Der Ex-‐„Kook“ & Co-‐writer von Songs, wie dem Brit-‐nominated „She moves in her own way“ oder „See the world“ verließ 2008, kurz nach seinem Ausstieg von „The Kooks“, eines abends in Brighton sein Haus, um Zigaretten zu holen.
MAX RAFFERTY „Just One Life Away“!Stattdessen nahm er den Zug zum Flughafen und landete per One-‐Way-‐Ticket in Marokko. Er blieb drei Monate lang, kaufte eine billige Gitarre und begann, neue Songs zu schreiben.
Die eher zufällige Begegnung mit Dan Hawkins (The Darkness) in einer Hotelbar im Jahr 2010 sorgte dafür, dass ein neues Album Formen annahm.
Ein Album, das für Max mit den Kooks so nie zu realisieren gewesen wäre.
„Just One Life Away“ präsentiert sich gewaltiger, heavier, darker und facettenreicher, als man es von Max bislang vermutet haben mag, ist aber dennoch geprägt von großen Pop Hooks und Melodien.
In den Leeders Farm Studios UK (Arctic Monkeys, Wild Beats, Nick Cave) aufgenommen und von Max Hayes (La Roux, Oasis, Primal Scream, Doves) gemixt, erscheint die Single-‐Auskopplung von „Just One Life Away“ im Mai 2012.
Im Rahmen einer begleitenden Europa-‐ Tour spielt Max in diesem Frühjahr über 20 Konzerte deutschlandweit und beweist sowohl unplugged wie auch mit Band, dass er mit Recht zu den bedeutenden Musikern der Zeit gezählt werden muss: Don’t miss it!
“Sometimes talent is worth waiting for” (Joe Strummer)
„As one of the best talents of our generation Max’s songwriting will always set him apart, and now coupled with a heavier, darker and more diverse sound this new outfit looks unstoppable. With praise coming in from all sides, and a live show hammering home this is definitely the band to be watching.“
MAX RAFFERTY „Just One Life Away“!
08.05.12 Köln Blue Shell
09.05.12 Hamburg Astra Stube
10.05.12 Cottbus Gladhouse
11.05.12 Magdeburg Projekt 7
12.05.12 Gießen Ulenspiegel
14.05.12 Nürnberg Club Stereo
17.05.12 Krefeld Kulturfabrik
18.05.12 Augsburg Musikkantine
20.05.12 Landshut Wintergarten
23.04.12 Ilmenau BD Studentenclub Unplugged
24.05.12 Hemer Sauerlandpark Unplugged
26.05.12 Berlin Ramones Museum Unplugged
27.05.12 Töbingen am Inn BOCK am INN Festival Unplugged
Rheinberg, Nordrhein-Westfalen: Ein wahrer Schmelztiegel für politisch motivierten deutschen Punkrock, der den Hörer mit Schmackes aus den Sandaletten boxt.
FAHRLÄSSIG „ADRENALIN“Fahnenflucht kommen von hier, die übermächtigen Betontod ebenfalls, und nun zieht ein weiteres aus Söhnen der Stadt bestehendes Quintett aus, dem Rest der Republik die frohe Punkrock-Botschaft zu verkünden: FAHRLÄSSIG nennen sie sich und machen mit ihrem eingängigen, energiestrotzenden, mittanzbaren Sound keine Gefangenen.
Mit seinem zweiten Album nach dem 2009er Debüt „Jede Sekunde zählt“ schickt sich der Fünfer aus der Geburtsstadt von Claudia Schiffer (das sollte nicht unerwähnt bleiben) nun an, endgültig aus dem Schatten der berühmt-berüchtigten Rheinberg-Kollegen zu treten und seinen eigenen Weg durchs dichte Dickicht der deutschen Musiklandschaft zu schlagen – mit einer musikalischen Machete wie „Adrenalin“ sollte dies wohl kein Problem darstellen.
Als im Jahr 2007 ihre Bands Outlaws NRW und AKC in Trümmern lagen, trafen Sänger Benny Götzken und Gitarrist Pascal Zockoll zufällig aufeinander und beschlossen, fortan gemeinsamer Wege zu gehen. Über eine Musikerseite fand man Sascha Ehresmann, der sich vom Drummer zum Leadgitarristen umschulen ließ, und gründete im Mai 2008 das gemeinsame Baby mit dem einprägsamen Namen FAHRLÄSSIG.
FAHRLÄSSIG „ADRENALIN“ AlbumKurze Zeit später komplettierten Drummer Nikita Gollan und Basser Tobias Närdemann das Line-up, und die erste EP namens „Schluss mit lustig“ ließ nicht lange auf sich warten. Schon ein Jahr später, im Oktober 2009, legten FAHRLÄSSIG nach und lieferten ihr Longplayer-Debüt „Jede Sekunde zählt“ ab, das man im Fahnenflucht-Studio kostengünstig aufnahm und über das Rheinberger Punkrock-Label Antirockstar veröffentlichte.
Schnell erspielten sich die fünf passionierten DIY-Musiker einen Ruf als unbeugsame Live-Macht und lieferten zahlreiche denkwürdige Live-Performances ab, unter anderem als Support für Die Kassierer, die Punk-Legende OHL, die Crushing Caspars, Staatspunkrott, BRDigung und natürlich Fahnenflucht und Betontod auf deren „20 Jahre Betontod Festival“ und „Betontod Weihnachtskonzert“.
Nicht nur das Publikum war begeistert von der mitreißenden Energie von FAHRLÄSSIG, auch Betontod zeigten sich von der unbekümmert aufspielenden Truppe angetan und nahmen sie auf ihrem eigenen Label Better Than Hell auf, über das nun auch das mächtige „Adrenalin“-Ungeheuer veröffentlicht wird.
Kurz und knapp „Adrenalin“ haben FAHRLÄSSIG ihren Zweitling getauft – ein Name, der wie die Faust aufs Auge passt, wie Sänger Benny erklärt: „Wir hatten von Anfang an ein gutes Gefühl bei der Platte und bei jedem einzelnen Song. Und da wir auch mit dem Label einen guten Fang gemacht haben, hat es das Wort ‚Adrenalin’ für uns einfach am besten auf den Punkt gebracht.“
Absolut korrekt, denn wer die zwölf Songs des Albums hört, wird am eigenen Leibe eine 45-minütige Adrenalinausschüttung erfahren können: Vom wuchtigen Opener und Mitgröl-Titeltrack „Adrenalin“ über das wütende „1000 Worte“, dem Betontod-Gitarrist Mario Schmelz seine Edelsaite lieh, den unwiderstehlichen Tanzflächenhit „Die Besten“ bis zur emotionalen Ballade „Feuerrot“, die das Album wundervoll nachdenklich abschließt, reicht das musikalische Spektrum der fünf Musiker von FAHRLÄSSIG.
Wer als Punkrockband solch einen Song ans Ende seines Albums packt, hat Eier, Klasse und Größe – keine schlechten Eigenschaften, um Großes zu erreichen.
Doch nicht nur musikalisch, auch lyrisch haben die Rheinberger viel zu bieten: ehrliche, direkte Texte, die von depressiven Lebensphasen („1000 Worte“) bis zu Partysongs („Auf dein Wohl“) reichen, vom Ende von Freundschaften und Beziehungen erzählen („Für Dich“, „Die Besten“, „Feuerrot“), aber auch Lebensmut propagieren („Nichts zu verlieren“) und ein kritisches Auge aufs Wirtschaftswachstum werfen („Stück für Stück“).
„Die Texte sind besser durchdacht, mehr auf den Punkt und musikalisch ausgefeilter als auf dem wütenden Debütalbum, das ich damals in meiner Rebellierphase geschrieben haben“, weiß Sänger Benny, dass er sich als Texter in den vergangenen Jahren deutlich weiterentwickelt hat und vielseitiger geworden ist.
„Mittlerweile haben wir nicht mehr ganz so viele politische Stücke, weil wir erwachsener geworden sind und auch andere Themen besingen – was natürlich nicht heißt, dass wir keine politischen Songs mehr machen. Wenn uns etwas ankotzt, sagen wir das auch.“ Die richtige Mischung macht es eben – und die haben FAHRLÄSSIG auf „Adrenalin“ gefunden.
Wer auch nur ansatzweise auf deutschsprachigen Punkrock mit einprägsamen Refrains, intelligenten deutschen Texten und ansteckender Leidenschaft steht, darf diese Band schlichtweg nicht verpassen – alles andere wäre… genau: äußerst FAHRLÄSSIG.
Adrenalin
1000 Worte
Ich hab es satt
Für Dich
Die Besten
Weiter gehn
Auf dein Wohl
Nichts zu verlieren
Traumata
Stücke für Stücke
Kuss
Feuerrot
Diskografie
2008 – Schluss mit lustig EP
2009 – Jede Sekunde zählt LP
2012 – Adrenalin LP
Blues Rock Superstar Joe Bonamassa arbeitet mit Aerosmith Gitarrist an seinem neuen Album ‚Driving Towards Daylight‘, welches am 18. Mai veröffentlicht wird.
Joe Bonamassa neues Album 'Driving Towards Daylight'Los Angeles, CA: Am 18. Mai 2012 wird der als absoluter Superstar des zeitgenössischen Bluesrocks gefeierte Gitarrist Joe Bonamassa sein brandneues Solo Album ‚Driving Towards The Daylight‘ (Provogue Records/Mascot Label Group) veröffentlichen.
Sein 13. Album wurde von seinem langjährigen Weggefährten Kevin Shirley (Black Crowes, Aerosmith, Led Zeppelin) produziert. Dies ist ihre siebte Zusammenarbeit in sechs Jahren.
Ab heute ist die Mini Reality Serie ‚Countdown to Daylight‘ online. Hier bekommt der Fan einen Einblick über die Studioarbeit zum neuen Album.
Aufgenommen in den Studio At The Palms in Las Vegas, The Village Recorder in Los Angeles, und The Cave in Malibu, ist ‚Driving Towards The Daylight‘ ein Album geworden, welches von Bonamassas charismatischen Stimme, seinem unvergleichlichen Gitarrenspiel und seinem facettenreichen Songwriting lebt. Natürlich verbeugt sich Bonamassa erneut vor seinen Helden.
Diesmal nahm er Coverversionen von Howlin‘ Wolf und Robert Johnson auf, und verpasste ihren Stücken ‚Who’s Been Talkin?‘ und ‚Stones In My Passway‘ einen neuen Anstrich. Unterstützung bekam er im Studio u.a. von Aerosmith Gitarrist Brad Whitford, Blondie Chaplan (Gitarre), Schlagzeuger Anton Fig, Arlan Schierbaum (Keyboards), Michael Rhodes am Bass, Carmine Rojas (Bass) und Pat Thrall (Gitarre).
Brad Whitford zu den Studioarbeiten in Las Vegas: „Das was wir hier gemacht haben war auf jeden Fall stark von den Vorlieben der anwesenden Musiker geprägt, frühe 60er Jahre Rock und Blues aus England und Amerika. Ich glaube wir werden das nie aus unseren Köpfen kriegen und es hat auch wirklich Spass gemacht diese Musik zu interpretieren.“
Das Album beinhaltet fünf Eigenkompositionen inklusive dem Opener ‚Dislocated Boy‘, der ersten Singleauskopplung ‚Driving Towards The Daylight‘, ‚I Got All You Need‘, ‚Heavenly Soul‘ und ‚Somwhere Trouble Don’t Go‘. Die anderen Songs sind unter anderem von Tom Waits (New Coat Of Paint), Bill Withers (Lonely Town Lonely Street) und Bernie Marsden (A Place In My Heart). Seinen 87er Hit ‚Too Much Ain’t Enough Love‘ singt der Australier Jimmy Barnes sogar selber.
Ab heute und dann jeden Freitag für insgesamt 10 Wochen kann man sich die Reality Serie ‚Countdown to Daylight‘ anschauen. In den 3 bis 4 Minuten Episoden bekommt man Eindrücke der Aufnahmen zum neuen Album und Interviews mit Joe Bonamassa und seiner Band zu sehen. Das ganze gibt es auf dem offiziellen Joe Bonamassa Youtube Kanal zu sehen: www.youtube.com/joebonamassaTV.
Seit dem 23. März ist Bonamassas aktuelle DVD/Blu-Ray ‚Beacon Theatre – Live From New York‘ im Handel. Der Titel stieg in den deutschen Album Charts auf Platz 21. ‚Beacon Theatre‘ zeigt einen Zusammenschnitt der zwei ausverkauften Shows im legendären New Yorker Theater vom November vergangenen Jahres. Special Guests waren Paul Rodgers, John Hiatt und Beth Hart.
JOE BONAMASSA – DRIVING TOWARDS THE DAYLIGHT
Tracklist
01. Dislocated Boy
02. Stones In My Passway
03. Driving Towards The Daylight
04. Who’s Been Talking
05. I Got All You Need
06. A Place In My Heart
07. Lonely Town Lonely Street
08. Heavenly Soul
09. New Coat Of Paint
10. Somewhere Trouble Don’t Go
11. Too Much Ain’t Enough Love (w/ Jimmy Barnes)
„Meile für Meyle“ ist das dritte Studioalbum von Songpoet Gregor Meyle, der Musikgrößen wie Xavier Naidoo, Stefanie Heinzmann, oder Edo Zank sowie Starkoch Tim Mälzer und Talententdecker Stefan Raab zu seinen größten Fans zählen darf und am 27.04.2012 veröffentlicht wird.
Gregor Meyle Album "Meile für Meyle"
Das Album entstand gemeinsam mit Erfolgsproduzent Christian Lohr (Gianna Nannini, Adoro, Christina Stürmer, Joss Stone uvm.).
Herausgekommen sind 11 brillante Songs über Freundschaft, Liebe und neuen Mut, über Verfehlungen, Lösungswege und Perspektiven und ein breites musikalisches Spektrum mit Gitarrenpicking à la John Mayer oder James Tayler, Klavierparts, die Nora Jones persönlich eingespielt zu haben scheint, erdigen Sounds wie bei Elvis Costello, Sting oder Tom Waits und Popanklängen mit Folkelementen, wie man sie auch bei Mumford & Songs hören kann.
Um es kurz zu machen, „Meile für Meyle“ ist wieder einmal 100% Gregor Meyle. Mal komödiantisch, mal romantisch, mal ironisch, mal ernst.
Die erste Single-Auskopplung „Du bist das Licht“ ist eine Ode an den Glauben an sich selbst und eine Aufforderung, sein eigenes Licht scheinen zu lassen.
Albuminformation Gregor Meyle – „Meile für Meyle“
Gregor Meyle neues Album "Meile für Meyle"
Musikgrößen wie Xavier Naidoo oder Stefanie Heinzmann gehören zu seinen größten Fans. Talententdecker Stefan Raab attestiert ihm: „Du bist einer der begnadetsten Songwriter“.
Ebenso begeistert ist Starkoch Tim Mälzer, der ihn regelmäßig als musikalischen Gast in sein Restaurant „die Bullerei“ nach Hamburg einlädt.
„Der Pate der deutschen Soulmusik“, Edo Zanki, verneigt sich musikalisch vor ihm, und nimmt seinen Song „Finde Dein Glück“ in einer eigenen Version auf.
Ganz offensichtlich ist der Weg, den der deutsche Songpoet Gregor Meyle eingeschlagen hat, der richtige.
Gregor Meyle: „Wenn Edo Zanki einen Song von Dir covert, dann ist das so, als ob Tim Mälzer deine Schinkennudeln nachkocht.“ Gar nicht so unwahrscheinlich.
Schließlich ist Gregor nicht nur ein begnadeter Sänger und Songschreiber, sondern auch noch ein echtes Talent in der Küche und er versteht etwas von Wein.
Das beweist er eindrücklich in seinem Musik-Kochbuch „Songs für Feinschmecker“, das er 2011 veröffentlicht: in Eigenregie, so ganz nebenbei, während er mehr als 100 Konzerte spielt und ein neues Album erschafft.
Für die Produktion dieser CD konnte Gregor den renommierten internationalen Musikproduzenten Christian Lohr gewinnen, der in den letzten Jahren Diamant-, Mehrfach-Platin- und Goldauszeichnungen erhielt zum Beispiel für seine Veröffentlichungen mit Gianna Nannini, der er in Italien zu einem grandiosen Comeback verhilft, für das aktuelle Album von Adoro, für Christina Stürmer, Udo Jürgens und viele mehr.
Außerdem produziert er unter anderem mit Mick Jagger, Sting, Joss Stone, Jimmy Cliff, Liza Minelli und Andrea Bocelli. Es war „Liebe auf den ersten Blick“ bei den beiden. Deshalb stürzt sich Christian Lohr trotz seines engen Zeitplans mit großem Engagement in die Produktion und das Finetuning von Gregors neustem Werk.
„Meile für Meyle“ heißt das Ergebnis der Zusammenarbeit und ist nunmehr das dritte Studioalbum von Gregor Meyle, das am 27. April erscheint. Nach der erfolgreichen Veröffentlichung von „meylenweit“, seiner ersten Veröffentlichung in Eigenregie, erscheint folgerichtig auch das neue Album auf seinem eigenen Label „Meylemusic“.
Für seine Fangemeinde hält Gregor noch einen besonderen Leckerbissen bereit: Schon vor der offiziellen Veröffentlichung werden 500 Fans das Album in einer Special Friends Edition in ihrem Briefkasten finden.
Das heißt, eine limitierte, handsignierte Ausgabe, die als Dankeschön für die Treue im Cover den Namen des Käufers enthält. Bestellt werden kann sie ausschließlich über die Homepage des Künstlers unter www.gregor-meyle.de.
Ob Standardausgabe oder Limited Edition „Meile für Meyle“ sind 11 brillante Songs über Freundschaft, Liebe und neuen Mut, über Verfehlungen, Lösungswege und Perspektiven.
Die Texte sind voller origineller Bilder, gewitzter Wortspiele und emotionaler Tiefe. Um es kurz zu machen, „Meile für Meyle“ ist wieder einmal 100% Gregor Meyle. Mal komödiantisch, mal romantisch, mal ironisch, mal ernst. Und wie immer hat Gregor Meyle eine klare Botschaft: Geduld, Optimismus und Selbstreflexion sind recht gute Lebensbegleiter.
„Meile für Meyle“ bietet ein breites musikalisches Spektrum. Gregors Gittarrenpicking erinnert an
John Mayer und James Taylor, das Klavier klingt schon einmal, als hätte Nora Jones persönlich daran gesessen.
Das Album lebt von erdigen Sounds à la Elvis Costello, Sting oder Tom Waits, geprägt vom Songwriting von Amos Lee und Jamie Cullum, von Popanklängen mit Folkelementen, wie man sie auch bei Mumford & Sons hören kann und ist angereichert mit Bigband Sounds, Country-Folk und Saloon-Klavier, gesäumt von den so typischen Balladen und den Streichern des Ausnahmegeigers Christian Herzberger.
„Meile für Meyle“ verkörpert all das, was den Songwriter-Pop von Gregor Meyle ausmacht, wunderbar und hochwertig umgesetzt und arrangiert von dem begnadeten Christian Lohr.
„Wunder“ ist eine kabarettistisch anmutende Bestandsaufnahme über das Leben, die Familie und das Taumeln in Richtung Glück: ein kleines Meisterwerk! Das finden auch der SWR und Edo Zanki, die an Gregor herantreten und ihn bitten, diesen Song gemeinsam mit der SWR Bigband für das Album „Die Besten aus Südwesten“ zum 60jährigen Jubiläum des Landes Baden-Württemberg aufzunehmen, genauso wie die renommierten Kollegen Max Mutzke, Hartmut Engler, Laith Al-Deen, Pe Werner, Peter Freudenthaler und Xavier Naidoo.
„Keine Macht den Pessimisten“ handelt vom manchmal verzweifelten inneren Kampf dagegen, den Kopf in den Sand zu stecken, ganz besonders dann, wenn rings um einen die Unken regieren.
„Keine ist wie Du“ ist eine Ode an die verflossene Liebe und stellt die Frage, was hätte sein können, wenn es geklappt hätte. Am Ende steht die Erkenntnis, dass es zwar anders gekommen ist, dass aber ein Mensch, den man einmal geliebt hat, immer etwas Besonderes bleibt.
Das neue Album „Meile für Meyle“ führt fort, was „so soll es sein“ und „meylenweit“ angefangen haben und bedeutet, auch dank Christian Lohrs Beteiligung, einen musikalischen „Meylenstein“ für den Künstler. Er bleibt konsequent in Bewegung. Schließlich verbringt er auch im Alltag viel Zeit unterwegs zum nächsten seiner zahlreichen Konzerte oder zu Aufnahmen ins Studio.
Mit dieser Veröffentlichung hat Gregor den Begriff Nachhaltigkeit im Casting-Show-Business neu definiert und klar gemacht, dass es etwas zu bedeuten hat, wenn man als weltweit erster und einziger Casting-Show-Kandidat mit selbstgeschriebenen Songs bis ins Finale von „SSDSDSSWEMUGABRTLAD“ vordringt.
Denn auch 5 Jahre danach steht Gregor Meyle nach wie vor erfolgreich auf der Bühne und
ist „Meile für Meyle“ auf dem Weg weiter nach oben.
Trackliste „Meile für Meyle“
1. So lang ich dran glaube
2. Das Schlimmste ist vorbei
3. Steh wieder auf!
4. Du bist das Licht
5. Keine Macht den Pessimisten
6. Dann bin ich zuhausʼ
7. hätt nix dagegen
8. Wunder
9. Dann find ich Dich
10 Nichts ohne Grund
11. Keine ist wie du
Video „Du bist das Licht“:
videos/http://www.youtube.com/watch?v=pvN6RYcpCaM
„Meile für Meyle“ Tour 2012:
27.04 Köln Altes Pfandhaus
03.05 Hannover Marlene
04.05 Berlin Wabe
05.05 Greifswald Café Koeppen
06.05 Hamburg Logo
10.05 Münster Hot Jazz Club
11.05 Bielefeld Bunker Ulmenwall
13.05 Frankfurt Haus Sindlingen
18.05 Regensburg Art Club
19.05 Erlangen Strohalm
20.05 Bochum JuMa
22.05 Marburg TTZ (Bistro Südseite)
24.05 Koblenz Café Hahn
25.05 Gaggenau (Baden-Baden) Klag Bühne
26.05 Jagsthausen Café Piano
27.05 Stuttgart Schlossplatz Sommerfestival.
07.06 Erkelenz Open Air Stadtfest Erkelenz.
23.06 Duisburg Open Air Folkfest Duisburg
„So `ne Typen wie Du sind Schuld, dass die Leute meine Lieder nicht mehr hör`n!“ steckt Sebel schon am Anfang seiner ersten Single „Scheiß` auf die Disco“ die Fronten ab. Wer sich hierbei angesprochen fühlt: Super, weiter unbedingt lesen! Alle anderen: Sowieso!
SEBEL „Scheiß auf die Disco“Doch who the f*ck ist Sebel? Wer ist eigentlich dieser Typ, der mit seinem catchy Draufgängerrock die Klappe so erfrischend weit und so ungewöhnlich oft aufreißt?
So manchem aufmerksamen Konzertbesucher mag der 31-jährige „Pottprolet mit Herz und Hang zur Melancholie“ in der jüngeren Vergangenheit bereits unter dem Synonym Sebel van der Nijhoff als gefeierter Support von Luxuslärm in wohltuender Erinnerung hängen geblieben sein.
Unter produktionstechnischer Mithilfe von Thumb/ Alternative Allstars-Frontmann und Producer Claus Grabke veröffentlicht Sebel nun mit „Scheiß` auf die Disco“ den ersten Vorabtrack aus seinem im Juli folgenden Albumdebüt „Wie deutsch kann man sein?“!
„Scheiß` auf die Disco“ ist die große, dringend nötige Hassliebenhymne. Gewidmet allen Discothekenbesuchern und ihrem Stammladen. Ein Song, so rau, rockig, eckig, erdig und kantig wie Sebel selbst. Immer frei Schnauze, immer lustig nach vorne, immer voll auf die 12, die bei Sebel eigentlich sogar eine 13 ist.
Auf die Fresse, aber immer mit einem fetten Augenzwinkern und mit der Option auf ein Friedensbier danach. Oder vielleicht sogar zehn. Unverschämt authentisch eben. Sebel erzählt Dir keinen Mist, sondern Geschichten aus dem Leben. Seinem Leben. Immer ein wenig daneben, aber doch irgendwie auf den Punkt. Realität aus Wanne-Eickel Rock-City!
Irgendwo zwischen schwarz und (Currywurst/ Pommes rot)weiß. Sebel ist dreckig und zerrissen, er ist bärtig und etwas fett. Sebel trink Pils anstatt Aperol Spritz, Sebel ist Vinyl und nicht mp3, Manta anstatt VW Golf. Sebel rockt, Sebel rotzt. Sebel grölt. Sebel liebt das Rock`n Roll-Leben, die gute alte Musik: Die Beatles, die Stones, Led Zeppelin, Deep Purple, Tom Petty. Sebel liebt und hasst die Frauen, manchmal. Und er liebt das Biertrinken in `ner öden Ruhrpottkneipe. Praktisch, wohnt er doch in einer Künstler-WG in einem Zechenhaus mitten im Pott, wo regelmäßig echt abgefahrene Partys stattfinden. Und das genau über seiner Stammdiscothek – die Hauptinspiration für „Scheiß` auf die Disco“!
Man(n) kennt das traurige Szenario, scheinbar chronisch zur falschen Zeit am falschen Platz zu sein, „wenn man wie jeden Samstag versucht, in seinem Stammladen ein Mädchen klar zu machen“, erzählt Sebel. „Doch wie immer sind die hübschesten Frauen mit irgendwelchen Vollpfosten auf der Tanzfläche. Schließlich geht man früh morgens wieder alleine nach Hause und scheißt auf die Disco. Bis zum nächsten Samstag jedenfalls…“
Klare Worte, wie auch auf dem kommenden Album „Wie deutsch kann man sein?“ – der Soundtrack zu Sebels Leben: Vom Rock und Roll, von betrügenden und betrogenen Frauen, von der Liebe und vom Ficken, von der Auseinandersetzung mit der eigenen “Heimat”, von deutschen Spießern und der Frage “Wie deutsch bin ich eigentlich selber?” Endlich ist Schluß mit dem Rumgejammer in der deutschsprachigen Musikszene! Sebel ist purer Sex und Rock `n Roll! Ein Künstler mit Ecken und Kanten, der nicht jammert, sondern die Dinge beim Namen nennt!
SEBEL live auf Tour mit Thomas Godoj:
20.04.12 Köln, Luxor
21.04.12 Aschaffenburg, Colos Saal
22.04.12 Krefeld, Kulturfabrik
24.04.12 Bremen, Fritz
25.04.12 Lübeck, Riders Café
27.04.12 Dresden, Beatpol
28.04.12 Potsdam, Waschhaus
29.04.12 Leipzig, Werk 2
01.05.12 Augsburg, Kantine
02.05.12 Nürnberg, Hirsch
04.05.12 Karlsruhe, Substage
05.05.12 Kaiserslautern, Kammgarn
06.05.12 Heidelberg, Halle02
SEBEL Clubshows:
13.06.12 Oberhausen – Zentrum Altenberg
14.06.12 Köln – Blue Shell
20.06.12 München – Ampere
21.06.12 Frankfurt – Das Bett
24.06.12 Berlin – Comet Club
07.09.12 Dresden – Ostpol
SEBEL Festival Shows:
29.06.12 Oer-Erkenschwick, SSBO Festival
29.-31.07.12 Paaren/Glien bei Berlin, Greenville Festival
„Ich glaube an die Seele, glaub’ daran, dass sich das Gute lohnt. Dabei sprech’ ich nicht von Gott, keinem Gesetz und keiner Religion. Ich meine das Gefühl, das jeder von uns hat – das niemals fehlt, immer weiß, alles kann und alles sagt. Wir müssen nur zuhören.“
P:lot Album 'Zuhören' und Tour 2012„Das Leben ist nicht nur Radiohead.“
P:LOT verfolgen mit Zuhören einen beinahe revolutionären Plan: ein durch und durch gutes Album. Nicht nur kompositorisch, sondern vor allem in seiner Gesinnung. Als ‚Deutschland, nachdenklich’ empfinden P:LOT nämlich die Musik, die sie hierzulande oft zu hören bekommen – als negative Melancholie. Eine Stimmung, die der Band auf die Nerven geht. Auch an sich selbst übrigens, denn die vorherigen Alben „Debüt“ (2004) und „Mein Name ist“ (2008) schlugen in eine ähnliche Kerbe. Das Eingeständnis und der Entschluss damit zu brechen, sind das Besondere an P:LOT – Tragik mit Humor zu begegnen und eine konsequent positive Ausstrahlung sind das Besondere an Zuhören.
„Wir wollten nichts Neues erfinden.“
Es erfordert Mut und eine Nachrichtensperre für den Kopf, in sich hinein zu hören und sich auf das zu besinnen, was man kann und kennt. Künstler erlegen sich oft den Zwang auf, ständig etwas Neues schaffen zu müssen. P:LOT sind davon überzeugt, dass das nur begrenzt möglich ist. Musik ist für die Band eine Sprache – und sie will sich verständlich ausdrücken. P:LOT sind sich treu geblieben und haben sich mit einem bewusst anachronistischen Album gegen den Zeitgeist sowie eigene Zweifel gestellt. Auf Zuhören vertonen sie virtuos ihre Wurzeln und ihr Bauchgefühl, und geraten beim Schwelgen in Erinnerungen an Riffs und Seelenzustände oft genug selbst ins Schmunzeln.
„Es geht darum, wie man Songs schreibt.“
Viele zeitgenössische Produktionen spielen mit dem ‚Retro-Feel’: Sie versuchen den Sound von damals zu reproduzieren und mit modernen Mitteln ‚fett’ klingen zu lassen. P:LOT gehen einen anderen Weg, weil sie es können. Ihre unbeschwerte Beatles-Hommage, Der Trick, zum Beispiel ist keine Kopie sondern eine eigenständige Komposition, die ihr Vorbild nicht allzu ernst nimmt und deswegen in erster Linie Laune macht. Die Fähigkeit, Musik zu schreiben, die sie in ihrem Inneren schon hatten, hat zu mühelos wirkender Raffinesse geführt, zu unverkrampfter Freude an den neuen Songs. Zu Musik, die Menschen über 40 nicht ausschließt und die darunter lässig inspiriert.
„Vielleicht fehlt uns ein gewisser Narzissmus.“
P:LOT drücken sich in Gefühlsklammern aus. Es ist nicht ihre Art, von sich und ihren Egos zu berichten, sie erzählen lieber von der „Welt“ dahinter. Die Musik und der Text bilden den sanften Übergang. Vielleicht liegt darin auch die spezielle Magie dieses Albums, das dem Hörer eine intime Dimension bietet. Zurücklehnen und endlich mal in aller Ruhe den eigenen Gedanken Zuhören.
„Wir machen unsere Sachen, wie wir sie für richtig halten.“
P:LOT hatten schon immer ihren eigenen Kopf und für ihre Überzeugungen nie eine Erlaubnis nötig. Dieses Selbstbewusstsein hat den Kölner Musikern ihren ersten Deal beim Wolfgang „Wölli“ Rohde Label ‚Goldene Zeiten’ eingebracht, sie ein paar Jahre später zur zweiten Albumveröffentlichung in Eigenregie geführt und das Trio 2011 von der Unterschrift bei Columbia Four Music überzeugt. Denn erfrischenderweise misstrauen P:LOT Plattenfirmen nicht klischeemäßig – ihr Kriterium ist schlicht die Zusammenarbeit mit Menschen, denen dieselben Dinge wichtig sind wie ihnen selbst. Im Fall von Zuhören, diesem Balsam für die reizüberflutete Seele, ist es eindeutig: das Gute.
ZUHÖREN … Track By Track
Eins
„Ein Song über Sex. Gibt es viel zu selten – zumindest solche, die sich nicht anhören, wie aus der Sexshop-Auslage. Auf Deutsch besonders schwierig. Jedenfalls ist Eins eine Aufforderung sich zu vereinigen – in welcher Form auch immer. Musikalisch ist der Song absichtlich ein Klischee seiner selbst. Die Übersteuerungen sind entstanden wie live auf der Bühne: Verstärker, E-Gitarren, Mikros und Schweiß.“
Nimm mich
„Der Track spiegelt die Idee des Albums: amüsierte Melancholie. Nimm mich motiviert zum Sprung über den eigenen Schatten. Oder zumindest dazu, jemanden zu bitten, das für einen zu erledigen. Die ‚Live Is Live-Trommel’ bringt uns immer wieder zum Schmunzeln – versteckt hinter Konstanz, 4/4-Beat und Jazzgitarren.“
Zuhören
„Von Text und Inhalt her der wohl grundlegendste Song und deshalb konsequent die erste Single. Zuhören verkörpert, woran das ganze Album glaubt: Man kann seiner inneren Stimme nur folgen, wenn man richtig hinhört. In Zuhören wohnt die Erkenntnis, dass wir alle bereits wissen, was richtig und was falsch ist. Alles, was man tun kann, ist gut zu sein und es sich selbst nicht so schwer machen.“
Lass dich finden
„Eine Ode an den Mut. Sich auf seine Individualität berufen und aus der Angst zu befreien, das ist eigentlich ein bisschen anachronistisch, und interessanterweise trotzdem für Viele der wichtigste Song der Platte. Das Gefühl gleicht romantischem Knutschen in der Kneipe; die Gewissheit dem urkölschen „Et kütt wie et kütt“.
Der Trick
„Der Trick ist Humor: Instrumente, Chöre, Text. Das Leben ist nicht traurig, wenn man über sich selbst lachen kann. Wortschöpfungen wie „schwarzweißt es sich gut“ sind harte Arbeit und doch der ulkigste Text, den wir je geschrieben haben. Musikalisch eine akustische Täuschung – wir hatten nie eine Tuba im Studio …“
Beweg dich
„Beweg dich bringt das Herz zum Springen. Wie auf dem kompletten Album haben wir besonderen Wert darauf gelegt, dass alle Instrumente ihre Seele frei ausspielen dürfen. Manuelle Momente, die nicht per Knopfdruck rekonstruiert werden können. Diese ‚Leichtigkeit des Seins’ kommt hoffentlich rüber.“
Du bist Wasser
„Seelisches Fernweh. Es ist nicht immer einer Schuld, wenn Nähe einem durch die Finger fließt. In Wahrheit hat man meistens gar keinen Einfluss darauf. Das Harmonium soll sich anfühlen, wie ein schwankendes Schiff und beim Zuhören dürfen wir getrost akzeptieren, dass wir Melancholie in uns tragen.“
An meiner Seite
„Ein Liebeslied. Einfach weil es schöner ist, zu zweit zu sein, als allein. Das muss nicht unbedingt mit einem Menschen sein – ein Haustier, haha, oder zum Beispiel Musik tun es auch. In diesem Fall geht es aber konkret um die Liebe zu einer Frau. Wir wünschen jedem auf diesem Planeten etwas Gutes an seiner Seite.“
Unglaublich gut
„Der etwas tiefsinnigere Bruder von An meiner Seite und auch ein waschechtes Liebeslied. Es geht um die Einsicht, von seinem hohen Ross steigen zu müssen, um durch die Augen des Anderen blicken zu können.“
Wenn es zu Ende ist
„Eine Session! Woodstock! Vieles ist einfach so passiert – mit ein bisschen Joe Cocker im Herzen. Für uns größte musikalische Freiheit und stellenweise richtig witzig. Was der Text sagen will, ist: Hab keine Angst vor Verlust und Veränderung. Oder wie unser Schlagzeuger Ben es ausdrücken würde: „Kill your darlings.“
Nimms nicht so schwer
„Die Fortsetzung von Wenn es zu Ende ist und so durch und durch rheinisch, wie die Leute in unserem Viertel. Das größte Kompliment hat Peter Brings dem Song in sattem Kölsch gemacht: „Hör’ ma, wenn ich den Song hör’, krieg ich en Gänsehaut. Muss ich heulen.“ Und so geht es uns sogar manchmal selbst damit. Ist der Song cool? Scheißegal.“
Provogue Records/ Mascot Label Group kündigen die neue Joe Bonamassa DVD und Blu-Ray ‚Beacon Theatre – Live From New York‘ für eine Veröffentlichung am 23. März 2012 an.
JOE BONAMASSA VERÖFFENTLICHT NEUE LIVE DVD IM MÄRZ 2012
‚Beacon Theatre‘ wird damit die Nachfolge zu einem der erfolgreichsten Veröffentlichungen in Joe Bonamassa’s Karriere, dem Titel ‚Live from the Royal Albert Hall‘, antreten.
Dieser neue DVD Doppelpack bietet neben Songs aus dem letzten Bonamassa Studio Album ‚Dust Bowl‘ jedemenge Klassiker seiner Laufbahn.
Dieses einmalige Konzerterlebnis trumpft zusätzlich mit den Gastauftritten von John Hiatt, Paul Rodgers und Beth Hart auf.
Mit Hart performed er ‚I’ll Take Care Of You‘ und ‚Sinner’s Prayer‘, aus dem gemeinsamen Album ‚Don’t Explain‘.
Mit dem American Music Award Gewinner John Hiatt zelebriert er die Songs ‚Around My Place‘ und ‚I Know A Place‘ und mit dem legendären Rocksänger Paul Rodgers (Free, Bad Company, Queen) spielt er ‚Fire And Water‘ und ‚Walk In My Shadows‘.
JOE BONAMASSA DVD Trailer:
Kostenfreier Download des Songs “Dust Bowl” und weitere Informationen unter www.jbonamassa.com
Parallel zu dieser Veröffentlichung ist Joe Bonamassa für 5 exklusive Shows in Deutschland zu Gast.
Joe Bonamassa Live in Concert 2012
“The Guitar Event Of The Year”!
präsentiert von Rock Hard, Rocks, Guitar, Musix, Kulturnews.de, Motor.de und Gibson
3. März 2012 München- Muffathalle
6. März 2012 Saarbrücken- E – Werk
7. März 2012 Berlin- Admiralspalast
9. März 2012 Leipzig – Haus Auensee
10. März 2012 Essen- Grugahalle
Tickets unter: www.derticketservice.de und der Hotline: 01805- 280 100 ( 0,14€ /min aus dt. Festnetz, Mobilnetz max. 0,42 € / min)
Tom Fuller hat genaue Vorstellungen davon, welche Reaktionen seine neue Platte auslösen soll. Wenn nach etwas mehr als 39 Minuten der letzte Ton verklungen ist, dann – so lautet des Künstlers Wunsch – möge sich der Zuhörer doch bitte schön erstaunt fragen: „Oh mein Gott, was war das denn?“
TOM FULLER BAND "ASK"
Man könnte auch sagen: Tom Fuller wünscht sich, dass sein drittes Album die Menschen überwältigt. Die Chancen dazu stehen nicht schlecht. „Ask“ ist druckvoller Rock und ganz großer Pop, euphorisierend, berührend, mitreißend und stets hochmelodiös.
Auf engstem Raum reiht Fuller zwölf Songs aneinander, in denen zwischen zart instrumentierter Selbstreflexion, krachenden Gitarrenexplosionen und überschwänglichen Sound-Spielereien alles möglich ist.
So entwickelt sich „Hellfire Angel“ von einer Sekunde auf die andere von sanftem Singer-Songwriter-Pop zur expressiven Rock-Nummer und wieder zurück. „Morphine Maureen“ rockt wie Hulle, bringt pointiert die Twang-Gitarre zum Einsatz und wird im Ansatz gar psychedelisch.
Das kammermusikalisch beflügelte „The Best Of Me“ ist Schönheit pur, und zum Finale versöhnt Fuller noch einmal majestätischen Rock und schwebende Pop-Eleganz.
Zwischen diesem krönenden Abschluss und den Tribal-Rhythmen des mitreißenden Openers „Lovers“ liegen gerade mal 37 Minuten, was kaum zu glauben ist angesichts der vielen zündenden Ideen, die Fuller auf „Ask“ verarbeitet. Die Füße auf solidem Rock-Fundament, den Kopf in den höchsten Höhen des schwerelosen Himmelstürmer-Pop – für Mainstream-Liebhaber ist die Tom Fuller Band genauso interessant wie für musikalische Abenteurer, die Unkonventionelles und Raffiniertes zu schätzen wissen.
Fuller stammt aus Chicago, da ist der klassische Pop-Rock von Cheap Trick ebenso nahe wie der Sound von Wilco, der sich gleichermaßen durch Traditionsbewusstsein und Genre-erweiternde Verwegenheit auszeichnet.
Eine andere wichtige Bezugsgröße in Fullers Musik-Universum stammt aus Großbritannien: die Beatles. Noch immer erinnert sich der Musiker daran, wie er in jungen Jahren einst ein Solo-Album von Paul McCartney erwarb. Das muss man wissen, um einschätzen zu können, was in Fuller vorging, als sein Produzent Rick Chudacoff (Alison Krauss, Smokey Robinson) auf einmal einen so nicht erwarteten Vorschlag machte: „Warum fahren wir nicht nach L.A. und haben eine gute Zeit mit ein paar Jungs aus Paul McCartneys Band?“ „Oh my god, yeah“, antwortete Fuller. „Ich meine – wer würde zu so etwas Nein sagen?“
Also wurden mit Drummer Abe Laboriel, Jr. und Gitarrist Brian Ray einige Songs in Kalifornien eingespielt. Doch Fullers Kreativität war noch lange nicht erschöpft. Er schrieb weitere Lieder, die er mit Chicagoer Weggefährten in seiner Heimat einspielte. „Ask“ wurde somit auf zweierlei Art zum Dokument einer Reise. Einmal rein geographisch, von Illinois in den Südwesten der USA und wieder
zurück. Darüber hinaus aber auch biografisch: Fuller sagt ganz offen, dass seine Texte zum Teil sehr
persönlich seien, deshalb wolle er auch nicht jede Zeile erschöpfend erklären. „Ich habe richtig gute und ich habe richtig miese Zeiten hinter mir“, berichtet er. Vor diesem Hintergrund habe er nun die Möglichkeit, ganz andere Texte zu schreiben als früher. „Ich denke, ich habe etwas mitzuteilen“, konstatiert Fuller. Noch ein Argument, warum es sich so sehr lohnt, „Ask“ aufmerksam zu hören.
Zu Fullers Vergangenheit gehört unter anderem eine Karriere als Geschäftsmann. Wie viele andere Menschen kam er irgendwann an den Punkt, an dem man sich fragt: War das jetzt alles? Oder kommt da noch etwas anderes? Die Mehrheit weicht der Antwort dann jedoch aus, meidet das Risiko, verzichtet auf das Abenteuer und ändert: nichts. Ganz anders Fuller. Der erinnerte sich an seinen alten Jugendtraum, Musiker werden zu wollen. „Ich habe meine Business-Karriere bei Null angefangen“, sagt er heute. „Meine Reise als Musiker habe ich bei so ziemlich exakt derselben Position begonnen.“
Dass dieser Weg der richtige war, daran hat Fuller nie gezweifelt. „Ich weiß ganz sicher, dass das meine Bestimmung ist“, betont er. „Das, was ich mache, ist das, was ich machen muss.“ Und dann vergleicht er sich mit einem Kind im Süßwarenladen – „ich habe eine Mission!“ Mit „Ask“ hat Fuller nun den bisherigen Gipfelpunkt seiner missionarisch beseelten Reise erklommen.
„Oh mein Gott, was war das denn?“ Die Antwort ist sonnenklar: ein bewegtes Reisetagebuch voller Emotionen, Geistesblitze und Melodien, die einen tatsächlich erst einmal nach Atem ringen lassen. „Ich will, dass meine Zuhörer am Ende der Platte emotional erschöpft sind“, bilanziert Fuller.
Die Play-Taste, so viel steht fest, werden sie trotzdem gleich wieder drücken.
Tom Fuller Band ‘ASK’ – Track Listing
Lovers 3.18
Ask 3.19
Doin’ Nothin’ 2.35
Take Me Away 3.32
Anthem Man 3.32
Hellfire Angel 3.36
Merci Beaucoup 3.53
Keeping Time 3.19
Morphine Maureen 3.06
Hot Air Balloon 3.00
The Best Of Me 3.21
Garden Dreaming Days 3.17
Wer glaubt Rave ist Geschichte und die Zukunft des Rock sei untrennbar mit der E-Gitarre verbunden, der sollte hier genau zuhören, denn 120 Days rocken wie die Hölle.
120 DAYS - 120 DAYS II ( VÖ: 09.03.2012 / Splendour / Soulfood )
Das Quartett aus Oslo reklamiert die rohe Kraft von Synthies und Drumcomputern für sich und beschert uns eine vollgeknallte Vergnügungsfahrt ala Happy Mondays, Primal Scream oder Underworld mit Versatzstücken aus dem Repertoire von Kraftwerk, Joy Division, The Cure oder Neu!
120 Days entwickeln aus diesen scheinbar widersprüchlichen Einzelteilen eine unwiderstehlich treibende Mischung bei der Düsternis und Euphorie Arm in Arm gehen. Unerbittlich und mit erschreckend hoher Intensität graben sich der stoische Beat und die Synths in die Hirnrinde.
5 Jahre nach ihrem von Kritikern geschätzen und auch kommerziell erfolgreichem Debutalbum (das ihnen in Norwegen auch 2 Grammys einbrachte und auf Tour von Amerika bis Japan führte), legen Jonas Dahl, Kjetil Ovesen, Arne Kvalvik und Ådne Meisfjord mit 120 Days II einen Nachfolger vor, der dunkler, härter und schärfer ist als das Debutalbum.
Der Sound ist insgesamt elektronischer und durch die Synths wesentlich heavier als er es mit Gitarren war. Inspiriert von hartem Industrial Detroit Techno, als auch vom überirdischen Drone-Jazz einer (frühen) Alice Coltrane und dem orchestralem Wahnsinn der Wagner Opern läuft das Vikingerblut Amok.
Der 10 Minuten track ‘Dahle Disco’ baut sich lange und verschlungen auf, bevor er schließlich explodiert. ‘Sleepless Nights’ ist psychedelischer, electronic shoegaze in dem My Bloody Valentine auf Vangelis trifft. Die atonalen Akkorde und Synth Hooks in ‘Lucid Dreams 3’ sind irgendwo zwischen Underworld’s melodischen Bildern und den Electro-Industrial Aggressionen von Skinny Puppy oder Cabaret Voltaire anzusiedeln.
In ‘SF’ mit seinen benebelten Synths zeigt die Paranoia aber immer wieder ihre hässliche Fratze. Das Album endet mit dem track ‘Osaka’ als euphorischem und dreckigem Höhepunkt eines unbarmherzigen Trips. Osaka ist auch die erste Single und kommt mit Remixes von Sidwho? und Diskjokke.
Die gewaltige 120 Days Live-performance mit dramatischer Laser- und Stroboskopshow ist im Frühjahr 2012 wieder zu bestaunen. Tourtermine sind für April in Planung.
Es ist ein lautes, krachendes, brennendes Debutalbum, das PARKA da auf den Namen „Raus“ (VÖ: 24.02.2012) getauft haben. Als Vorboten hatten sie im Herbst die Single „Oben“ vorausgeschickt – der dazugehörige Clip bei MyVideo sammelte der Band innerhalb weniger Wochen fast 200.000 Views und viele neue Freunde ein.
PARKA Album: Raus
PARKA machen auf ihrem ersten Album deutlich, dass sie einer Generation angehören, die sich politisch und gesellschaftlich positionieren will, aber ohne die klassischen Feindbilder.
Sie wenden sich den eigenen Zweifeln und Sehnsüchten zu, besingen eine Welt, wie sie sich ihnen auf den Displays ihrer Smartphones, Laptops und Fernseher, aber auch ganz unmittelbar in den Straßen der eigenen Großstädte darstellt: Kleine Beobachtungen prallen hier auf große existenzielle Fragen an eine immer komplexer werdende Wirklichkeit, in die wir hineingeworfen werden und bestehen müssen.
Mit zwischen Euphorie und Melancholie schwankender Stimme, mit wütender Empörung und ratlosem Seufzen, bündelt sich so auf „Raus“ der Gedanke des Ausbrechens – ob als persönliche Katharsis oder als Kritik an dem System, in dem wir leben. Gerade der titelgebende Song „Raus“ vermittelt diesen politischen Bezug.
Nicht als Zeigefinger auf „die böse Gesellschaft“, sondern als Reflektion unserer Welt, die wir gestalten sollten und müssen. Und da liegt auch der Bezug zur privaten kleinen Welt von jedem. Darauf zu warten, dass die Dinge von alleine besser werden, ist Unsinn und manchmal ist ein schmerzhafter Schritt nach vorn besser als in vermeintlicher Sicherheit auszuharren.
Die Suche nach dem Wahren, das Rütteln an alten Strukturen, der Aufbruch zu sich selbst – alles von Frontmann Martin „Fly“ Fliegenschmidt in Zeilen voller Poesie gegossen. Und die macht sich in den neuen Songs mit einigen Dezibel mehr auf den Weg in die Herzen.
Alles ist etwas lauter und energischer als von den Jungs gewohnt. Kein Seufzen, das nicht bald von krachenden Bässen zerrissen wird. Kein Leiden, das den Drums lange standhalten kann. Dafür sorgt Gianni Dedola am Bass mit Drummer Raphael Sbrzesny und das extrem facettenreich: Elektrosounds und diverse Schlaginstrumente brechen das Muster üblicher Rocknummern immer wieder auf.
Dass PARKA seit über 4 Jahren, 2 EPs und über 150 Konzerten unbeirrt ihren Weg gehen, zeigt sich auch darin, dass sie ihr Debutalbum vollständig in Eigenregie aufgenommen und produziert haben.
Dazu erscheint später im Jahr die DVD „PARKA und Gäste live“ – vom eigens gegründeten Drumorchester, Bläsersektion und von verschiedenen Gästen unterstützt, entstand von großem epischen Rock über fast zerbrechlich arrangierte Singer/Songwriter-Nummern bis zu krachenden Indie-Disco-Dancefloor- Tracks ein zweistündiger Konzertmitschnitt, der noch einmal die musikalischen Qualitäten der Band und ihre Vielseitigkeit zeigt.
PARKA entwickeln sich konsequent weiter und sind perfekt aufgestellt, um 2012 zu ihrem Jahr zu machen.
PARKA Tourdaten:
03.02.2012 – Villingen / Schwenningen, Scheuer K3
14.03.2012 – Frankfurt, Elfer
15.03.2012 – Stuttgart, Universum
16.03.2012 – Ulm, Roxy Benefizrock
21.03.2012 – Hamburg, Knust
22.03.2012 – Köln, Underground
23.03.2012 – Magdeburg, Projekt 7
24.03.2012 – Berlin, Privat Club
10.05.2012 – Dortmund, FZW (Support)
26.05.2012 – Illingen, Burgplatz Open Air
15.06.2012 – Winzeln, Winzeln rockt
03.08.2012 – Magdeburg, Rock im Stadtpark
YA-HA! Das ist Jubelschrei und zugleich der Name der Münchner Band um die Sängerin und Regisseurin Janna Wonders und den Blumentopf-MC Flo „Schu“ Schuster.
YA-HA! Album: IMMER & ÜBERALL
Keiner soll alleine tanzen, YA-HA! Sound für alle. Immer & Überall. So heißt auch das Debütalbum, das am 03.Februar 2012 erscheint. Leichtfüßig tanzbare Musik trifft auf poetische Texte und Rap-Parts, New Wave auf modernen Pop.
Die Deutsch-Amerikanerin Janna, deren Mutter als „Hippie mit Hackbrett“ (BR 2008 „Lebenslinien“) im Summer of Love durch Amerika tourte, ist in einem Hippie-Dorf in Kalifornien geboren und im „Harem“ der Alt-68er-Legende Rainer Langhans aufgewachsen.
Janna ist – was das Songwriting betrifft – der kreative Mastermind der Band. Ihre von New Wave, NDW und 80’s inspirierten Songskizzen und Melodien sind immer der Ausgangspunkt der gemeinsamen Reise.
Ihr Gesang ist mal energetisch und rotzig, mal verträumt und voller Sehnsucht. Die Liebe zur Musik prägt auch ihre Arbeit als Filmemacherin: Dies belegen zahlreiche Musikvideos, aber auch die erfolgreichen Dokumentationen „Bling, Bling“, über die GangsterRap Szene in L.A. und „Kinder der Schlafviertel“, die preisgekrönte Milieu-Studie über Punks in Moskauer Vorstädten.
Ihr Bandgefährte Flo Schuster geht mit YA-HA! andere Wege als mit „Blumentopf“. Nach diversen Top-Ten Alben, auf denen auch Janna mit Feature-Parts vertreten ist (aktuell „Mein Dein“ und „Sie tanzt die Nächte durch“ WIR/EMi Music), und zahllosen ausverkauften Tourneen spürt man seine Lust etwas Neues zu probieren. Das Mikro ab und an aus der Hand legen, weg vom „center spot“, hin zu Drumcomputer und Synthesizer. Seine eingestreuten Raps klingen mal wie eine Hommage an Falco, mal wie ein dadaistischer Vocal-Sample Part einer zeitgenössischen Elektro-Produktion.
Gemeinsam mit Dirk Dirksen (Gitarre) und Flo Laber (Bass) schreiben Janna und Flo energetische und impulsive Songs, die auf faszinierende Weise konkret, direkt und eingängig sind. Ein neuer und innovativer Sound ensteht, voller Erinnerung an Glanzstunden der deutschen Popgeschichte. Die Musik und die Poetik von YA-HA! ist genau das, was der offensive Bandname suggeriert: Ein lautstarker Appell, kraftvoll, schnörkellos.
Auf ihrem Debüt „Immer & Überall“ singt YA-HA! vom „Robotermädchen“, verliert sich im „Totalen Chaos“ und fordert mit der urbanen Feierhymne „Elektrisch ist die Nacht“ zum Tanzen und Sau rauslassen auf. Die Band entwickelt mit hypnotischer Computermusik pure „Magie“, bringt mit einer schwarzen Lederhandtasche Marke „Fake Coco Chanel“ den Club zum Ausrasten und das „Herz bleibt stehen“ wenn YA-HA! in stilleren, poetischen Momenten von einem Wiedersehen erzählt. Sie wollen einfach mal Liebe machen, bis zur „Überdosis Du“. Warum? Weil Liebe schön ist! Und am Ende dann das Mantra, „YA-HA!“, der Schrei, der in Zukunft überall zu hören sein wird.
Denn nach einem ereignisreichen Live Jahr 2011 mit Auftritten auf renommierten Festivals, Showcases der Popkomm und Midem, mehreren von Ego FM präsentierten Club Gigs, Shows im Vorprogramm von Blumentopf und Großstadtgeflüster, und ihrer eigenen „Überall Musik“ Deutschland Tour sind die ersten Termine für 2012 schon gebucht. Im März geht es auf Album Release Tour und die Bookings für den Festivalsommer stehen auch bereits.
YA-HA! „Immer & Überall“ Tour:
01.03.2012 – M&R Konzerte Berlin, Maschinenhaus
10.03.2012 – Pfarrkirchen, Club Bogaloo
21.03.2012 – Nachtleben, Frankfurt a.M.
22.03.2012 – Köln, Underground 2
23.03.2012 – Bremen, Zollkantine
24.03.2012 – Hannover, Mephisto
29.03.2012 – Ampere, München (präsentiert von Ego FM & Prinz)
Das Zweitgeborene hat einen Namen: Royal Flush On The Titanic. Wir befinden uns im Jahr 2 nach dem erfolgreichen Debütalbum “Weapons Of Mass Destruction“ im März 2009 – nun steht endlich der nächste Silberling der Band in den Startlöchern!
Bulletmonks – Album „Royal Flush On The Titanic“Aber lassen wir doch erstmal das geschehene Revue passieren. Nach ihrem überaus erfolgreichen Debüt hat die junge Band aus Franken eine Zeit voller energiegeladenen Shows, viel Lob &Lehrgeld aber am allerwichtigsten mächtig viel Spass und neuen Fans hinter sich!
Supporttourneen vor W.A.S.P., U.F.O. und VOLBEAT haben den Bulletmonks die Türen zu europaweiten Bühnen geöffnet! Über 100 Shows unter anderem auf dem Wacken Rocks South oder als Co-Headliner auf dem Welt Astra Tag 2010 vor rund 40.000 Zuschauern in Hamburg haben die Band auf der einen Seite reifen lassen, aber auf der anderen auch vor Augen geführt was gerade eigentlich passiert. Aber was?
Man könnte sagen dass die Band schon jetzt ein Ziel erreicht hat, was die 4 Musiker von Anfang an zusammenschweißt, nämlich schlichtweg soviel Rock N Roll zu leben wie sie nur können! Soviel Zeit mit tollen Fans egal aus welchen Ländern zu verbringen wie es nur geht!
Auf dem am 20.1.2012 erscheinenden Album „Royal Flush On The Titanic“ sollen nun die Früchte geerntet werden, schließlich kann die Band sich jetzt darauf konzentrieren was sie schon immer tun wollte: Musik schreiben, spielen und zwar ohne dabei nach links oder rechts zu schauen. „4 guys just want to play rock n roll“ lautet das Motto unter dem das Songwriting und das Recording des Albums durchgezogen wurde – und verdammt nochmal es hat Spaß gemacht! Was dabei entstanden ist, ist ein verspielter, expolsiver Mix aus groovigen schweren Songs wie „You Want Me To Hang“, gewohnt fetzigen Krachern wie „Poor Trait“ oder „Old Mans Rollercoaster“ ebenso wie groovige Rock Nummern wie dem Titeltrack oder „Blood Money And Awe“.
Auf dieser Platte wagt sich die zum Teil „Downunder“ aufgewachsene Band auch erstmals an ein Stück australischer Geschichte in dem sie in „Stringybark Creek“ eine der ältesten Sagen aus der Kolonialzeit aufgreift und verrockt. Insgesamt haben es 14 wuchtige Songs auf die Platte geschafft welche versprechen den Stil der Band zu erweitern ohne sich selbst untreu zu werden: Rock „n“ Roll played with a Heavy Metal attitude!
Wo die Band hin will hat sie bereits gezeigt, nämlich möglichst nicht nach Hause, und genau so wird sie auch 2012 am Start sein: Auf der Bühne, und das möglichst jeden Tag. Die Bulletmonks sind bereit ihre Power mit jedem der ihrer Musik eine Chance gibt zu teilen. Thank god it’s Rock ’n‘ Roll – or wait- that was the other dude….
Bulletmonks mit D-A-D auf tour:
05.02.12 GER Frankfurt Batschkapp
06.02.12 GER Nürnberg Hirsch
07.02.12 GER Stuttgart Röhre
08.02.12 GER Berlin Postbahnhof
09.02.12 GER Osnabrück Lagerhalle
10.02.12 GER Hannover Musikzentrum
11.02.12 GER Bochum Zeche
12.02.12 GER Köln Luxor
16.02.12 GER München Backstage
You Say France & I Whistle (YSF&IW) ist das 2006 gegründete Quintett aus Schweden und schafft musikalisch einen Mix aus liebevoller Wärme und energiegeladener Frustration, die jeden erreicht. Frustriert darüber, dass man zuvor in zu vielen „coolen“ Bands gespielt hat, ohne jegliche liebevolle Zuneigung zur Musik! Das sollte sich ändern… YSF&IW waren geboren!
YOU SAY FRANCE & I WHISTLE „Angry Men“
Nach ihrem ersten Konzert auf einer Veranda auf einem von Nachbarn organisierten kleinem Straßenfest, spielte YSF&IW in zahlreichen Clubs, haben aber nie aufgehört auch an ungewöhnlichen Plätzen wie in Schaufenstern, kleinen Wohnungen oder sogar öffentlichen Toiletten zu spielen.
Die Nachfrage nach Auftritten vergrößerte sich mit der Veröffentlichung ihrer ersten EP im Jahre 2008. Auf der Bühne ist die große Anzahl an Teddybären und anderen zahlreichen Stofftieren nicht mehr wegzudenken, die durch ihre bunte Vielfalt genau die Musik von YSF&IW repräsentieren und einfach zum Wiedererkennungsmerkmal der Band geworden sind.
Der Ruf der Band eilte ihren zahlreichen Konzerten voraus und schließlich spielten sie 2010 auf den größten Festivals in Schweden, u.a. dem Peace & Love Festival oder aber auch auf dem Malmö Festival, gefolgt von der Fashion Week 2011 in Mailand für das französische Modelabel Costume National (C’N’C), wo schon Bands wie The Killers, Temper Trap und The Kills für Auftritte eingeladen wurden. Die Modemarke Tiger Of Sweden wählte YSF&IW zum “Hottest Swedish Indie Act” für ihre Dressing Room Sessions.
Nach diesem Erfolg hat YSF&IW in Eigenregie die EP “Angry Boy” veröffentlicht und schaffte es mit der Single “OMG” auf über 130.000 Klicks bei MyVideo.de.
Außerdem wurde der Song “Can You Feel It” von One Night Only, den YSF&IW selbst geschrieben haben für die weltweite Coca Cola Kampange genutzt. Neben Coca Cola sind auch andere Songs von YSF&IW in Werbungen wie Gap, Orbit, McDonalds oder Viasat platziert.
Auf Einladung aus USA spielte die Band vor wenigen Tagen in USA auf dem Culture Collide in Los Angeles und CMJ in NYC und ist bereits bestätigt für SXSW und einen MIDEM Event im Januar 2012.
You Say France & I Whistle klingen wie The Cure, Shout Out Louds, Vampire Weekend oder Arcade Fire nur glücklicher, mit mehr Energie und einer geballten Menge an Rock/Pop. Nicht allein deshalb wird die Band auch hier eine große Zukunft haben.
Seid gespannt, denn Hits wie die Vorabsingle „When lovers die“ werden euch alle packen!!
YOU SAY FRANCE & I WHISTLE „Angry Men“ Tracklisting:
• 1. Angry Men
• 2. Attaboy
• 3. Animal
• 4. Our Spiderweb
• 5. When lovers die
• 6. Cats
• 7. This is sunday, right?
• 8. OMG
• 9. Johnny Ulysses
• 10. Prom Queens
• 11. Where´s my gun?
• 12. I´m on your side
• 13. Second thoughts
• 14. Take my shoes
YOU SAY FRANCE & I WHISTLE „Angry Men“ Tour:
25. Jan Mi D-Hamburg Kulturhaus III&70
27. Jan Fr D-Leipzig Werk 2
28. Jan Sa D-Karlsruhe Im Schlachthof
31. Jan Di D-Frankfurt Silbergold
01. Feb Mi D-Münster Amp
02. Feb Do D-Stuttgart Zwoelfzehn
03. Feb Fr D-München Atomic Cafe
08. Feb Mi D-Berlin Comet Club
10. Feb Fr D-Bremen Tower
YOU SAY FRANCE & I WHISTLE Besetzung:
Claes Carlström – Lead Vocals, Guitars, Keys, Percussion, Accordion and improvised dance moves.
Ida Hedene – Lead Vocals, Keys, Melodica, Cowbells, Washboard and great yoga exercises.
Patrik Marcus – Lead Vocals, Guitars, Keys and crowd surfing.
Petter Wesslander – Drums, Percussion and Screams of both joy and frustration.
Christian Wester – Bass, Backing Vocals, Banjo, Mandolin, Ukulele, Tambourine and Hamburgers
1960 wurden die Rattles in Hamburg gegründet. Drei Jahre später gewann die Band um Herbert Hildebrandt und Dicky Tarrach einen Wettbewerb im Hamburger Star-Club und wurde vom selbigen daraufhin als erste deutsche Band engagiert.
THE RATTLES “LIVE - Hamburg Sounds - aufgezeichnet bei NDR 90,3 “
Im Herbst 1963 wurde die erste Single aufgenommen und veröffentlicht. Im Anschluss ging die Band auf eine 5-wöchige Englandtour mit Bo Diddley, Little Richard und den noch unbekannten Rolling Stones.
In Liverpool wurden sie später als die deutschen Beatles gefeiert. Mit denen hatten sie schon in den 60er Jahren auf St. Pauli zusammen geübt, als diese noch völlig unbekannt waren. Musiker wie Wolfgang Niedecken oder die Scorpions standen als Teenager mit offenem Mund vor der Bühne im Star-Club und nennen die Rattles als wichtigsten musikalischen Einfluss.
2010 feierte die wohl erfolgreichste und dienstälteste deutsche Rockgruppe der letzten Jahrzehnte ihr 50-jähriges Bühnenjubiläum! Zu diesem Anlass erschien das neue Studio-Album „Rattles 50“.
Die Platte enthält 14 neue Songs mit einem neuen, modernen Sound, wie man ihn von den Rattles kaum erwartet hätte. „Wir wollten auf dem neuen Album keine Oldies nachspielen. Wir haben die Hits selbst geschrieben und 14 neue Titel aufgenommen“ erzählt Herbert Hildebrandt. Und das ist den Rocklegenden gelungen! Das Album klingt modern, professionell und gewohnt rockig!
Genau ein Jahr später erscheint nun das aller ersten Rattles LIVE Album, welches in Zusammenarbeit mit Hamburg Sound bei NDR 90,3 aufgezeichnet wurde. Die größten Hits der Band sowie die neuen Titel vom letzten Studioalbum präsentiert in einer 50-minütigen Live-Session. Zusätzlich zu dem LIVE Album gibt es in dem 2CD-Set das Jubiläums Stidioalbum „Rattles 50“.
THE RATTLES “LIVE – Hamburg Sounds – aufgezeichnet bei NDR 90,3 “
THE RATTLES CD1 „LIVE“
1. Intro
2. Come On And Sing
3. Sha La La La Lee
4. Love Of My Life
5. La La La
6. Unchained Melody
7. Mashed Potatoes
8. Hippy Hippy Shake
9. Mona
10. Twist And Shout
11. Dream
12. Hotter Than Hell
13. Hello
14. Cauliflower
15. After Tea
16. Las Vegas
17. My Bonnie
18. Faith
19. Hot Wheels
20. The Witch
CD2 „Rattles 50“
1. I miss you
2. You know my name
3. Tears on my guitar
4. Wanna be with you
5. Faith
6. You and I
7. You’re no good
8. Hey little boy (a song for…)
9. Hotter than hell
10. I come running
11. Gimme a break
12. Stop breakin‘ my heart
13. Alright O.K.
14. Dream
“Es ist von oben bis unten ein angst-getriebener ‚Fuck You‘-Song“, erklärt IAMX-Mastermind Chris Corner zu seiner neuen Remix-EP ‚VOLATILE TIMES‘, die am 23. September 2011 durch BMG Rights Management veröffentlicht und durch durch Rough Trade vertrieben wird.
IAMX - neues Video zu 'Volatile Times Remix EP'
“Es ist Hirn betäubend, die Kommerzialisierung der Welt, von Objekten, Menschen und jetzt auch Daten mit anzusehen. Ich bemitleide die derzeitige Generation von intelligenten, sozialen und technisch ausgebufften Zombies… Aufwachsend mit einer Mauer von Möglichkeiten und hoffnungsloser Anspannung vor ihrer Nase.“
Sich immer gegen das System ‚Musikindustrie‘ sträubend und über die Kommerzialisierung und Stagnation von Kunst schimpfend, haben IAMX ihren dunklen Mitternacht-Elektrorock Label mäßig offline genommen und ihren eigenen Weg geebnet, sowohl kreativ als auch geschäftlich. So wächst die Band langsam aber sicher weg von leeren Blicken der Mainstream-Welt und blüht in einer komplett anderen Richtung auf.
Die frustrierte und vitriolische Single wird als limitierte Auflage von 500 nummerierten CDs veröffentlicht, exklusiv erhältlich bei Boutique IAMX (www.boutiqueiamx.eu). Der VVK hat begonnen und alle vorbestellten Singles werden von Chris signiert.
Vorab gibt hier schon mal das neue Video zur ‚Volatile Times Remix EP‘:
Als dritte Single von IAMX’s viertem Studioalbum des gleichen Namens, beinhaltet die ‚Volatile Times Remix EP‘ Remixe des kanadischen Multi-Instrumentalists Clayton Worbeck, des Berlin-Duos Noblesse Oblige, des britischen Künstlers Glen (Strangers) Nicholls und von Chris Corner selbst als UNFALL.
Die Remixe kommen von “Freunden von Freunden, unabhängigen einzigartigen Künstlern und Menschen die ich respektiere,“ erklärt Corner. “Manche kamen auf mich zu und manche wurden gefragt. Das Hauptziel hier ist, ein Produkt mit Tiefe und Energie zu erzeugen. Etwas mit Biss und etwas, das die sich windende Reise von IAMX unterstreicht. Ich bin ein Fan ihrer aller.“
Vom zerlegten Breakbeat in Clayton Worbeck’s Aufbereitung, zur dramatischen Wiedererzählung von Noblesse Obliege, über die paranoide Geräumigkeit von Glen (Strangers) Nicholl’s filmischer Interpretation, zum mechanisierten Industrial-Clash der UNFALL-Version, umarmt die EP die wagemutige Komplexität von IAMX und stellt dar, auf welch unterschiedliche Weise andere Visionäre Chris Corner’s Song dekonstruieren und interpretieren können, ohne seine Seele und Absicht zu verlieren.
Corner war nie jemand, der sich geziert in seinen Texten oder im realen Leben ausdrückt, und so gibt der Song mit seinem überdrüssigen und frustrierten Text Corner’s Gefühle über den derzeitigen Stand der Popmusik wieder. “Es ist jetzt so weit, dass ich kommerzielle Songtexte gar nicht mehr hören kann. Ich möchte nichts mit dieser Pop-Farce zu tun haben,“ sagt er. “Man kann mit einem Song so viele Dinge sagen. Was ist mit der Poesie in Musik passiert? Was ist los mit leidenschaftlichen, abstrakten Gedanken? Und was ist mit Risiko? Was ist passiert mit dem Interessiert sein und dem gewählten Ausdruck desselben? Unser Vokabular schmilzt, genau wie die Eiskappen.“
Rock, definitiv! Uptempo. Eine Mischung aus Oldschool und Classic. Westcoast – laid back – mit dieser gewissen Form von Coolness. Easy Going. Die Gitarre treibt nach vorne, der Basslauf ist pure Leidenschaft und die Bläser bereichern mit Funk.
Tom Beck Sexy aus dem Album Superficial Animal
Die Stimme des Sängers ist kraftvoll, gebrochen, rauh, mitreißend. Der Groove macht Lust – auf Frühling, auf Abenteuer. Lust auf Leben. Die Rede ist von Sexy, der ersten Single von Tom Beck (32), die am 11. März 2011 im Hause Comude erscheint. Eine Uptempo-Nummer, mit der sich Tom Beck, endlich einen Jugendtraum erfüllt: Musik machen, Songs schreiben, Rocken, spielen, spielen, spielen und Spaß haben.
Tom wer? Tom Beck! Kennen sie bestimmt aus Funk und Fernsehen. Dieser gutaussehende Typ, mit den dunklen Haaren aus DER deutschen Erfolgs-Actionserie „Alarm für Cobra 11“? Ja! Der Mann hat sich nämlich schon vor langer Zeit der Musik verschrieben, spielt Gitarre, Klavier, Schlagzeug, Orgel und Akkordeon.
Seine musikalische Ausbildung absolvierte er an der Bayerischen Theaterakademie August Everding und hat neben all seinen TV- und Kinoengagements nie aufgehört Musik zu schreiben.
Dass er nun mit Sexy rauskommt, verdanken wir seiner Begegnung mit dem Musiker und Produzenten Timo Schmid. Ihm zeigte er im Herbst 2009 einige seiner Skizzen und Schmid gab Tom den Tritt in die richtige Richtung: die Musik ernsthaft voranzutreiben.
Sexy ist die erste Single von Becks Debütalbum Superficial Animal, welches am 25.03.2011 erscheint. Wie der Song entstand? „Nun, ich habe mich zurück erinnert an meine erste Quarterlife-Crisis mit 30 und an das, was ich will…“, sagt er lachend, bevor er erklärt: „Tatsächlich ist es bei mir so, dass die Musik immer zuerst entsteht.
Meist auf der Gitarre. Das Thema kommt dann aus der Musik. Ich folge dem Gefühl, der Musik und hier war es der Groove, der mich total angemacht hat, der Bock macht auf Sommer und kurze Röcke…“. Diese kreative Leichtigkeit und sich selbst dabei nicht zu ernst zu nehmen, ist genau das, was Sexy ausmacht.
Somit steht Sexy als Vorbote für Becks erstes Album Superficial Animal, über das soviel verraten sei: Uns erwarten ein vielseitiges Album – lebensbejahend, eingängig, schnörkellose Rocksongs mit Singer-Songerwriter-Elemente, lässige Songs mit Kanten, auch mal dunkel, aber nicht verkopft. Reflektiert, aber nicht deprimiert, Spaß am Leben und Spaß an der Musik!
Schubladendenken ist anno 2010 überflüssiger denn je, es ist die Qualität des Songs die zählt.
SONIC DELIVERY – ”A Thousand Years“
Auch SONIC DELIVERY halten sich an dieses Motto und wissen mit ausgereiften Arrangements, handwerklichem Können und vor allem harten Riffs und eingängigen Melodien auf ganzer Linie zu überzeugen.
Mit “A Thousand Years“ wurde genau der richtiger Song für das erste Video ausgewählt, denn ganz egal ob man das nun Alternative Metal oder Pop Rock nennt, es bleibt vor allem eins: gute, moderne, handgemachte Musik.
Der Clip zum Titeltrack der am 24.09.2010 erscheinenden „A Thousand Years“ EP entstand unter der Regie von Nepomuk von Fischer in München, u.a. in den Bavaria Film Studio.
„Mitten in der Nacht über fünf Stunden im Regen zu stehen und zu drehen ist auch nicht jedermanns Sache“, erinnert sich SONIC DELIVERY Sänger Lars an die Dreharbeiten zurück.
„Aber das Endergebnis rechtfertigt auch den Schnupfen, den wir uns dabei weggeholt haben.“
Vor zwei Jahren hat sie Hamburg den Rücken gekehrt. Jetzt lebt sie in Prag. Als Mona Lisa wurde sie in ihrer tschechischen Heimat zum gefragten Musical-Star. Ihre neue Karriere als TV-Moderatorin und Jurorin geht steil bergauf.
DIE HAPPY "Red Box" CD
Und dennoch zieht es sie immer wieder nach Deutschland, nach Berlin, auf die Bühnen, in den Proberaum, ins Studio…denn sie kann nicht ohne!
Sie kann nicht ohne Musik, sie kann nicht ohne Rock. Sie kann nicht ohne ihre Band Die Happy.
Denn nur mit ihr kann sie sich richtig austoben, verwirklichen und einfach das sein, wofür wir sie alle lieben: die charmanteste Power-Rock-Röhre der Welt!
Und genau deshalb hat Marta Jandová jetzt mit ihrem langjährigen Weggefährten und Gitarristen Thorsten Mewes, sowie Bassist Ralph Rieker und Drummer Jürgen Stiehle das Album „Red Box“ aufgenommen. Mittlerweile ist es schon das siebte Studio-Album von Die Happy, das ab dem 24.09.2010 in den Läden stehen wird.
„Red Box“, das ist für Marta und Co. die ganz persönliche „Black Box“, die jeder in sich trägt. Darin wird aufgezeichnet und gespeichert, was die Persönlichkeit ausmacht: Pläne, Hoffnungen, Wünsche und Erfolge sind dort genauso verzeichnet wie Niederlagen, Enttäuschungen und Fehltritte.
Rot ist die Box, denn im Gegensatz zum Kasten im Flugzeug ist die „Red Box“ nicht blutleer. Hier brodeln Emotionen: Zuneigung, Wut, Liebe, Aggression, Trauer und Sehnsucht. All das hört und spürt man in der Musik auf dem neuen Album.
Die rote Box ist ein musikalisches Schatzkästchen, das es in sich hat. Es fasziniert, es hypnotisiert, es verzaubert. Vielleicht trägt der Opener des Albums aus diesem Grund den Titel „Mesmerized“. „Die ersten Die Happy-Alben begannen immer mit einer schleppenden, riffigen Nummer“ erläutert Thorsten. „Mit „Mesmerized“ sind wir zu dieser Tradition zurückgekehrt. Als wir den Song geschrieben haben und diese Magie und Energie aus der „Supersonic Speed“-Anfangszeit spürten, wussten wir sofort, dass es der Aufmacher unseres neuen Albums sein wird.“
Bei Die Happy ist einiges im Umbruch. Neue Wohnorte, neuer Proberaum, neue berufliche Herausforderungen, und auch die Plattenfirma hat die Band gewechselt. F.A.M.E. Recordings ist jetzt die neue Heimat des rockenden Vierers mit Frontfrau, nachdem der Vertrag mit Sony ausgelaufen war.
„Die Leute von F.A.M.E. kennen wir schon sehr lange“, erzählt Marta. „Da Thorsten und ich Kontrollfreaks sind, fühlen wir uns dort gut aufgehoben. Wir arbeiten sehr eng zusammen und treffen alle Entscheidungen absolut gleichberechtigt“.
Beste Voraussetzungen, die sich in den Songs des neuen Albums niederschlagen: Brillant produziert von Udo Rinklin wimmelt es vor energetischen Rock-Hymnen mit den typischen, magnetisierenden Melodielinien, die einem nicht mehr aus dem Kopf gehen. Gespickt mit Phrasen, bei denen Marta sich die Seele aus dem Leib singt. Man spürt, dass sie ihre Texte und Songs zu 100 Prozent verkörpert.
DIE HAPPY Bandfoto 2010
Eigentlich könnte sich die gebürtige Tschechin ja auf ihren Lorbeeren ausruhen, die sie neuerdings als Moderatorin der Musiksendung „neoMusic“ im jüngst auf Sendung gegangenen ZDF-Kanal Neo einheimst.
Oder als Jurorin der 9. Popstars-Staffel, die am 19. August startet. Aber Marta will den Rock´n´Roll leben.
Dafür jettet sie jetzt viel durch die Gegend – zu TV-Aufzeichnungen, Studio-Sessions, Musical-Vorstellungen und Festival-Shows mit Die Happy. Die Auftritte als Jurorin der Sendung „Czesko Slovenska Superstar“ in ihrer alten Heimat bescherten Die Happy einen Karriereschub der besonderen Art. Sie sind seither auch ein sehr gefragter Act in Tschechien.
Jetzt wird sich die Band aber erst Mal Zeit nehmen müssen, um hier in Deutschland, wo das Die Happy-Schicksal vor 17 Jahren in Ulm seinen Lauf nahm, ihr neues Album vorzustellen: 13 Songs sind auf „Red Box“ zu hören. Energiegeladene Kracher wie „Dance For You Tonight“, ein Titel, der im Studio von Martas Vater entstand, als die Band in Prag weilte, weil Marta parallel in dem Musical „Mona Lisa“ sowohl die Neben- als auch die Hauptrolle spielte. Oder der Song „Superstar“, eine Empfehlung an alle, die nicht im Rampenlicht der großen Bühnen stehen: Mach´ Dir nichts draus, man muss kein Superstar sein um respektiert und geliebt zu werden.“
Balladesk startet der Song „Good Things“, bevor die Band ein mächtiges Zeichen setzt und Martas Stimme explodiert. Die Ode an die guten Dinge im Leben endet in einem puristischen Vokalschönklang.
Autobiografisch geprägte Songs wie „Anytime“ gibt es natürlich auch auf dem Album, denn ganz ohne Spuren sind vergangene Beziehungen nicht an Marta vorbeigegangen.
Vielleicht wählte sie deswegen auch den Destiny´s Child-Song „Survivor“ aus, um ihn in eine handfeste Rocknummer zu verwandeln. Der Song hört sich an, als wäre es kein softer R´n´B-Titel, sondern wie für Martas mächtige Rockröhre geschaffen.
Ab Oktober wird sich dann zeigen, wie die 13 Songs live funktionieren, denn ab 6. 10. 2010 gehen Die Happy auf ausgedehnte Herbst- und Wintertour.
DIE HAPPY „Red Box“ „Red Box“-Herbst-Tour 2010
Support: Alpha Academy
06.10.2010 D-LÜNEBURG-Vamos!
07.10.2010 D-ROSTOCK-Mau Club
08.10.2010 D-OSNABRÜCK-Rosenhof
09.10.2010 D-POTSDAM-Waschhaus
10.10.2010 D-BREMEN-Modernes
13.10.2010 A-WIEN-Szene
14.10.2010 D-NÜRNBERG-Hirsch
15.10.2010 D-MÜNCHEN-Backstage
16.10.2010 CH-LYSS-Kufa
17.10.2010 D-FRANKFURT-Batschkapp
19.10.2010 D-ULM-Roxy
20.10.2010 D-KÖLN-Live Music Hall
22.10.2010 D-KARLSRUHE-Substage
23.10.2010 D-KAISERSLAUTERN-Kammgarn
24.10.2010 D-DUISBURG-Pulp
EXTRAMENSCH ist Jeder, ist Alles und Nichts, …denn Alles, was ist, ist Eins!
EXTRAMENSCHDiese metaphysisch anmutende Aussage ist die Basis der EXTRAMENSCH‘schen Vertonung deutscher Lyrik zu Metal Lyrik, sprich; Metalyrik. Die Wiederentdeckung der Schätze in Sprache und Erkenntnis alter Meister macht EXTRAMENSCH zu etwas Altem, gleichzeitig Neuem…etwas Zeitlosem.
Wer also ist Extramensch? Der Erkenntnis folgend bist DU Extramensch!
„Jedes Lebewesen, jedes Ding, selbst die Erde an sich, der Weltraum. Alles Existierende ist miteinander verbunden und jede unserer Handlungen wirkt auf das gesamte System. „Jeder, der dieses Bewusstsein erlangt, ist auf seine Art EXTRAMENSCH“, verkündet die Künstlergruppe.
Die physischen Identitäten und Biographien der einzelnen Künstler werden daher weder offenbart, noch versteckt. Sie bleiben Teil des Großen und Ganzen. Aus der Leidenschaft für Musik, Literatur, Theater, bildender Kunst, Philosophie und Wissenschaft schafft EXTRAMENSCH so eine Verbindung gebündelter Passion, die als Gesamtkunstwerk nach neuem Leben schreit.
Dabei scheint eine Grunddisziplin der Philosophie –die Metaphysik und der „Sinn und Zweck des Seins“– unendliche Quelle der Inspiration zu sein. Faszinierte und inspirierte sie nicht schon über Jahrhunderte die größten Dichter und Denker?
„…sie alle konnten der Frage aller Fragen nicht entgehen. Wie könnten wir es? Wer einmal die darin verborgene Kraft gespürt hat, ist ihr auf ewig ergeben!“, offenbart EXTRAMENSCH und manifestiert die allumfassende, universelle Bedeutung dieser Selbstfindung, die es in jedem von uns zu entdecken, zu greifen, zu leben, zu atmen gibt:
„Das Ewige regt sich fort in allem, denn alles muss zu nichts zerfallen, wenn es im Sein beharren will.“
Johann Wolfgang v. Goethe, Werke – Hamburger Ausgabe Bd.1, Gedichte und Epen I
Nun ist es also an der Zeit:
Hier bist du Mensch, hier darfst du‘s sein!
SORGENTE – der Prophet im eigenen Land?!? Glaubt man dem Matthäusevangelium, so entgegnete Jesus auf die Ablehnung in seiner Heimatstadt Nazareth lapidar, der Prophet gelte nirgends weniger als in seinem Vaterland – und ging anschließend zum Tagesgeschäft über.
SORGENTE "LOMA VISTA DRIVE"
Natürlich sind Vergleiche mit einem Drittel der göttlichen Dreifaltigkeit immer gefährlich. Doch auch wenn dem Rind noch lange nicht erlaubt ist, was der Jupiter darf: Das Bild drängt sich nun mal auf!
Drei Wochen waren Sorgente im April 2009 in Los Angeles. Drei Wochen, die genügten, um nicht nur das Publikum dort von der Energie und Leidenschaft der Band zu überzeugen, sondern auch und vor allem die nordamerikanische Industrie. „Das Feedback auf die Shows war Wahnsinn“, sagt Sänger Fabio.
„Zuschauer, Musiker, Produzenten, Plattenfirmen, Medien – alle sind zu uns geströmt, weil sie so etwas nach eigenen Aussagen noch nie gehört oder gesehen haben.“
Zwischen Band und Stadt war ein groß angelegter Energieaustausch entstanden. Was der eine gab, nahm der andere begeisterte auf – eine gegenseitige Befruchtung, die schließlich in der zweifachen Nominierung bei den LA Music Awards gipfelte. Am 12. November wurden Sorgente schließlich als »International Rock Performer of the Year« ausgezeichnet – im Rock-Capital der Welt! Sie sind die ersten Deutschen, die das bislang erreicht haben.
„Man gründet in der Pubertät eine Band, um besser bei Frauen anzukommen, beginnt dann irgendwann, sich auf die Verfeinerung seines musikalischen Schaffens zu konzentrieren, spielt und kämpft sich jahrelang in der Heimat seine Hacken wund und plötzlich steht man in Los Angeles und nimmt dort einen solchen Preis entgegen… Das Gefühl ist einfach unbeschreiblich“, bringt Leadgitarrist Jakob die Freude auf den Punkt.
„Es ist einfach völlig unfassbar, was wir in nur einem halben hier in den USA erreicht haben, wie man unsere Qualitäten ehrlich zu schätzen weiß und welche Möglichkeiten sich uns hier eröffnen!“
Prophet im eigenen Land! Und deshalb widmen Sorgente Los Angeles auch ein Album. Ein Soundtrack, der musikalisch all die Erfahrungen in sich trägt, die die Band auf ihren Reisen in die Stadt der Engel gemacht hat. „Die Zeit in LA hat uns alle extrem verändert“, sägt Sänger Ojam. „Wir haben unglaubliche Menschen kennen gelernt und in wenigen Wochen Dinge erlebt, für die anderen ein ganzes Leben nicht genügt.“
Eben diesen Overload merkt man dem Album im allerbesten Sinne an:
LOMA VISTA DRIVE, benannt nach der Straße in Beverly Hills, in der die Band die meiste Zeit gewohnt hat, umfasst wohl alle Gefühle, die sich in einem Menschen zwischen Untergang, tiefster, aufrichtiger Liebe und goldenem Schuss auftürmen können.
Das Album ist ein mit offenen Armen angenommener Drogentrip, durchzogen von Momenten wunderbarer, geerdeter Klarheit. Ein tiefer Liebestaumel, der jedoch immer wieder von heftigen Eruptionen eines verzweifelten Freiheitsdranges erschüttert wird. Erfüllt von janusköpfiger Schönheit, pendeln die Songs zwischen den Extremen musikalischer Bilder: Nebelschwaden in gleißend buntem Licht, kalte, pornoide Erotik und wohlige Nestwärme.
Erstmals in ihrer Geschichte hat die Band dafür auch Coverversionen Platz auf einem Album eingeräumt. Ein Schritt, den Hauptproduzent Ojam so begründet: „Ziel war ein Soundtrack, der wiedergibt, was wir während des Trips in uns aufgesogen haben. Dass dazu auch fremde Musik gehört, ist einfach nur logisch.“
SORGENTE „LOMA VISTA DRIVE“ Song by Song klingt das so:
TWO SISTERS OF MYSTERY
Eine der vier Coverversionen auf Loma Vista Drive. Neftali Santiago, Schlagzeuger der Über-Latin-Funk-Combo Mandrill und Komponist des Songs, welcher zuletzt 1991 durch Public Enemy gesampled und als „By The Time I Get To Arizona“ zum Millionenseller avancierte, ist seit dem zweiten LA-Trip im Herbst 2009 ein enger Freund (und Fan) der Band. Nachdem er gehört hatte, wie Sorgente seine ursprünglich puristische Funk-Nummer in ein pulsierendes, ungnädig voranmarschierendes Psychedelic-Funk-Rock-Monster verwandelt haben, kam er aus dem Schwärmen nicht mehr heraus: „You guys got something sooo special going on! I know you gonna make it!“
Der nach wie vor als gefragter Sessionmusiker und erfolgreicher Produzent tätige Drummer, jammt und arbeitet nicht nur regelmäßig mit seinen Freunden, zu denen Musiklegenden unterschiedlichster Genres wie Kayne West, Flea oder Joni Mitchel gehören, sondern ist inzwischen auch geweihter Priester – und so ließ er sich in seiner Begeisterung trotz schwerer Krankheit nicht zweimal bitten, als Sorgente ihn zum Videodreh in die Wüste einluden. Der Prediger, der Fabio und Ojam im Video zu Two Sisters of Mystery die letzte Ruhe zuteil werden lässt: That’s the man himself!
SEND ME LOVE:
Breitbeinig und doch verletzlich – unvereinbar? Ein Hilferuf mit stolzgeschwellter Brust – ein Widerspruch in sich? Nicht mehr! Send Me Love ist gefüllt mit allem, was der Liebestaumel einer Fernbeziehung mit sich bringt: Sehnsucht, Verlangen, Melancholie, Schmerz, Ratlosigkeit und auch ein humorvolles Augenzwinkern über die eigene Situation.
Auf schimmernde Orientierungslosigkeit folgt kompromisslos wuchtige Erdung. Am Ende steht die schlichte, großartig nonchalante Aufforderung: „Send me love, and I’ll try the best I can. To receive it – from the postman!“ Nachricht angekommen?!
SUGAR MAN
Der Drogenkonsum des 60er Jahre Straßenpoeten Sixto Rodrigues war seinem Song »Sugar Man« zufolge umfassend: „Jumpers, Coke, Sweet Mary Jane!“ (Pillen, Koks und Gras). Bleiben wenig Fragen offen. Die musikalischen Zutaten für den politoxischen Cocktail: Drums, Moog, Gitarren. „Sugar Man, won’t you hurry, cause I’m tired of this scene!“
Das Video zum Song konnte logischer- und konsequenterweise nur in Las Vegas abgedreht werden – dieser bizarr, verfremdet & trostlosen Scheinwelt, deren Fassade beim ersten genaueren Blick sofort zu bröckeln beginnt und deren strahlender Glanz nur ein schummriges Flackern offenbart, der jeglichen Tiefgang vermissen lässt und die leise Sehnsucht nach echten Gefühlen augenblicklich in ein lautes Schreien verwandelt.
Sorgente`s very own special fear and loathing ….
CRYSTAL SHIP
The Doors sind LA. Immer noch! Insofern waren sie auch für Loma Vista Drive ein Muss. Der Song zum Trip war schnell gefunden. Der Ansatz, ihn im eigenen Stil umzusetzen, nicht. Das Problem: Nach Drogen klingen die Songs der Kollegen Manzareck, Morrison, Krieger und Densmore schnell – nur nicht nach guten. Außerdem fehlte der fingerfertige Keyboarder.
Die Lösung kam in form rein akustischer Instrumente und verminderter Besetzung: Trio – Schlagzeug, Bass, Gitarre (Nein, wieder keine Orgel – auch, wenn es so klingt…)! Striktes Synthesizerverbot. Rohe, drogenschwangere Energie. Keine Overdubs. – That’s it! Das Resultat klingt In jedem Fall verstrahlter als Jimbo himself im Pariser Exil. Beim aus eigener Feder stammenden Outro Wasted ist der Name Programm. Der finale Take der High-Tempo-Abgehnummer wurde nach längerem Tourblock und gemeinsam durchzechter Partynacht auf dem Zahnfleisch reingeprügelt.
Der Song bricht aus der hymnisch getragenen Atmosphäre des Doors-Covers aus, und bildet den letzten Sprint auf der Zielgerade ins Licht am Ende des Tunnels. Zerstöre und verschwende dich selbst – Hauptsache, du machst etwas daraus!
ALREADY MISSING YOU
Die Angebetete liegt zwar noch zärtlich eng umschlungen in den Armen, die Angst vor Trennung und drohenden Verlust ist aber schon in all seinem Schmerz zu spüren. »Already Missing You« verwandelt eben jenes Gefühl in eine Hymne, die all das besingt, was man mit der Geliebten erleben und erfahren möchte, bevor sie einem wieder entschwindet: Haut berühren, Atem inhalieren, sich hingebungsvoll lieben, und weiter high sein, am Leben bleiben – alles nur noch ein wenig länger!
Was mit nur einer Akustikgitarre am Pool in Beverly Hills in einer intensiven Nacht entstand, entwickelte sich im Studio langsam aber stetig zu einer pompösen Ballade. Ein Liebesgeständnis am Denkapparat vorbei direkt ins Emotionszentrum getragen – irgendwo zwischen Herz und Seele.
PLEASE BE WITH ME
Im Original von Scott Boyer (Cowboy) war »Please Be With Me« eine klassische Singer/Songwriter-Nummer, die 1974 von Mr. Slowhands erfolgreich auf dem Ocean Boulevard zum Tanzen Ausgeführt wurde. Bei Sorgente, die den Song schon lang in einer ganz anderen Version im Live-Programm hatten, bekommt das Stück auf LOMA VISTA DRIVE einen sphärischen Groove, eingespielt lediglich mit Schlagzeug, Bass und zwei Gitarren.
Ein Ansatz, der sich auch bei My Sweet Addiction, dem von Sorgente geschriebenen Outro, fortsetzt und weiter steigert, um sich schließlich in den vernebelten Sphären eines gleichsam musikgewordenen LSD-Trips aufzulösen.
SHE IS
Dem geneigten Sorgente-Fan muss man »She Is« nicht mehr erklären. Er verlangt auf Konzerten seit Jahren lautstark nach der einst vor vielen, vielen Jahren nur mit einer Akustikgitarre aufgenommenen Ballade. Grund genug, den Song nach vielen Anläufen nun endlich in einer kitschbefreiten Version neu aufzulegen und ihm mittels neuer Chöre und Instrumentierung eine mysteriöse Tiefe zu geben und neues Leben einzuhauchen.
GREYHOUND
Greyhound bestand über etwa drei Jahre hinweg nur aus dem Akustikgitarren-Picking, das Menschen, die Musik mit Stereokopfhörern genießen, auf ihrem linken Ohr finden. In ausufernden Studiosessions wurde daraus irgendwann das, was jetzt zu hören ist: Ein Song , der sich vom scheuen Intro, über klassisch angehauchte Versatzstücke sanft zum orchestralen Gitarrenwerk aufbaut.
Indem jedes analoge Effektgerät zum Einsatz kam, das sich im Umkreis von drei Kilometern um die Studioräumlichkeiten der Band finden ließ, wurde ausnahmslos jedes Geräusch, das nicht Schlagzeug oder Moog-Basslinie ist, mit Gitarren erzeugt. Das Ergebnis klingt vermutlich erneut mehr nach Filmmusik als nach Pop-Produktion .
RESTLESS
»Restless« ist ein Ruhepol. Eine kleine Oase, in der die Augen sich schließen und der Kopf zur Ruhe kommen kann. Nachdem verspielte Gitarren-, Synthesizer und Schlagzeugarrangements wie eine Schutzkammer wirken, die die Seele einen Moment vom Druck der Außenwelt abschirmt, schickt das Outro wieder mit frischer Energie und neuem Mut in die Welt hinaus – und beantwortet damit die Kernfrage selbst: „Lately I’ve been running against an open door. Nothing new behind I’m sure. What do I wanna see?“ Das Leben! In all seiner grausamen Schönheit.
WALKIN DOWN THE ROAD
Der Anspruch an Walking Down The Road war hoch: Vor mehr als einer Dekade eroberte Ojam mit der Urversion das Herz einer sehr schönen Frau. Im jetzt wesentlich weiterentwickelten Ansatz ist der Song eine hoffnungsvoll melancholische Auseinandersetzung mit dem Selbst – mit all den Wahrheiten, vor denen man nicht davonlaufen kann, die sich nicht wegdebattieren lassen.
All die Erfahrungen, die uns zu dem machen, was wir sind, all die Erkenntnisse, die im Laufe eines bewegten Lebens zu gewinnen sind, treiben auf den weiten Klangmeeren aus Synthiebässen und Gitarrenstreichern. Trotz der sphärischen Instrumentierung bleibt der ursprüngliche Songwriter-Charakter erhalten, gehen Nähe und Intimität, Ehrlichkeit und Wärme nicht verloren. Der Reifungsprozess veredelt nicht nur gute Rotweine: „Walking down the road – as a grown-up!“
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