Black Stone Cherry haben einen brandneuen Song „Out of Pocket“ veröffentlicht, der die Tür ins Jahr 2023 aufstößt. Der Song ist ab sofort über Mascot Records/Mascot Label Group erhältlich und steht auf allen Streaming-Plattformen zur Verfügung.„Out of Pocket“ gibt es hier:
Der Song erscheint rechtzeitig, damit sich die Fans auf ihre bevorstehende Co-Headline-UK-Arena-Tour mit den britischen Rockern The Darkness einstimmen können, die am 28. Januar in der Motorpoint Arena in Cardiff beginnt. Die Tour wird dann durch das ganze Land führen und in der M&S Bank Arena in Liverpool, der OVO Arena in Glasgow, der Resorts World Arena in Birmingham, der AO Arena in Manchester und der First Direct Arena in Leeds stattfinden, bevor sie am 4. Februar eine große Headline-Show in der Wembley OVO Arena in London spielen.
„Out of Pocket“ ist der erste neue Song der Bandseit der Veröffentlichung ihres 2020er Albums The Human Condition. Ein emotionaler, mitreißender Song, mit einem Refrain, der die Decke zum Beben bringt, zeigt die Band von ihrer hymnischen Seite. Die lebenslangen Freunde Chris Robertson (Gesang/Gitarre), Ben Wells (Gitarre/Gesang) und John Fred Young (Schlagzeug) präsentieren ihren neuen Bassisten Steve Jewell, der in den letzten zwei Jahren mit ihnen die Bühnen unsicher gemacht hat, auf seiner ersten Studioaufnahme mit der Band.
Chris Robertson sagt über den Song:„Out of Pocket“ ist ein Song, der aus genau diesem Gefühl geboren wurde. Der Song war das, was ich persönlich, und ich denke viele von uns, in diesen sehr schwierigen letzten Jahren gefühlt haben. Sich seinen Dämonen zu stellen und zu wissen, dass man auf der anderen Seite stärker als zuvor herauskommen muss.
„In den letzten zwei Jahrzehnten haben die Südstaaten-Rocker aus Kentucky die Bühnen von Arenen bis hin zu Festivals in ganz Europa erschüttert und jedes Mal für gute Laune gesorgt. Im Jahr 2021 erfüllten sie sich mit einem unglaublich emotionalen und kraftvollen Auftritt in der kultigen Royal Albert Hall in London einen Lebenstraum. Jetzt ist es an der Zeit, bei den Arena Gigs erneut den Fans einzuheizen.
Black Stone Cherry haben das Jahr 2023 fest im Visier und werden uns mit viel neuer Musik überraschen.
ALI FARKA TOURÉ – NEUES ALBUM „VOYAGEUR“ ERSCHEINT AUF WORLD CIRCUIT AM 10. MÄRZ 2023
ERSTER RELEASE SEIT DES 2010 MIT DEM GRAMMY® AUSGEZEICHNETEN „ALI & TOUMANI“ – VIDEO ZUM NEUEN TRACK ‚SAFARI’
Am 10. März veröffentlicht das Label World Circuit Records mit „Voyageur“ ein neues Album des legendären afrikanischen Gitarristen und Sängers Ali Farka Touré. Es ist die erste Veröffentlichung von bislang ungehörtem Touré-Material seit seines posthum mit einem Grammy® ausgezeichneten Albums „Ali & Toumani“ aus dem Jahr 2010. „Voyageur“ ist eine einzigartige Sammlung echter Perlen, die zu ganz unterschiedlichen Zeitpunkten innerhalb von Alis glanzvoller Karriere aufgezeichnet wurden. Das von Nick Gold (World Circuit) zusammen mit Alis Sohn Vieux Farka Touré produzierte Album enthält unter anderem drei Tracks, auf dem auch die Sängerin und malischer Superstar Oumou Sangaré zu hören ist. Das außergewöhnliche Werk unterstreicht einmal mal mehr Alis Status als weltweit verehrte Legende der afrikanischen Musik. „Voyageur“ wird auf 180 Gramm Vinyl, CD und digital erhältlich sein.
Der erste Song daraus, „Safari“ ist bereits ab sofort überall erhältlich und hier zu hören:
Die im Laufe von 15 Jahren zum Teil spontan auf der Straße und im Studio zwischen den Sessions für andere Alben aufgenommenen Songs auf „Voyageur“ hatten für Ali allesamt eine immens große persönliche Bedeutung. Sie spiegeln nicht nur sein leidenschaftliches Engagement für die Kreativität, sondern auch die kulturelle Vielfalt seiner Heimat wider. Sie sind Ausdruck für ein Leben, das er als Reisender – als ‚Voyageur‘ – zwischen den Bühnen in der Wüste von Timbuktu, den Studios von West Hollywood, den Konzertsälen von London und Tokio und den winzigen Dörfern am malischen Flussufer verbracht hat, wo natürlich jeder einzelne wusste, wer Ali war.
Kein afrikanischer Musiker hat in seiner Heimat und in der internationalen Öffentlichkeit einen so nachhaltigen Eindruck hinterlassen wie Ali Farka Touré – der große malische Gitarrist, Sänger und geistige Vater des Desert Blues. Angefangen von der mit einem Grammy® ausgezeichneten Kollaboration mit Ry Cooder und dem Kora-Meister Toumani Diabaté bis hin zu den düsteren Lo-Fi-Aufnahmen, die in seinem abgelegenen Heimatdorf entstanden – es ist vor allem Alis unnachahmliche Stimme und sein fast hypnotisch wirkendes Gitarrenspiel, die seinen Songs eine besondere Intensität und Autorität verleihen, die unabhängig von Märkten, Trends oder auch Genres wirken. Und auch als Person wurde Ali seiner Musik mehr als gerecht, war er doch eine imposante, ja beinahe königliche Erscheinung stets mit einem herrlichen Lächeln, einem schelmischen Sinn für Humor und einem unerschütterlichen Selbstvertrauen. Auch sechzehn Jahre nach seinem Tod bleibt Ali Farka Touré eine überragende Figur, neben Jimi Hendrix und Fela Kuti eines der wenigen wirklich großen Talente, deren Charisma auch nach ihrem Tod so hell brennt, wie zu Lebzeiten und deren Musik für alle Zeit lebendig und relevant sein wird.
Alis Zauber ist auch heute noch ungebrochen und inspiriert Zuhörer auf der ganzen Welt – darunter eine Vielzahl illustrer bekennender Bewunderer, wie beispielsweise Robert Plant, der Schauspieler Matthew McConaughey, der seinen berühmten Summgesang in dem Film „Wolf of Wall Street“ einem von Alis Rhythmen nachempfunden hat oder auch die texanische Indie-Rockband Khruangbin, die erst kürzlich gemeinsam mit seinem Sohn Vieux eine Sammlung von Alis Songs aufgenommen hat.
Mit den reduzierten, hypnotischen Grooves in dem für Ali charakteristischen und unverkennbarem Sonrhaï-Stil, den hymnischen von Fischerleuten inspirierten Refrains, den pulsierenden Rhythmen eines Jägers gleich, einer afrikanischen „Noise-Band“ aus Reverb-beladenen Gitarren und Lauten („Kombo Galia“) repräsentiert „Voyageur“ ein wahres Vermächtnis – einen geheimen Schatz an Songs, den Ali im Laufe seiner langen und abwechslungsreichen Karriere erschaffen hat und wirft ein neues Licht auf sein außergewöhnliches und zugleich rätselhaftes Talent.
Auch „Safari“ („Medizin“) ist einer von Alis Klassikern, der in der typischen Sonrhaï-Manier daherkommt. Seine aufgeladene Stimme wird von einem treibenden Kalebassen-Rhythmus und dem beinahe geisterhaften Surren einer Fula-Flöte unterstrichen, während sich Ali damit rühmt, dass er in Besitz der ‚Medizin‘ ist, um ‚schlechtes Verhalten‘ zu heilen und das Wissen darum, wie man sie anwendet. Das einsaitige Riffing der Djerkel-Gitarre, die auch vor allem bei Zeremonien zur Geisteraustreibung Verwendung findet, wird auf eine offen klingende E-Gitarre übertragen. In „Cherie“ („Darling“), einem der drei Stücke, bei denen Ali von der großen Diva Oumou Sangaré aus dem westafrikanischen Wassoulou begleitet wird, verleiht die Kamelngoni – die Harfe des Jägers – Alis schlüpfrigem Gitarrenriff einen wunderbar elastischen Schwung, während beide Stimmen in perfekter Harmonie zueinander erklingen. „Sambadio“, ein Fula-Loblied auf die Bauern, ist gleich in zwei Versionen zu hören: zum einen akustisch mit einem herrlich entspannten Lagerfeuer-Feeling, angetrieben durch das eindringliche Zupfen der Ngoni-Meisters Bassekou Kouyate und Mama Sissoko; und zum anderen als elektrische Variante mit einem fantastischen jazzigen Saxophon-Arrangement von Pee Wee Ellis, der unter anderem ein ehemaliges Bandmitglied von James Brown war. „Sadjona“ („Die Last des Schicksals“) ist ein traditionelles Lied für Wassoulou-Jäger, das Oumou Sangaré spontan während eines Mikrofonchecks zu einem Lobgesang auf Ali umfunktionierte. Die beschwörende Dringlichkeit ihres Gesangs durch einen fast hüpfend wirkenden Kamelngoni-Groove auf fantastische Weise in Schwung gebracht, fließt ein bewegender Saxophonpart in den Mix ein und verwandelt es in einen dieser inspirierenden, wie zufällig entstehenden musikalischen Momente, die zu hören ein absolutes Privileg ist.
All diese Songs wurden von Ali über einen Zeitraum von 25 Jahren sparsam und manchmal scheinbar sogar etwas widerwillig an den Produzenten Nick Gold herausgegeben, der sie als Teil eines ‚kostbaren Privatarchivs‘ beschreibt. Doch Ali Farka Touré wusste genau, was er tat: Indem er diese Songs nach und nach an Gold weitergab, würden sie eines Tages, so Gott es will, ein weltweites Publikum erreichen; doch Ali hielt die Dinge gerne auf Messers Schneide. Einige dieser Songs wurden ganz spontan und scheinbar willkürlich mal eben so zwischen den Aufnahmen anderer Lieder eingespielt. Zum Glück liefen die ganze Zeit die Aufnahmebänder, sonst wäre ein Großteil der Musik auf diesem wundervollen Album vielleicht nie zu hören gewesen.
DeWolff veröffentlichen mit “Night Train” einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023
Die niederländische Rockband DeWolff hat die nächste Single und den Eröffnungstrack ihres neuen Albums „Love, Death & In Between“ veröffentlicht, das am 3. Februar über Mascot Records / Mascot Label Group erscheint.
“Night Train“ erinnert an klassische Hits wie „Love Train“ von The O’Jays und ist ein fröhlicher Kracher, der geschickt psychedelischen Southern Rock mit klassischem Soul und R&B mischt.
Offizielle Musikvideo zu „Night Train“:
„Night Train“ ist hier erhältlich: https://lnk.to/DeWolff „Night Train“ folgt auf die vorherigen Singles “Counterfeit Love“, das die Band als das Zeppelin-eskeste Ding, das wir je aufgenommen haben“ bezeichnete, und “Heart Stopping Kinda Show“, das veröffentlicht wurde, kurz nachdem die Band eine 13-tägige Tour mit The Black Crowes auf dem europäischen Festland beendet hatte.
Die Band wird ab 2023 mit Shows in den Niederlanden, Deutschland, Spanien, Frankreich und Großbritannien starten.
DeWolff sind keine Band, die stillsitzt. Sie gedeihen durch ständige Bewegung. Von psychedelischen Southern-Rock-Kriegern zu Abgesandten des Soul. In den letzten vier Jahren haben sie fünf Alben veröffentlicht, wobei 2021s Wolffpack ihr bestes Album wurde, das in ihrer Heimat auf Platz 2 der Charts landete und nur durch die Foo Fighters wurde ihnen der Spitzenplatz streitig gemacht.
‚Love, Death & In Between‘ ist eine Reaktion auf ihre beiden vorherigen Studioalben. ‚Tascam Tapes‘ wurde unterwegs mit einem Vierspur-Kassettenrekorder aus den 1980er Jahren aufgenommen. ‚Wolffpack‘ wurde im Pandemie Jahr mit Social Distance in ihrem Utrechter Electrosaurus Southern Sound Studio aufgenommen.
DeWolff veröffentlichen mit „Night Train“ einen weiteren Track vom neuen Album „Love, Death & In Between“/ VÖ 03. Februar 2023
„Ich liebe die kontrollierte Umgebung des Studios“, sagt Pablo. „Aber normalerweise verbringen wir einen Monat oder ein paar Wochen im Studio, dann gehen wir auf Tour, und dann herrscht Chaos. Das sind verrückte Sachen, Improvisation, Leute, die auf deine Musik reagieren, und du reagierst auf sie. Das ist es, was wir vermisst haben. Wir haben uns am Ende der Corona-Zeit so sehr danach gesehnt. So entstand die Idee zu dieser neuen Platte. Wir wollten etwas mit Menschen machen, mit so vielen Menschen wie möglich.“
Bei einem Besuch in Memphis wurde Pablo buchstäblich vom Blitz getroffen. „2019 besuchte ich eine Predigt von Al Green in seiner eigenen Kirche, und das war eine lebensverändernde Erfahrung, musikalisch gesehen“, erinnert sich Pablo.
„Ich war buchstäblich eine Minute da drin und habe geweint. Ich habe die ganze Predigt über geweint, weil sie so schön war. Er sprach über jemanden, der seine Rechnungen nicht bezahlen kann, und er sagte: ‚Ich rufe den allmächtigen Retter an, um ihr zu helfen, und das wurde mit einer Runde von ‚Yeaaah! Yeaaah’s!‘ und die Band spielte nur zwei Akkorde, und es war so schön. Das hat mich zutiefst berührt. Es hat einen tiefen Eindruck bei mir hinterlassen. Ich wollte so etwas unbedingt bei einer Live-Show machen, aber wir hatten keine Songs, in die es gepasst hätte. Als wir dann anfingen, neue Songs zu schreiben, dachte ich mir: Ja, lass uns so etwas machen. Eine sehr einfache Akkordfolge, aber mit dieser fast religiösen Erfahrung. Denn schließlich ist Musik für uns wie eine Religion. Sie ist etwas, das wir ständig im Kopf haben. Es ist etwas, dem wir unser ganzes Leben widmen.“
Im Mai 2022 fuhren sie nach Loguivy-Plougras in der Bretagne, welches das analoge Studio Kerwax (https://www.kerwax.com/museum/) beheimatet. „Wir dachten, wir sollten uns auf ein Abenteuer einlassen“, sagt er. Im Nordwesten Frankreichs gelegen und von Wäldern umgeben, zogen sie sich in das atemberaubende Wohnstudio zurück, das von Vintage-Aufnahmegeräten aus den 1940er bis 1970er Jahren umgeben ist.
Die Brüder Pablo (Gitarre/Gesang) und Luka van de Poel (Schlagzeug/Gesang) sowie Robin Piso (Hammond/Wurlitzer) nahmen die Aufnahmen live und ohne Overdubs auf und wurden dabei von zahlreichen Freunden unterstützt. „Wir haben zusätzliche Leute mit nach Frankreich gebracht. Mit zehn Leuten in einem Raum zu spielen ist chaotisch. Bei jedem Take, den man macht, ist jemand nicht damit zufrieden, wie er spielt. Aber man erkennt, worauf es bei einem Take ankommt“.
Alles wurde komplett analog und direkt auf Band aufgenommen, bei der Herstellung des Albums wurden keine Computer verwendet. Die Bänder wurden dann zu einem Mastering-Ingenieur geschickt, der den Lackschnitt für die Vinylpressung herstellte – auch dieses Mastering und der Schnitt erfolgten vollständig analog (https://www.vinylherstellung.de/vinyl-pressung/).
Die Themen wurden teilweise von Romanen amerikanischer Autoren des 20. Jahrhunderts inspiriert, die Pablo während der Pandemie gelesen hatte. Besonders John Steinbecks ‚Tortilla Flat‘, ein Schelmenroman von 1935. „Es gibt ein Zitat von ihm: ‚Die gute Geschichte liegt in halb erzählten Dingen, die aus der eigenen Erfahrung des Hörers ausgefüllt werden müssen‘, und das war etwas, was ich mit den Texten auf dieser Platte wirklich tun wollte.“
Zur gleichen Zeit tauchte die Band tief in alte Soul- und R&B-Platten ein – Sam Cooke, The Impressions, The Coasters, The Clovers, Ray Charles und Little Richard – sowie in eine kräftige Dosis Gospel – The Soul Stirrers, Al Green und frühe Platten von The Staple Singers.
Einige Songs auf dem Album tragen ihr Herz auf der Zunge, wie z.B. „Counterfeit Love“, während das 16-minütige Epos „Rosita“ ihre Entwicklung zeigt. „Wie ich jetzt schreiben möchte, spiegelt sich in Songs wie diesem wider“, sagt er. „Ich wollte, dass sich diese Texte wie eine Geschichte anfühlen, aber auch wie eine Reise in sich selbst“, erklärt er. Was als kleine Geschichte über eine Highschool-Liebe beginnt, explodiert zu einer Geschichte über die Göttin der Liebe und des Todes, die in „The Queen of Space and Time“ mündet. „Es ist dieselbe Person. Es geht um diese gottähnliche weibliche Figur, die alle Arten von verrückten, dunklen Dingen kontrolliert. Bei Rosita kann man nur mit ihr zusammen sein, wenn man schläft oder tot ist, es ist also eine Kombination aus Liebe und Tod. Daher kommt auch der Name des Albums.“
‚Heart Stopping Kinda Show‘ ist ein weiterer vielseitig interpretierbarer Song: „Es geht darum, wie ich das Leben sehe“, sagt er. „Das Leben ist eine herzzerreißende Art von Show. Ich habe mit ‚Tortilla Flat‘ (John Steinbeck Roman von 1935) im Hinterkopf geschrieben. Diese Charaktere denken nicht ständig über alles nach; sie leben, trinken Wein und haben diese schönen Momente. Sie führen das ultimative Leben. In dem Song wollte ich die Dinge im Leben beschreiben, die schön sind.“
‚Will o‘ the Wisp‘ hat eine verführerische Düsternis, während Songs wie ‚Night Train‘, ‚Message for my Baby‘ und ‚Wontcha Wontcha‘ fröhliche Gassenhauer sind.
DeWolff verließ die ländliche Umgebung der Bretagne mit zwölf Songs, die auf vier Bändern aufgenommen wurden, mit Freunden, die Spaß hatten und sich an das erinnerten, was ihnen am wichtigsten ist. Mit einer Mischung aus Al Green, Sam Cooke und John Steinbeck haben sie einige ihrer gefühlvollsten und mitreißendsten Songs geschaffen. Wenn sie singen: „Hey there baby won’t you come on in, I got plenty old records that we can play, some rhythm & blues some old rock ’n roll, yes the type of stuff that can save a soul“, sollte man sich fallen lassen und sich von DeWolff zurück in die Zeit versetzen lassen.
Weiter aktuell…
Video zu„Heart Stopping Kinda Show“:
Track Pre-Listening“Counterfeit Love”:
Tour Dates 2023:
03 Feb – Effenaar Eindhoven, NETHERLANDS
04 Feb – Muziekgieterij, Maastricht, NETHERLANDS
09 Feb – Annabel, Rotterdam, NETHERLANDS
11 Feb – Tivoli Vredenburg, Utrecht, NETHERLANDS
13 Feb – Fraanz Club, Berlin, GERMANY
14 Feb – Bahnhof Pauli, Hamburg, GERMANY
16 Feb – De Oosterpoort, Groningen, NETHERLANDS
17 Feb – Doornroosje, Nijmegen, NETHERLANDS
22 Feb – Factoria Cultural, Avilés, SPAIN
23 Feb – Sala Mon, Madrid, SPAIN
24 Feb – Rock & Blues Café, Zaragoza, SPAIN
25 Feb – Upload, Barcelona, SPAIN
26 Feb – Kafe Antzokia, Bilbao, SPAIN
28 Feb – La Maroquinerie, Paris, FRANCE
02 Mar – 100 Club, London, UK
GABRIELLE APLIN VERÖFFENTLICHT MIT ‘GOOD ENOUGH‘ EINEN WEITEREN SONG AUS DEM NEUEN ALBUM ‘PHOSPHORESCENT’/ VÖ: 06. JANUAR 2023
GABRIELLE APLIN VERÖFFENTLICHT MIT ‚GOOD ENOUGH‘ EINEN WEITEREN SONG AUS DEM NEUEN ALBUM ‚PHOSPHORESCENT’/ VÖ: 06. JANUAR 2023
Schon ihre letzte Singles ‘Call Me’ und ‘Never Be The Same‘ zeigten eindrücklich, dass Gabrielle Aplins Songwriting im Vorfeld der Veröffentlichung ihres vierten Albums ‘Phosphorescent’ am 06. Januar 2023 eine Auffrischung erfahren hat. Mit bisher einer Milliarde Streams ist die Künstlerin selbstbewusster, ausdrucksstärker und wie befreit. Das spiegelt sich auch in ihrer neuen Single ‘Good Enough’ wieder, zu der es jetzt auch ganz neu ein Lyric Video gibt…
Während der Aufnahmen zu ‘Phosphorescent’ entdeckte Gabrielle die beruhigende, meditative Landschaft, die das Studio umgab, für sich. Unter diesem Eindruck entschied sie, ihre gesamte Albumkampagne so nachhaltig wie möglich zu gestalten. So wurde zum Beispiel die Vinylversion mit übriggebliebenem Material aus der Fabrik hergestellt. Da die Abfälle in allen Farben des Regenbogens anfielen, ist jede Platte ein absolutes Unikat. Vorbestellungen von ‘Phosphorescent’ sind ab jetzt hier möglich. Gabrielles offizieller Shop bietet eine Auswahl von Album-Bundles.
Zu Gabrielles bisherigen Erfolgen gehören der britische #1-Hit „The Power of Love“, mit dem ihre Karriere begann, sowie vier weitere internationale #1-Singles, das mit Gold ausgezeichnete Debütalbum „English Rain“ und mehr als 200 Millionen Streams ihres letzten Albums, „Dear Happy“ aus dem Jahr 2020. Und schon bald wird „Phosphorescent“ das bisher stärkste Bild dessen abliefern, wer Gabrielle Aplin wirklich ist – und auch von der Künstlerin, zu der sie in den kommenden Jahren werden wird.
Bei ‘Phosphorescent’ handelt es sich nicht um ein Lockdown-Album, aber es ist sicherlich das Ergebnis der Einsamkeit und Entfremdung, die Gabrielle wie viele von uns in dieser Zeit gefühlt hat. Sie gibt zu, dass sie während des ersten nationalen Lockdowns in Großbritannien Schwierigkeiten hatte, ihre Stimme zu finden, aber als der zweite Lockdown im Winter 2020 begann, hatten sich ihre Lebensumstände geändert. Sie war mit ihrem Partner in das landschaftlich schöne Somerset gezogen und die beiden tourenden Musiker hatten zum ersten Mal seit langem wieder einen festen Terminplan, während die Natur und die Tierwelt, die ihr Zuhause umgaben, ihnen neue Energie und Lebensfreude gaben.
Allmählich bemerkte Gabrielle, dass sie beim Schreiben viel befreiter war. Oft leistete ihr nur ihr Hund Gesellschaft und so kehrte ihre Kreativität zu der Reinheit zurück, die sie zu Beginn ihrer Karriere geprägt hatte. Es gab keine äußeren Einflüsse aus der Musikbranche und sie machte keine Pläne, über welche Themen sie schreiben würde. Sie konnte neu anfangen.
Gabrielle erinnert sich: „Ich habe wieder aus Spaß geschrieben. Ich habe nur mich selbst ausgedrückt, ohne mich an Anweisungen zu orientieren. Niemand hat mir gesagt, was ich zu tun hatte. Eigentlich brauchte ich gar nichts zu tun. Am Anfang hatte ich kein Ziel, aber als die Songs entstanden, fiel mir auf, dass sie von Dingen handelten, die ich bis dahin nie wirklich verarbeitet hatte. Ich glaube, viele Leute haben erst innegehalten, als die Pandemie sie dazu gezwungen hat, und das war bei mir definitiv der Fall. Viele der Songs beschäftigen sich mit Dingen, die ich bis dahin verdrängt hatte. Als plötzlich alles andere ausgeschaltet war, dachte ich viel über mich nach und darüber, wer ich eigentlich bin.“
Der Wendepunkt kam, als der Winter-Lockdown einfach nicht enden wollte. Eines Morgens wachte Gabrielle mit dem Bedürfnis auf, auf Ibiza zu raven – obwohl ihr dieser Gedanke vorher noch nie gekommen war. Dadurch fiel ihr auf, was sie alles verpasst hatte, z. B. als sie zu Hause geblieben war, anstatt mit einer Freundin etwas trinken zu gehen – einfach alles, was ihr vielleicht ein paar weitere Erinnerungen beschert hätte, die ihr durch die Isolation geholfen hätten.
Die Hoffnung und das Versprechen, sich wieder mit Menschen treffen zu können, wurde zu einem immer wiederkehrenden Motiv, vor allem in ‘Call Me’, aber es taucht auch auf andere Weise auf, etwa als längst überfällige Entschuldigung im strahlenden ‘Anyway’, einem Popsoul-Song mit Klavierbegleitung. Und auch wenn Gabrielle einige kleine Dinge bedauert (z. B. in dem leicht nachvollziehbaren ‘I Wish I Didn’t Press Send’), ist die vorherrschende Stimmung positiv, so feiert sie in dem folkigen Alternative Pop-Song ‘Good Enough’ die besten Seiten des Menschen.
Gabrielles organische Herangehensweise zieht sich durch den ganzen Prozess – angefangen von der glücklichen Wiedervereinigung mit ihrer Live-Band bei Real World und dann mit weiteren Sessions im ländlichen Studio The Lark’s Tongue, sie mit Liz Horsman an mehreren Songideen feilte. Mike Spencer (Produzent ihres mit Gold ausgezeichneten #2-Debütalbums ‘English Rain’) bemühte sich unterdessen, die Umgebung nachzuempfinden, in der die Songs entstanden waren. Wenn sie zum Beispiel einen Song zu Hause allein mit ihrem Hund geschrieben hatte, setzte Mike sie in die Gesangskabine, nur mit seinem eigenen Hund Marley als Gesellschaft. Sogar die nahe gelegenen Felder erwiesen sich als Inspirationsquelle: Gabrielle fütterte jeden Tag die Enten und kümmerte sich liebevoll um einige Eier, die sie auf ihrer Türschwelle fand. Auf dem Albumopener ‘Skylight’ ist die örtliche Tierwelt sogar zu hören.
Dieser enge Kontakt zur Natur verstärkte ihre Leidenschaft für Nachhaltigkeit, eine Überzeugung, die ihre gesamte Albumkampagne prägt. Der erste große Schritt war, dass The Lark’s Tongue mit einer Erdwärmepumpe betrieben wird. Weitere große und kleine Ideen folgten bald, wie z. B. die Verwendung von Vintage-Kleidungsstücken und auch upcycleten Teilen für das Fotoshooting. Der Bauernhof, auf dem sie ehrenamtlich arbeitete, diente als Location. Außerdem legte Gabrielle bei der Vinyl-Produktion Wert auf Recycling und informierte sich über nachhaltiges Merchandise.
Obwohl ‘Phosphorescent’ in einer schwierigen Zeit entstanden ist, ist es letztlich das bisher stärkste Bild dessen, wer Gabrielle Aplin wirklich ist – und auch von der Künstlerin, die sie in den kommenden Jahren sein wird.
„Es fühlte sich an, als würde ich zum ersten Mal ein Album machen“, sagt sie abschließend. „Der Entstehungsprozess fühlte sich total natürlich an. Es war großartig für mich, weil ich dadurch wirklich erfahren habe, wer ich jetzt bin, wo sich doch so viel verändert hat. Ich möchte einfach, dass die Leute auf irgendeine Art und Weise eine Verbindung dazu herstellen können und ich hoffe, dass sie es als genauso bereichernd empfinden wie ich die gesamte Arbeit.“
Die Welt ist ein unheimlicher Ort – SNAKE ISLAND – Das neue Album von Mona Mur (GIVE/TAKE USA 2022/ ab Frühjahr 2023 auch erhältlich bei Playloud! Germany /Exklusiver Deutscher Vertrieb)
Nach vier Dekaden musikalischen Vagabundierens zwischen Punk, Wave, Chanson und Electronic ist Mona Mur zu ihren Industrial – Wurzeln zurückgekehrt, härter, sinistrer, eigenwilliger als je zuvor. Ihre Stimme entfaltet sie über wilden E-Gitarrenclustern, gnadenlosen Beats und elektro-akustischen Layern zu einem „absolut einzigartigen Sound“ (ChaosZine UK).
Willkommen auf SNAKE ISLAND, dem neuen Album der Sängerin, im Herbst ’22 in den USA erschienen auf GIVE/TAKE. Partner in Crime ist wieder GOLDKIND, Ur-Punk aus Hamburg und Produzent von Hit-Singles für „Die Fantastischen Vier“ oder „Lucilectric“.
Das offizielle Video zur 1. Single “SCHIELDWALL“ gibt es übrigens hier zu sehen:
Ab Frühjahr 2023 wird das SNAKE ISLAND Album nicht nur über GIVE/TAKE und die Bandcampseite https://monamur.bandcamp.com/album/snake-island zu beziehen sein, sondern dann auch über Mona Murs Berliner Label „Playloud!“, das seit 2021 überdies den imposanten Backkatalog der seit den 80ern international tätigen Künstlerin auf Vinyl wieder veröffentlicht. Darunter auch der aktuellste Re-Release MONA MUR: The Original Band (1984 – 86), der erst am 02. Dezember diesen Jahres veröffentlich wurde. Die Songs aus dieser Ära avancierten über die Jahre zu wichtigen Bestandteilen ihrer Karriere und erschienen in neuen Versionen auf späteren Veröffentlichungen, in der Mehrheit auf dem 2009 zusammen mit En Esch aufgenommenen Album “120 Tage – The Fine Art of Beauty & Violence” (Pale Music). Die ursprünglichen Fassungen jedoch wurden, trotz einiger Angebote, beinahe vier Jahrzehnte lang nicht veröffentlicht – ein Desiderat, dem Play Loud! Productions nun entgegenwirken.
Zurück zum neuen Album…„Ich stieß auf die Geschichte einer kleinen Insel vor der brasilianischen Küste, auf der tausende von hochgiftigen Vipern hausen, die sich gegenseitig kannibalisieren. Sie ließen nicht mal den Leuchtturm-Wärter am Leben. Die Schlangen waren überall – bis die Population implodierte. Ich stellte mir vor, dort zu leben … vielleicht sogar als eine der Schlangen. Ich weiß nicht, ob die Story wahr ist. Aber dieses Bild hat mich inspiriert, ein weiteres Album mit meinem Freund Goldkind in Angriff zu nehmen. Goldkind ist ein exzentrischer Klangschamane. Wir haben eine tiefe musikalische Verbindung. Die Bedingung war – ich spiele die meisten E-Gitarren selbst. Goldkind stimmte zu. So konnte ich mich richtig ausleben, nicht nur als Sängerin, sondern auch an der verstärkten Gitarre, auf der ich in den letzten drei Jahren einen eigenen Style aus verzerrten, monströsen, schleppenden Riffs entwickelt habe.“
So bilden die 10 Songs von SNAKE ISLANDein dunkles Gemälde aus Melancholie, Doom, Schönheit, Romantik und Apokalypse. SNAKE ISLAND zelebriert das Ende des Spätkapitalismus in exquisiten Elektronik – Layern, harschen Gitarren und herzzerreissend schönen Melodien. “SNAKE ISLAND enthält meinen ganzen bodenlosen Schmerz über die sinnlose und dumpfe Zerstörungswut hasserfüllter Menschen, die dem schönsten aller Planeten in Kürze den Garaus machen, wenn nicht ein Wunder geschieht.“
Den Einstieg auf die „Schlangeninsel“ befördern zwei Coverversionen: Motörhead – Knaller „Ace of Spades“ mit furiosem Gitarrensolo von Gary Schmalzl – und “Rake“, die Schwerenöter-Ballade des todessehnsüchtigen US-Barden Townes Van Zandt, mit feinem Solo von En Esch. „Die Story meiner Jugend“, lacht Mona Mur. Man kauft es ihr ab.
Veredelt wurde SNAKE ISLAND durch extensive Nachbearbeitung und Mastering von Produzentenlegende Jon Caffery (Joy Division, Kraftwerk, Einstürzende Neubauten, Linton Kwesi Johnson), dem beide Künstler langjährig verbunden sind.
„Mona Mur ist nach vier Jahrzehnten ihres Musikschaffens genau so vital, intensiv und boshaft wie eh und je. Ihr artistisches Alter Ego verströmt Klasse, Stil und pures Gift zu gleichen Teilen.“ ReGen Mag 10 /2022
MONA MUR, Sängerin, Komponistin, Produzentin, ist seit den 80ern bekannt für ihre einzigartige dunkle Stimme und ihre manisch–intensiven Live-Auftritte in Gitarrengewittern und morbidem Slowbeat-Chic. Ihre Musik bildet eine eigene Kategorie aus Punk und Chanson, Electronic Rock ’n’ Roll und orchestralen Klangwänden. Mona hat mit Musikern wie „Einstürzende Neubauten“ –Schlagwerker FM Einheit, den „Stranglers“ J.J. Burnel und Dave Greenfield, Yello’s Dieter Meier oder auch Operndiva Simone Kermes kollaboriert. Mit En Esch (KMFDM, Pigface) tourte sie weltweit.
Ihre Alben sowie ihre preisgekrönten Soundtracks für Games („Kane & Lynch 2: Dog Days“) und Filme („Gegen die Wand“, von Fatih Akin, „Genderation“ von Monika Treut, ‘Letzte Ausfahrt: Weltall“ von Rudolph und Werner Herzog) produziert sie in ihrem Berliner Studio KATANA.
Zudem hat der Filmemacher und Grimme-Preis-Träger Dietmar Post (u.a. Monks: The Transatlantic Feedback, Deutsche Pop Zustände)in einem Studio ein 4-stündiges Gespräch mit der Künstlerin Mona Mur geführt. Daraus sind zunächst zwei kürzere Filmezu den Alben ‚Mona Mur: Mona Mur (1988)‘ und ‚Mona Mur: The Original Band (1984-86)‘ entstanden. Nun soll für den Herbst 2023 aus dem Material, welches die komplette Karriere von Mona Mur abdeckt, ein längerer Dokumentarfilm entstehen.
Caprices Festival gibt die erste Welle von Künstlern für die 20. Ausgabe bekannt: Jamie XX, Jeff Mills, Zip, Ricardo Villalobos, Sonja Moonear, Fatboy Slim, Richie Hawtin, Sven Väth, Magda, ARTBAT, Adriatique, Blond:ish, Black Coffee, Cobblestone Jazz (live), Arapu, Gescu, Seth Troxler, Luciano, Loco Dice, Raresh, DJ Tennis.
Das Caprices Festival ist das kultigste Bergfestival Europas und feiert seine 20. Ausgabe an zwei unvergesslichen Wochenenden im atemberaubenden Crans-Montana in der Schweiz. An den beiden Wochenenden vom 7. bis 9. April und vom 14. bis 16. April gibt es völlig neue Bühnen, die für das Festival typische anspruchsvolle Produktion, Überraschungsgäste, endlosen Wintersportspaß und elektronische Musik, die ein breiteres Spektrum als je zuvor abdeckt, mit DJs und Live-Acts.
Die erste Welle von Künstlern umfasst Jamie XX, Fatboy Slim, Black Coffee, ARTBAT, DJ Tennis, Blond:ish, Who Made Who (live), Adriatique, Monolink (live), Magda, Modal Tune (Guti b2b Sarkis live), Themba, Jeff Mills, Zip, Loco Dice b2b Seth Troxler, Luciano b2b Ricardo Villalobos, Richie Hawtin, Sven Väth, Arapu b2b Gescu, Archie Hamilton, Cobblestone Jazz (live), East End Dubs, Janeret, Manda Moor, Raresh, Sonja Moonear und viele mehr. Tickets gibt es unter https://capricesfestival.com.
In den letzten zwei Jahrzehnten hat das Caprices Festival Crans-Montana wieder auf die Landkarte gebracht. In den 70er und 80er Jahren war das Festival sehr beliebt, geriet dann aber aus der Mode, bis Caprices es einer neuen Generation vorstellte. In dieser Zeit ist das Festival gewachsen und hat sich zu einem der weltweit wichtigsten Underground-Events entwickelt, das nicht nur Musik auf höchstem Niveau bietet, sondern auch endlose Tagesausflüge in die Alpen sowie körperliche und seelische Erfahrungen.
So gibt es viele Dinge, die Caprices von anderen Events unterscheiden, von atemberaubenden Panoramablicken über die Alpen bis hin zu modernster audiovisueller Technologie, luxuriösen gastronomischen Erlebnissen, einem Ökomuseum, Bergaktivitäten und mehreren Spa- und Wellnesszentren. Für Adrenalinjunkies gibt es 140 km Pisten zum Skifahren und Snowboarden, einen Snowpark der Extraklasse, Husky-Schlittenfahrten und vieles mehr.
Bei dieser besonderen Jubiläumsausgabe gibt es fünf Etappen, die sich auf Tag und Nacht verteilen, zwei bei Tag und drei bei Nacht. Jede Bühne hat ihr eigenes, einzigartiges Thema mit fantastisch umgesetzten Produktionen und zusätzlichen künstlerischen Elementen wie Tänzern, Schauspielern, audiovisuellen Darbietungen und Kunstinstallationen, die das ganze magische Erlebnis zum Leben erwecken.
Tagsüber gibt es die weltberühmte Modernity Stage, ein kultiges Glashaus auf 2.200 Metern Höhe in den Schweizer Alpen, auf der namhafte DJs für unvergessliche musikalische Momente sorgen werden. Die Club Stage ist eine Betonbühne, die an die Modernity Stage angebaut ist, mit einer Glaswand, die einen Blick auf die Alpen bietet, und die von neuen Talenten aus aller Welt bespielt wird.
Bei Nacht erwacht die Moon Stage zum Leben. Sie ist seit den ersten Jahren ein fester Bestandteil des Caprices-Festivals und ist bekannt für ihre innovative audiovisuelle Produktion, die jedem Set eine zusätzliche Dimension verleiht. Dann kommt die Forest Stage, eine Waldbühne mit 2000 Plätzen, die die Partygänger tief in die Alpenwälder versetzt. Last but not least gibt es die Dome Stage mit einem weiteren audiovisuellen Erlebnis auf höchstem Niveau und erstklassigen Underground-Sounds.
Dieses Jahr sind am ersten Wochenende (7.-9. April) Jamie XX, Fatboy Slim, Black Coffee, Artbat, Monolink (live), Adriatique, DJ Tennis, Blond:ish, Who Made Who (live), 8Kays, Amine K, Brina Knauss, Fiona Kraft, Layla Benitez, Magda, Modal Tune (Guti b2b Sarkisi live), Themba und Yokoo dabei.
Am zweiten Wochenende (14.-16. April) treten Jeff Mills, Loco Dice b2b Seth Troxler, Zip, Luciano b2b Ricardo Villalobos, Richie Hawtin, Sven Väth, Arapu b2b Gescu, Archie Hamilton, Cobblestone Jazz (live), Djerry C, East End Dubs, Janeret, Manda Moor, Miroloja, O.Bee b2b Tomas Station, Raresh, Sonja Moonear und ein Special Guest (TBA) auf.
Dieses Jahr bietet Caprices Hotelpakete sowie zusätzliche Dienstleistungen und Aktivitäten in der Region für diejenigen, die Crans-Montana entdecken möchten. Es werden noch viele weitere Künstler auftreten, wobei ein Überraschungsgast am Samstagabend ein echtes Highlight sein wird.
Das Caprices Festival ist ein idyllisches Reiseerlebnis, ein Wintersportparadies und ein Musikfestival von Weltklasse – alles in zwei Wochenenden, die man nicht verpassen sollte. Beeilen Sie sich und sichern Sie sich Ihren Platz bei den diesjährigen besonderen Wochenendveranstaltungen.
LINEUP – WOCHENENDE 02
Jeff Mills, Loco Dice b2b Seth Troxler, Luciano b2b Ricardo Villalobos, Richie Hawtin, Sven Väth, Alci, Arapu b2b Gescu, Archie Hamilton, Cesar Merveille, Cobblestone Jazz (live), Djerry C, East End Dubs, Janeret, Manda Moor, Mike Shannon, Miroloja, O.Bee b2b Tomas Station, Raresh, Sonja Moonear, Zip
Erstes Wochenende – 7.-9. April 2023 Zweites Wochenende – 14.-16. April 2023 Crans-Montana, Schweiz
Connor Selby verkündet die Veröffentlichung seines Albums: Connor Selby (Deluxe Edition)/ VÖ 03. März 2023 – 1. Bonustrack „I Shouldn’t Care“ jetzt online!
Der britische Troubadour Connor Selby hat Details zur „Connor Selby (Deluxe Edition)“ bekannt gegeben, die am 03. März über Provogue/Mascot Label Group erscheinen wird. Sie wird vier Bonustracks enthalten, darunter „I Shouldn’t Care“, hier zu sehen…
Er ist eines der größten Talente in der britischen Bluesszene. Er wurde bei den UK Blues Awards in den letzten drei aufeinanderfolgenden Jahren (2020, 2021, 2022) zum „Young Artist of the Year“ gewählt. Er hat eine beeindruckende Liste von Auftrittsorten, darunter das Wembley-Stadion, wo er im Juli 2019 für The Who eröffnete und im Sommer 2022 im Londoner Hyde Park zusammen mit Pearl Jam, Stereophonics und Johnny Marr spielen wird.
Aufgewachsen in einem Dorf in Essex, hat er einen weniger ausgetretenen Pfad beschritten. Von den frühen Jahren in Connecticut, USA, als kleines Kind bis nach Dubai, VAE, im Alter von zehn bis vierzehn Jahren, und Essex auf beiden Seiten, mit diesen jungen Augen saugte er die Reisen und die Veränderungen auf, die an ihm vorbeizogen. Eine Sache, die ihn nicht losließ, war seine aufkeimende Liebe zur amerikanischen Roots-Musik. „Ich interessierte mich nicht nur für die Musik selbst, sondern auch für die Geschichte und alles, was damit zu tun hatte“, sagt er. „Ich wollte so viel lernen und hören, wie ich konnte. Ich denke, es ist wichtig, dass jemand, der nicht aus diesem Kulturkreis stammt, der Musik den Respekt entgegenbringt, den sie verdient. Man kann die Musik nicht von ihrem historischen Kontext trennen.“
„Ich liebe die Direktheit, die Einfachheit und Erdverbundenheit der Musik“, fügt er hinzu. „Ich liebe es, wie bodenständig er ist, sowohl textlich als auch musikalisch. Ich denke, beim Blues geht es im Grunde um sehr grundlegende menschliche Gefühle. Dinge wie Kummer und Stolz und die Art und Weise, wie wir mit alltäglichen Situationen und Problemen umgehen. Außerdem hat mich schon immer die verbindliche Qualität der Musik angezogen. Als Kind und Teenager war ich ziemlich schüchtern und nicht sehr selbstbewusst, also denke ich, dass ich in der Musik ein Gefühl von Macht finden konnte.“
Beziehungsprobleme finden über Bedauern und Wut ihren Weg in „I Shouldn’t Care“. „Love Letter to the Blues“ ist eine Hommage an das, was er am meisten liebt. „Als ich aufwuchs, hatte ich bis heute nie das Gefühl, dass ich so bin wie meine Altersgenossen. Aber trotz der Höhen und Tiefen in meinem Leben, war der Blues immer da. Er war für mich eine ständige Quelle des Trostes und eine Möglichkeit, mich auszudrücken“, sagt er. Er setzt seinen Fußabdruck auf das Cover von „My Baby Don’t Dig Me“von Ray Charles, und auf dem Schlussstück des Albums, „The Deep End“, schließt sich der emotionale Kreis.
Als Teenager verschlang er die Musik von Eric Clapton und Ray Charles – „Ray hat mich als Person und die Art und Weise, wie ich über Musik dachte, völlig umgeformt.“ Von alten Delta-Platten über Soul-Künstler wie Sam Cooke, Bill Withers und den Stax-Sound bis hin zu Jazz-Sängern wie Billie Holiday und Frank Sinatra sowie Singer-Songwritern wie Van Morrison, Townes van Zandt, Bob Dylan, Nick Drake und zeitgenössischen Künstlern wie Ray LaMontagne, Norah Jones und FoyVance.
Seine Musik hat eine zeitlose, melancholische Qualität. In ihrer Ehrlichkeit und Offenheit schöpft sie aus der Angst und der Verletzlichkeit, aber sie vermittelt sie mit einer weltgewandten Eleganz. Er singt über Verantwortlichkeit auf „The Man I Out To Be“, unerwiderte Liebe auf „Hear My Prayer“ und dem Staxy/Gospel von „Show Me A Sign“, dauerhafte Liebe auf „Waitin‘ On The Day“ und entdeckt die Wiedergeburt auf „Starting Again“.
Der Himmel ist die Grenze für Selby, der neben Auszeichnungen auch zahlreiche Auftritte bei BBC Radio 2 erhalten hat. Mit seiner gefühlvollen Mischung aus Blues und seinem emotionalen, introspektiven Songwriting, das sich mit seinem beeindruckenden Gitarrenspiel verbindet, ist es leicht zu verstehen, warum. Die Songs auf „Connor Selby“ sind kleine Vignetten der verschiedenen Musikstile, die ihn inspirieren.
Seine Bühnenpräsenz ist von einer lässigen Gelassenheit geprägt. Ruhig und gefasst, bewegt er sich ohne Eile, strahlt aber eine leidenschaftliche Herzlichkeit aus. „Für mich ist es die einzige Zeit in meinem Leben, in der ich in einen anderen Kopfbereich gehen kann“, sagt er. „Zwei Stunden lang kann ich mich völlig verlieren und aus meinem eigenen Kopf herauskommen. Es ist fast wie Meditation.“ Er fügt hinzu: „Jeder hat den ganzen Tag über Gedanken, aber nicht jeder handelt danach. In diesen untätigen Momenten, in denen man einfach nur träumt, geht es darum, zu erkennen, wann das passiert und etwas daraus zu machen.“
Selbys Lyrik und sein Vortrag sind von großer Intimität, und die Emotionen sind das Instrument, das er geschickt einsetzt, um die Wunden, die wir alle im Laufe unseres Lebens spüren, zu entblößen.
Modern Progressive Rock Band VALID BLUveröffentlicht neues Studioalbum “The Missing Link“ am 14. April 2023 – erste Single VÖ und Video Premiere zu “Bucket List“ jetzt online!
“Bucket List“ ist die erste Single mit Video der Modern Progressive Rock Band VALID BLU, die am 14. April 2023 ihr neues Studioalbum „The Missing Link“ veröffentlichen werden!
In „Bucket List“ geht es um die Vorstellungen und auch Begierden, die man hat und die man sich erfüllen und auch verwirklichen möchte. Nicht immer werden sie ausgesprochen, da sie teilweise nicht dem allgemeinen gesellschaftlichen Weltbild entsprechen und sicherlich bei einigen anecken.
VALID BLU wagt es, diese geheimen Wünsche auszusprechen: „I’m desperate and looking for the sense of life: fame, fancy drugs, private plane, endless sex… let me have it all “, ist ein Auszug aus dieser Bucket List und Sängerin Suzen Berlin fügt hinzu: „eine Bucket List hat jeder im Kopf, denn wir alle haben unsere Träume und Wünsche, um ein richtig geiles Leben ohne Sorgen zu führen; aber es geht auch darum, was man unbedingt noch erreichen möchte. Nicht immer erfüllen sich diese Wünsche oder die Lebensumstände lassen es nicht zu, aber versuchen sollte es jeder – ohne sich dabei von den gesellschaftlichen Normen einengen zu lassen“.
Ein Song mit Tiefgang, innovativ und dem Zeitgeist entsprechend! Verpackt im zweistimmig-weiblichen Gesang, unterstützt von progressivem Gitarrenspiel bleiben bei Bucket List keine musikalischen Wünsche offen!
Im Frühjahr 2023 ist es endlich so weit: VALID BLU veröffentlicht ihr zweites Studioalbum „The Missing Link“. Sphärische Sounds treffen auf dynamische Prog- Elemente; Musik, die den einen oder anderen an den 80er-Jahre-Rock erinnert und genau damit trifft VALID BLU – nicht nur durch den doppelt weiblich belegten Gesang – den Nerv der Zeit.
„The Missing Link“ ist eine Fortführung des von der Musikpresse gefeierten Konzeptalbums „WFYB.TV“ (erschienen im April 2021), jedoch als eigenständiges Album zu betrachten.
VALID BLU ist Modern- Progressive -Rock: eine fünfköpfige Band, entstanden aus einem Rock-Pop Projekt, mit Bandmitgliedern, die unterschiedlicher nicht sein können. Durch ihre gemeinsame Liebe zur Musik und der starken menschlichen Verbindung untereinander, ist vor 4 Jahren ihr Projekt VALID BLU entstanden. Eine perfekte Inklusion und von dieser Partizipation profitieren alle.
Ausgestattet mit einem eigenen Tonstudio auf dem ehemaligen Todestreifen zwischen Ost- und Westdeutschland entsteht hier die Energie für ihren Musikstil. Provokante Texte nicht ausgeschlossen und VALID BLU scheut sich nicht auch kontrovers diskutierte Themen zu behandeln.
Das neue Album „The Missing Link“ ist die Fortführung des gesellschaftskritischen Blicks auf unsere mediengesteuerte Welt – erzählt in einer fiktiven Geschichte von der Protagonistin/Sängerin Suzen Berlin – es liefert gleichzeitig Hinweise auf ein nächstes Album – eine Brücke zwischen Ersterscheinung und zukünftigem Projekt. Man darf jetzt schon gespannt sein, aber erst einmal eines nach dem Anderen!
VALID BLU “The Missing Link“ Tracklisting:
Bucket List (5:58)
The Technical Manual For A Successful Life (6:40)
Poison (in my veins) (7:18)
Breathe (6:10)
First Woman on Mars (7:13)
All I Want (7:32)
Das Album wird Digital, als CD und als Vinyl veröffentlicht und als Instant Grat gibt es einen digitalen Bonustrack. Aufgenommen und produziert im Music²Records Tonstudio von Valid Blu.
VALID BLU:
Suzen Berlin (Gesang)
Anni Riemer (Gesang)
Lena Uhde (Bass)
Dennis Wetzler (Schlagzeug)
Peter Schmidt (Gitarre)
Packendes True-Crime-Drama über den berüchtigtsten Serienmörder Südostasiens der 1970er-Jahre:
Die Schlange DVD
„Travelling in a fried-out Kombi, on a hippie trail, head full of zombie, I met a strange lady, she made me nervous, she took me in and gave me breakfast…“ – Glück gehabt, dass Colin Hay davon tatsächlich noch ein Lied singen kann, denn genau auf diesem Hippie Trail trieb in den 1970er-Jahren ein skrupelloses Verbrecherpaar, dem der Men at Work-Sänger erfreulicher-weise nicht begegnet ist, ihr schreckliches Unwesen… Als die weltbekannten Zeilen 1978 geschrieben wurden, war der legendäre Hippie Trail jedoch schon fast Geschichte.
Nach der Islamischen Revolution im Iran und dem Einmarsch sowjetischer Truppen in Afghanistan galt die Strecke ab 1979 als unpassierbar. Mehr als zehn Jahre war die Route entlang der alten Seidenstraße für viele sinnsuchende Blumenkinder ein wahres Paradies, hofften sie doch hier auf Bewusstseinserweiterung, Freiheit und Austausch mit anderen Kulturen.
Nicht nur der schier unbegrenzte, einfache Zugang zu halluzinogenen Drogen machten das Reisen für die zumeist jungen Rucksacktouristen auf dem Hippie Trail zunehmend gefährlich. Mitte der 1970er-Jahre kommt es vermehrt zu mysteriösen Todesfällen in der Region: Frauen werden tot angeschwemmt, verbrannte Leichen aufgefunden, und darüber hinaus sind zahlreiche Reisende einfach wie vom Erdboden verschwunden.
Zunächst bleiben die Behörden der Länder entlang des Hippie Trails erstaunlich untätig, denn ungeklärte Todesfälle werden oft ignoriert oder auf allzu exzessiven Drogen- und Alkoholkonsum zurückgeführt und sind überdies dem Tourismus gar nicht zuträglich. Erst Monate später kommt heraus, dass es sich nicht um Unfälle handelt, sondern um eine grauenvolle Mordserie.
Das fesselnde, von Kritikern und Zuschauern hochgelobte TV-Drama Die Schlange (Digital-VÖ: 30.12.2022/DVD-VÖ: 13.01.2023; Edel Motion) beruht auf den schrecklichen Begebenheiten jener Zeit und handelt von den unglaublichen Verbrechen des französischen Hochstaplers, Entführers und Serienmörders, dem 1944 in Saigon als Sohn einer vietnamesischen Mutter und eines indischen Vaters geborenen Charles Sobhraj und seinen willfährigen Helfershelfern.
Die auf unterschiedlichen Zeitebenen und aus der Sicht verschiedener Protagonisten erzählte Geschichte beginnt 1975 in Südostasien: Der charismatische Alain Gautier (einer der vielen falschen Decknamen Sobhrajs), ein smarter, dunkelhaariger Edelsteinhändler mit Fliegerbrille, beobachtet auf einer Party des Kanit House, in dem er ein Appartement bewohnt, die westlichen Hippie-Bohèmiens, die sich am Pool vergnügen. Er hält Ausschau nach den Schwachen, Leichtsinnigen, Vertrauens-vollen – und nach deren Reisekasse. Er studiert sie so, wie er Juwelen durch seine Lupe betrachtet.
Der Modus Operandi des manipulativen Sobhraj ist schnell klar: Er freundet sich mit arglosen Hippies an, lädt sie zum Essen oder auf einen Drink ein, verabreicht ihnen Drogen, raubt sie aus und ermordet sie nach Gutdünken. Für den scheinbaren Wohltäter sind diese Menschen lediglich Mittel zum Zweck, um sich andere Identitäten mit Hilfe ihrer Reisepässe zu verschaffen.
An Sobhrajs Seite: seine ihm treu ergebene Geliebte und Komplizin, die bildhübsche Franko-Kanadierin Marie-Andrée Leclerc, genannt Monique, und der ebenfalls stets loyale Ajay Chowdhury, Sobhrajs zuverlässiger Handlanger, der für ihn Opfer anlockt und die verbrecherische Drecksarbeit erledigt.
Obwohl die jungen Leute oftmals nicht vermisst werden, nimmt sich nach dem grausamen Mord an einem niederländischen Paar der junge Botschafts-Attaché Herman Knippenberg des Falles an, und somit wird der gnadenlose Jäger schließlich zum Gejagten. Gemeinsam mit Interpol versucht der geradezu besessene Knippenberg alles Erdenkliche, um den Mörder endlich dingfest zu machen.
Es entwickelt sich ein zunehmend spannendes Katz-und-Maus-Spiel, während gelegentliche Rückblenden das wahre Grauen von Sobhrajs Leben und Taten enthüllen, die ihm schließlich die unrühmlichen Beinamen „Bikini-Killer“ oder später „Die Schlange“ einbrachten, windet er sich doch „schlangengleich“ immer wieder aus den Fängen der Polizei.
Ihre explosive Dramatik verdankt die Serie Die Schlange den wahnwitzigen Kontrahenten: dem eiskalten Manipulator Sobhraij und dem hitzköpfigen Niederländer Kippenberg, der gegen eine Mauer aus Ignoranz und Gleichgültigkeit anrennt.
Gedreht wurde in Thailand und in England; zu den Drehorten gehören neben Bangkok die Stadt Ayutthaya und der Khao Sam Roi Yot National Park, die Pariser Szenen wurden im britischen Landhaus „Wrest Park“ in Silsoe, Bedforshire aufgenommen. Die Serie ist ein optischer Hochgenuss; ob die Geschichte nun in Thailand, Kathmandu, Hongkong, Delhi oder Paris spielt, das Bildmaterial und die zeitgerechte Ausstattung versetzen die Zuschauer direkt in die 70er-Jahre.
Die Regisseure Hans Herbots und Tom Shankland sowie die Autoren Richard Wardlow und Toby Finlay vermieden es, Sobhraj zu glorifizieren, jedoch ist es ihnen famos gelungen, aufzuzeigen, wie er seine dunkle Magie nicht nur auf seine bedauernswerten Opfer ausüben konnte, sondern auch auf Monique, die ihn weiterhin liebt, obwohl sie weiß, dass er sie in die Abgründe der Hölle führt.
Beeindruckend ist neben Ausstattung und Settings aber vor allem der großartige Cast von Die Schlange. Die Rollen des empathielosen Verbrecherpaars Sobhraj und Leclerc werden glaubhaft verkörpert vom brillanten, mehrfach ausgezeichneten französischen Schauspieler Tahir Rahim (Der Mauretanier) und der 36-jährigen Engländerin Jenna Coleman (Victoria, Doctor Who, Captain America – The first Avenger).
Aber auch die restliche Darstellerriege weiß 100%ig zu überzeugen, allen voran Billy Howle (Outlaw King, Dunkirk) und Ellie Bamber (Nocturnal Animals, Die skandalösen Affären der Christine Keeler) als niederländisch/deutsches Ehepaar Knippenberg, Mathilde Warnier als couragierte französische Nachbarin im Kanit House, Amesh Edireweera als psychopathischer Scherge Ajay Chowdhury und last but not least Charaktermime Tim McInnerny (Game of Thrones, Blackadder, Die Kinder von Windermere) in der Rolle des ambivalenten Belgiers Paul Siemons.
Trotz jahrelanger Fahndung weiß man bis heute nicht genau, wie viele Menschen dem echten Sobhraj zum Opfer gefallen sind. Mit welchen Hoffnungen haben sich die Hippies auf den Weg in eine bessere Zukunft gemacht. Wie alle jungen Leute fühlten sie sich unbesiegbar. Sie träumten von der weiten Welt, die sie erkunden wollten, von der Liebe, die sie zu finden hofften und wurden brutal aus dem Leben gerissen. – Die Serie Die Schlange ist all diesen jungen Menschen gewidmet. Etliche Künstler schrieben über Kathmandu und den Hippie Trail seinerzeit ihre musikalischen Hommagen, wie zum Beispiel Cat Stevens (Katmandu, 1970), Bob Seger (Katmandu, 1975), Rush (A Passage to Bangkok, 1976), Tantra (The Hills of Katmandu, frühe 1980er Jahre), Godiego (Coming Together in Kathmandu, 1980) und selbst 2016 schwärmte Singer/ Songwriter Richard Gregory noch von seinem Trip im Jahr 1974 von London nach Kathmandu (Along the Hippie Trail).
Die Schlange (OT: The Serpent) (Digital-VÖ: 30.12.2022/DVD-VÖ: 13.01.2023; acht Folgen à 60 Minuten; Sprachen: Deutsch/Englisch m. dt. UT; Edel Motion)
London, Würmsee, überall… Titanias Sherlock löst den Fall!
Wäre das nicht Ende des vorletzten Jahrhunderts ein richtig schöner Reklamespruch gewesen? Dies war auch die Ära des legendären Sherlock Holmes, des größten Detektivs jener Tage, ach, einfach des genialsten Ermittlers aller Zeiten! Während sein Freund und Chronist Dr. John Watson, Inspektor Lestrade und die geneigte Hörer- und Hörerinnenschaft noch rätselt, wer warum, wie, wo und welches Verbrechen überhaupt begangen hat, hat Holmes die kniffligen Kriminalfälle schon längst gelöst…
Sherlock Holmes – Die geheimen Fälle des Meisterdetektivs Folge 50: Ludwig II. – Der Tod im Würmsee
In der beliebten Hörspielreihe Sherlock Holmes veröffentlichte das 2003 gegründete Hörspiel-Label Titania Medien neben den Vertonungen der berühmten Erzählungen Sir Arthur ConanDoyles auch Die geheimen Fälle des Meisterdetektivs, die Autor Marc Gruppe in Anlehnung an die Original-Romanfiguren exklusiv für das mehrfach ausgezeichnete Label (https://titania-medien.de/auszeichnungen) verfasst hat. Gruppe: „Ich habe die Figuren und Geschichten von Sir Arthur Conan Doyle komplett verinnerlicht. Als kleiner Junge schon begeisterten mich die Sherlock Holmes-Hörspiele. Daraufhin habe ich mir dann nach und nach alle Bände der Sherlock Holmes-Reihe vom Taschengeld gekauft. Seitdem habe ich diese doyleschen Charaktere und Konstellationen im Kopf, und sie sind die Grundlage von allem. Trotzdem sind die Figuren natürlich auch Gruppe-Figuren und gleichzeitig die Figuren der Schauspieler, die sie sprechen.“
Marc Gruppes Geschichten sind nicht nur überaus unterhaltsam, sondern tatsächlich auch lehrreich. Historisch verbürgte Ereignisse sind geschickt in die Kriminalfälle eingefügt, und so tummeln sich zahlreiche illustre Persönlichkeiten der Zeitgeschichte, wie etwa Bram Stoker oder Geisterjäger Harry Price in den spannenden Hörspielen! Elf Jahre nach Veröffentlichung des ersten Hörspiels um den genialen Meisterdetektiv Im Schatten des Rippers erscheint nun am 16.12.2022 die Jubiläumsfolge 50 Ludwig II. – Der Tod im Würmsee, nach Mayerling bereits die zweite Produktion, die sich um den Sisi-Mythos und die Wittelsbacher dreht.
Bayern um die Jahrhundertwende (die vorletzte, versteht sich): Erneut treffen Sherlock Holmes und Dr. Watson auf Kaiserin Elisabeth von Österreich, die ihnen den Spezialauftrag zuteilwerden lässt, ihren bedrohten Cousin Ludwig II. von Bayern außer Landes zu bringen. Elisabeth: „Mein Vetter ist ganz sicher nicht verrückt. Er ist exzentrisch und menschenscheu, ja, aber das bin ich auch. Wie viele der Wittelsbacher…“. Doch Holmes und Dr. Watson kommen leider zu spät. Am Pfingstsonntag, dem 13. Juni 1886, kommt Ludwig II. unter ungeklärten Umständen im Würmsee, dem heutigen Starnberger See, zu Tode. Auch Professor Dr. Bernhard von Gudden, sein behandelnder Psychiater, findet im nicht allzu tiefen Wasser den nassen Tod. Die brisanten Ermittlungsergebnisse des Meisterdetektivs Holmes diesen Fall betreffend, wurden bis heute unter Verschluss gehalten und werden hiermit nun erstmals der Öffentlichkeit zugänglich gemacht.
Erfreulicherweise konnte das Titania Medien-Produzententeam Stephan Bosenius und Marc Gruppe wie schon bei ihren anderen Hörspiel-Vertonungen auch für die Sherlock Holmes-Jubiläumsfolge famose deutsche Schauspieler und Hollywood-Synchronsprecher gewinnen. Mit Größen wie Joachim Tennstedt (Jeff Bridges, Mickey Rourke, John Malkovich), Detlef Bierstedt (George Clooney, Bill Pullman), Tim Schwarzmaier (Daniel Radcliffe) und vielen mehr ist auch dieses Hörspiel bis in die kleinste Nebenrolle hochkarätig besetzt. Titania Medien bietet außer der Sherlock Holmes-Reihe nach Sir Arthur Conan Doyle natürlich noch weitere nostalgisch-atmosphärische Hörspiele von anderen bekannten Autoren wie Edgar Wallace, Bram Stoker, H. P. Lovecraft, Charles Dickens oder den Brüdern Grimm.
Bei https://titania-medien.de finden sich zahlreiche Infos zu den HörspielenSherlock Holmes – Die geheimen Fälle des Meisterdetektivs. Sämtliche Grusel-, Märchen- und Krimi-Hörspiele vonTitania Medien gibt es auf allen gängigen Plattformen wie Apple Music, Audible, BookBeat, Deezer, Google, Napster, Spotify usw. und natürlich auch auf CD.
Kleine Trivia: Für den wahren Fan, der zufällig circa 3,5 Millionen Euro erübrigen kann, stünde übrigens derzeit das ehemalige Anwesen des Holmes-Erfinders Sir Arthur Conan Doyle, Bigness Wood nahe Brook bei Lyndhurst, zum Verkauf:
Jubiläums-Hörspiel Sherlock Holmes – Die geheimen Fälle des Meisterdetektivs Folge 50: Ludwig II. – Der Tod im Würmsee – mit Joachim Tennstedt als Sherlock Holmes und Detlef Bierstedt als Dr. John Watson
(VÖ: 16.12.2022; zwei Stunden; Titania Medien)
Motörhead, die Ikonen, die “Godfathers of Heavy Metal“, veröffentlichen ihr 23. (und allerletztes Studioalbum) Bad Magic von 2015 noch einmal.
“Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC“ beinhaltet frisches Bonusmaterial und zwei bisher unveröffentlichte Tracks: “Bullet in Your Brain” und “Greedy Bastards”, sowie eine glanzvolle Live Performance von der Bad Magic Tour beim gigantischen Mt Fuji Festival in Japan 2015.
Dazu bekommen die Fans ein Audio Interview “War, Love, Death and Injustice” natürlich mit Lemmy, geführt vom Motörhead -Experten, Robert Kiewik, auf der Tour 2015 und wer vielleicht mit Lemmy in Verbindung treten will, kann dies mit dem MURDER ONE Ouija Board, komplettiert mit einer Ace of Spades Planchette um die Richtung der ‚Konversation‘ anzuzeigen. Dies wird in einem exklusiven Boxset angeboten.
Ein neues Video für “Bullet In Your Brain” und unveröffentlichtes Footage aus dem Studio während der Bad Magic Aufnahmen. Eine Offenbarung für alle Fans, die sich nach neuen Motörhead Material gesehnt haben.
Watch/Listen to “Bullet In Your Brain”:
Als Bad Magic 2015 veröffentlicht wurde, tat es einen gewaltigen Schlag und alle, die meinten Motörhead wären zahmer geworden, wurden eines Besseren belehrt. Das Album erreichte in Deutschland auf Anhieb die Top 1 Chart Position mit Songs, wie dem Brechkegel “Thunder & Lightning” oder “Teach Them How To Bleed”. Das Album war tough, clean, mean und eines der kompromisslosesten Werke von Motörhead ever! Cameron Webb hatte seinen Anteil daran; er überzeugte die Band, das Album in den NRG North Hollywood, Maple Studios und Grandmaster in Kalifornien live aufzunehmen– zum allerersten Mal in der Ära Kilmister/Campbell/Dee. Von der gewaltigen Punk Energie bei “Electricity” bis hin zu Queens Brian May, der einen sprühenden Gastauftritt bei “The Devil” hat, dazu gewaltige Aggression, Attitüde und exzellentes Songwriting.
Phil Campbell hat nicht nur seine besten Gitarrenstücke aufgenommen, er hat die besten Solos in einer Dekade abgeliefert und Mikkey Dees Schlagzeugspiel gab dem Motörhead Sound eine neue Resonanz. Dazu Lemmys raue lyrische Lebensreflektion wie bei “Till The End” und natürlich das unglaubliche Rolling Stones Cover “Sympathy For The Devil”. Eine der versteckten Juwelen des Albums auf „Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC“, ist Motörheads berühmteste, international gefeierte Version des David Bowies Klassiker, “Heroes”. Ursprünglich sollte der Song auf Bad Magic (2015) erscheinen, wurde jedoch in der letzten Minute wieder heruntergenommen. Jetzt aber fand „Heroes“ seinen Platz auf “ SERIOUSLY BAD MAGIC“.
„Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC“ wird in den folgenden Formaten veröffentlicht : 2-fach 12” Vinyl, CD Digipak mit Bonus Disc, Limited Edition Boxset, Digital Download und Streaming. Das Limited Edition Boxset enthält das CD Digipak mit Bonus Disc, Doppel- 12” Vinyl, das exklusive Lemmy War, Love, Death and Injustice Audio Interview auf 12” Vinyl und die Edition Motörhead – MURDER ONE Ouija Board mit Planchette.
Zebrahead mit Video Premiere zu “Licking On A Knife For Fun” – von der neuen EP “II” (VÖ 03. Februar 2023)
Die aus Orange County, Kalifornien stammende Punk-inspirierte Band Zebrahead ist gefragter denn je. Gerade sind sie auf dem Weg nach Japan und Australien für eine große Tour und der neue Sänger und Gitarrist, Adrian Estrella, gab der Band noch einmal einen richtigen Kick nach vorn.
Ende 2021 brachten sie die CD III heraus, eine Serie von EPs. Mit “No Tomorrow” wurde Ende Oktober der erste Track aus der kommenden EP “II” veröffentlicht, die am 03. Februar 2023 komplett veröffentlicht wird. Nun erscheint mit “Licking On A Knife For Fun” der nächste Track inkl. Video…
Ben Osmundsen:„Klar, sind wir stolz und aufgeregt, der Welt den neuen Song “Licking On A Knife For Fun” präsentieren zu können. Ein bisschen spastisch und aggressiv hinsichtlich Selbstzweifeln und über Freunde, die dich vergiften… alle haben das schon einmal mitgemacht oder erlebt… leider mehr, als uns lieb ist.“Und Tabatabaee sagt:“Licking On A Knife For Fun” ist ein Song darüber, dass man in einer toxischen Beziehung mit jemandem ist, der dich an den Rand eines Abgrundes bringt und du dabei dein eigenes Selbstwertgefühl verlierst“
Hear “No Tomorrow” here:
Hier geht’s zum Video:
Wie alle Bands, so haben auch Zebrahead ihre Höhen und Tiefen gehabt, haben bis zum heutigen Tage bereits über 2,5 Millionen Alben verkauft und erreichten gerade bei Spotify 1 Million Hörer jeden Monat. Sie erhielten bereits eine Grammy Nominierung und touren den Globus Non Stop.
Zebrahead sind: Ali Tabatabaee – Sänger /Rapper, Adrian Estrella – Sänger, Gitarre, Ben Osmundson – Bass, Ed Udhus – Drums, Dan Palmer – Gitarre
Kenny Wayne Shepherd veröffentlicht mit „Blue On Black“ einen neuen Track inkl. Video von seinem neuen Album „Trouble Is…25“ (VÖ 01.12.2022)
Die Veröffentlichung wird von einer Dokumentation über „Trouble Is…“ und einer Live-DVD begleitet, die im The Strand Theatre in Shepherds Heimatstadt Shreveport, Louisiana, gedreht wurde.Am 02. Dezember wird der fünfmal für einen Grammy nominierte Gitarrist Kenny Wayne Shepherd„The Trouble Is…25“ veröffentlichen, eine komplette Neuinterpretation seines bahnbrechenden Albums „Trouble Is…“, das den Schlag traf, der die Moderne neu entfachte Blues bei seiner Veröffentlichung vor 25 Jahren.
Kurz vor VÖ des Albums veröffentlicht Kenny Wayne Shepherd nun mit „Blue On Black“ einen neuen Track inkl. Video von seinem neuen Album, hier zu hören und zu sehen…
Offizielles Video zu„Blue On Black“:
Große Songs sind nicht in Stein gemeißelt. Seit er 1997 mit seinem bahnbrechenden und karrierebestimmenden zweiten Album ‚Trouble is…‘ aus den Blues Clubs von Louisiana auf die globale Musikszene losstürmte, hat Kenny Wayne Shepherd diese klassischen Stücke jeden Abend auf der Bühne in kühne neue Formen gebracht. Angefeuert vom Puls des Publikums, jede einzelne Note lebendig in seinen Händen, waren die „Trouble Is…“ Tracks immer in Bewegung, und verstaubten somit nicht als musikalische Museumsstücke.
Aber einem Vierteljahrhundert alten Album eine Art Wiedergeburt zu bescheren, ist nochmal eine ganz andere Sache. Also heckte der mehrfach mit Platin ausgezeichnete Musiker für das 25-jährige Jubiläum einen kühnen Plan aus. Um erfahrene Fans und neue Hörer daran zu erinnern, wie dieses Album den modernen Blues wiederbelebt hat, versammelte Kenny die alte Crew der ursprünglichen „Trouble Is…“-Sessions in den Record Plant Studios in Sausalito, Kalifornien, und spannte den Bogen zwischen dem 18-jährigen Gitarrenhelden von 1997, und dem immer noch auf der Suche befindlichen Meistermusiker, der heute mehr denn je seiner Seele mit Fingerfertigkeit an der Gitarre Ausdruck verleiht.
„Eines der coolsten Dinge bei der Neuaufnahme von „Trouble Is…“ war es, herauszufinden – oder zu bestätigen – wie zeitlos dieses Album wirklich ist“, sagt Shepherd. Seit dem Sommer spielt er mit seiner Kenny Wayne Shepherd Band eine triumphale Jubiläumstournee durch die Vereinigten Staaten, bei der das Album in voller Länge aufgeführt wird. „Ich bin so stolz auf das, was wir erreicht haben, und auch auf die Tatsache, dass ich gerade mal 18 Jahre alt war, als ich es gemacht habe. Ich meine, ich habe mit diesem Album eine Erfahrung gemacht, von der die meisten Musiker nur träumen können. ‚Trouble Is…‘ hat sich millionenfach verkauft. Das bestätigt mich natürlich in meinem Tun.“
Nach seinem Debüt „Ledbetter Heights“ von 1995, stürzte sich Shepherd mit seinem zweiten Werk kopfüber in den internationalen Wettbewerb. Mit der legendären Band des 1990 verstorbenen Stevie Ray Vaughan, „Double Trouble“, bestehend aus Schlagzeuger Chris Layton, Bassist Tommy Shannon und Tastenmann Reese Wynans, verblüffte der 18-jährige seine Zuhörer bei seinen Auftritten.
Und obwohl er seine eigene Gesangsstimme erst noch finden musste (damals wie heute übernimmt Noah Hunt den kraftvollen Leadgesang), war Shepherds frühreife Gitarrenarbeit eine Klasse für sich.
In den darauffolgenden 25 Jahren – ein Zeitraum, in dem Shepherd weitere sieben gefeierte Soloalben veröffentlicht hat, ganz zu schweigen von den zwei mit seinem All-Star-Nebenprojekt The Rides an der Seite von Stephen Stills und Barry Goldberg – haben sich einige Aspekte zur Wiederbelebung von „Trouble Is…“ geändert. The Record Plant schloss 2008 seine Pforten (die neuen Sessions fanden im The Village in Los Angeles und im Ocean Way in Nashville statt), und Tommy Shannon, der sich aus der Musikszene zurückgezogen hat (er wird kompetent durch Shepherds Bassisten Kevin McCormick ersetzt) ist nicht dabei.
„Abgesehen von Tommy hatten wir die ganze Crew wieder zusammen, mit Jerry Harrison als Co-Produzent“, sagt der Bandleader. „Und im Studio fühlte es sich an, als ob keine Zeit vergangen wäre. Wenn man gut zusammenspielt, spielt man gut zusammen. Es hat damals funktioniert und es hat auch dieses Mal funktioniert. Wir waren alle live in einem Raum. So mache ich das einfach. Ich bin da ganz altmodisch. Menschen müssen im selben Raum sein, um gemeinsam Musik machen zu können.“
Andere Elemente der Neuaufnahme waren unheimlich identisch: Shepherd kramte genau das gleiche 61er Fender Stratocaster-Modell und die gleiche Backline hervor, die er in den späten 90ern verwendet hatte. „Als Verstärker hatte ich eine der allerersten Fender Blackface Twin Neuauflagen, die jemals hergestellt wurden. Und dann hatte ich noch einen Vibro-King – und den habe ich seit den ersten Aufnahmen nicht mehr wirklich benutzt. Wir hatten also diese beiden Verstärker und dann einen Blackface ’64 Vibroverb. Ich hatte noch alle Original-Pedale, die ich ’97 benutzt hatte – einen Uni-Vibe, einen TS808 Ibanez Tube Screamer, einen Klon Overdrive, den Roger Mayer Octavia. Ich habe noch nie etwas verkauft. Wenn also irgendetwas da draußen herumfliegt, das einmal mir gehörte, dann hat wohl jemand klebrige Finger gehabt.“
Laut Kenny waren die Details seiner Anlage weniger wichtig als der Geist, der in der Luft lag. „Ich wollte nicht, dass ‚Trouble Is…25‘ ein chirurgischer Prozess wird. Ich mag es nicht, Dinge zu sehr zu durchdenken. Ich wollte einfach nur reingehen und den Vibe einfangen. Es gab mehrere Möglichkeiten, wie wir an diese neue Aufnahme hätten herangehen können. Wir hätten eine hundertprozentig getreue Reproduktion machen können.“
Die Zeiten ändern sich. Künstler entwickeln sich weiter. Die Musikszene ändert sich ständig. Damals, 1997, wurde das ursprüngliche ‚Trouble Is…‘ Album von einer Rock’n’Roll-Generation mit offenen Armen angenommen. Die Fans damals suchten nach etwas Substanziellem, während der fade Industriepop seinen unaufhaltsamen Aufstieg begann. „Als das Album durch die Decke ging, war es genau das, wofür ich so hart gearbeitet hatte“, reflektiert er. „Und um ehrlich zu sein, ich hatte Vertrauen. Ich hatte einfach das Gefühl geleitet zu werden. Ich hatte das Gefühl, dass hier etwas passieren sollte, und ich musste es nur ermöglichen. Ich musste einfach mir selbst und meinem Instinkt treu bleiben, mein Bestes geben und zusehen, wie es sich entwickelt.“
„Während der ‚Trouble Is…‘-Jubiläumstour“, sagt Shepherd, „sagt jeder, dass dieses Album heute veröffentlicht werden könnte und immer noch genauso relevant wäre wie vor 25 Jahren. Dieses Album 1997 aufzunehmen, war eine wirklich monumentale Leistung. Die neue Aufnahme war für mich eine echte Reise in die Vergangenheit. Und ich bin immer noch so stolz auf diese Songs…“
Es gibt Clubs, die haben das ganze Jahr geöffnet. Dann gibt es Clubs, die sind für eine komplette Sommersaison offen. Und es gibt EINEN Club, der 2022 nur für drei Tage im Sommer geöffnet hatte und jetzt für zwei Tage im Winter seine Tore öffnet – Es ist der BigCityBeats WORLD CLUB DOME und der wird am 16. und 17. Dezember 2022 die MERKUR SPIEL-ARENA in den „größten Club der Welt“ verwandeln!
150 Artists insgesamt werden an beiden Tagen der Winter Edition 2022 auf 15 Floors auflegen. BigCityBeats veröffentlicht nun das Full Line Up für das Mega-Spektakel in Düsseldorf exakt eine Woche vor Weihnachten.
Lust auf EDM mit einigen der besten DJs der Welt wie Axwell, Don Diablo, James Hype, Le Shuuk, Robin Schulz oder Timmy Trumpet. Bock auf Hardstyle mit Atmozfears, Da Tweekaz, D-Block & S-Te.Fan, Dr. Rude, Harris & Ford, Noisecontrollers, Zatox? Interesse an Psy-Trance mit Neelix? Wie wäre es mit dem Sound der deutschen und internationalen Aushängeschilder für populäre elektronische Musik – Gestört aber GeiL, Hugel, Quaterhead, Regard? Satten Technosound von Anna Tur, Boris Brejcha, Nusha, Reinier Zonneveld (live), Technasia? Hip-Hop mit Cro, Haftbefehl und Luciano?
Der musikalischen Vielfalt sind keine Grenzen gesetzt. Sämtliche Sparten der Clubmusik sind mit internationalen Superstars an jedem einzelnen der zwei Tage bei der BigCityBeats WORLD CLUB DOME Winter Edition in Düsseldorf vertreten.
Drinnen 20.000 Partypeople auf der riesigen Mainstage – und nur eine Tür weiter pures, intimes Club-Feeling. Drinnen eine der größten Licht- und Lasershows Europas – und next Door: feines Light-Design, eine kompromisslose Sound-Anlage und das Flair der Clubs in allen Facetten. Drinnen die besten und erfolgreichsten DJs, Live-Acts und Artists aus der weltweiten musikalischen Spitzenliga – und auf der anderen Seite der Tür die global wichtigsten Vertreter der unterschiedlichsten Soundrichtungen der Clubmusik: im Club Music Circle, der die riesige Mainstage mit seinen rund 15 Mikro-Clubs umkreist, und somit nur wenige Meter entfernt liegt. Unter anderem sind als Hosting-Partner mit an Bord: Acid Wars, Basscafe, Bass Division, Heaven & Hill, Hypercat, Le Shuuk & Friends, Loonyland, Spinnin Sessions, Teddy-O & Friends, WCD Pool Sessions und Zombie Stage.
Erneut mit im Programm der Winter Edition ist die BigCityBeatsGLAM, das erfolgreiche Influencer Festival der Frankfurter Event-Spezialisten. Hier können sich die World Clubber die neuesten Fashion- & Beauty-Tipps bei international erfolgreichen Influencern abholen, Selfies mit ihren Internet- und Social-Media-Idolen machen und Superstar-DJs beim großen Meet & Greet hautnah und persönlich begegnen. Außerdem gibt´s direkt on Location die neuesten Fashion-Trends der VIP-Gesellschaft zu sehen.
Die „BigCityBeats – CLUB KITCHEN“, die kürzlich erst im Weltall als das „größte Clubmusik Dinner-Event der Menschheit“ war, landet ebenfalls in der Düsseldorfer MERKUR SPIEL-ARENA und setzt kulinarische Highlights.
Und hier ist das Full Line Up der BigCityBeats WORLD CLUB DOME Winter Edition 2022 in alphabetischer Reihenfolge:
22Bullets – Alexia K. – Alfred Heinrichs – Andhim – Anna Tur – ASK:ME – A-Time -Atmozfears – Audiotricz – Avaion – Axwell – Bebo – Bedrud – Big Tim – Bless – Blvck Crowz – Boris Brejcha – Brandon – Burak Yeter – Byor – Celina Beyers – Choppaz – Chris El Greco – CRO – Cuebrick – D.Cline – Da Tweekaz – Dave Replay – D-Block & S-TE-FAN – Deep 91 – Déjà-Vu – Different.MP3 – Dizzturb – DJ Lok – DJ Toxxic – Don Diablo – Dr. Rude – D-Rey – Dropixx – Dust in Dawn – Eike – Encountear – Ephy Pinkman – Fabian Farrell – Fey – Filterheadz – Floz – F.M.H.O – G.Diamond – Gestört aber GeiL – Gred Plas – Greekser – Haftbefehl – Harris & Ford – Hotte – Hugel – Jaek Tarry – James Hype -Joe Stone – Juizzed – Jus Luke – Kaaze – Kacy – Keno – Kevin Arnold – KIKU – Klanglos – Krause – Lari Luke – Lars Voigtländer – Le Shuuk – Lee Ann Roberts – LNY TNZ – Lokier – Lost Identity – Luca – Luciano – Lum!x – Lunar – Lyne – Maddix – Major-I – Man At Arms – Marco Faraone – Marcus Gart – Marisha – Mausio – Maxxid – MC Tony Davis – Mikeable –
Milk & Sugar – Miniro – Mirsultan – Moguai – Molow – Moritz Hofbauer – Neelix – NFK – Nick Bergrath – Noel Holler – Noisecontrollers – Nusha – Oliver Magenta – Pajane – Paradiesvogel – Paul Lomax – Phatzo – Quarterhead – Regard – Reinier Zonneveld (live) – Ricky West – Robin Schulz – Sevek – Simo – Soulfoot – Sound Factory – Stella Bossi – Switch Disco – Technasia – Teddy-O – Teknoclash – Tesfy – The Jackson Twinz – Timbo – Timmy Trumpet – TMPR – Toby Dean – Toby Montana – U.T.Z. – Vika – Zatox – Zeuz – Ziggy X – Zoe Zett
Tickets für die BigCityBeats WORLD CLUB DOME Winter Edition am 16. und 17. Dezember 2022 gibt es aktuell in der Ticketphase 4 für 119,00 Euro zzgl. Gebühren unter:
Short Facts:
16 / 17. Dezember 2022
BigCityBeats WORLD CLUB DOME Winter Edition
MERKUR SPIEL-ARENA Düsseldorf
ABOUT BigCityBeats
Label, Radioshows, Event- und Festivalagentur, Merchandise-Vertrieb, Live-Entertainment – BigCityBeats zählt seit 17 Jahren zu den erfolgreichsten Veranstaltungsmarken Europas. Der Sound der Metropolen. Mit diesem Gedanken ins Leben gerufen, hat sich BigCityBeats bereits kurz nach dem Katapultstart Anfang des neuen Millenniums zu einer Plattform avanciert, die Veranstaltungsproduktionen neu definiert und dem bisherigen Stempel eine völlig neue Signatur gab. Von der Großstadt in die Welt ins Universum. Von Frankfurt am Main nach Düsseldorf, Asien, in die Schwerelosigkeit, in die Karibik, an Hollywood vorbei, und ins All – wo Bernd Breiter zusammen mit der ESA den 1. „Club“ im Space bauen ließ. Das 1. DJ-Set aus dem Weltall, gespielt von ESA-Astronaut und ISS-Kommandant Luca Parmitano, das zur Cruise Edition übertragen wurde. Damit schreibt BigCityBeats Musik-Geschichte.
Eigentlich kennen sich Chris Wayfarer und T:Base als Kollegen schon eine ganze Weile, haben doch beide ihre musikalische Wurzeln in der Drum&Bass-Szene.
Chris Wayfarer, T:Base „All Good Things Come In Threes“
Während T:Base seinen Weg in basslastigen Gefilden weiter gegangen ist, hat Chris seit geraumer Zeit das Tempo heruntergefahren und das Genre gewechselt. Doch wie der Zufall es wollte, hat der beinah zeitgleiche Familienzuwachs beide Künstler wieder zusammengebracht.
Zunächst mit gegenseitigen Glückwünschen, im Laufe der Zeit mit vielen gemeinsamen Familientreffen und jetzt auch mit der dritten Kollabo: Aller guten Dinge sind eben drei.
Aus der Zusammenarbeit ist ein Track entstanden, der sich im Spannungsfeld zwischen Deep House und Downtempo bewegt. Gemächlich und entspannt scheint der Tune mit seinen Gitarrensounds und Rhodes zu schweben, während sich spielerisch ein dezentes Arpeggio darüber ausbreitet.
Ein Solo nach dem Break, welches Basti aus seinem Piano herausgekitzelt hat, mündet final wieder in das Hauptthema. Eine gute Gelegenheit, um Danke zu sagen: für den Zufall, die Freundschaft und den gemeinsamen Track!
Artists: Chris Wayfarer, T:Base Release: All Good Things Come In Threes Release Date: 2022-11-18 Label: sonokraft / Wayfarer Audio Artwork by Remood Tracklist 1 Chris Wayfarer & T:Base All Good Things Come In Threes (00:06:32) Genre: Deep House / Downtempo
DJ & Produzentin NOØN releast jetzt ihren nächsten Track „I Bet My Body“ – eine Collab mit dem UK Singer/Songwriter Duo Bright Sparks.
BRIGHT SPARKS
NOØN steht noch am Anfang ihrer Karriere und doch kann sie schon einiges vorweisen. Ihre Tracks werden supportet von bekannten Künstlern wie VIZE, Jerome, Martin Jensen, Neptunica, Averro. Ihr Remix für „Leony – Faded Love“ kann mehr als 8 Mio. Streams vorweisen.
Bright Sparks haben schon Tracks von Oliver Heldens, Sam Feldt, Feder, Hardwell und Klingande ihre Stimme geliehen. Ihre Collab „On My Way“ mit Tiësto steht bei mehr als 120 Mio. Streams weltweit.
NOØN X BRIGHT SPARKS
„I Bet My Body“ ist anders als NOØNs bisherige Tracks. Sie will sich selbst keine Grenzen setzen und hat den Sound gefühlt. „Always think out of the box“, ist dabei ihr Motto.
Im Sommer spielte sie auf Festivals wie u.a. dem X-Jam (Kroatien), Sputnik Springbreak und dem Strabi Festival. NOØN ist noch lange nicht dort angekommen, wo sie hin möchte: „Ich träume aber oft davon, wie es sich wohl anfühlt vor über zehn oder zwanzig Tausend Menschen spielen zu dürfen. Ich glaube das wäre ein unvergessliches Erlebnis.“
NOØN
„I Bet My Body“ erscheint am 28.10.22 auf allen gängigen Stream- und Downloadplattformen.
NOØN X BRIGHT SPARKS – I BET MY BODY
VÖ: 28.10.2022
„Tocando El Sol“, eine Hymne an den Ibiza-Sommer, zeigt, wie DJ Legende Armin van Buuren einen sonnengetriebenen Knaller auf die Beine stellt.
Mit einer eingängigen Melodie-Hook neben spanischen Vocals und einer auf Clubs zugeschnittenen Beat-Bass-Combo wird dieser Track als einer der Tracks, die im dritten Teil seiner „Feel Again“-Albumtrilogie enthalten sind, sicherlich die Blicke auf sich ziehen.
Die Single erscheint am 11.11.2022 als Stream & Download.
ARMIN VAN BUUREN & AZTECK – TOCANDO EL SOL
VÖ: 11.11.2022
Jan Degenhardts veröffentlicht sein 4. Album “Inshallah” im Frühjahr 2023 – Ein Kontrapunkt – 1. Single “Erkan“ jetzt vorab
Jan Degenhardt
Jan Degenhardts 4. Album, das im Frühjahr 2023 unter dem von Konstantin Wecker gegründeten Label „Sturm und Klang“ veröffentlicht wird, trägt den Titel „Inshallah“, was vermuten lässt, dass sich die CD schwerpunktmäßig mit den Themen „Flucht“ und „Religion“ auseinandersetzt. Gefragt warum es diesmal ein arabischer Titel ist, antwortet Degenhardt:„Inshallah bedeutet so viel wie ‚Wenn Gott will‘. In Anbetracht der enormen Verwerfungen weltweit, der vielen Verteilungskriege, der sich unversöhnlich gegenüberstehenden Religionen und Kulturen und schließlich des alles bedrohenden Klimawandels, kann man nur hoffen, dass die Menschheit das irgendwie überstehen wird, wenn sie denn endlich aufwacht… Inshallah!“
„Erkan“ ist die 1. Single vorab, die Coverversion eines Wise-Guys-Titels, der in Degenhardts Version zur Geschichte eines Flugs von Hamburg nach Marokko wird, eines Flugs, der von knisternder Erotik und gleichsam von Todesangst begleitet wird, von einem mitreißenden und mitreisenden Araber, dessen „im Schritt spannende Beule“ beim Erzähler die wildesten Fantasien erzeugt, gleichzeitig aber die Angst, einem Dschihadisten aufzusitzen, der „Allahu akbar!“-rufend dem Irdischen ein Ende setzen wird. Es ist aber auch die Geschichte einer Täuschung, eines Vorurteils, denn das Flugzeug landet wohlbehütet und der vermeintliche Dschihadist entpuppt sich als kluger Beobachter: „Wenn du kein Terrorist bist“ sagt er „würd‘ ich’s mit dir machen!“
1. Single Auskopplung „Erkan“:
Jan Degenhardt, Sohn des Liedermachers Franz-Josef Degenhardt, hat, seit er um die Jahrtausendwende sein erstes Album veröffentlichte, in der deutschsprachigen Liedermacherszene erhebliches Lob erfahren. So schrieb der „Folker“ in Anspielung auf das Lebenswerk seines Vaters: „Dieser Blick auf die gesellschaftliche Wirklichkeit …ist Degenhardt’sche Schule“. Sein Erstlingswerk „Aufbruch“ wurde folgerichtig im Jahre 2000 mit dem 2. Platz des Deutschen Folkförderpreises ausgezeichnet. Es folgten die Alben „Stimmen hinter’m Spiegel“ (2oo4), von dem der Titel „Marathon Berlin“ die Liederbestenliste des SWR /des Deutschsprachige Musik e.V. erklomm, und „Schamlos“ (2011), das im August 2011 den Preis der Deutschen Schallplattenkritik erhielt.
Jan Degenhardt veröffentlicht sein 4. Album „Inshallah“ im Frühjahr 2023 – Ein Kontrapunkt – 1. Single „Erkan“ jetzt vorab
Tatsächlich versammelt Degenhardt auch auf seiner 4. CD exzellente Musiker aus dem lateinamerikanischen Raum, wie den kubanischen Perkussionisten Pedro Maceo oder den deutsch-kolumbianischen Pianisten Christian Renz Paulsen. So verschmelzen in den Arrangements afroamerikanische Rhythmen mit Rock-, Pop-, und Jazzelementen. Kubanische Tänze wie der „Son“ oder die „Rumba“ und kolumbianische „Cumbia“-Rhythmen vermengen sich mit arabischen Klängen und bilden ein interessantes, weltmusikalisches Crossover.
Inhaltlich kommt das Album sehr viel politischer daher, als es die letzten drei Alben getan haben. Der Titel „Was war mit ihr?“– der Lebenslauf einer Hauptstadtabgeordneten, die im Zuge des „langen Marsches durch die Institutionen“ augenscheinlich über Bord geworfen hat, was beim Erklimmen der Karriereleiter hinderlich gewesen ist – ist angesichts der „Bombenstimmung“ in der Regierungskoalition zweifellos eine Art Abrechnung mit einer sich vor langer Zeit einmal pazifistischen gerierenden Partei. “Sms an den Ministerpräsidenten“ erzählt von einem „Big Deal“ zwischen Politik und Wirtschaft, der anlässlich eines im Taxi zurückgelassenen Blackberrys auffliegt und dennoch ohne Konsequenzen bleibt. „The Great Reset“ schließlich ist den Corona-Jahren gewidmet und stellt diese in einen größeren Zusammenhang, in etwas, das sich am Horizont abzeichnet und das nichts Gutes erwarten lässt.
Jan Degenhardt
Erneut ein kurzweiliges, intelligentes und unterhaltsames Album und ein Kontrapunkt zu all den nichts sehenden, nichts hörenden und nichts sagenden Affen, die ihren letzten Tango auf dem Vulkan des untergehenden Hedonismus tanzen.
Molllust veröffentlichen aktuell ihr neues Album „Mother Universe“ am 25.November 2022. Der geneigte Hörer wird hier auf eine fast 80-minütige Reise durch unser Sonnensystem entführt.
MOLLLUST zelebrieren seit nunmehr elf Jahren ihre charakteristische Mixtur aus klassischer Musik und Metal. Dass diese Mischung ein äußerst hörenswertes und vielschichtiges Klangfeuerwerk ergibt, ist unter Symphonic Metal-Fans längst kein Geheimtipp mehr. Live präsentiert das Ensemble diese in opulenten Kleidern und Gehröcken mit theatralen Elementen und rockt mal kraftvoll und virtuos, mal melodisch und gefühlvoll neben Gitarren und Schlagzeug auch Streichinstrumente und Tasten. Die Musik führte die Band quer durch Europa und auf namenhafte Festivals, wie z. B. auf das Wacken Open Air, das WGT, das Bachfest und das Mera Luna. Bislang sind zwei Alben (Schuld und In Deep Waters) sowie eine EP (Bach con fuoco) erschienen.
Nunmehr ist das neuste und monumentalste Werk der Band: Das neue Album „Mother Universe“ ist seit dem 25.November 2022 veröffentlicht. Der geneigte Hörer wird hier auf eine fast 80-minütige Reise durch unser Sonnensystem entführt. Jedem Planeten, der Sonne und dem Mond ist jeweils ein Song gewidmet. Thematisch haben diese Bezug zu den Zuständigkeiten der namensgebenden Götter aus dem griechisch-römischen Pantheon, sowie dem aktuellem Zeitgeschehen. So vielschichtig diese Himmelskörper sind, so unterschiedlich sind auch die Songs. Detailverliebt wurden unterschiedliche Klangwelten geschaffen: Mars – The game is over kommt z. B. brachial mit großem Orchesterklang, Blechbläsern, Pauken und epischen Chören daher, Venus – Poems of love mit lieblich verspielten Streicherdialogen und Harfenklängen, während Saturn – Human clockworkroh und geradezu maschinenhaft stampft. Somit ist die Klangsprache von MOLLLUST auf diesem Album vielfältiger und teils deutlich orchestraler als bei seinen Vorgängern. Von einem Planeten zum anderen reist der Hörer mit den Promenaden, ein sich stetig variierendes Thema, welches Instrumentierung, Stimmung und Klangmaterial der Songs aufgreift – ähnlich wie in den Bildern einer Ausstellung von Mussorgsky. Gerahmt wird das Album durch eine Ouvertüre und ein Outro, welche die Themen der Songs aufgreifen. So bewegt sich das Gesamtwerk musikalisch zwischen Metalalbum und Programmmusik, denn Klang und Textinhalt sind stets eng verzahnt – man könnte es als Planeten-Zyklus bezeichnen.
Produziert wurde Mother Universe von Joost van den Broek (u.a. Epica, Xandria, Powerwolf) in den Sandlane Recording Facilities in den Niederlanden.
Weiter aktuell…
Video zur 3. Single „Venus – Poems Of Love“:
Lyric Video zur2. Single „Saturn – Human Clockwork“:
Video zur 1. Single „Mars – The game is over“:
MOLLLUST veröffentlichen4. Single und das offizielle Video „Pluto – The Raven’s Lullaby“ – neues Album „Mother Universe“ am 25.11.2022
Wacken – Das perfekte Paralleluniversum – Was die Gesellschaft von Metalheads lernen kann. Ein Buch über die Liebenswürdigkeit der Metalheads und den sozialen Aspekt der Metalszene von Dr. Lydia Polwin-Plass und Dr. Michael Gläser
Wacken – Das perfekte Paralleluniversum
„Das Herz ist bei den Metalheads am rechten Fleck. Alles was sie tun, ist mit viel Liebe, Seele und Herz verbunden“ Doro Pesch
Wie ticken Metalheads wirklich? Sind sie tatsächlich wild, arbeitsscheu, chaotisch, dauerbetrunken, gewalttätig und dem Teufel verfallen?
„Nein“ sagen die überzeugten Metalheads Dr. Lydia Polwin-Plass und Dr. Michael Gläser und zeigen in ihrem Buch genau das Gegenteil auf. Sie beleuchten den sozialen Aspekt der Metalszene am Beispiel des legendären Wacken Open Air Festivals.
Dr. Lydia Polwin-Plass
Wie sehr Toleranz, Hilfsbereitschaft, Empathie, Zusammenhalt und Inklusion in der Metalszene verankert sind, wird in Gesprächen mit Musikern, Veranstaltern, Einsatzkräften, Metalheads und Nicht-Metalheads ergründet. Das Buch handelt von der Szene selbst, ihren Besonderheiten, dem sozialen Verhalten innerhalb der Szene, aber auch von Metalfans gegenüber anderen Menschen. Die wilden Texte so mancher Songs, gruselige Shirt-Motive und wenig jugendfreie Plattencover lassen kaum erahnen, welch hohen Wertmaßstäben in der Metalszene die meisten Fans bereitwillig folgen. Könnte sich die Gesellschaft hier vielleicht etwas abschauen?
Viele Metalfans und Musiker engagieren sich in sozialen Projekten und versuchen auch durch ihr eigenes Verhalten dazu beizutragen, die Welt zu einem besseren Ort zu machen – allen voran die Veranstalter des Wacken Open Air, Thomas Jensen und Holger Hübner.
Dr. Michael Gläser
Woran könnte man also besser beschreiben, wie die Metalheads ticken und was die Gesellschaft von ihnen lernen kann, als am Beispiel Wacken Open Air?
Neuerscheinung 15. Oktober 2022 im Hirnkost Verlag [ISBN 978-3-949452-72-7]
„Out of Pocket“ gibt es hier:
