich gut heraus. Diesmal musste ich das, was vorher gemacht worden war, noch verbessern. Ich holte mir die absoluten Top-Profis auf dem Gebiet der traditionellen japanischen Kimonos und des Make-ups, um sicherzustellen, dass wir etwas hatten, das nicht nur so authentisch wie möglich aussah, sondern auch auf die richtige Weise auffiel. Ich glaube, wir haben einen Volltreffer gelandet.”
Friedman, der am Neujahrstag ein komplettes Live-Streaming-Konzert zur Feier der „Jukebox“-Reihe gab, wird Anfang 2021 mehrere Shows in Japan spielen, um das neue Album zu promoten, und hofft, dass er auch die Möglichkeit haben wird, die Show in weitere Länder zu bringen.
„Natürlich müssen wir abwarten und sehen, was mit dem internationalen Reiseprotokoll passiert. Aber ich kann es kaum erwarten, wieder auf Tournee zu gehen. Ich vermisse es wirklich furchtbar.“
In der Zwischenzeit können wir alle die Früchte seiner Arbeit auf „Jukebox 3“ genießen, wo Friedman J-Pop-Hits (von Künstlern wie Da Pump, Momoiro Clover Z, Sekai No Owari und Little Glee Monster) nimmt und sie mit seinen eigenen charismatischen Interpretationen versieht.
„Ich bin so glücklich mit der Art und Weise, wie es geworden ist. Und ich bin auch dankbar dafür, wie es bisher aufgenommen wurde. Die Reaktion war fantastisch. Die Aufnahmen waren eine wahre Freude.“
MARTY FRIEDMAN veröffentlicht mit ‚Kaze Ga Fuiteiru’ einen weiteren Track aus dem neuen Album ‚TOKYO JUKEBOX 3’/ VÖ 16.04.2021
MARTY FRIEDMAN ‚TOKYO JUKEBOX 3‘ – erhältlich ab dem 16.04.2021 als CD, Red Vinyl und digital!
Pre-Order Link: https://smarturl.it/MartyFriedman-MLG
Mehr Infos unter:
www.martyfriedman.com
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Im Rahmen der Veröffentlichung ihres neuen INSPIRATIONS COVER ALBUM am 19.03.2021 zeigen SAXON einen ausführlichen Blick hinter die Kulissen der Produktion!
Biff Byford sagt dazu: “Das war ein großartiges Projekt an dem ich teilnehmen durfte. Großartige Songs, wundervolle Atmosphäre! Ich fand es schön, euch auch mal einen Blick hinter die Kulissen werfen zu lassen“
Hier die Fakten zur Dokumentation, die unter folgendem Link zu sehen ist: https://youtu.be/o3tZqJ34iVg
16 Minuten lang, aufgenommen in Brockfield Hall während der Aufnahmen zu “Inspirations”
Biff führt durch die Doku:
– Tour durch Brockfield Hall
– Recording set-up
– Aufnahmetechnik (altes Equipment, alte Marshals, richtiges Drumset, Live Aufnahmen usw.)
– Wer welche Songs ausgewählt hat und warum
– Snippets wie die Band gespielt hat und das Geplänkel der Band
– Kurzer Überblick der Songs, die noch veröffentlicht werden “Problem Child”, “Evil Woman”, “The Rocker”, “Bomber” usw.
Vor ein paar Tagen noch veröffentlichten SAXON noch The Beatles’ ‘Paperback Writer’ als dritte Single von dem neuen Cover Album Inspirations…
“Ich habe die Beatles 1963 zum ersten Mal im TV gesehen” sagt ein begeisterter Biff Byford. “Es war ein sehr inspiriender Moment für mich weil ich dachte, ich könnte auch in einer Band sein!”
Watch/Listen to ‘Paperback Writer here:
Pre-Order: https://smarturl.it/SAXONINSPIRATIONS
Official Video ‘Paint It Black‘:
Official Video ‘Speed King’:
“Inspirations” wurde aufgenommen in Brockfield Hall, nahe York in England. Das großartige Gebäude wurde 1804 gebaut und hat die größte Gemäldesammlung von Yorkshires Impressionisten – der Staithes Group. Für Byford waren die Aufnahmen zu dem Album “Inspirations” in dieser geschichtsträchtigen Umgebung eine wichtige Zutat des Projektes. “Die Wärme und das Gefühl von Inspirations hat viel mit diesem atemberaubenden Ort zu tun an dem wir alle zusammenwaren und auch, dass wir die Aufnahmen im ‘old-school’ Stil gemacht haben”, beschreibt Biff Byford seinen Eindruck. “Genauso haben viele Bands ihre Aufnahmen gemacht, auch einige von denen, die wir auf dem Album gecovert haben, und die Alben waren großartig. Es hat sich einfach klasse angefühlt, die Aufnahmen in einer Umgebung wie Brockfield Hall zu machen.” Das Resultat spricht für sich selbst.
Angefangen mit dem melodischen ‘Paperback Writer’ von den Beatles bis hin zu Jimi Hendrix’ ‘Stone Free’ zeigen Saxon ihre Liebe und Anerkennung mit ihren Tributen, die teils rau sind aber immer loyal zum ursprünglichen Song. Konstant im Blick war die Idee des „old school“, in dem sie mit Marshall Cabs, Marshall Amps und einem richtigen Schlagzeug gearbeitet haben. Das Ganze wurde produziert von Biff Byford mit Jacky Lehmann, der die Aufnahmen begleitet und gemixt hat. Die Herangehensweise beispielsweise an Motörheads ‘Bomber’ (mit der zugefügten Pfeife) oder auch AC/DCs ‘Problem Child’, Black Sabbaths ‘Evil Woman’ und das laute ‘Speed King’ von Deep Purple – alles wurde mit erfrischender Wärme, ungefiltert und mit „Vintage“- Soundwiedergabe eingespielt.
“Wir wollten ein Album aufnehmen, dass unsere Einflüsse zeigt, die Songs und Bands, die uns inspiriert haben, genau die Saxon Songs zu schreiben, die wir geschrieben haben und immer noch schreiben. Es war interessant zu erfahren, was meine Stimme noch hergibt, da ich einige dieser Songs noch niemals zuvor gesungen habe”, fügt Biff hinzu.
Byford hat ganz sicher einige neue stimmliche Herausforderungen angenommen. Zum Beispiel wie er Thin Lizzys ‘The Rocker’ ordnungsgemäß raushaut. Ein anderes Schwergewicht ist ‚Immigrant Song‘ von Led Zeppelin und dann gleich noch AC/DCs ‘Problem Child’ hinterher. Saxon macht hier einen unglaublich guten Job – nicht nur sich selbst zu unterhalten, sondern gleichzeitig die Zuhörer auf “Inspirations”.
„Die Songs sollten nicht zu sehr verändert werden, wir wollten sie nur á la Saxon spielen und wir wollten ein bisschen Spaß haben in diesen seltsamen, doch zum Teil dunklen Zeiten und wollten dies mit unseren Fans teilen“.
Und wenn man noch mehr Beweise für die getroffenen Aussagen benötigt, einfach nur Totos ‘Hold The Line’ hören und dann weiß man: Saxon Inspirations – Mission erfolgreich gelungen!
Inspirations erhältlich in den Formaten: CD und Vinyl, als limitiertes D2C Produkt und digital !
Pre-Order here: https://smarturl.it/SAXONINSPIRATIONS
Track Listing:
Paint It Black
Immigrant Song
Paperback Writer
Evil Woman
Stone Free
Bomber
Speed King
The Rocker
Hold The Line
Problem Child
See My Friends
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Da braut sich etwas zusammen: Am 19. Februar erscheint die neue Single „Bye Bye“ von Harris & Ford und Neptunica.
Das DJ- und Produzentenduo Harris & Ford zählt zu Österreichs derzeit erfolgreichsten Acts und ist seit Jahren fest in der internationalen Dance-Szene verankert. Die beiden produzierten zuletzt Hits wie „God Save the Rave“ (mit Scooter), „Freitag, Samstag“ (mit Finch Asozial), „Moskau“ (mit Da Tweekaz), „The Master“ (mit Jebroer) und vielen mehr. Mittlerweile verzeichnen sie weltweit über 200 Millionen Streams.
Auch Neptunica ist kein unbeschriebenes Blatt. Millionen an Streams und YouTube-Views, Features in den beliebtesten Playlisten und Remixes für namhafte Künstler wie Armin van Buuren, Tom Gregory, Lost Frequencies oder Gestört Aber GeiL sprechen eine eindeutige Sprache.
„Harris & Ford x Neptunica – Bye Bye“ erscheint am 19.02.2021 auf allen Streaming- und Downloadplattformen.
Buylink: https://ktr.lnk.to/ByeBye
HARRIS & FORD X NEPTUNICA – BYE BYE
VÖ: 19.02.21
MARTY FRIEDMAN veröffentlicht ‚TOKYO JUKEBOX 3‘ am 16.04.2021 via Mascot Label Group / The Players Club – Video Premiere zu “Makenaide” jetzt online! Die Präsenz die Marty Friedman in der Welt der Musik, der Welt der Gitarre und der japanischen Popkultur hat, ist oft rätselhaft und bizarr, aber ist auch für andere oft sehr inspirierend.
Seit 2003 lebt Friedman in Tokio, wo sein Name auch außerhalb der Musikwelt zu einem Begriff geworden ist. Seit er nach Japan gezogen ist, ist er in über 700 japanischen Fernsehsendungen aller Art sowie in Kinofilmen und Werbespots aufgetreten. Außerdem wurde er kürzlich von der japanischen Regierung zum Botschafter des japanischen Kulturerbes ernannt. Paralell veröffentlichte Marty weiterhin seine Soloalben und tourte mit diesen weltweit. Seit seinem Solodebüt ‘Dragon’s Kiss’ von 1988 bringt er regelmäßig neues Material heraus, welches immer sehr gut von Fans und Kritikern aufgenommen wird. Sein jüngstes Album ‘Tokyo Jukebox 3’ (VÖ 16.04.2021) ist wie der Titel schon sagt, das dritte Album aus dieser Serie von Coverversionen japanischer Songs. Die Vorgänger erschienen 2009 und 2011.
Brandneu gibt es vor die Video Premiere zu “Makenaide”, hier zu sehen:
Weiter aktuell… offizielles Video zu “The Perfect World”:
Pre-Order Link: https://smarturl.it/MartyFriedman-MLG
„Ich habe das Material der ersten beiden ‚Jukebox‘-Alben auf der ganzen Welt live gespielt, und es hat eine Art Eigenleben entwickelt, vor allem an Orten wie Nord- und Südamerika, Australien, Italien, Frankreich und sogar Indien. Meine Fangemeinde ist sehr engagiert, und ich habe festgestellt, dass viele neue Fans durch mich in die japanische Musik und Kultur eingeführt wurden, was sehr erfreulich ist. Auf den Tourneen scheint es so, als ob neben den Gitarrenfans auch die Japan-Fanatiker merklich gewachsen sind. Es schien also der richtige Zeitpunkt für „Tokyo Jukebox 3″ zu sein. Es gibt auch einen zweiten Grund das Album jetzt zu veröffentlichen. Ich bin in den letzten vier Jahren bei der Eröffnungsfeier des Tokio-Marathons aufgetreten und habe gehofft, etwas Ähnliches für die Olympischen Spiele in Tokio 2020 machen zu können, bevor sie auf 2021 verschoben wurden. Ich wurde bereits gebucht, um beim Marathon im nächsten Jahr wieder zu spielen, und mit etwas Glück hoffe ich immer noch, dass ich das Gleiche bei den verschobenen Olympischen Spielen tun kann, also wollte ich eine Auswahl von Songs zusammenstellen, die jeden, besonders die Athleten, auf eine Art und Weise anfeuern, wie es nur Musik kann.“
Friedman investierte viel Energie in die Auswahl der richtigen Songs für das Album, wie er erklärt:
„In Japan muss man die Erlaubnis für die Aufnahme und Veröffentlichung von Coverversionen einholen, und das kann ein sehr kniffliger und langer Prozess sein. Das Letzte, was ich tun wollte, war, um die Erlaubnis für einen Song zu bitten, die Erlaubnis zu bekommen und ihn dann aus irgendeinem Grund nicht aufzunehmen. Das wäre sehr unhöflich. Also habe ich mehrere Wochen damit verbracht, Songs auszuwählen und sie zu demontieren, um zu sehen, ob ich Versionen erstellen kann, die mich begeistern können, bevor ich überhaupt an irgendwelche Verlage herantrete. Ich kam auf eine kurze Liste von 20 Songs und wählte daraus etwa 15 aus, von denen ich wusste, dass ich mit ihnen wirklich punkten konnte, und machte mich dann daran, die Erlaubnis für die Aufnahmen einzuholen.“
Friedman nahm auch “The Perfect World” auf, iesi geschrieben und ursprünglich 2018 veröffentlicht hatte. iesi st der einzige Track mit Gesang.
“Damals habe ich den Song mit Jean-Ken Johnny von Man With A Mission am Gesang gemacht, und das wurde als Hauptthema für die Netflix-Serie ‘B: The Beginning’ verwendet. Am Tag der Veröffentlichung ging der Song direkt an die Spitze der japanischen iTunes-Charts. Leider gab es, wie es manchmal im Musikbusiness passiert, eine plötzliche Personalumstellung beim japanischen Label, wichtige Leute, die an der Platte arbeiteten, verschwanden plötzlich, und als Ergebnis waren der Song und sein ganzer Schwung einfach verschwunden. Das schien mir eine solche Verschwendung zu sein. Also dachte ich, es wäre eine gute Idee, eine neue Version davon zu machen, mit einer frischen Neuinterpretation, und holte Alfakyun (derzeit eine der führenden J-Pop-Sängerinnen) für den Gesang. Es ist wirklich ein Selbst-Cover, also passt es zu der Idee, dass dies ein Cover-Album ist.”
Friedman hat auch den „Japan Heritage Theme Song“ aufgenommen, eine weitere seiner eigenen Kompositionen, bei der er mit dem Tokyo Philharmonic Orchestra zusammengearbeitet hat.
„Ich wurde von der japanischen Regierung gebeten, einen offiziellen Song zu komponieren, der bei von der Regierung gesponserten Veranstaltungen, die das japanische Erbe feiern, gespielt werden soll. Das war eine große Ehre und es war wunderbar, mit einem so renommierten Orchester zu arbeiten, in dem praktischerweise meine Frau Cello spielt. Das war ein wenig anders als ich es gewohnt bin, denn anstatt den Leuten von der Plattenfirma ein fertiges Stück vorzuspielen, musste ich japanischen Regierungsbeamten gegenübertreten. Ich erinnere mich, wie ich in ihre steinernen Gesichter schaute, nachdem sie es gehört hatten, und schwitzte in Erwartung ihrer Reaktion. Zum Glück gefiel ihnen, was ich gemacht hatte. Ich hatte das Gefühl, dass dies ein großartiger, erhebender Weg war, das Album abzuschließen.“
Ein Großteil der Aufnahmen fand in den Power House Studios in Tokio statt. Neben Friedman, der auch als Produzent fungierte, nahmen auch Bassist Kiyoshi und Schlagzeuger Anup Sastry teil.
„Kiyoshi ist seit etwa sechs Jahren in meiner Band und hat alle meine Touren und Aufnahmen mitgemacht. Sie ist ein Kraftpaket, und ich habe ehrlich gesagt noch nie jemanden gesehen, der den Bass so hart schlägt wie sie, vor allem, wenn er mit meiner Art von anspruchsvoller Musik mithalten kann. Anup war Mitglied von Skyharbor (einer indischen/amerikanischen Progressive-Metal-Band) und war auf meinen letzten drei Alben zu hören. Auch er ist einfach nur phänomenal.
Der Aufnahmeprozess begann im Januar 2020 und sollte im März enden, mit einer Veröffentlichung im Mai. Aber dann schlug die Pandemie zu und alles wurde nach hinten geschoben. Plötzlich hatte ich keine feste Deadline mehr, um das Album fertigzustellen, also konnte ich mir Zeit lassen, was ein Geschenk des Himmels war. Das bedeutete, dass ich die Musik weiter überarbeiten und alles verbessern konnte. Am Ende dauerte es mehrere Monate, bis das Album fertig war, aber es war gut investierte Zeit. Ich glaube, die Musik ist so viel besser geworden, weil ich nicht unter Termindruck stand.“
Gemischt wurde Tokyo Jukebox 3 von Jens Bogren in seinen eigenen Fascination Studios in Schweden. Er ist jemand, zu dem Friedman größtes Vertrauen hat. „Jens hat meine letzten drei Alben gemacht. Ich mag die Art und Weise, wie er die Platten mischt. Aus irgendeinem Grund scheinen amerikanische und europäische Toningenieure, wenn es um das Abmischen eines Albums geht, einen Vorteil gegenüber vielen japanischen Mischern zu haben, wenn es um moderne Heavy Music geht. Jens ist seit langem einer der Besten in diesem Geschäft. Er weiß, was ich will, und ich weiß, dass er es zu meiner Zufriedenheit machen wird.“
Martys bemerkenswerte Liebe zum Detail bei diesem Album geht jedoch über die Musik hinaus. Werfen Sie einen Blick auf das Cover. Das ist der Mann selbst, und er war entschlossen, es so authentisch wie möglich aussehen zu lassen. „Ich muss zugeben, dass es ein höllischer Prozess war. Es hätte leicht wie ein Kerl in Frauenkleidern und damit ziemlich dumm aussehen können. Man braucht schon eine sehr ernsthafte Einstellung und Herangehensweise, um das richtig hinzubekommen. Bei den ersten beiden ‚Jukebox‘-Alben hatte ich Kabuki-Make-up aufgelegt. Es wurde überhaupt kein Photoshop verwendet, und genau deshalb kamen sie auch ziemlich gut heraus. Diesmal musste ich das, was vorher gemacht worden war, noch verbessern. Ich holte mir die absoluten Top-Profis auf dem Gebiet der traditionellen japanischen Kimonos und des Make-ups, um sicherzustellen, dass wir etwas hatten, das nicht nur so authentisch wie möglich aussah, sondern auch auf die richtige Weise auffiel. Ich glaube, wir haben einen Volltreffer gelandet.”
Friedman, der am Neujahrstag ein komplettes Live-Streaming-Konzert zur Feier der „Jukebox“-Reihe gab, wird Anfang 2021 mehrere Shows in Japan spielen, um das neue Album zu promoten, und hofft, dass er auch die Möglichkeit haben wird, die Show in weitere Länder zu bringen.
„Natürlich müssen wir abwarten und sehen, was mit dem internationalen Reiseprotokoll passiert. Aber ich kann es kaum erwarten, wieder auf Tournee zu gehen. Ich vermisse es wirklich furchtbar.“
In der Zwischenzeit können wir alle die Früchte seiner Arbeit auf „Jukebox 3“ genießen, wo Friedman J-Pop-Hits (von Künstlern wie Da Pump, Momoiro Clover Z, Sekai No Owari und Little Glee Monster) nimmt und sie mit seinen eigenen charismatischen Interpretationen versieht.
„Ich bin so glücklich mit der Art und Weise, wie es geworden ist. Und ich bin auch dankbar dafür, wie es bisher aufgenommen wurde. Die Reaktion war fantastisch. Die Aufnahmen waren eine wahre Freude.“
MARTY FRIEDMAN ‚TOKYO JUKEBOX 3‘ – erhältlich ab dem 16.04.2021 als CD, Red Vinyl und digital!
Pre-Order Link: https://smarturl.it/MartyFriedman-MLG
Mehr Infos unter:
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Das dänisch-schwedische Quartett VOLA meldet sich mit einem neuen Studioalbum zurück. Auf “Witness“ präsentieren sie ihre ikonische Mischung aus futuristischem Progressive Rock, Electronica und modernem Metal, gekrönt von klaren, schönen Gesangslinien. Ihr drittes Studioalbum ‚“Witness“ wird am 21. Mai 2021 über Mascot Records veröffentlicht.
Vorab gibt es mit “Straight Lines“ eine neue Auskopplung aus dem Album inklusive Video:
Der Grammy-nominierte Jacob Hansen (Volbeat, Delain) inspirierte VOLA dazu, mit ihren vielseitigen Fähigkeiten ein sehr zeitgemäßes, atmosphärisches Album aufzunehmen.
Es gibt immer eine unterschwellige cineastische Ästhetik bei VOLA. Die Band vermag es den Hörer zu fesseln um immer tiefer in die Sounds und Geschichten der Songs einzutauchen.
„Wenn ich das näher betrachte, folgt das Scheitern auf unerwiderte Liebe, Unsicherheit, Trauer und manipulatives Verhalten. In Verbindung mit dem Titel des Albums, könnte man die porträtierten Charaktere in den Songs als Zeuge betrachten. Sie sehen den Zerfall der Bindungen die sie im Laufe ihres Lebens mit anderen Menschen eingegangen sind“, sagt Gitarrist und Sänger Asger Mygind.
Mit dem Video zum Album-Opener “Straight Lines“ veröffentlicht die Band ein weiteres atemberaubendes Video. Über den Song sagt Mygind: “Stelle Dir jemanden den vor, der auf der Flucht vor den Behörden ist. Es wird immer schwieriger für ihn, sich zu verstecken, wofür ‘running low on straight lines’ als Metapher steht. Er/sie kann nicht einfach den direkten Weg wählen, sondern muss kreativ sein, um zu entkommen. Ob die Jagd real ist oder nur im Kopf der Person stattfindet, sollte eine offene Frage an den Zuhörer sein.“
Bereits im November 2020 veröffentlichten VOLA mit “Head Mounted Sideways“ einen ersten Vorgeschmack auf ihr neues Album. Der Song bietet mit erdrückenden Riffs und eindringlich schöner Melodie, die musikalische Komplexität, die zum Markenzeichen von VOLA geworden ist. “Head Mounted Sideways“ ist eine weitere Metapher für das Wegschauen“, sagt Asger Mygind. „Ich hatte keinen Plan für den Text, aber sobald ich wusste, dass ich Wut vermitteln wollte, war es intuitiv, über den Niedergang der Zivilisationen zu sprechen, und darüber, dass keiner die Verantwortung dafür übernimmt. Es geht mir nicht unbedingt um die Erde im Jahr 2020. Ich will das Bild einer Welt vermitteln, die auf einer fehlerhaften Moral aufgebaut ist. Einer Welt die aufgrund der Risse im Fundament zerbröckelt und zusammenbricht.”
Video zu “Head Mounted Sideways“:
Die Songs für das neue Album wurden kurz nach ihrer Rückkehr von ihrer 2019er Headline Tour durch Europa geschrieben, die mit einer Reihe ausverkaufter Konzerte einherging. Zuvor hatten VOLA mit Dream Theater, Anathema, Katatonia, Haken, und Monuments getourt und Auftritte beim Euroblast, Ramblin‘ Man Fair, Radar Festival, Bloodstock, Damnation Fest und Tech Fest absolviert.
Das Album Artwork soll Titel und Themen der Platte widerspiegeln. Mygind erläutert: “Das Cover des Albums hat den Titel weitgehend inspiriert. Für mich könnte das Bild entweder die Nahaufnahme eines Auges oder ein herausgezoomtes Bild von etwas Brennendem darstellen. Im Falle des Auges stelle ich mir vor, dass es zu jemandem gehört, der Zeuge eines Ereignisses wird. Etwas Großes und Lebensveränderndes. Im Falle des Brennens ist es der Betrachter des Covers, der zum Zeugen wird. Oder vielleicht ist das Brennen das, worauf das Auge schaut. Wie auch immer ich es betrachte, das Konzept des Zeugenseins scheint in dem Artwork sehr präsent zu sein.“
Jeder Song präsentiert seine einzigartigen Charaktere, einige sind fiktiv, andere wurden von realen Ereignissen inspiriert. “24 Light-Years“ folgt jemandem, der nach einem verschwundenen Verwandten sucht – sind sie verschollen/verstorben? Freak befasst sich mit Unsicherheit und Macht, “Napalm“ stellt eine gescheiterte Beziehung und die darauf folgende Reue und das Bedauern dar, während “Stone Leader Falling Down“ Mobbing und den Missbrauch von Macht beleuchtet und “Inside Your Fur“ erforscht die Schattenseiten der Nostalgie.
“Future Bird“ ist eine herzzerreißende Geschichte, die auf wahren Begebenheiten beruht. „Die Idee zu diesen Texten kam mir, nachdem ich einen Facebook-Post von einem Paar gelesen hatte, das ein ungeborenes Kind verloren hatte. Sie erzählten von der Schwangerschaft und ihren Emotionen, die sich auf dieses menschliche Wesen richteten, das sie nie kennenlernen durften.“ Asger fährt fort: „Der Future Bird ist eine Metapher für das Kind, das nie die Chance bekam, erwachsen zu werden um der Welt seinen Stempel aufzudrücken.“
“These Black Claws“ ist eine Metapher für die Sucht und die Erfahrung, durch die Dunkelheit zurückgezogen zu werden. Der Song entstand in Zusammenarbeit mit dem Electronic/Hip-Hop Duo SHAHMEN. Sänger Bless steuerte den gesamten Text für seine Strophe bei. „Ich denke, dass sein Gesang einen dämonischen Vibe beisteuert und dem Track gleichzeitig Groove verleiht”, meint Asger Mygind zur Co-operation.
Wie schon beim Vorgänger Album “Applause Of A Distant Crowd“, schaffen VOLA eine Art filmische Ästhetik mit ihrer Musik, die es dem Hörer erlaubt, ein losgelöster Beobachter zu sein, aber ihn auch immer tiefer in den Bann zieht.
VOLA sind Asger Mygind (Gesang, Gitarre), Martin Werner (Keyboards), Nicolai Mogensen (Bass) und Adam Janzi (Schlagzeug).
Check out more about VOLA here:
www.volaband.com/
www.facebook.com/volaband/
www.twitter.com/volavand/
Nach seinen Händel-Produktionen SAMPLING BAROQUE (Händel Festspiele Halle) und STILL SEMELE (Kölner Philharmonie) entwickelt Burak Özdemir mit HÄNDEL MORPHINE ein neues Werk, welches ausschließlich auf den Opern von Georg Friedrich Händel basiert.
„Händels Arien gelten als die zeitlosesten Songs der europäischen Musikkultur. Drei Jahrhunderte später spricht diese Musik immer noch unsere Seele und unsere tiefsten Gefühle an, völlig Zeit unverhaftet“ sagt Özdemir. HÄNDEL MORPHINE ist eine Auswahl von zwölf meditativen Opernarien in einer Fassung für Sopran, Solofagott und Barockensemble von Burak Özdemir.
Das Pasticcio war im 18. Jahrhundert eine gängige Praxis, da es in der Barockzeit kein Urheberrecht gab. Komponisten verwendeten vorhandene Musikstücke für eine neue Oper oder stellten sie zusammen, um ein neues Werk zu erstellen.
Händel schuf mehrere Pasticci. Zusammenstellungen wurden nach Händels Tod negativ bewertet, aber heute werden sie sehr geschätzt.
Für sein Projekt HÄNDEL MORPHINE schuf Özdemir ein einzigartiges Pasticcio und komponierte eigene Interludien, um diese Songs miteinander zu verbinden. Die Atmosphäre des Albums schafft einen subtilen und spirituellen Zustand der Schwerelosigkeit und des Gleichgewicht.
Özdemir möchte den Hörer durch hochkonzentriertes Zuhören in utopische Fantasielandschaften entführen, in die Verletzlichkeit und Schönheit des Tagträumens.
Album Hören
https://soundcloud.com/burak-music/sets/morphine/s-gYopF
Özdemir erklärt den kreativen Prozess mit eigenen Worten: „Die Pandemie hat die Rotation der Welt gestoppt. Die Menschheit ist einer ernsthaften Prüfung unterzogen. Musik war schon immer der Begleiter, die in dunklen Tunneln unseren Weg beleuchtet hat. MORPHINE war eine schmerzhafte Geburt für mich.
Ich hatte Sorgen, es in so schwierigen Zeiten zu veröffentlichen. Aber mir wurde klar, wie gut mir dieses Album tut, als ich es von Anfang bis Ende anhörte. Es hat mir neue Energie gegeben. Genau deshalb habe ich beschlossen, nicht mehr zu warten. Ich möchte, dass diese Musik die Menschen tröstet, besonders in diesen herausfordernden Zeiten.“
Der deutsche Aufnahmeproduzent Christian Jaeger und Burak Özdemir haben bereits gemeinsam mehrere Alben von Musica Sequenza produziert, darunter den Bestseller BACH: THE SILENT CANTATA und RAMEAU A LA TURQUE sowie SAMPLING BAROQUE / HÄNDEL. Die Berliner Sopranistin Margret Bahr des Albums war auch Solistin in Özdemirs interdisziplinärer Bach-Produktion ATLAS PASSION.
Das Cover, Artwork und Videomaterial wird vom niederländischen Designer Daniel Mulder gestaltet. Das Studio Daniel Mulder hat auch bei den früheren Projekten von Musica Sequenza wie HERMES, DEVAS und OPIUM als Art Director gearbeitet.
Making of Video
„Händel sollte heute von Künstlern als Vorbild genommen werden, insbesondere wenn sie Angst haben größere Produktionen zu schaffen. Händel hat für seine Opern intensive Arbeit geleistet. Er ging Risiken ein. Es gab Zeiten, in denen sehr gut er verdiente, in anderen Zeiten machte er große Verluste.
Aber er folgte immer seiner Vision, blieb sich treu und hat ein immenses, wegweisendes Werk hinterlassen. MORPHINE ist dritte Produktion von Musica Sequenza mit Musik von Händel. Alle drei Projekte basieren auf Händels Opern. Dafür gibt es zwei eindeutige Gründe: Farbe und Drama. Ich bin persönlich ein großer Fan von Händels Instrumentierungskunst, durch die er eine ungehörte Farbigkeit entwickelte. Er hatte keinen Zugang zu der digitalen Technologie, mit der ich heute meine neuen Sounds kreiere, aber er hat sein Orchester definitiv an seine Grenzen gebracht.
Was das Drama betrifft, sind Charaktere im Allgemeinen musikalisch nie einfach zu schaffen. Jeder benötigt einen eigenen Ton, um dem Publikum zu helfen, die Erzählung auf der Bühne zu verfolgen.
Jeder Oper Händels ist eine einzigartige Schreibweise und ein eigener Stil zu eigen. Dadurch ist jede und jeder Charakter unglaublich einzigartig. Dies half nicht nur, dass die dramatischen Effekte enorm waren, sondern auch, dass die Charaktere definiert und sehr lebendig wurden. Ich bin in diesem Aspekt in seine Fußstapfen getreten, als ich nach neuen Affekten gesucht habe. Es gibt immer etwas Neues und Inspirierendes zu entdecken, wenn wir in einer Händel-Partitur blättern.“ erklärt Özdemir.
HÄNDEL / MORPHINE ALBUM TRACKLIST
1. Symphony by Burak Özdemir
2. O thou bright sun
3. With darkness deep as is my woe
4. Non chiedo oh miei tormenti
5. Interlude I by Burak Özdemir
6. Ma quai note di mesti lamenti
7. Interlude II by Burak Özdemir
8. Stille amare
9. Senti bell idol mio
10. Son nata a lagrimar
11. Guardian angels oh protect me
12. Ombra cara
13. Voi che udite il mio lamento
14. Addio mio caro bene
15. Interlude III by Burak Özdemir
16. Bonus: Haec est Regina virginum
HÄNDEL MORPHINE
MiDi BiTCH präsentiert neues Album „GLEiTZEiT“, VÖ: 10.12.2020
Lange war es still um MiDi BiTCH aka Fredy Engel. Das letzte Album „Kosmische Musik II“ (Kritik hier…) liegt jetzt schon 10 Monate (!) zurück. Für MiDi BiTCH Verhältnisse sind 10 Monate schon eine Ewigkeit, bedenkt man das der vorherige Output bei ca. einem Release pro Monat lag.
Man kann diese Pause ja auf Corona schieben, wie vieles heutzutage, aber vielleicht war eine Pause ja einfach mal nötig, um sich neu zu sortieren und/oder ein Label zu finden, das endlich MiDi BiTCHs Musik der breiten Öffentlichkeit präsentiert. Doch dazu später mehr.
Der neueste Release heißt „GLEiTZEiT„, und eins fällt sofort auf: Zum ersten Mal seit langen gibt es keinen Bezug zum Begriff „Kosmos“, der die letzten Veröffentlichungen so sehr kennzeichnete, sei es „Kosmische Musik II“, „Kosmose“, „Kosmophobie“ oder „Kosmischer Nebel“, um nur einige Beispiele zu nennen. Doch wer genau hinsieht, wird auch hier eine Verknüpfung zum Thema „Kosmos“ finden.
Zwar nicht so direkt im Wort „GLEiTZEiT„, wobei sich auch dies auf den Kosmos beziehen könnte, denn letztendlich gleiten alles durch Raum (Kosmos) und Zeit dahin. Nein, der genaue Blick auf das Cover offenbart nicht nur den Blick auf einen von Kratern übersäten Himmelsstern (der Mond vermutlich), sondern auch in großen Buchstaben das Wort KOSMOS. Und auch die Songtitel verweisen auf das Überirdische, ja kosmische.
MiDi BiTCH: „GLEiTZEiT“ (YouTube)
Musikalisch bleibt sich MiDi BiTCH treu. Spacig chillige Elektronik- und Ambient-Musik, irgendwo zwischen Klaus Schulze, Tangerine Dream, Jean-Michel Jarre und Wolfgang Riechmann. Musik für noch nicht gedrehte Science-Fiction-Filme oder auch sehr gut als Veredlung für die Space-Night im Bayrischen Rundfunk gedacht.
MiDi BiTCH selbst bezeichnet das Ganze so: „GLEiTZEiT is a retro-futuristic journey for all electronic psychonauts and armchair voyagers. Imagination is the main instrument that I use. Stay kosmisch“.
Dem kann ich als alter Psychonaut (so bezeichnen sich eigentlich alle Motorpsycho Fans) nur hinzufügen: Stimmt, so würden Motorpsycho klingen, würden sie elektronische Musik machen. Ohne Gesang versteht sich. Und das ist mehr als nur als Kompliment zu verstehen. Großartige Sphärenmusik nicht nur für das Hier und Jetzt sondern auch für die Zukunft.
„GLEiTZEiT“ ist bislang nur digital erhältlich (midibitch.bandcamp.com/album/gleitzeit). Ob das Album auch auf anderen digitalen Plattformen wie Spotify, Google Play, iTunes und Deezer verfügbar ist, scheint nicht ganz klar zu sein.
Doch eins ist sicher, der nächste Release „Transkosmos“ steht in den Startlöchern und soll noch in diesem Monat auf dem argentinischen Label CYCLICAL DREAMS veröffentlicht werden. Zwar noch nicht auf Vinyl, aber der Anfang ist schon mal gemacht. Vielleicht werden ja auch noch weitere Labels auf MiDi BiTCH aufmerksam und veröffentlichen vielleicht auch irgendwann einmal den ganzen Backkatalog und auch das eine oder andere Schätzchen auf dem so wert geschätzten Vinyl, wer weiß?!
(Smilo)
Website: midibitch.bandcamp.com
More Info:
midibitch.bandcamp.com/album/gleitzeit
www.instagram.com/midibitch/
YouTube
MIDI BITCH Spotify
Das neue Schüchtern-Album „Luft nach unten“ mit 12 neuen Songs ist erhältlich
Wie alles begann: Wir befinden uns im Jahr 2009 n. Chr. Ganz Deutschrockland dümpelt mit seinem Grafen unter dem fahlen Lichte des Silbermondes am Rande der schlagerartigen Belanglosigkeit vor sich hin. Doch in einem kleinen Örtchen vor den Toren von Mainz hat sich Sebastian, der schüchterne Ritter, in sein Studio zurückgezogen, um dem ein Ende zu setzen.
„Es muss doch möglich sein, anspruchsvolle Texte mit Witz zu schreiben und diese mit eingängigen Refrains und Musik, die nach vorne geht, zu kombinieren“, denkt er sich und beginnt mit seiner kompositorischen Arbeit. Nur wenige Tage später sind die ersten Titel fertig und werden Freunden und Bekannten präsentiert. Die Resonanz ist, für den schüchternen Ritter fast schon erschreckend, ausgesprochen gut!
So gut, dass allen klar wird, dass die Songs eigentlich viel zu schade dafür sind, nicht live gespielt zu werden. So ergibt sich die nächste Aufgabe: zwar ist der Ritter als Begleitmusiker in diversen Bands äußerst erfahren, als Frontmann ist er jedoch noch nie aufgetreten. „Originelle Ansagen zwischen den Titeln als fester Bestandteil des Konzertes? Mit dem Publikum direkten Kontakt aufnehmen, es mitreißen und eine fesselnde Liveshow auf die Beine stellen? – Dafür bin ich doch viel zu schüchtern!“
So verschwanden die Songs dann wieder in der Schublade des schüchternen Ritters und er konzentrierte sich wieder auf die Arbeit als Begleitmusiker.Wie es dann wirklich losging. Im Jahre 2014 begab es sich, dass Sebastians langjährige Verpflichtung in einer Band endete, ebenso die von seinen Mitmusikern Daniel Franz und Uwe Charissé. Schnell war man sich einig, dass man unbedingt weiterhin musikalisch zusammenarbeiten wolle. Es war die Zeit gekommen, die Songs wieder aus der Schublade zu holen und live einzuproben.
Das Konzept lag auf der Hand: Es war kein geübter Frontmann verfügbar, daher wurden eventuelle Missgeschicke oder Unsicherheiten bei der Moderation in das Konzept verwoben – Schüchtern eben! Erste Probekonzerte wurden organisiert, anfangs noch in privatem Rahmen im Proberaum mit geladenen Gästen. Schnell sprach es sich herum, dass es dort etwas Besonderes zu sehen gäbe, sodass direkt mehrere Wiederholungen innerhalb weniger Wochen angesetzt werden mussten.Die Zeit war reif an die Öffentlichkeit zu gehen! Neue Songs wurden geschrieben, das Programm auf einen abendfüllenden Umfang erweitert und geprobt. Im Dezember 2014 fand dann am ersten Weihnachtsfeiertag das erste öffentliche Konzert im Mainzer Kultclub Caveau statt.
Zu Beginn spielte Schüchtern hauptsächlich im Rhein-Main-Gebiet, zunächst in Clubs, um sich nach und nach eine steigende Bekanntheit zu erarbeiten. Seit dem Jahr 2016 kamen dann erste Buchungen für Festivals und andere Veranstaltungen hinzu, sodass Schüchtern mittlerweile in dieser Region auch für nicht spezialisierte Konzertgänger zu einem Begriff wird.Im Dezember 2017 ist das erste Album „Wir sind Schüchtern“ mit 13 komplett neu produzierten eigenen Titeln erschienen. Es erhielt zahlreiche positive Reaktionen in Presse, Radio und anderen Medien.
Viele unterstützende Hände, vom Videoproduzenten über Fotografen bis hin zu Roadies, Mixer und Merchandiser helfen dabei mit, dass Schüchtern auch weiter in diese Richtung arbeiten kann, um möglichst vielen Menschen ein Schmunzeln ins Gesicht zu zaubern. Denn das ist ihnen bisher bei allen Konzerten gelungen! Sie sind Schüchtern: Daniel Franz, Sebastian Ritter, Uwe Charissé.
Ihre neue CD „Luft nach unten“ ist nun erhältlich und kann hier bestellt werden: https://shop.wirsindschuechtern.de/
Schüchtern – Luft nach unten
https://www.youtube.com/user/wirsindschuechtern
http://wirsindschuechtern.de/
Jean-Michel Jarre läutete das neue Jahr mit einem revolutionören Live-Stream-Konzertspektakel ein, das in der virtuellen Umgebung des weltbekannten Wahrzeichens Paris, der Kathedrale Notre-Dame, stattfand. Die Live-Show kombinierte lebensechte Konzertvisualisierungen in Virtual Reality (VR) mit einer realen Live-Performance im Studio. Die bahnbrechende Produktion ließ viele Zuschauer fragen, welche Teile real und welche virtuell waren.
Jean-Michel Jarre trat live aus dem Studio Gabriel in der Nähe der Kathedrale in Paris auf, während sein Avatar im Inneren einer virtuellen Notre-Dame spielte. Das 50-minütige Konzert – mit Tracks aus Jarres jüngstem GRAMMY-nominierten Werk Electronica sowie neuen, überarbeiteten Versionen seiner Klassiker Oxygène und Equinoxe – gab der Welt einen virtuellen Einblick in das legendäre Wahrzeichen auf eine futuristische und festliche Weise.
„Welcome To The Other Side“ wurde in der Silvesternacht in Zusammenarbeit mit VRrOOm, der Stadt Paris und unter der Schirmherrschaft der UNESCO produziert – und wurde zum offiziellen Mitternachtsbild und Countdown aus Paris. Die European Broadcasting Union (EBU) stellte die Veranstaltung ihren nationalen TV- und Radiopartnern in aller Welt kostenlos zur Verfügung.
Bislang wurde das Konzert von 75 Millionen Zuschauern und virtuellen Partygängern auf der ganzen Welt gesehen. Die Zuschauerzahlen stammen von verschiedenen Plattformen, darunter die VR-Plattformen VRChat und Oculus Venues, nationales und internationales Fernsehen und Radio, Social Media Plattformen wie Facebook, YouTube, Twitter, Weibo, Bilibili und Douyin.
Der Mitschnitt des Konzerts ist ab sofort auf allen Musik-Streaming-Plattformen unter dem Titel WELCOME TO THE OTHER SIDE – LIVE verfügbar: https://JMJ.lnk.to/WTTOSAW
Das 50-minütige Mixed-Media-Projekt wurde in rekordverdächtigen drei Monaten von einem Team aus fast hundert Künstlern und Technikern entworfen. Die bauten Notre-Dame de Paris nach und schafften ein Meisterwerk, das eine Vielzahl von Formaten und Fähigkeiten vereint.
Für „Welcome to the Other Side“ hat sich Jarres visionäre Kreativität mit den VR-Designern und -Entwicklern von VRrOOm zusammengetan, um ein Konzertspektakel zu kreieren, das seinen unvergesslichen-Auftritten unter freiem Himmel in nichts nachsteht und heute schon neue Maßstäbe für die Musikunterhaltung von morgen setzt.
SOCIAL MEDIA:
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https://www.facebook.com/jeanmicheljarre
Einen guten Start ins neue Jahr wünschen wir. Wisst ihr noch 2020, als Fatoni und Edgar Wasser am 31.12. ihr neues Video „Realität veröffentlichten?
Kannste dir nicht ausdenken: Fatoni & Edgar Wasser versuchen die „Realität“ des Jahres 2020 zu verdauen, liefern damit den ersten Hit für 2021 und kündigen ganz nebenbei ihre Rückkehr als Duo an. Sieben Jahre nach „Nocebo“ wird im Frühjahr „Delirium“ erscheinen, das zweite gemeinsame Album, an das längst niemand mehr zu glauben wagte. Fatoni und Edgar Wasser rappen endlich wieder zusammen.
Fatoni & Edgar Wasser „Realität“
Kreator werden am 26. Februar 2021 das Box-Set „Under The Guillotine“ veröffentlichen. Die Veröffentlichung erscheint in diversen Konfigurationen und deckt die erste Dekade des Schaffens der legendären deutschen Metal-Band ab.
Kreator lassen die spannenden und aufregenden Anfangsjahre ihres Schaffens am 26. Februar 2021 mit dem Box-Set „Under The Guillotine“ noch mal neu aufleben. „Under The Guillotine“ ist die definitive Sammlung von Kreators legendären Noise Records Jahren und beinhaltet die Alben „Endless Pain“ (swirl Vinyl mit original Artwork und Inner Sleeve), „Pleasure To Kill“ (splatter Vinyl mit original Artwork und Inner Sleeve), „Terrible Certainty“ (splatter Vinyl mit original Artwork und Inner Lyrics Sleeve), „Extreme Aggression“ (half/half Vinyl mit original Artwork und Inner Lyrics Sleeve), „Coma Of Souls“ (splatter Vinyl mit original Artwork und Inner Lyrics Sleeve), sowie „Renewal“ (swirl Vinyl mit original Artwork und Inner Lyrics Sleeve).
Außerdem liegt dem Box-Set die „Some Pain Will Last“ DVD bei (beinhaltet die ‘From The Vault’ Mini-Doku, plus zwei bisher unveröffentlichte Audio Live-Konzerte und einen Andy Sneap-Remix von ‚Live In East Berlin 1990‘).
Teil der Box ist darüberhinaus ein 40-seitiges Fotobuch, eine Neuauflage der „End Of The World“ Demo-Kassette und ein USB-Stick mit dem kompletten Audio-Inhalt in Form des Kreator-Dämons. Weitere Konfigurationen sind ein 18-Track-Doppel-Vinyl sowie eine 30-Track-Doppel-CD.
Kreator – Betrayer (Musikvideo)
Kreator gründeten sich Anfang der 1980er Jahre in Essen und gelten als einflussreichste und erfolgreichste Thrash-Metal-Band Europas. Im Januar 2017 schaffte die Band um Sänger, Gitarrist und Songschreiber Mille Petrozza mit dem aktuellen Album „Gods Of Violence“ erstmals in ihrer Karriere den Sprung auf Platz 1 der deutschen Albumcharts.
Im Februar 2020 erschien das Live-Album „London Apocalypticon – Live at the Round House“. Im März 2020 veröffentlichten Kreator mit „666 – World Divided“ eine brandneue Single. Aktuell arbeiten Mille Petrozza und co. an einem neuen Studioalbum.
Manchmal reicht eine Minute, damit man sich nicht wiedererkennt. Im einen Moment reitet man in Arizona durch die Wüste und plötzlich sitzt man sich selber fremd im heimischen Wohnzimmer gegenüber. Mit der Single „In a Minute“ thematisieren INEZ diese Weggabelungen des Lebens. Frontfrau Ines Brodbeck wünscht sich an einen Ort fernab der Zeit und taucht tief ins Klangbad ein.
Im Pool treiben Granatäpfel, Symbole der Fruchtbarkeit, und in der Musik flirren die Hallfahnen. „My time will be mine“ singt Brodbeck und klingt dabei so zeitlos wie erhaben. In den scheppernden Gitarre lässt Ennio Morricone grüssen, im kräftigen Karminrot des Mantels David Lynch. Und dann steckt sie ein Gitarrenkabel in den Granatapfel – und ein musikalisches und farbliches Kaleidoskop explodiert.
INEZ „In a Minute“ (Official music Video)
Ausschnitt aus dem Premiere-Artikel von Everything Is Noise:
„Americana music has the distinct ability to teleport the listener to an entirely different place. While the genre tends to incorporate plenty of different forms of roots music, it often manages to evoke interesting feelings of nostalgia that can point back to a certain time period of American history. It encapsulates the emptiness and wonder of the wide grassy plains and deserts found in parts of America (and also fits in nicely as the theme song for plenty of true-crime TV shows and podcasts). Even today, artists like INEZ have found ways to make a genre based on early American music sound fresh.“
Hier geht’s zum ganzen Artikel
„In A Minute“ stammt vom Album NOW (2019)
http://inez-music.com
https://www.facebook.com/inezsound
https://www.instagram.com/inez_sounds/
https://www.youtube.com/INEZmusic5
The Beauty Of Gemina veröffentlichen offizielles Video zu „Friends Of Mine“ – aus dem aktuellen Album „Skeleton Dreams“
Seit dem 04. September ist das neue Album „Skeleton Dreams“ von The Beauty Of Gemina nun veröffentlicht und es konnten vorab schon einige offizielle Videos gezeigt werden. Mit „Friends Of Mine“ legen
The Beauty Of Gemina jetzt noch mal mit dem offiziellen Video zur 4. Single Auskopplung nach, hier zu sehen:
Mehr als zwei Jahre sind seit dem letzten und wegweisenden Album Flying With The Owl vergangen. Zwei Jahre, die geprägt waren von vielen Highlights, umjubelten Konzerten und Tourneen, welche die Band bis nach Südamerika und Mexico geführt haben, aber auch zwei Jahre voller einschneidender Erlebnisse.
So war es im Frühling 2019, als sich Mastermind und Kopf der Band Michael Sele völlig überraschend einer großen und komplizierten Herzoperation unterziehen musste, alles für Wochen und Monate aus den Fugen geraten war, nichts mehr so sein sollte wie bisher.
Dies alles sollte Zeit brauchen und wollte verarbeitet werden, doch dem Stillstand und der kräftezehrenden Genesung folgte eine Zeit voller Produktivität und Kreativität. Für sein Schaffen als Musiker, Komponist und Sänger erhielt Michael Sele im Herbst 2019 den Gonzen-Kulturpreis. Anfang dieses Jahres wurde mit der bekannten deutschen Schauspielerin Katharina Thalbach die viel beachtete musikalische Bühnenlesung «Schatten über dem Nichts» realisiert und an renommierten Schweizer Theatern uraufgeführt.
Gleichzeitig arbeitete der umtriebige Songschreiber voller Elan an neuen Songs und Texten und fast genau 18 Monate nach dieser jähen Zäsur präsentierte Michael Sele zusammen mit seiner Band The Beauty Of Gemina mit „Skeleton Dreams“ am 04.09.2020 das bereits neunte Studioalbum der Bandgeschichte. Zwölf neue Songs, ein eigener Remix und einer von Sele’s seltenen Coversongs stehen ganz im Zeichen der über die Jahre entstandenen unverkennbaren und faszinierenden Mixtur aus melancholischem Wave, warmem hypnotischem Blues und erdigem Indie Folk.
Songs voller Lebensenergie und Intensität, mal kraftvoll, mal sphärisch, mal beinahe jungfräulich, aufs absolute Minimum reduziert, dabei aber immer druckvoll und immer von poetischer Tiefe.
Die Songs werden getragen von Michael Sele’s angenehm dunkel timbrierter Stimme und seinem, in jeder Note spürbaren, Charisma.
Selten waren die Stimme so facettenreich und präsent, die Melodien öffnender, einnehmender und dennoch eigenwillig, voller Gegensätze, die Songstrukturen und Arrangements vertrauter, eingängiger ohne dabei ihre Unberechenbarkeit und Eigenständigkeit einzubüßen. Es ist viel passiert in den letzten bald 15 Jahren. Mehr als 250 Konzerte in 25 Ländern findet man mittlerweile in der Live Historie der Band. Die Sound- und Klangwelten, sowie das Band Line-up, wurden mit jedem Album verändert, angepasst und die stetig gewachsene und über den Globus verteilte treue Fangemeinde immer mal wieder auch auf die Probe gestellt.
Dies alles hat Spuren hinterlassen und hat, kumuliert mit der Grenzerfahrung im letzten Jahr, zweifelsfrei dazu geführt, dass Michael Sele mit „Skeleton Dreams“ ein außergewöhnliches Album gelungen ist. Ein Werk, welches einen besonderen Platz in der The Beauty of Gemina Diskographie einnehmen wird.
Aufgenommen, abgemischt und produziert wurde traditionell von Michael Sele in Eigenregie im eigenen Tonstudio in den Katakomben des Alten Kinos in Mels, einem schönen Kleintheater im beschaulichen Mels am Fusse des imposanten Pizolgebietes, seit Jahren Heimat und Kreativwerkstatt des Musikers. Im Studio mit dabei waren der langjährige Weggefährte und Freund, der Multi-Instrumentalist Philipp Küng, welcher das erste Mal zusätzlich als Co-Produzent mitwirkte, TBOG Urgestein Mac Vinzens am Schlagzeug und der langjährige Livebassist Andi Zuber.
Weiter aktuell…
Offizielles Video zu „Apologise“:
Offizielles Video “The World Is Going On“:
Offizielles Video „A Night Like This“:
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Webseite: www.thebeautyofgemina.com
Mit „Children“ landete Robert Miles 1996 einen Welthit: In Deutschland hielt sich die Single ganze sieben Wochen an der Spitze der Charts, wurde insgesamt mehr als 1,8 Mio. mal verkauft und wurde weltweit mit 3x Gold und 7x Platin ausgezeichnet.
Das DJ & Producer Duo Tinlicker haben sich der Nummer angenommen und eine zeitgemäße, frische Tranceversion produziert.
Tinlicker aka. Jordi van Achthoven und Micha Heyboer, Gründer von Tinlicker machen seit 2013 zusammen Musik und sind aus der internationalen Tranceszene nicht mehr wegzudenken.
Ihr wohl bekanntester Track „Because You Move Me“ hat bei Spotify mehr als 24 Mio. Streams und sie remixten bereits Singles von u.a. deadmau5, Lane8 und James Zabiela & Reflects .
Tinlicker x Robert Miles – „Children“ holt die Hörer ab der ersten Sekunde ab und nimmt sie mit in eine melancholische Trancewelt und wird ab dem 27.11.2020 überall als Stream und Download erhältlich sein.
TINLICKER X ROBERT MILES
Children (Single)
Label: Kontor Records
VÖ: 27.11.2020
SCOOTER trotzen dem Jahr auch weiterhin und hauen nach FCK 2020 direkt den nächsten Hit raus!
Brachiale Shouts von H.P. Baxxter und eine massiv treibende Produktion versprechen schon jetzt, ein absoluter Scooter-Klassiker zu werden!
Gleichzeitig ist PAUL IS DEAD der erste Vorbote auf das langersehnte 20. Scooter Studioalbum GOD SAVE THE RAVE welches am 26.02.2021 erscheinen wird! Destination: Future!
SCOOTER & TIMMY TRUMPET
Paul Is Dead
VÖ: 27.11.2020
Hypanda ist ein 21-jähriger House-Producer & DJ aus Süddeutschland, welcher zuerst mit seiner Debütsingle „Gotta Let Go“ im August 2019 auf sich aufmerksam gemacht hat. Der Song hat mittlerweile mehr als 5Millionen Streams auf den gängigen Plattformen gesammelt, täglich steigend.
RAPHI wurde auf Zypern geboren, ist jedoch in London aufgewachsen und dort auf die bekannte BRIT School gegangen, welche schon Talente wie Adele, Jessie J und Katy B hervorgebracht hat.
Seit jungen Jahren musikalisch interessiert, hat Raphi mittlerweile ihren Weg in die englische und deutsche Musikindustrie gefunden. Sie hat ein Talent für Ohrwürmer und catchy Toplines – von Pop zu R&B zu Dance und ihren eigenen Releases hat sie mittlerweile über eine Million Streams auf den gängigen Plattformen gesammelt.
Außerdem hat sie mit „Konichiwa“ von Sam Berson erste Erfahrungen im EDM-Bereich gesammelt und war damit in den Top20 Dance Music Charts. Außerdem hat Sie mit Künstlern wie Alle Farben, Kraans, Galantis und Tom Gregory gearbeitet.
KATIE MELUAs neuer Longplayer ”Album No. 8” gerade erschienen | VÖ: 16.10.20
Mit ihrem achten Studioalbum “Album No. 8” veröffentlicht die 36-jährige georgisch-britische Singer-/Songwriterin und Musikerin Katie Melua ihr persönlichstes und überzeugendstes Werk ihrer 17-jährigen Karriere und wird mit überschwänglichen Kritiken überhäuft.
Daily Telegraph – Album of the Week – “…evoking the fall of autumnal leaves”
Mail on Sunday – “…short, sweet and soothing.”
Metro – “As comforting as a cashmere sweater”
TheArtsDesk – “full of light and air and pleasing textures”
Port Magazine – “soulful and intimate”
So bezeichnet beispielsweise die Sunday Times die erste Single und Album-Opener „A Love Like That“ „…als geschmeidige, sepulkrale Pop-Noir in seiner einnehmendsten Form“. Music OMH beschreibt das Album als „eine komprimierte Sammlung filmischer, tröstlicher und ergreifender Lieder, die nicht nur in Meluas Stimme, sondern auch in ihrem Songwriting eine tiefere Reife zeigen“.
„…es sind die verschlafenen Melodien, die bedächtigen Rhythmen und das sanfte Gleichgewicht der akustischen Instrumente mit reich orchestrierten Streichern, die Meluas Selbstkomposition vermitteln. Es ist ein durch und durch wunderbar lässiges Album, das einen Hauch von Burt Bacharach’s easy listening versprüht und sich aus dem verträumten Siebziger-Jahre-Milieu von Laurel Canyon bedient“, schreibt der Daily Telegraph. Der Sunday Express honoriert, dass sie das Album von Anfang bis Ende unter Kontrolle hat und nannte es eine „…eine glorreiche filmische Platte“.
Katie Melua – A Love Like That (Official Video):
Zu Recht wählte BBC Radio 2 das „Album No. 8“ zum Album der Woche und featured so auch die neueste Single „Your Longing Is Gone“ – ein herbstlich anmutender Abschied von einer schwindenden Liebe – auf deren Playliste.
Katie Melua – Airtime (Official Video):
Auf ihrem neuen Werk ist es erstmals ausschließlich Katie, die die Texte schreibt – was ihr ein großes Anliegen war. In ihren zutiefst persönlichen Lyrics versucht sie, die Komplexitäten der realen Liebe mit dessen märchenhaftem Gegenstück zu versöhnen. Die Platte wurde in London und Georgien aufgenommen und enthält sowohl Features mit dem Georgian Philharmonic Orchestra als auch des Gori Women’s Choirs.
Katie Melua – Your Longing Is Gone (Official Video):
Der Produzent des Longplayers, der klassische Ambient-Gitarrist Leo Abrahams, verleiht „den Beichtvätern des Kammermusik-Pops das Knistern und Pochen von Ambient-Electronica“ (Metro), während „seine einnehmenden, fast schwerelosen Arrangements absolut süchtig machen“. (Daily Telegraph)
Katie Melua ist eine der erfolgreichsten britischen Musikkünstlerinnen und wurde mit über 56 Platin Awards ausgezeichnet. Die 36-Jährige stammt ursprünglich aus Tiflis, Georgien und zog im Alter von acht Jahren mit ihrer Familie nach Großbritannien. Als sie gerade einmal 19 Jahre alt war, veröffentlichte sie ihr Debütalbum “Call Off The Search” und offenbarte damit ihr erstaunliches musikalisches Talent. Seitdem hat Melua sieben Top-10-Studioalben veröffentlicht – „Call Off The Search“, „Piece By Piece“, „Pictures“, „The House“, „Secret Symphony“, „Ketevan“ und zuletzt „In Winter“, das selbstproduzierte, von Kritikern gefeierte Album aus dem Jahr 2016, welches sie mit dem Gori Women’s Choir in ihrer Heimat Georgien aufgenommen hat. Katie Melua und Kate Bush sind nach wie vor die beiden einzigen britischen Künstlerinnen in der Geschichte, die es mit sieben aufeinanderfolgend veröffentlichten Alben in die TOP 10 der UK-Charts geschafft haben.
„Album No. 8“ ist am 16. Oktober 2020 erschienen und kann hier bestellt werden.
Weitere Infos unter
Web: www.katiemelua.com
Facebook: www.facebook.com/katiemeluamusic/
Instagram: www.instagram.com/katiemeluaofficial/
Youtube: www.youtube.com/user/KatieMeluaMusic/
Twitter: Twitter: twitter.com/katiemelua
THE STRING THEORY mit dem Album “The Los Angeles Suite” jetzt endlich auch auf CD und Vinyl | CD/LP: 25.09.
Das Corona-Jahr 2020 hat so manches Veröffentlichungstiming beeinflusst. Aber nunmehr kann das Grammy-nominierte Künstlerkollektiv THE STRING THEORY ihr neues Studioalbum “The Los Angeles Suite” endlich auch auf CD und dem immer beliebter werdenden Format Vinyl präsentieren.
Nachdem “The Los Angeles Suite” bereits am 04.09.20 vom Label Project C/Clouds Hill weltweit als digitale Konfiguration veröffentlicht wurde, folgt jetzt endlich die ersehnte physische Ware.
Das 2007 in Berlin gegründete Künstlerkollektiv THE STRING THEORY bewegt sich in den Grenzbereichen von Komposition, Improvisation und sozialem Event und ist musikalisch irgendwo zwischen Singer/Songwriter-Pop, Indie-Alternative, Electronica und Neoklassik angesiedelt.
Nach fünf Tourneen in Europa und Nordamerika, fünf Alben und einer Grammy-Nominierung 2020 hat sich THE STRING THEORY mit ihrer eigenwilligen Mischung aus klassischem Klangkörper und elektronischen Sounds nicht nur als innovatives eigenständiges Orchester, sondern auch als künstlerischer Partner für internationale Stars wie José González, Wildbirds & Peacedrums, Robot Koch und Anna von Hausswolff etabliert.
Der nachstehende Clip läßt die Kernmitglieder des Kollektives, die sich auch gerne als “Band” bezeichnen, auf ihre natürliche und authentische Weise selbst zu Wort kommen. Ebenso zu sehen: der international erfolgreiche Singer/Songwriter José Gonzáles.
The String Theory – Dive Into The Unknown:
The String Theory – Hollywood Calling feat. Addie Hamilton (Official Music Video):
The String Theory – California Lover feat. Shana Halligan (Official Music Video):
Weitere Infos unter
Web: wearethestringtheory.org
Facebook: www.facebook.com/wearethestringtheory
Instragramm: www.instagram.com/wearethestringtheory/
Youtube: www.youtube.com/user/TGST2010
Photocredit: Ashley MacPhee