Nach diversen Vinyl-Splits, EPs, einer Floppy-Disk-Veröffentlichung (!) und dem 2014er Album „C.r.e.a.m“ schieben die Cuxhavener Always Wanted War nun einen neuen Longplayer nach, der mit seinem Mix aus Hardcore und Screamo für Laune im Underground sorgen dürfte.
ALWAYS WANTED WAR – Always Wanted War
Das Trio zockt sich souverän durch 12 Songs, die sowohl von Härte als auch von Melodik geprägt sind. Auch wenn das Frontgebrüll recht aufgeregt ist und eindeutig Richtung Screamo geht, fügt es sich doch passend in die spielerisch einwandfreien und gut strukturierten Nummern ein.
Die Rhythmus- und Gitarrenarbeit zeigt sich vielseitig und spannt den Bogen von lauten Ausbrüchen bis zu wohldosierten Zwischentönen, wie u.a. das schließende „Pale Grey“ eindrucksvoll unter Beweis stellt.
Spielfreude vermengt sich bei Always Wanted War mit emotionalen Eruptionen, was insgesamt eine durchaus lodernde Mischung Musik und so eine astreine Genre-Veröffentlichung ergibt.
ALWAYS WANTED WAR – Always Wanted War (Moment Of Collapse / Tief In Marcellos Schuld)
Auf ihrem neuen Album wühlen Bardus tief im Morast nach diversen Wunderpilzen. „Stella Porta“ klingt so, als wären sie bei dieser Suche erfolgreich gewesen…!
BARDUS – Stella Porta
Die Amis aus Philadelphia fahren einen recht fetten Sludge-Sound auf, der mit ordentlich Psychedelia und Noise-Rock angereichert ist. Da passt die PR-Info schon ganz gut, die den Bardus-Sound als Mixtur aus Melvins, Eyehategod, Unsane und den Queens Of The Stone Age beschreibt.
Garstiges Frontgebrüll sorgt für gediegene Aggressionen, während sich die Gitarren tief ins Geläuf wühlen und der Bass dazu wummert. Das Ganze scheint dabei jedoch von einer bewusstseinserweiternden Sphäre umgeben zu sein, die den dunklen Teer-Sound hier und da psychotisch einfärbt.
Für manch einen dürfte „Stella Porta“ der Soundtrack für den Alptraum-Trip sein. Gestandene Tiefton-Sympathisanten mit einem Hang zum Transzendentalen können hier aber schon Mal ein Ticket in andere Welten buchen.
BARDUS – Stella Porta (Solar Flare / Broken Silence)
Zum 25. Jubiläum: BLUE MAN GROUP – brandneues Studio-Album „Three“ ist die blaueste Sensation aller Zeiten! | VÖ: 22.04.16
14 neue Instrumentals aus den aktuellen Projekten ab 22.04.2016
BLUE MAN GROUP – „Three“ (Rhino/Warner)
Seit satten 25 Jahren liefert die BLUE MAN GROUP allerbestes Entertainment mit einer Show, die Musik und Performance, Farbenfreude und Überraschungen, Wundern und Staunen zusammenbringt. Am 22. April erscheint ihr drittes Studioalbum „Three“, das anlässlich des 25. Jubiläums des faszinierenden Projekts veröffentlicht wird. Es enthält 14 Instrumental-Tracks und erscheint über Rhino Records auf CD und zum Download. Die erste Single, „Giacometti“, kann bereits jetzt als kostenloser Download heruntergeladen werden, wenn man das Album bei teilnehmenden Digitalportalen vorbestellt, ist aber auch gesondert zum Download erhältlich. Ein dynamisches Video zum Song, das die neuesten Instrumente und Technologien der BLUE MAN GROUP präsentiert, kann über den Youtube-Channel der BLUE MAN GROUP angesehen werden.
Blue Man Group – Giacometti – Video:
„Three“ ist ein Schnappschuss aus dem modernen Leben, der einen Momentausschnitt aus der sich stets ausweitenden Welt der BLUE MAN GROUP zeigt. Es zieht seine Inspiration aus einer 25 Jahre währenden, unvergleichlichen Geschichte voller Kreativität und Weiterentwicklung und folgt damit den vorangegangenen Studio-Alben „Audio“, das 1999 erschien und mit Gold ausgezeichnet sowie für einen Grammy® nominiert wurde, und dem 2003er Konzeptalbum „The Complex“.
Die Instrumentaltracks auf „Three“ fächern die ganze Vielseitigkeit des Projekts auf, die zu völlig neuen Klangerlebnissen führt. So präsentiert die BLUE MAN GROUP zum Beispiel das „Snorkelbone“, das aus einer Reihe von Plastikrohren besteht, die einen flirrenden und pulsierenden Ton von sich geben, wenn man sie in der Luft rotieren lässt. Außerdem gibt es eine PVC-Flöte zu hören, die vom traditionell aus Holz gefertigten Didgeridoo inspiriert wurde, und nicht zuletzt das „Chimeulum“, das am ehesten mit einer „orchestralen Glocke auf Steroiden“ zu vergleichen ist.
Die neu erfundenen Sounds ergänzen die Einflüsse der sich stets weiter entwickelnden, legendären Live-Shows, aber auch der einzigartigen Performances zu Gelegenheiten wie dem Karneval in Brasilien, dem Coachella-Festival oder dem Summersonic Festival in Tokio.
Das typische BLUE MAN GROUP-Tribaldrumming, mitreißende Melodien und die Elemente der Electronic Dance Music durchziehen das gesamte Album und werden durch prominente und faszinierende Kollaborationen ergänzt. So ist der brasilianische Percussionist Marivaldo Dos Santos (bei „Hex Suit“ und „Torus“) zu hören, ebenso wie Super Natsuki Tamura mit dem Sliding Didgeridoo bei „Giacometti“, DJ Mike Relm auf „3 To 1“ und Yusuke Yamamoto am Vibraphon bei „Hex Suit“ und „Robots“. Sie alle bereichern die Klangpalette der BLUE MAN GROUP mit aufregenden Klangfarben.
Im Jahre 2016 feiert das Entertainment-Phänomen BLUE MAN GROUP volle 25 Jahre Leben in satten Farben mit einer ganzen Serie von Projekten und Auftritten. Ihre vielfach ausgezeichnete BLUE MAN GROUP SHOW ist mittlerweile weltbekannt und wurde seit 1991 in 15 Ländern von mehr als 35 Millionen Besuchern gesehen. Als eine dynamische Kombination von Musik, Comedy und Technologie zieht die Show immer wieder Besucher aus allen Altersgruppen und vielen unterschiedlichen Kulturkreisen an. Sie wird kontinuierlich durch neue Musik, frische Geschichten, verschiedenen, zum Teil selbst entworfenen Instrumenten und der jeweils neuesten Technologie erweitert.
Die BLUE MAN GROUP-Company entwickelte sich in der Manhattan Lower East Side aus einer kreativen Zusammenarbeit dreier enger Freunde, Chris Wink, Phil Stanton und Matt Goldmann. Inzwischen hat die BLUE MAN GROUP feste Theaterproduktionen in Las Vegas, Orlando, Boston, Chicago, New York und Berlin. Dazu kommen jeweils eine Tour durch Nordamerika und eine Welttournee.
Das kreative Kollektiv ist ein fester Bestandteil des popkulturellen Zeitgeists. Neben ihrer eigenen Stage-Show tourte die BLUE MAN GROUP mit der Megastar World Tour, einer Rock-Konzert-Parodie, um den ganzen Globus und waren an bisher insgesamt sechs Alben beteiligt, darunter das vorliegende Three und das mit einem Grammy® nominierte Album Audio. Überdies lieferten sie viele Beiträge für Film- und TV-Scores. Sie liehen den Werbekampagnen von Intel und TIM/Brasil ihre Gesichter und traten zahllose Male in Hit-Shows wie The Tonight Show, Arrested Development, Ellen, Schlag den Raab, WOWOW (Japan) und Caldeirão do Huck (Brasilien) auf.
In ihrer Heimatstadt New York City betreiben Blue Man Productions viele Produktions- und Aufnahmestudios sowie ein etwa 1800 m2 großes Research & Development-Laboratorium. Es befinden sich bereits zahlreiche weitere kreative Projekte in der Pipeline…
Gudrun Mittermeier – neues Album „Mitternach“ erscheint am 22.04.16 (TIPP!)
Gudrun Mittermeier – „Mitternach“ (RaR / Motor Entertainment)
„Als ritte Kate Bush auf einem musikalischen Hexenbesen durch den dichten Klangwald eines Steven Wilson – beunruhigend, aber zugleich unheimlich anziehend.“ (Süddeutsche Zeitung)
Als Gudrun Mittermeier mit den Aufnahmen zu ihrem neuen Album begann, war ihr eines bewusst: Es war Zeit für etwas Neues. Drei Alben lang hatte die Münchnerin unter dem Namen Somersault englischsprachigen Songwriter-Pop veröffentlicht, dessen ätherische Melancholie und sensible Poesie tief berührte. Doch nun wollte Mittermeier neue Wege gehen – und fand in dem Produzenten-Team Udo Rinklin und Frank Pilsl (Philipp Poisel, Die Happy, Max Herre, Tonbandgerät) genau das richtige Gegenüber.
Video zur aktuellen Single „Mei Heaz“:
Gemeinsam mit Rinklin und Pilsl begab sich Mittermeier auf die Reise in ein klangliches Abenteuer. „Wir haben uns alles erlaubt und alles getraut und plötzlich waren da diese riesigen Playbacks mit großen Chören und Hallräumen – da war gleichzeitig etwas Dunkles und etwas Federleichtes in den Liedern“, beschreibt Mittermeier, „für mich war das wie ein anderer Raum, zu dem wir die Tür aufgeschlossen hatten.“ Weil plötzlich alles möglich schien, sang Mittermeier am letzten Aufnahmetag eines der Lieder nicht auf englisch, sondern im Dialekt ihrer Kindheit und Jugend – auf Bayrisch. „Als diese fast vergessenen Worte aus mir herauskamen, war mir klar, dass hier etwas für mich durchaus Dramatisches geschah. Ich wollte dieser Herausforderung nicht aus dem Weg gehen.“ Nach nur sechs Wochen hatte Mittermeier das ganze Album neu getextet und aufgenommen.
Video zur Single „Schwarz“:
Der zufällige Durchbruch führt zu einem Album, das nichts weniger ist als ein kleines Wunder. Mittermeiers Originaltöne bringen den ohnehin schon dunklen Liedern etwas Rauschhaftes, Unheilvolles bei. Etwa bei dem Opener „Schwarz“, bei dem Mittermeier die frühen Coldplay mit der Schmerzfeen-Musik von Soap & Skin und Daughter verbindet. Ein sich wiegendes Klavier geht im bodenlosen Schlund unter, Mittermeier lockt mit gefährlicher Sanftheit. Das Lied ist ein Sog – und eine Art musikalischer Heimatfilm 2.0, der die morbide Bergkulisse mit dem Inneren der Künstlerin vertauscht.
„Mei Haez“ Live-Version:
Dagegen haben andere Kompositionen etwas Schwebendes, Schwereloses. Zum Beispiel das faszinierende „Leicht wean“, dessen Jazz-Pop-Harmonien (Burt-Bacharach-Trompeten inklusive!) eine ganz zauberhafte Freundlichkeit ausstrahlen. Es liegt ein tiefer Trost in der Intimität, doch trotzdem ist der Leichtigkeit nicht ganz zu trauen; in Mittermeiers Flüstern liegt, so scheint es, ein kleines bisschen Sterben. Man versteht, um was es geht – auch wenn man kein Bayrisch spricht.
„Schwarz“ Live-Version:
Aber geht das eigentlich – Popmusik in bayrischem Dialekt, die nichts gemein hat mit Alpenländle-Idyll? Es geht, weil Gudrun Mittermeier mit dem Rückgriff auf ihre erste Sprache eine enorme Authentizität gelingt – am Ende der zwölf Lieder hat man den Eindruck, die Künstlerin wirklich gesehen und auf ihrem Weg heimwärts begleitet zu haben. Zudem ist der Dialekt hier genauso Lautmalerei wie Vokabel; er bringt „Mitternach“ (Album-VÖ: 22.04.16) eine ganz eigene Ästhetik und Intimität bei.
Tourdaten: 26.02.16 – Irschenberg, Kaffeerösterei DINZLER / 08.04.16 – Ingolstadt, Kulturzentrum NEUN (Support von Dreiviertelblut) / 08.07.16 – Passau, Zeltfestival Passau (Support von Dreviertelblut) / 21.07.16 – Scherneck, Schloss Scherneck Open Air (Support von Gregor Meyle) / 22.07.16 – Benediktbeuern, Kloster Benediktbeuren (Support von Gregor Meyle)
Fahrenhaidt mit Cassandra Steen & Vincent Malin – „Ich lauf“ – neue Single & neues Video, VÖ: 15.04.16
Fahrenhaidt mit Cassandra Steen & Vincent Malin – „Ich lauf“ (Universal Music)
Mit ihrer eigenständigen Mischung aus elektronischen Pop-Elementen, großen cineastischen Sounds und außergewöhnlichen Klängen aus der Natur haben FAHRENHAIDT bei vielen Menschen einen Nerv getroffen. Ihre Musik gibt Kraft zur Rückkehr, zum Ursprung, zum Selbst.
Hinter FAHRENHAIDT stecken die beiden international erfolgreichen Berliner Musikproduzenten Erik Macholl und Andreas John. Nach ihrem erfolgreichen Debüt-Album „The Book Of Nature“ präsentieren die Berliner zusammen mit zwei außergewöhnlichen Künstlern auf der Single „Ich lauf“ ein erstes beeindruckendes Lebenszeichen, um die Wartezeit auf das im September 2016 kommende Album zu verkürzen.
Video zur Single „Ich lauf“:
Mit „Ich lauf“ (Single-VÖ: 15.04.16) wagen FAHRENHAIDT erstmals einen Ausflug in die deutsche Sprache, was sich aus einer gemeinsamen Studio-Session mit Cassandra Steen entwickelte, die als Sängerin von Glashaus und auch als Solo-Künstlerin auf den Echo als Beste Künstlerin National und auf unzählige Award Nominierungen wie Echo, MTV Europe Music Award, Comet und 1Live Krone zurückblicken kann. Ihre einzigartige Stimme passt perfekt zur Emotionalität der Single. Vincent Malin kam eher zufällig dazu. „Wir hatten den Song mit Cassandra bereits geschrieben und aufgenommen“, erzählt Andreas John, „als uns die Idee kam, noch eine männliche, zweite Stimme dazu zu nehmen. Also haben wir kurzerhand Vincent, den wir schon seit Jahren kennen – und der zu dem Zeitpunkt gerade bei uns im Studio war – gebeten, es auszuprobieren. Wir waren direkt begeistert, wie gut die beiden Stimmen harmonieren.“ Vincent Malin ist ein Sänger mit begnadeter Qualität, der „Ich lauf“ als zweiter Gesangspart zusätzlich Seele verleiht.
KERY FAY – die Hamburger Sängerin veröffentlicht erste EP „Otherside“, VÖ: 15.04.16
KERY FAY – „Otherside“ (iMusician Digital)
„Otherside“ (VÖ: 15.04.) ist die erste EP der Hamburger Pop-Electro Sängerin KERY FAY. Die fünf selbstgeschriebenen Songs und eine akustische Version der gleichnamigen Single „Otherside“ sind eine persönliche Message, die die Künstlerin mit sich trägt.
Ihre Lyrics erzählen davon, sich stets von den eigenen Gefühlen leiten zu lassen und danach zu streben, so zu sein, wie man will. „In mir steckt purer Lebensdrang. Statt auf mein Glück zu warten, lebe ich mich aus und lasse mich von meinem Puls vorantreiben.“ sagt die Sängerin, Komponistin und Keyboarderin und erzählt von langen Session-Nächten in den Berliner UFO Sound Studios, wo die EP in Zusammenarbeit mit dem Produzententeam Loomis Green (Jan Delay, Aloe Blacc) und David Raderschall (Flo-Rida, Sean Paul) entstand.
Clip „Otherside“:
Mit „Otherside“ liefert sie eine ganz eigene Interpretation von Electro-Pop ab, die als mitreißende Synthie-Mischung mit instrumentalen Elementen und pulsierenden Beats direkt ins Ohr geht. In den fünf Songs geht es um die Liebe, die die Sängerin jeden Tag aufs Neue prägt.
ALVARO SOLER legt mit „Sofia“ neuen Sommer-Hit-Anwärter vor, VÖ: 15.04.16
ALVARO SOLER – „Sofia“ (Universal/Electrola)
Der junge Spanier Alvaro Soler hat mit seiner Single „El Mismo Sol“ einen der größten Sommerhits 2015 beigesteuert. Jetzt folgt die nächste Single „Sofia“ (VÖ: 15.04.) zu seinem im Juli erscheinenden Debütalbum „Eterno Agosto“.
Es ist ein vor Lebensfreude sprühender Song. Er ist schnell, mitreißend und bleibt im Ohr. Der zweite Vorbote zum Album greift auf, wofür bereits „El Mismo Sol“ stand. Ein mit Spaß an der Musik produzierter Soundtrack zum Sommer. Moderne Popelemente treffen auf traditionelle Gitarren und experimentelle Percussion. Die Melodie ist eingängig, aber originell. Modern aber zeitlos. Der Refrain schreit geradezu danach mitgesungen zu werden.
Single-Clip zu Alvaros „Sofia“:
„Sofia“ ist ein Song voller Detailverliebtheit, die schon „El Mismo Sol“ zu einem mehrfach ausgezeichneten Hit machten (u.a. Platin-Status in der Schweiz, Spanien und Italien. Gold in Belgien, Niederlande, Polen). Und auch wenn es bei „Sofia“ um eine verflossene Liebe geht, strotzt der Song vor Lebensfreude und zeigt einem, dass solche Dinge nun mal zum Leben dazu gehören und man alles auch in positive Energie umwandeln kann.
Produziert und geschrieben wurde der Song in Los Angeles. Alvaro Soler und sein Produzententeam arbeiteten dort mit RedOne (Lady Gaga, Nicole Scherzinger, Jason Derulo, Jennifer Lopez, etc.) zusammen.
Man wird das Gefühl nicht los, diesen Sommer könnte die ganze Welt über „Sofia“ singen. Das Musikvideo, das auf Kuba gedreht wurde, könnte sein Übriges dazutun. Für Sofia stehen alle Türen offen. Klar ist: Man wird auch diesen Sommer wohl nicht um den jungen Katalanen und seine Musik herumkommen.
Das Album „Eterno Agosto“, dessen Texte komplett aus Alvaro Solers Feder stammen und das live eingespielte Einflüsse aus aller Welt verbindet, erscheint am 15. Juli 2016 und hat nicht nur das Ziel, Barcelona und Berlin zum Tanzen zu bringen, sondern Paris, Mexico City, Rom und Rio de Janeiro gleich mit.
Mit “Royal Renegades” erscheint nun der dritte Langspieler der Berliner Kamikaze Kings, die sich aus den beiden Bandköpfen Elmo (Gesang) und Rais (Schlagzeug) sowie Gitarrist Conny und Bassist Ace rekrutieren.
KAMIKAZE KINGS – Royal Renegades
Noch bevor die ersten Töne erklingen, fällt auf, dass es von den beiden Chefs der Truppe gefühlt mehr Glamour-Shots auf und in die Verpackung des Tonträgers geschafft haben als Songs. Bescheidenheit in Sachen Selbstdarstellung kann man den Herren schon Mal nicht attestieren…!
Kommen wir also zum Wesentlichen, der Musik: Kamikaze Kings spielen Hardrock und melodischen Heavy Metal, der sich ähnlich in Pose schmeißt wie seine Protagonisten. Vom groovenden Rocker („Live To Rock“), der Uptempo-Nummer („Powerbreaker“), bis zur unausweichlichen Power-Ballade „Helden sterben nie“ (!?) reicht das Repertoire, das kein Klischee des Genres ausläst. Ein bisschen Twisted Sister, etwas W.A.S.P. und eine Spur Judas Priest, fertig ist das Soundgebräu der Hauptstädter
Obendrauf gibt’s noch zwei Duette mit Lay Down Rotten-Frontmann Jost Kleinert („Infernal Bloodbound“ und Iris Boanta von She Got Balls („Steel On Steel“).
„Royal Renegades“ bietet viele Fotos, viele Songs, viel Substanz. Ähm, bitte streicht letzteres…!
KAMIKAZE KINGS – Royal Renegades (7hard / Membran)
Richtig geiles Geknüppel haben die Schweden Snake Tongue im Angebot, das sie dem geneigten Krach-Connaisseur großzügig auf ihrem Debüt „Raptor’s Breath“ kredenzen.
SNAKE TONGUE – Raptor’s Breath
Die 2014 gestartete Kapelle aus dem Land der Elche bollert sich in straffen 28 Minuten durch 9 Tracks, die sich in einer Schnittmenge aus Hardcore, Metal und dreckigem Rock’n’Roll befinden.
Außer beim stampfenden „Lashes“ geht es zumeist auf der Überholspur durchs heimische Unterholz, wobei trotz aller Rohheit und unbändiger Wucht genügend Platz für technische Versiertheit bleibt.
Eine Spur Crust verleiht dem Ganzen noch eine punkige Attitüde. Songs wie „The Horror“ oder das anschließende „Ghost Dance“ ballern direkt und ohne Gnade in die Fresse. Sänger Patrik shoutet fies und wutentbrannt die Lyrics heraus, während die Gitarren nicht selten sogar Slayer-Anleihen erkennen lassen.
Gemixt hat „Raptor’s Breath“ kein geringerer als Kurt Ballou (Converge), der die Scheibe natürlich super findet. Zu Recht, kann man nur attestieren! Und wer Converge und Konsorten sowieso super findet, der wird auch Snake Tongue… Na, ihr wisst schon!
Neben Locations wie Pacha, Ocean Beach Club, Amnesia, Eden, Space oder dem Beachouse zählt der Nassau Beach Club wohl zu den bedeutendsten Clubs auf der Balearen-Insel Ibiza.
Various Artists – ’’Nassau Beach Club Ibiza 2016” (Kontor Records)
Seit dem Jahre 2008 sind diverse Compilations unter dem Titel “Nassau Beach Club Ibiza“ veröffentlicht worden.
Gerade ist die 2016er-Edition erschienen, die gekonnt die Genres Lounge und Deep House verschmelzen lässt.
Versammelt sind auf der brandneuen Compilation unter anderem Acts wie Tube & Berger, Rae & Christian, Eli & Fur, Eagles & Butterflies feat. J.U.D.G.E., Aaron McClelland, Fernando, Sweed feat. Jalana, Denis Yashin, Nora En Pure, Purple Disco Machine, Micky More & Andy Tee oder Jan Blomqvist feat. Elena Pitoulis.
Als Standout-Tracks der sommerlich gefärbten Kollektion seien hier mal “Let`s Get Physical“(Aaron McClelland), “Finally (Holter & Mogyoro Remix)“ (Sweed feat. Jalana), “Ibiza Moments“ (Alex Kentucky & Ivan Garci), “Highness (Superlover Remix)“ (Tube & Berger), “Love (Hayze Remix)“ ( Eagles & Butterflies feat. J.U.D.G.E.) und “More“ (Jan Blomqvist feat. Elena Pitoulis) genannt.
Zusammengestellt und gemischt wurde die Doppel-CD übrigens von den DJs Alex Kentucky und David Crops.
Fazit: 28 erlesene Tracks im Spannungsfeld zwischen Lounge und House haben Platz auf dem vortrefflichen Sampler gefunden, der mit balearischem Flair ausgestattet ist und wunderbar zum Chillen, Entspannen und zur Alltagsflucht geeignet ist.
Hier gibt es den offiziellen Minimix zur Compilation:
Tracklist:
CD1 – Mixed by Alex Kentucky
01. Eagles & Butterflies feat. J.U.D.G.E. – Love (Hayze Remix)
02. Oxen Butcher feat. Lisa Eaton – Love & Happiness
Various Artists – “Mayday 2016 – Twenty Five“ (Kontor Records/Edel)
Seit mittlerweile 25 Jahren gibt es nun mittlerweile die beliebte Indoor-Rave-Veranstaltung Mayday, die alljährlich die Tanzjünger in die Westfalenhallen (Dortmund) lockt.
Zum Jubiläum – die Mayday findet in diesem Jahr am 30. April unter dem Motto “Twenty Five“ statt – darf natürlich nicht die traditionelle Mayday-Compilation fehlen.
Auf dem 3-CD-Set ist selbstverständlich alles zu finden, was im Techno- und House-Bereich derzeit angesagt ist. Die Tracklist offeriert so illustre Namen wie Hardwell, Afrojack, Armin van Buuren, Robin Schulz, Tiësto, twoloud, Dimitri Vegas & Like Mike vs W&W, Tube & Berger, John Dahlbäck, Gestört Aber GeiL, Cuebrick, Tom Novy, Jan Blomqvist, Sono oder Sven Väth.
Als diesjährige offizielle Hymne fungiert übrigens der Track “Twenty Five (Jerome’s Official Anthem Mix)” von “Friends of Mayday”, der auch als Appetizer für den Sampler fungiert.
Viele weitere trendige Tunes des 3-CD-Sets präsentieren sich als absolute Dancefloor-Filler. Genannt seien an dieser Stelle mal einige Aushängeschilder der Zusammenstellung: “Show Me Love (MOGUAI Remix)“ (Robin Schulz & J.U.D.G.E.), “Arcade“ (Dimitri Vegas & Like Mike vs W&W), “Hollywood“ (Hardwell & Afrojack), “Geh Nicht Weg (Sean Finn Remix)“ ( Gestört Aber GeiL & Marc Narrow), “Heading Up High (Dimitri Vegas & Like Mike vs Boostedkids Mix)“ (Armin van Buuren Feat. Kensington), “In the Shadows (Joeski Remix)“ (Tube & Berger & Ante Perry), “Forgive Me“ (Lexer) und “More“ (Jan Blomqvist feat. Elena Pitoulis).
Hier der Official Minimix zur Compilation “Mayday 2016 – Twenty Five“ :
Various Artists – “Mayday 2016 – Twenty Five“ (Kontor Records/Edel)
Kurze Zeit, nachdem in Miami die alljährliche Winter Music Conference stattgefunden hat, auf der sich seit 1985 unter anderem Produzenten, DJs und Label-Betreiber treffen, wobei die elektronische Tanzmusik voll und ganz im Mittelpunkt steht, erscheint die 2016er-Ausgabe der Compilation “Miami Sessions“, die wie immer vom DJ-Duo Milk & Sugar zusammengestellt und gemischt wurde.
Verortet irgendwo zwischen Deep House und Electronica sind die 34 Tracks, die auf der neuesten Ausgabe unter anderem von Tube&Berger, Ben Ashton, Aka Aka & Thalstroem, Oliver Schories, Andhim Feat. Super Flu, Kort & Elementary, Sonny Fodera, Lissat & Voltaxx, Purple Disco Machine, Simion, RÜFÜS, Boris Dlugosch, Riva Starr oder Sascha Braemer dargeboten werden.
Zum Anteasen der Doppel-CD empfehle ich euch die verträumte Deep House-Perle “Will You Be Gone“ (Lissat & Voltaxx), die durch die bezaubernden Vocals von Jenniffer Kae noch veredelt wird, und “Won’t Stop Loving You“ (Kort & Elementary), einen Ohrwurm-Hybriden aus House und Soul.
Freuen darf man sich auch auf die brandneue Single vom DJ-Duo Milk & Sugar, die mit keiner Geringeren als Barbara Tucker aufgenommen wurde: “My Lovin“.
RYKKA geht für die Schweiz ins ESC-Rennen mit „The Last Of Our Kind“
RYKKA – „The Last Of Our Kind“ (Little Jig Records)
Zurückgezogen in die Hügel am Zürichsee und in die kanadische Wildnis nahe Vancouver, hat Rykka fieberhaft Songs geschrieben und an ihrem neuen Sound geschliffen. Die Songwriterin ist ein Multitalent: Als Christina Maria gab sie ihr Debüt mit akustischer Folkmusik, bevor sie sich als Rykka neu erfand und mit ihrer eigenen Interpretation von Alternative Pop für Aufsehen sorgte.
Ihre neue Single «The Last Of Our Kind» ist eine pathetisch-romantische Ballade über das Einstehen für die Liebe am Ende der Welt. Produziert wurde die Single von Warne Livesey in Toronto in einem ehemaligen Klostergebäude. Dazu nahm Rykka ihren Gesang in Belalp in den Walliser Alpen auf. Nach ihrem Sieg an der Endausscheidung in der Schweiz wird Rykka nun die Ehre zuteil, ihr Heimatland am «Eurovision Song Contest» 2016 in Stockholm zu vertreten.
Ihr Album «Beatitudes» ist eine Hommage an die Götter des Pop, mit pulsierenden Beats, eingängigen Refrains, aber auch ruhigeren, intimeren Zwischentönen. Für 2016 ist eine Tournee geplant. Das Album erscheint im Herbst.
Live:
13.05. Stockholm, Schweden – 2. Eurovision Halbfinale
PHIL COLLINS ‘TAKE A LOOK AT ME NOW’-Retrospektive geht in die dritte Runde: „No Jacket Required“ und „Testify“ in Extended und Remastered Editions am 15. April!
Nach „Face Value“ und „Both Sides“ (Kritik hier…) sowie „Dance Into The Light“ und „Hello, I Must Be Going!“ (Kritik hier…) präsentiert uns PHIL COLLINS diesmal Album Nr. 3 und Album Nr. 7 aus seinem Schaffen. Beide Alben, sowohl „No Jacket Required“ als auch „Testify“ wurden komplett neu remastert und für die CD- und Download-Versionen um Bonus-Tracks erweitert.
PHIL COLLINS – „No Jacket Required“ (Atlantic/Warner)
„No Jacket Required“ erschien das erste Mal am 25. Januar 1985 und ist das erste Nr. 1 Album aus seinem Schaffen und es enthält mit „Sussudio“ seinen zweiten Nr. 1 Hit in den USA (nach der Soundtrack-Auskopplung „Against All Odds“ aus dem Jahr 1984). In Deutschland dagegen kam keine der vier Singles – neben „Sussudio“ noch „One More Night“, „Take Me Home“ und „Don’t Lose My Number“ – über Platz 10 der Charts hinweg. Zwei Besonderheiten zeichnen das Album aus: Zum einen konnte Collins für zwei Songs prominente Gastmusiker gewinnen – Sting für „Long Long Way to Go“ und seinen ehemaligen Genesis-Kollegen Peter Gabriel für „Take Me Home“ – zum anderen gab es erstmalig mit „We Said Hello Goodbye“ einen Bonus-Track für die CD-Veröffentlichung.
Phil Collins – Sussudio (Official Music Video):
Die Neuauflage bietet neben den elf Songs des Original-Albums noch eine Bonus-CD mit dreizehn Songs, davon zehn Live-Tracks, die bisher nicht auf CD erhältlich waren, und drei Demos.
PHIL COLLINS – „Testify“ (Atlantic/Warner)
„Testify“ kam am 12. November 2002 in die Plattenläden. An den Erfolg der vorherigen Alben konnte es nicht mehr anknüpfen. Am erfolgreichsten war es noch in Deutschland, wo es Platz 3 erreichte. Alle drei Single-Auskopplungen – die Leo Sayer Cover-Version „Can’t Stop Loving You“, „The Least You Can Do / Wake Up Call“ sowie „Look Through My Eyes“ – waren ebenfalls nicht sehr erfolgreich. Großes Manko des Albums und damit sind wir wieder beim Hauptkritikpunkt seines gesamten Schaffens aus der Sicht der Kritiker: die meisten Stücke fallen balladesk aus und folgen einem simplen Strophe-Refrain-Schema. Zumindest für „Testify“ lässt sich diese Kritik uneingeschränkt unterschreiben.
Die überarbeitete und remasterte Version von „Testify“ bietet neben den zwölf Songs des Original-Albums ebenfalls eine Bonus-CD mit insgesamt 10 Tracks, davon vier B-Seiten, zwei Demos und vier bisher nicht auf CD veröffentlichte Live-Aufnahmen, wobei eine davon („True Colors“) während eines Probedurchlaufs entstand.
Wie bei den vorhergehenden Re-Issues fehlen auch bei diesen beiden wieder die Infos zu den Bonus-Tracks. Laut Presse-Info wissen wir, dass sich auf „No Jacket Required“ zehn und auf „Testify“ vier „bisher nicht auf CD veröffentlichte Live-Aufnahmen“ befinden. Doch wo, wann und wie diese Songs ihre erste Veröffentlichung fanden, gibt auch diesmal weder das Info noch die Booklets der CDs preis. Gleiches gilt auch für die Demo-Tracks und die B-Seiten. Auch hier fehlen jegliche Infos.
Schade bleibt wie immer nur zu sagen. Schade, dass von einem Künstler in der Größe eines Phil Collins nur so wenig Info kommt. Schade!
Die Phil Collins-Editionen können in allen Konfigurationen hier vorbestellt werden: philcollins.de/#alben
Original tracklisting, remastered:
01. Sussudio
02. Only You Know and I Know
03. Long Long Way to Go
04. I Don’t Wanna Know
05. One More Night
06. Don’t Lose My Number
07. Who Said I Would
08. Doesn’t Anybody Stay Together Anymore
09. Inside Out
10. Take Me Home
Bonus tracks, CD und nur in digitalen Formaten:
01. Sussudio (live) *
02. Don’t Lose My Number (live) *
03. Who Said I Would (live) *
04. Long Long Way To Go (live) *
05. Only You Know and I Know (live) *
06. Easy Lover (live) *
07. Inside Out (live) *
08. Doesn’t Anybody Stay Together Anymore (live) *
09. One More Night (live) *
10. Take Me Home (live) *
11. Only You Know And I Know (demo)
12. One More Night (demo)
13. Take Me Home (demo)
*bisher nicht auf CD erhältlich
‘Testify’
Original tracklisting, remastered:
01. Wake Up Call
02. Come with Me
03. Testify
04. Don’t Get Me Started
05. Swing Low
06. It’s Not Too Late
07. This Love This Heart
08. Driving Me Crazy
09. The Least You Can Do
10. Can’t Stop Loving You
11. Thru My Eyes
12. You Touch My Heart
Bonus tracks, CD and digital formats only:
01. High Flying Angel (B-side)
02. Crystal Clear (B-side)
03. Hey Now Sunshine (B-side)
04. TV Story (B-side)
05. True Colors (live rehearsal) *
06. Come With Me (live) *
07. It’s Not Too Late (live) *
08. Can’t Stop Loving You (live) *
09. It’s Only Loving (demo)
10. Tearing and Breaking (demo)
* bisher nicht auf CD erhältlich
Die Retro-Hardrocker von KADAVAR geben sich am 19. 08. 2016 die Ehre im Osnabrücker Rosenhof.
KADAVAR PR-Foto
Mit ihrem letzten Album „Berlin“ konnten die bärtigen Männer allseits erstklassige Kritiken einfahren. Nun präsentiert das Power-Trio ihr neues Material auch livehaftig in unserer Region.
Eine rockige Vollbedienung dürfte garantiert sein!
PAUL YOUNG – Neues Album „Good Thing“ erscheint am 15.04.
PAUL YOUNG – „Good Thing“ (New State Music / Baked Recordings / ADA / Warner)
Good Thing ist eine gute Sache: Eine große Kollektion von Klassikern, aber auch unterschätzten Insider-Hits des R&B, die von einem der besten Soul-Sänger aufgenommen wurden, die England je hervorgebracht hat: PAUL YOUNG! Es ist zwar das erste „richtige Album“, das der Brit-Award Gewinner nach langer, langer Zeit nun aufgenommen hat, doch schon in jenem Moment, wenn er den ersten Ton von Al Greens mitreißendem L-O-V-E anstimmt, ist es, als wäre er nie fort gewesen.
Good Thing erscheint 35 Jahre nachdem PAUL zum ersten Mal auf der Pop-Szene auftauchte: Zunächst mit der Street Band, die mit Toast im Jahr 1978 einen ersten UK-Hit ablieferten, dann mit den Bläser-gesättigten R&B-Querläufern Q-Tips, die Producer Mickie Most einst als die beste Live-Bands der Insel bezeichnete. Als Solokünstler feierte er gigantische Erfolge mit Wherever I Lay My Hat (That’s My Home) und Love Of The Common People, das in Deutschland 1983 Platz 5 der Charts erreichte. Er glänzte sowohl bei Live Aid als auch auf dem Band Aid-Track Do They Know It’s Christmas. Schließlich brach er auch die Herzen der amerikanischen Fans mit Everytime You Go Away. Auf beiden Seiten des Atlantiks gehörte er zu den größten Stars in der Ära der achtziger Jahre.
Wenn PAUL YOUNG in den späten neunziger Jahren und danach nur wenig in Erscheinung trat, hatte das nichts mit Faulheit zu tun. Der Grund dafür ist ganz einfach: Er war zunächst ausgiebig auf Tournee und er war sich nicht sicher, welchen Weg er nach seinem siebten Album Paul Young (1997) einschlagen sollte. „Ich weiß selbst nicht, was ein typisches Paul Young-Album eigentlich ist“, so erklärt er selbst und ist dabei wild entschlossen, sich wieder ins Getümmel zu werfen. „Es war von Album zu Album jedes Mal anders. Zwischen Song 1 und Song 12 waren auf jedem Album immer viele unterschiedliche Stile vertreten. Es war schwierig, genau zu bestimmen, was von mir erwartet wurde. Also habe ich es immer wieder verschoben.“ Schließlich entschied er, dass es „Zeit war, zu meinen musikalischen Wurzeln zurückzukehren“ – zum Soul der 60er und 70er Jahre, zur Musik von Stax, Motown und Memphis
Das ergibt einen Sinn, denn das erste Album, das PAUL YOUNG sich in seiner Jugend in Luton, wo er aufwuchs, zulegte, war das Greatest Hits-Album von Stevie Wonder. Im Anschluss entdeckte er die rauen und zarten Vertreter wie Otis Redding und Sam & Dave, Joe Tex und Wilson Pickett. So ging er zurück in die Vergangenheit, um die Zukunft zu finden.
„Ich begann zu denken wie ein Musiker“, erinnert er sich. „Ich wollte wissen, wo die 70er, der Philly-Soul und Disco, ihre Wurzeln hatten.
Ich hörte mir Cover-Alben an wie Bowies Pin Ups von 1973 und Bryan Ferrys These Foolish Things, das auch 1973 erschien. Sogar die Beatles und die Stones fingen an, indem sie andere Künstler coverten – so fanden sie ihren eigenen Stil – und ich fand nie, dass sie sich dafür schämen mussten. Ich entdeckte das große Können von Interpreten wie Rod Stewart, Tony Bennett und Frank Sinatra.“
Auf Good Thing ist PAULs Vision reiner, wenn auch mit einem gewissen Sinn für das Spielerische. Und wer hätte seine Rückkehr ins Studio besser unterstützen können als Arthur Baker, der DJ und außergewöhnliche Producer, dessen bahnbrechendes Werk seit den späten 70ern in die Geschichtsbücher eingegangen ist – im Hip-Hop mit Afrika Bambaataa und Planet Petrol und im elektronischen Pop mit New Order und den Pet Shop Boys? Schließlich wird er aus gutem Grund auch „Pate des Elektro“ genannt. Aber wird das Publikum vom Zusammentreffen von Baker und YOUNG nicht sehr überrascht sein?
„Nun ja, man kennt mich als Pate des Elektro, aber ich habe schließlich auch mit Al Green zusammengearbeitet“, erwidert Arthur. „Mein Herz schlägt für diese Art von Alben. Ich war ein großer Fan aller dieser Songs, als sie zum ersten Mal herauskamen.“
Nun also erlebt man sie wieder zusammen, auf ihrem ersten Projekt in Albumlänge. Die ursprüngliche Idee dafür war, dass ein einziger Künstler – PAUL YOUNG – sich „an ein bestimmtes Repertoire eines Publishers“ heranarbeitet, in diesem Fall des East Memphis Publishing House. Ein logischer Schritt angesichts PAULs Liebe zum Southern- und Memphis-Soul. Er hatte 1984 ja bereits einen Top-10-Hit mit Ann Peebles I’m Gonna Tear Your Playhouse Down.
Das Ergebnis zeigt sich aber letztendlich wesentlich breiter angelegt als geplant. Und so stößt man auf Songs wie die erste Single L-O-V-E, Slipped, Tripped And Fell in Love von Peebles, Touch A Hand, Make A Friend von den Staple Singers, Eloise (Hang On In There) von William Bell, Eddie Floyds Big Bird, Johnny Taylors I Believe In You (You Believe In Me), Lou Rawls Your Good Thing (Is About To End) und den Bee Gees-Klassiker Words.
„Ich hatte diese Idee, Coverversionen von Lieblingssongs mit Künstlern aufzunehmen, mit denen ich bereits zusammengearbeitet hatte“, erklärt Arthur Baker. „Stimmklassiker, die Songklassiker aufnehmen. Paul war der erste, der mir dazu einfiel.“
Das Tracklisting für Good Thing entstand dann in einer atemlosen „Plattensammler-Session“, wie PAUL es nennt, in der er und Arthur Vorschläge austauschten.
„Es ging die ganze Zeit so: ‚Was ist hiermit, was ist damit?“, erinnert sich PAUL an die aufregende Fan-Boy-Aktion. Dabei mieden sie zumeist die ausgetretenen Pfade, zu denen zum Beispiel auch R.E.S.P.E.C.T. gehört, und entschieden sich im Zweifelsfalle für die unbekannteren Optionen.
„Wir haben versucht, nicht gerade die augenfälligen Songs auszusuchen“, so PAUL. „Viele von ihnen bewegten sich unter dem Radar, aber es sind trotzdem sehr gute Songs. Ich glaube, das ist etwas, was ich immer getan habe: Weniger bekannte Künstler auf den Tisch zu bringen, Sänger mit unglaublichen Stimmen wie Johnnie Taylor, aber auch Songs, die vielleicht nicht die Top-20 erreichten, die aber eine hohe Qualität haben. Das ist das, was das Album macht: eben diese aus der Versenkung zu holen.“
Arthur Baker fungierte als Executive Producer, die tägliche Arbeit wurde James Hallawell übergeben, der seine Fähigkeiten schon mit Stereo MCs, The Waterboys, David Gray und anderen bewies.
Arthur, Paul und James sind alle einer Meinung: Good Things ist ein zeitloses Vergnügen. Ein purer Genuss für alle, die bläsergesättigten, leidenschaftlichen R&B lieben. Die Performances jedes einzelnen Instruments sind absolut makellos und bringen den Ansatz des Albums auf den Punkt, die Produktion könnte nicht authentischer sein und PAULS Gesang erweckt die Soul-Ära zu neuem Leben. Er macht mit Words von den Bee Gees das, was Al Green mit How Can You Mend A Broken Heart gemacht hat: Er tränkt es mit Memphis-Feuer und großem Können.
Gab es ein bestimmtes Publikum, das sie im Sinn hatten, als die das Album aufnahmen? „Nein, wir haben auf kein besonderes Publikum abgezielt“, erklärt PAUL. „Es ist ein Album geworden, das man überall hören kann – wenn man herumfährt, oder wenn man zuhause ist und mit Freunden ein gutes Essen und einen Drink genießt.“
„Wir wollten einfach großartige Songs aufnehmen und ein großartiges Album daraus machen“, ergänzt Arthur und bringt damit das Konzept von Good Things auf den Punkt. „Meine Idee war ja, einen großartigen Sänger einige großartige Songs singen zu lassen. Ich meine, was kann da schiefgehen?“
ALEX DIEHL mit Pre-Listening zum neuen Album „Bretter meiner Welt“, VÖ: 15.04.16
ALEX DIEHL – „Bretter meiner Welt“ (Electrola/Universal)
Mit Säge, Pinsel und Hammer sieht man Alex Diehl (28) im Booklet des zweiten Albums (VÖ: 15.04.) seine eigene kleine Bühne bauen, die dann als „Bretter meiner Welt“ auf dem Cover zu sehen ist. Es war seine eigene Idee, die im Grunde alles darstellt, um was es Alex geht. Er macht sein eigenes Ding und erfüllt sich hier seinen größten Wunsch. Er wollte immer schon professionell Musik machen und das mit größtmöglicher Ehrlichkeit – auch in der Produktion. Echte Instrumente, Verstärker und ein analoges Aufnahmeverfahren bestimmen den Sound.
„Es war mir wichtig, ein echtes Cello mit allen Nebengeräuschen wie dem Strich über die Saiten auf Band zu haben. Das entspricht vielleicht nicht den aktuellen Hörgewohnheiten, aber genau so sollen meine Songs klingen.“ Der Titelsong „Bretter meiner Welt“ führt uns auch gleich mit kraftvoll, sphärischen Analogsounds in Alex musikalischen Kosmos. Er tritt „aus dem Schatten ins Licht“, hinauf auf die Bretter seiner selbst gebauten Welt aus Musik.
Neben Songs mit aufrichtigen Botschaften sind auf „Bretter meiner Welt“ auch sehr persönliche, autobiografische Songs. Sehr bewegend ist die von Piano und romantischen Celloklängen umrahmte Ballade „Bitte werde nie ein Song“. Entstanden ist der Song nach der Frage seiner Freundin, warum er immer nur Liebeslieder für seine Verflossenen geschrieben hat: „Ich war wirklich überrascht von der Frage“, erinnert sich Alex. „Ich bemerkte nach kurzem Nachdenken, dass meine Liebeslieder im Grunde immer Abschiedslieder waren. Also habe ich als Antwort auf ihre Frage diesen Song geschrieben.“ Entstanden ist so ein „Liebeslied um die Ecke“, das zu den schönsten seiner Art gezählt werden darf.
Ein Abschiedslied in tiefer Melancholie ist die Ballade „In meiner Seele“. Wo immer man die Seele in der Musik auch suchen mag, hier ist sie zu finden. Ähnlich verhält es sich mit dem eindringlichen Song „Silvester“, den Alex an einem alten Klavier in einer abgelegenen Pension irgendwo im Saarland auf Tour geschrieben hat. Er ist für seinen verstorbenen Freund David, der auch der erste Pianist in seiner Band war, als er 2010 anfing auf Deutsch zu schreiben und zu singen. Das Lied ist eine mit sanfter Steigerung zum Höhepunkt strebende Pop-Ballade, die den Blick hoch zum Himmel schickt. Gerade auch weil Lieder über den Tod immer mit sehr viel Gefühl, Trauer und Blick auf die eigene Endlichkeit verbunden sind. Um überlebenswichtigen Lebensmut in harten Krisenzeiten geht es in dem Folk-Rockigen Song „Hör auf“. Egal was auch immer schief geht, „hör auf dein Herz“ und steh wieder auf.
The Wedding Party Massacre – neue EP mit sechs neuen Videos – „Love Returns“, EP-VÖ: 15.04.16
The Wedding Party Massacre – „Love Returns“
Pop und Posse, das ist The Wedding Party Massacre – eine Band, die auf keiner guten Hochzeit fehlen darf. Sie mischt grosse Melodien, fette Beats, Fanfaren und Gitarrensoli mit Visuals und Tanzeinlagen. Am 15. April veröffentlicht The Wedding Party Massacre mit „Love Returns“ eine digitale EP aus sechs Songs, begleitet von sechs Videoclips.
Video Nr. 1: „TAYLOR SWIFT“:
Unser Planet ist der beste Beweis dafür, dass Schönheit und Grausamkeit zur selben Zeit am selben Ort auftauchen können. The Wedding Party Massacre zelebriert diese Kontraste: Ohne uns die Freude an der Party zu verderben, begleitet uns die Band musikalisch bis zum Abgrund. Dazu inszeniert sie sich in hoch stilisierten schwarz-weiss Bildern, lupenrein, gestochen scharf. Dieser klaren, konsequenten Bildsprache ist auch die Nomination von The Wedding Party Massacres „Funeral March“ zum Best Swiss Videoclip (m4music Festival) zu verdanken.
Video Nr. 2: „LED PARADISE“:
Auf ihrer Tournee 2015 vermochte The Wedding Party Massacre mit der beeindruckenden Bühnenshow Publikum und Presse in Staunen zu versetzen. Mal wummert, mal saugt es dich in ein sphärisches Lichterloch, und dann spuckt es dich gebeutelt und zufrieden wieder aus, schrieb das 20 Minuten Friday Magazine. Und die Basellandschaftliche Zeitung schwärmte: Erinnert an die epischen Musik-Clips des Künstlers Woodkid. Vor diesen Filmbildern übernehmen die Musiker die Rolle der Wutbürger, sind radikale Demonstranten, Krawallmacher und Machtusurpatoren zugleich. Sie ballen die Fäuste, recken sie in die Luft und schlagen auf Trommel und Pauke ein, als ob sie zum Kampf anrührten.
Nun vereint die am 15. April erscheinende digitale EP „Love Returns“ sechs Songs von The Wedding Party Massacre. Begleitend dazu gibt es einen Clip zu jedem der sechs Tracks. Wer sich auch live von The Wedding Party Massacre überzeugen will, kriegt dreimal die Gelegenheit: Am m4music in Zürich, in der Kaserne Basel oder der Dampfzentrale Bern.
Das Ding ausm Sumpf – neues Album „raumzeit“, VÖ: 15.04.2016
Das Ding ausm Sumpf – „raumzeit“ (In Bloom Records / Rough Trade)
Wer ist das Ding ausm Sumpf? Mal Musiker. Mal Geschichtenerzähler. Mal Reisender in die eigenen Abgründe. Ein Tanzwütiger. Ein Träumer. Franz Brenninger ist das Ding ausm Sumpf. Zusammen mit Amadeus Gregor Böhm (Elektrik Kezy Mezy) und Cop Dickie (Xavier Naidoo, Giorgio Moroder) hat er das Album „raumzeit“ produziert, das am 15. April 2016 erscheinen wird. Intelligente Texte mit Charme, Witz und Tiefgang zu eingängiger und musikalisch aufregender Musik. Geschichten, die den Zuhörer mitreißen und die es so noch nie gegeben hat: poetisch und unerbittlich zu sich und der Welt.
Das findet auch die Initiative Musik, die Das Ding ausm Sumpf mit hoher Anerkennung für ihre aktuelle Förderrunde, u.a. zusammen mit Moop Mama und Impala Ray, ausgewählt hat.
Video zur aktuellen Single „Auf dem Meer“:
Musikalisch trifft hier die melodienwebende Northern Soul Gitarre eines Amadeus Gregor Böhm auf das pulsierende Beat-Bollwerk eines Cop Dickie. Eingängig und immer raffiniert vermischen sich Garagenrock und Elektro. Dabei bleibt die Musik immer furchtlos vor neuen Einflüssen, so wird z.B. in „Unterm Eis“, ein dunkler Dubstep-Beat von einem eigens durchkomponierten Streichquartett à la Benjamin Britten durchrissen. Die Musik wird so Teil der Geschichte, die erzählt wird, der Geschichte eines Menschen, der das Haus, das gegen ihn Krieg führt, nicht verlassen wird.
Vielseitig und nie platt sind die Geschichten von DAS DAS. Texte, in denen man selbst nach unzähligem Hören noch neue Türen findet, wie in „Auf dem Meer“, in dem man als Zuhörer einen Manager eine Woche lang auf dem Ozean seines Alltags begleitet, vom Yoga zum Shoppen in der Fußgängerzone, von den Nachschichten zum Bett, in dem er Sonntagabend liegt und sich freut, dass endlich wieder Montag ist.
Im letzten Herbst veröffentlichten Mogwai anlässlich ihres 20-jährigen Bandjubiläums die Compilation „Central Belters“, die als Werksschau einen guten Überblick über die musikalische Entwicklung der Post-Rock-Pioniere bot. Mit „Atomic“ gibt es nun neues Material, das den aktuellen Stand im Schaffen der Schotten präsentiert.
MOGWAI – Atomic
Die neuen Tracks sind überarbeitete Versionen von Stücken, die die Band für die Dokumentation „Atomic: Living In Dread and Promise“ für den Fernsehsender BBC Four als Soundtrack komponiert hat. Ein Film, der sich mit den Schrecken und Versprechen des Nuklear-Zeitalters auseinandersetzt. Archiv-Aufnahmen dokumentieren sowohl den Kalten Krieg, Tschernobyl oder Fukushima als auch Errungenschaften wie nuklear-medizinische Scans.
Dass sich die Band mit Scores für bewegte Bilder vorzüglich auskennt, hat sie bereits mehr als einmal bewiesen. Ob nun bei der Fußballer-Doku „Zidane: A 21st Century Portrait“ oder der französischen Wiedergänger-Serie „Les Revenants“, Mogwai besitzen immer ein feines Gespür für Atmosphäre. Umso besser, dass die Soundtracks auch ohne den Screen funktionieren und sie ihre Dramaturgie rein musikalisch zu entfalten wissen.
Dies gilt gleichsam für „Atomic“, das – dem Thema entsprechend – eine durchweg recht bedrückende Stimmung besitzt. Insgesamt sehr elektronisch gehalten, versprühen die Tracks einen eigentümlichen Retro-Futurismus, der sich wie dunkle Science-Fiction in der Realität manifestiert.
Der Synthesizer steht klar im Vordergrund, wenn von den so mächtigen physikalischen Teilchen berichtet wird. Songs wie „Pripyat“ oder das schließende „Fat Man“ sind düstere Abgesänge auf die vom Menschen entfesselten Kräfte, die er nur vermeintlich zu beherrschen weiß.
Mit „Atomic“ reihen Mogwai eine weitere Glanztat in ihre Diskographie ein, gleichwohl ob Soundtrack-Arbeit oder „reguläres“ Album!
MOGWAI – Atomic (Rock Action / PIAS)
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